Dirección y guión: Deepa Mehta. Países: Canadá e India. Año: 2005. Duración: 115 min. Género: Drama. Interpretación: Seema Biswas (Shakuntula), Lisa Ray (Kalyani), John Abraham (Narayan), Sarala (Chuyia), Manorma (Madhumati), Waheeda Rehman (Bhagwati), Kulbushan Kharbanda (Sadananda), Raghuvir Yadav (Gulabi), Vinay Pathak (Rabindra), Ronica Sajnani (Kunti). Producción: David Hamilton. Música: Mychael Danna. Fotografía: Giles Nuttgens. Montaje: Colin Monie. Diseño de producción: Dilip Mehta. Dirección artística: Sumant Jayakrishnan. Vestuario: Dolly Ahluwallia. Estreno en Canadá: 4 Noviembre 2005. Estreno en España: 3 Marzo 2006.
SINOPSIS
La historia transcurre en 1938, en la India colo-nial, en pleno movimiento de emancipación li-derado por Mahatma Gandhi. Según las creen-cias hindúes, cuando una mujer se casa, se convierte en la mitad del hombre. Por lo tanto, si él muere, se considera que la mitad de la esposa ha muerto. Los libros sagrados dicen que una viuda tiene tres opciones: Casarse con el hermano más joven de su marido, arder con su marido o lle-var una vida de total abnegación. Se celebra una boda que bien po-dría ser un entierro: casan a Chuyia (Sarala), una niña de 8 años, con un moribundo que fallece esa misma noche. Se quema su cuerpo en la orilla de un río sagrado y Chuyia se prepara para el destino que han escogido para ella. Se le afeita la cabeza e ingresa en un “ashram” para viudas donde deberá pasar el resto de su vida. El agua es una constante en la película, no sólo como metáfora, si-no también como instrumento. A la orilla del río, Kalyani (Lisa Ray) conoce a Narayan (John Abraham), un joven idealista seguidor de Gandhi, hijo de brahmanes, la casta social más alta de la India. Estudia derecho, está entusiasmado con la revolución social prego-nada por Gandhi y más que dispuesto a rechazar los límites im-puestos por una tradición secular. Con Chuyia actuando como mensajera, su imposible relación empieza a florecer.
trabajo de Javier Recio Gracia y de su gente de Kandor Moon primero fue nominado, con toda justicia, a los Goya, y luego, algunas semanas después, a los Oscar.
A la orilla de un pequeño río se encuentra un lagartijo (Garto), aburrido porque no ocurre nada a su alrededor dormita encima de una piedra tomando el sol. De repente aparece un abejorro (Abe), que tornará su aburrimiento en una arriesgada y divertida aventura.
Cortometraje de 4 minutos dirigido y guionizado por Luis Gómez Guzmán. Música de Óscar Araujo. Sin diálogos.
Durante el periodo de guerra entre estados o Sengoku, un ronin llamado Nanashi, que significa "sin nombre", salva a un niño llamado Kotarou y a su perro Tobimaru en un templo abandonado. Kotarou no tiene familia y es perseguido por una misteriosa organización militar de China, por lo que contrata a Nanashi como guardaespaldas. Nanashi, que ha abandonado su nombre junto a su pasado, ha "sellado" su espada debido a un suceso pasado por el que es atormentado en forma de pesadillas. El encargado de perseguir a Kotarou es un hombre llamado Rarou, que pertenece a la organización de origen chino y que esta bajo las ordenes de un anciano llamado Byakuran, aunque, a diferencia de sus compañeros, Rarou no posee un concepto de "Rey" y solo busca luchar contra el más fuerte. (FILMAFFINITY)
Afro Samurai (アフロサムライ, Afuro Samurai?) es una mini serie de anime u OVA de los estudios GONZO. La historia gira en torno a un samurái con peinado afro que busca la venganza.
El productor de esta serie japonesa es Samuel L. Jackson, él mismo hace la voz del protagonista. La trama de esta serie es muy violenta, con toques de humor y mucha acción, pero sobre todo mucha sangre. Está enfocada hacia un público adulto por su contenido y escenas. Solo consta de 5 capítulos.
Costó alrededor de 1 millón de dólares la producción de cada capítulo de esta serie.
Lo llamativo de esta serie es que se estrenó primero en USA y Canadá donde se emitió a través de Spike TV, a principios del 2007 para luego emitirse en Japón. Esto se debió a que la serie es una producción hecha para captar al mercado estadounidense. Fue hecha íntegramente en Japón por Gonzo, que le compró los derechos a un ignoto mangaka, llamado Takashi Okosaki, el manga original se publicó en una pequeña revista independiente Nou Nou Hau, revista propiedad del mismo Okosaki entre otros colegas. El hecho de que esté hablada en inglés le da un estilo más western hollywoodense bastante novedoso. Entre las voces principales se encuentra ni más ni menos que Samuel L. Jackson, como Afro y también como Ninja Ninja, Ron Perlman (Hellboy) como Justice y Kelly Hu (Lady Deathstrike en X-men 2).
Cada capitulo es una obra de arte en sí mismo, la ambientación hace recordar mucho a dos de los cortos de Animatrix, Program (el de samuráis) y la animación a World record (el del corredor). Las escenas de acción no escatiman en sangre y la espectacularidad de las peleas lleva a no poder sacarle los ojos de encima, sobre todo a la primera escena de lucha aérea (por arriba de las nubes) en una serie de samuráis. Afro es capaz de cortar misiles y proyectiles de todo tipo. La serie esta novedosamente musicalizada con hip hop de fondo sobre las peleas, el soundtrack fue realizado por el músico RZA. La serie da para una continuación o para varias mientras Afro lleve una de las dos cintas siempre habrá alguien que busque su cabeza.
5 Centímetros por Segundo(秒速５センチメー トル,Byōsoku Go Senchimētoru?), con el subtítulo "una colección de historias sobre la distancia." es una película de anime dirigida por Makoto Shinkai. La película se finalizó el 22 de enero de 2007. La primera parte de la película se estrenó en Yahoo! Japón para miembros exclusivos desde el 16 al 19 de febrero de 2007. El 3 de marzo de 2007, la película completa se estrenó en los diferentes cines siendo el primero en Cinema Rise en Shibuya, Tokio. La película se divide en tres partes: Extracto de sakura(桜花抄,Ōkashō?), Cosmonauta(コスモナウト,Kosumonauto?), y 5 Centímetros por Segundo(秒速5センチメートル,Byōsoku 5 Senchimētoru?). El DVD fue lanzado el 19 de julio de 2007. Makoto Shinkai había expresado que, a diferencia de sus últimos trabajos, no habría fantasía o elementos de ciencia ficción en esta película. En su lugar, la película procuraría presentar un mundo verdadero desde una diferente perspectiva. La película de Makoto da una vista realista de las luchas que muchos hacen frente contra del tiempo, del espacio, de la gente, y del amor. El título 5 centímetros por segundo viene de la velocidad a la cual los pétalos de sakura caen del árbol, los pétalos que son una representación metafórica de los seres humanos, evocadora de la lentitud de la vida y de cómo la gente comienza a menudo junta pero lentamente se van separando y toman caminos diferentes.
Argumento
La historia inicia en un Japón a comienzos de 1990 finalizando en un día más moderno, centrándose en un chico llamado Takaki Tōno.
Episodio 1: Extracto de sakura
En la graduación de la escuela primaria, Takaki Tōno y su amiga Akari Shinohara tienen que separarse. Akari se muda a Tochigi debido a los trabajos de sus padres, mientras que Takaki iría a una escuela secundaria en Tokio. Los dos deciden mantenerse en contacto mediante cartas, pero a pesar de los sentimientos que existieron entre ellos, la única cosa que persistió era tiempo. Cuando Takaki se entera que su familia se mudará a Kagoshima, él decide ir a ver a Akari, debido a que le será muy difícil seguirla viendo luego de su mudanza. Sin embargo, cuando llega el día, una severa tempestad de nieve retrasa por varias horas el viaje de Takaki, lo cual lo hunde en el desaliento y la desesperación sobre todo cuando la carta que el le escribió a Akari se la llevo el viento en esa carta el le declaraba todo su amor. Finalmente, cuando el tren se detiene en la estación donde se reunirían, se sorprende al darse cuenta de que, a pesar de lo tarde, Akari lo ha estado esperando. Tras un breve reencuentro, ambos abandonan la estación y caminan en la noche atravesando un campo lleno de nieve en ese momento se detienen y ella se acuerda de los pétalos de cerezo que caían eran muy parecido a la nieve en ese momento se dan un beso el cual se dan cuenta que esto nunca va a funcionar y deciden ir a la estación del tren para despedirse, Takaki le dice que será muy difícil desde ahora permanecer juntos y que las circunstancias poco a poco los está separando así que deciden no escribirse más y se alejan.
Episodio 2: Cosmonauta
Takaki se encuentra en el tercer año de la secundaria superior en Tanegashima, donde se localiza Centro Espacial Tanegashima. Kanae Sumita, una compañera de clase de Takaki, tiene un afecto especial sobre él, pero no tiene aún el coraje para expresar sus sentimientos. Luego, ella se da cuenta que Takaki siempre mantiene una mirada "perdida", como si buscara algo más allá del horizonte. Aunque ella ama a Takaki, Kanae entiende que él está buscando algo más en otro lugar, algo que ella no le podrá ofrecer.
Episodio 3: 5 centímetros por segundo
Ahora es 2008, y los tres personajes han tomado caminos diferentes. Takaki ahora es un informático en Tokio, y Akari se está preparando para su matrimonio. Un día, Takaki sale y piensa que el rostro de una persona al estar cruzando un carril de tren le es muy familiar. Desconcertado por el encuentro, él intenta mirar detrás, pero un tren pasa y corta su visión.
TÍTULO ORIGINAL Okuribito (Departures) AÑO 2008 DURACIÓN 131 min. Trailers/Vídeos PAÍS [Japón] DIRECTOR Yojiro Takita GUIÓN Koyama Kundo MÚSICA Joe Hisaishi FOTOGRAFÍA Takeshi Hamada REPARTO Masahiro Motoki, Tsutomu Yamazaki, Ryoko Hirosue, Kazuko Yoshiyuki, Kimiko Yo, Takashi Sasano, Tôru Minegishi, Tetta Sugimoto, Yukiko Yachibana, Tatsuo Yamada PRODUCTORA Amuse Soft Entertainment WEB OFICIAL http://www.golem.es/despedidas PREMIOS 2008: Oscar: Mejor película de habla no inglesa GÉNERO Drama SINOPSIS Daigo Kobayashi, antiguo violoncelista de una orquesta que se acaba de disolver, acaba vagando por las calles sin trabajo y sin demasiada esperanza. Por ello decide regresar a su ciudad natal en compañía de su esposa. Allí consigue un empleo como enterrador: limpia los cuerpos, los coloca en su ataud y los envía al otro mundo de la mejor forma posible. Aunque su esposa y sus vecinos contemplan con desagrado este puesto, Daigo descubrirá en este ritual de muerte la chispa vital que le faltaba a su propia vida. (FILMAFFINITY)
CRÍTICAS ---------------------------------------- "De tono excéntrico y con una música fastuosa (...) La fascinante mirada a una profesión única salva la manipulación emocional del film y su considerable duración" (Eddie Cockrell: Variety) ---------------------------------------- "No es difícil verle las costuras sensibles ni a la historia ni al modo de contarse (...) pero más fácil es aún ver lo que tiene de bueno, de útil, de conmovedor y de eterno. (...) Puntuación: *** (sobre 5)." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC) ---------------------------------------- "Constante tránsito entre lo dramático y lo cómico, entre la carga de profundidad y el recurso distanciador. (...) perfecto ejercicio de estilo orientado a seducir al público global" (Jordi Costa: Diario El País) ---------------------------------------- "Pintoresca producción nipona, que alcanza a agradar a todo tipo de públicos aligerando la gravedad y la trascendencia de la muerte, sin trivalizarla, con divertidos destellos de comedia (...) Puntuación: *** (sobre 5)." (Alberto Bermejo: Diario El Mundo) ----------------------------------------
Dirección y guión: Deepa Mehta. Países: Canadá e India. Año: 2005. Duración: 115 min. Género: Drama. Interpretación: Seema Biswas (Shakuntula), Lisa Ray (Kalyani), John Abraham (Narayan), Sarala (Chuyia), Manorma (Madhumati), Waheeda Rehman (Bhagwati), Kulbushan Kharbanda (Sadananda), Raghuvir Yadav (Gulabi), Vinay Pathak (Rabindra), Ronica Sajnani (Kunti). Producción: David Hamilton. Música: Mychael Danna. Fotografía: Giles Nuttgens. Montaje: Colin Monie. Diseño de producción: Dilip Mehta. Dirección artística: Sumant Jayakrishnan. Vestuario: Dolly Ahluwallia. Estreno en Canadá: 4 Noviembre 2005. Estreno en España: 3 Marzo 2006.
SINOPSIS
La historia transcurre en 1938, en la India colonial, en pleno movimiento de emancipación li-derado por Mahatma Gandhi. Según las creencias hindúes, cuando una mujer se casa, se convierte en la mitad del hombre. Por lo tanto, si él muere, se considera que la mitad de la esposa ha muerto. Los libros sagrados dicen que una viuda tiene tres opciones: Casarse con el hermano más joven de su marido, arder con su marido o llevar una vida de total abnegación. Se celebra una boda que bien podría ser un entierro: casan a Chuyia (Sarala), una niña de 8 años, con un moribundo que fallece esa misma noche. Se quema su cuerpo en la orilla de un río sagrado y Chuyia se prepara para el destino que han escogido para ella. Se le afeita la cabeza e ingresa en un “ashram” para viudas donde deberá pasar el resto de su vida. El agua es una constante en la película, no sólo como metáfora, si-no también como instrumento. A la orilla del río, Kalyani (Lisa Ray) conoce a Narayan (John Abraham), un joven idealista seguidor de Gandhi, hijo de brahmanes, la casta social más alta de la India. Estudia derecho, está entusiasmado con la revolución social pregonada por Gandhi y más que dispuesto a rechazar los límites impuestos por una tradición secular. Con Chuyia actuando como mensajera, su imposible relación empieza a florecer.
Ciudad de Dios (en portugués: Cidade de Deus) es una película brasileña de drama criminal del año 2002 (distribuida fuera de Brasil en el 2003). Fue dirigida por Fernando Meirelles y Kátia Lund. Fue adaptada de una novela del mismo nombre de Paulo Lins, basada en una historia real. El libro fue lanzado en el año 1997 y fue adaptado por Braulio Mantovani. La película se enfoca en la guerra entre Zé Pequeño y Mané Galinha, desarrollada en el territorio brasileño "Cidade de Deus". La frase que identificó a la película fue: "Lucha y nunca sobrevivirás... Corre y nunca escaparás...". Muchos de los actores, fueron residentes de favelas como Vidigal y la misma Cidade de Deus.
El filme es contado de una forma no-lineal, utilizando diferentes técnicas de edición y tomas de cámaras.
Argumento
La película comienza en los años 60, cuando jóvenes como Dadinho y Bené son pequeños delincuentes en una favela peligrosa de Río de Janeiro, llamada "Ciudad de Dios" (Cidade de Deus). La película cuenta el desarrollo de la vida de Buscapé (Cohete) en Ciudad de Dios hasta los años 70, cuando los antiguos amigos forman ideas distintas sobre la dirección de sus vidas. El lugar es un sitio en el que el tráfico de cocaína, los asesinatos, la delincuencia juvenil y el soborno policial son algo cotidiano.
Ciudad de Dios narra la vida de varias personas que habitan en una favela en Río de Janeiro a lo largo de casi treinta años, entre los sesenta y los ochenta. Su mismo rodaje estuvo condicionado por las relaciones de poder que vertebran este submundo: los realizadores tuvieron que pedir la colaboración del jefe de una favela para poder filmar en su zona y disponer así de las condiciones de seguridad adecuadas para poder realizar la filmación. El jefe autorizó la realización del filme con la condición de que se contratara a la mayoría de los actores y extras entre la misma gente de la favela, la gran mayoría de los personajes de la película fueron de ahí mismo, lo que contribuye también a dar mayor similitud a la historia.
El ritmo acelerado con el que se ha realizado la película facilita la atención de un publico joven, a pesar de su larga duración y la diversidad de personajes e historias entrecruzadas. El filme se caracteriza por una puesta en escena frenética que recuerda el montaje de un video clip agresivo y entrecortado, estética “sucia”, una fuerte carga emocional e imágenes impactantes.
En 2002 salió a la venta una versión en DVD con el montaje del director en una versión de 173 minutos.
Argumento
La película es un homenaje al género cinematrográfico. En una larga narración describe la historia de un respetado director de cine (Salvatore, interpretado por Jacques Perrin) que vuelve a su antiguo pueblo siciliano para acudir al funeral de su viejo amigo Alfredo (interpretado por Philipe Noiret), el antiguo proyeccionista del cine Nuevo Cinema Paradiso y también artífice de su pasión por el cine en su infancia y juventud. La película constituye un retrato sentimental de la Italia de la posguerra y una declaración de amor al cine.
Esta obra cinematográfica es la suma de tres características cruciales en la elaboración de una película: está dotada de una historia minuciosa, que trae consigo un análisis profundo, y estos dos factores están expresados con amplia versatilidad técnica en la realización.
El director italiano muestra en esta película la historia de Totó (cuyo nombre real es Salvatore), un personaje que tiene un amigo bastante cercano y mayor (Alfredo), de quien aprende –gracias a su extremo ahínco- las técnicas de proyección de películas.
“Totó”, como prefiere ser llamado el protagonista, tiene problemas económicos en su niñez porque su padre se ha ido a la guerra, por lo que debe tocar las campanas en la iglesia del pueblo. Como el sacerdote para quien trabaja es el dueño de “Cinema Paradiso”, el teatro donde los ciudadanos asisten para ver las noticias y películas, Totó se acerca a Alfredo, quien cede ante su insistencia en el aprendizaje de las técnicas de proyección.
Con el paso de los años, Totó perfecciona sus conocimientos, aplicándolos cuando debe reemplazar a Alfredo después que éste sufre un accidente ocurrido por una manipulación inadecuada de las cintas en una proyección, y que da lugar a la reconstrucción del teatro. Mientras esto sucede, Totó crece y vive su primera experiencia de amor. Después de muchos años, contrariando el consejo de Alfredo, pero forzado a asistir a su funeral, Totó vuelve al pueblo, donde recuerda su infancia y juventud, acompañado de la nostalgia que despiertan ciertas cosas que su madre y Alfredo guardaron para él.
La cinta tiene una historia conmovedora, que se apoya fuertemente en un formidable manejo de la fotografía y sonido. Además, es un homenaje al cine antiguo (pues hay decenas de referencias en imágenes y diálogos, desde Jean Renoir hasta Charles Chaplin), al cariño por el cine, a su historia y técnicas… pero ante todo, es una reflexión sobre la fuerza de voluntad.
Ficha técnica Título: Precious Título original: Precious: Based on the Novel Push by Sapphire Año: 2009 Duración: 109 minutos País: EE.UU. Género: Drama Estudio: Lee Daniels Entertainment, Filmax Fecha de estreno España: 05 de Febrero 2010 Estados Unidos: 06 de Noviembre 2009 Reino Unido: 29 de Enero 2010
Sinopsis Precious Jones tiene dieciséis años, es negra y casi analfabeta, y espera su segundo hijo. El primero lo tuvo a los doce años, y el padre de ambos es su propio padre. Vive en Harlem, en la ruinosa Lenox Avenue, el reino de los invisibles, de los sin voz, con su madre, una reclusa obesa y cruel que mira la televisión sin cesar, devora la comida que Precious le prepara y la somete a los más denigrantes abusos. Forzada a abandonar la escuela a causa de su embarazo -y el último y precario vínculo que la ligaba al mundo-, Precious acaba en un instituto para casos desesperados. Pero allí, en el último escalón de aquellos que ya han bajado todas las escaleras, está la señorita Rain, una maestra joven, combativa y radical, y Precious tendrá la posibilidad de recuperar su voz y su dignidad.
Nominados: James Cameron - Avatar Quentin Tarantino - Malditos bastardos Kathryn Bigelow - En tierra hostil Jason Reitman - Up in the air Lee Daniels - Precious
Mejor actor protagonista: - Jeff Bridges
Nominados:
George Clooney - Up in the air Jeff Bridges - Crazy heart Morgan Freeman - Invictus Jeremy Renner - En tierra hostil Colin Firth - A single man
Mejor actriz protagonista: - Sandra Bullock
Nominados:
Sandra Bullock - The blind side Meryl Streep - Julie y Julia Gabourey Sidibe - Precious Helen Mirren - The last station Carey Mulligan - Una educación
Mejor actor de reparto: - Christoph Waltz
Nominados:
Christoph Waltz - Malditos bastardos Stanley Tucci - The lovely bones Matt Damon - Invictus Woody Harrelson - The messsenger Christopher Plummer - The last station
Mejor actriz de reparto: - Mo´nique
Nominados: Penélope Cruz - Nine Vera Farmiga - Up in the air Mo'nique - Precious Maggie Gyllenhaal - Crazy heart Anna Kendrick - Up in the air
Película de animación: Up Película de habla no inglesa: El secreto de sus ojos Guión original: En tierra hostil Guión adaptado: Precious Dirección de fotografía: Avatar Edición: En tierra hostil Dirección artística: Avatar Diseño de vestuario: La joven Victoria Banda sonora: Up Canción: 'The weary kind' de Corazón rebelde Maquillaje: Star trek Sonido: En tierra hostil Edición de sonido: En tierra hostil Efectos especiales: Avatar Documental: The cove Corto documental: Music by prudence Corto de animación: Logorama Cortometraje: The new tenants Óscar honorífico: Lauren Bacall
Acción Bélica Ficha Técnica de The Hurt Locker: Género: Acción Bélica
Año de Estreno: 2008
Origen: Estados Unidos
Duración: 120 minutos
Dirección: Kathryn BigelowGuión: Mark BoalIntérpretes: Jeremy Renner (Sargento William James), Anthony Mackie (Sargento JT Sanborn), Brian Geraghty (Especialista Owen Eldridge), Guy Pearce (Sargeto Matt Thompson), Ralph Fiennes (Líder del equipo de contratista), David Morse (Coronel Reed), Christian Camargo (Coronel John Cambridge) Título en Hispanoamérica: Vivir al LímiteTítulo en España: En Tierra Hostil
Título Original: Hurt Locker The Hurt Locker review La película no responde al cine de acción bélica convencional en donde tenga lugar el drama o la acción trepidante, sino que se caracteriza por realismo con el que es plasmada la vivencia de un grupo de especialistas en desarmar explosivos en territorio iraquí, apoyándose en una filmación nerviosa para generar mayor realismo, y con argumento sustentado fundamentalmente en los desafíos diarios a los que los expone su trabajo. Pese a mostrar el día a día sin demasiado dinamismo ni desarrollo argumental, tampoco es una película de carácter documental, sino que se vale de algunos recursos convencionales para construir su argumento, otorgándole cierto heroísmo y personalidad a los protagonistas, por lo que la pelicula ofrece, aunque no demasiado preponderante, su dosis de ficción. Su principal virtud es lograr transmitir la misma tensión que el grupo de especialistas experimenta, sosteniendo de esta manera la atención del espectador en gran parte del metraje, sumado a las convincentes actuaciones y su fotografiá y música acorde a sus pretensiones. En resumen, The Hurt Locker, ofrece una película de palpable realismo con el ritmo calmo propio de la realidad, que compensa la escasa acción y la simpleza de su argumento, con la tensión que generan las situaciones a las que se exponen día a día, dejando una interesante película que encuentra sus limites en la propia manera de abordar el tema pero que logra captar y sostener la atención a lo largo del film aunque presente algunos momentos irregulares.
GÉNERO Y CRÍTICA 2009: Festival de Berlín: Oso de Oro (Mejor película), Premio Internacional de la Crítica FIPRESCI / Drama /
SINOPSIS: Fausta (Magaly Solier) padece de "La teta asustada", una enfermedad que se transmite por la leche materna de mujeres maltratadas durante la época del terrorismo en el Perú. Los infectados nacen sin alma, porque del susto se escondió en la tierra, y cargan un terror atávico que les aísla por completo. Pero Fausta esconde algo más; guarda un secreto que no quiere revelar, hasta que la súbita muerte de su madre desencadenará hechos inesperados que transformarán su vida y la de otros.
Amélie (título original: Le fabuleux destin d'Amélie Poulain, "El fabuloso destino de Amélie Poulain") es una película franco-alemana, del género comedia romántica estrenada en 2001. El lema de la película era "Ella cambiará tu vida..." (En francés: "Elle va changer ta vie...").
Le fabuleux destin d'Amélie Poulain Título Amélie
Ficha técnica Dirección Jean-Pierre Jeunet Producción Claudie Ossard Jean-Marc Deschamps Guión Jean-Pierre Jeunet Guillaume Laurant Música Yann Tiersen
Montaje
Céline Kelepikis
Vestuario
Emma Lebail
Reparto
Audrey Tautou Mathieu Kassovitz Isabelle Nanty Rufus Jamel Debbouze Yolande Moreau Dominique Pinon Ticky Holgado André Dussollier (narrador) Datos y cifras País(es) Francia Alemania
Año 2001
Género Comedia romántica Duración 122 min. Idioma(s) francés
Resumen
Comienza con una voz en off que narra la niñez de Amélie, la cual creció aislada del resto de los niños por decisión de su padre, debido a su equivocada creencia de que ella sufría problemas cardiacos (equivocado pues cada vez que él le hacía un chequeo médico en casa, el corazón de Amélie se disparaba simplemente por el contacto físico con su padre, ya que él normalmente nunca era afectivo con ella). Este hecho, junto con el ambiente tenso que imperaba en su casa debido también a la naturaleza inestable y nerviosa de su madre, y sobre todo por la trágica muerte de ésta al caérsele encima una turista suicida que se lanzó al vacío desde lo alto de la iglesia de Notre Dame, lo que agudizó las tendencias antisociales de su padre, hacen que la niña desarrolle una inusual y activa imaginación. Como se cita textualmente en la película, “en tal casa de la muerte, Amélie crece y prefiere soñar hasta que llegue el día de partir”. Amélie cumple 22 años y deja su casa para instalarse en un apartamento en Montmartre que se costea trabajando como camarera del "Café des 2 Moulins” (café los 2 molinos). Allí se da a conocer una serie de personajes de lo más excéntricos con los que Amélie interactuará durante toda la película:
Suzanne, la dueña, antigua artista del desnudo, que cojea un poco pero nunca derrama nada, a la que le gusta ver a los atletas que lloran por desilusión y no le gusta que un hombre sea humillado en presencia de su hijo. Georgette, la vendedora de tabaco hipocondríaca, la cual odia la frase “el fruto de su vientre”. Gina, camarera como Amélie, cuya abuela era sanadora, y a quien le gusta hacer tronar los huesos de los dedos. Hipólito, un escritor fracasado, a quien le gusta ver toreros corneados en televisión. Joseph, el amante rechazado de Gina, quien se pasa espiándola todo el día y a quien sólo le gusta explotar el papel de burbujas. Philomène, azafata de vuelo, a quien le gusta el ruido producido por el tazón del gato en el azulejo, al cual le gusta oir historias para niños. Amélie no tiene novio, lo intentó una o dos veces, pero los resultados la desanimaron. En su lugar Amélie ha cultivado un gusto por los pequeños placeres, como: meter la mano en un saco lleno de legumbres, romper la capita de azúcar caramelizado de una crema catalana con una cuchara, verle la cara en la oscuridad en el cine a la gente, lanzar piedras en el canal de San Martín o tratar de adivinar cuántas personas hacen algo en un determinado momento.
Pero el 30 de agosto de 1997 ocurre el evento que cambiará la vida de Amélie. Tras una serie de circunstancias por el shock ocasionado al enterarse por televisión del accidente de Lady Di, descubre tras una losa de su baño el pequeño tesoro guardado por un niño hace cuarenta años. Fascinada por el hallazgo, el 31 de agosto a las 4:00 de la madrugada, tiene una idea espectacular: dondequiera que esté, Amélie encontrará al dueño y le devolverá su tesoro. Si lo conmueve, se convertirá en una vengadora del bien. Si no, pues no.
Con la ayuda de su vecino Raymond (un anciano conocido como “el hombre de vidrio” por la debilidad de sus huesos, que lleva 20 años sin salir de casa y que sólo ve el mundo a través de la reproducción de un cuadro de Pierre-Auguste Renoir) y tras una larga búsqueda por toda la ciudad, Amélie consigue finalmente localizar al dueño del tesoro y devolvérselo de forma casual tras una estrategia muy original. El dueño no sólo se emociona profundamente al descubrir que toda su infancia estaba en esa cajita, sino que además se plantea mejorar su vida actual.
En ese momento Amélie tiene una sensación de completa armonía y decide volcarse hacia los demás para crearles felicidad en sus vidas.
La tienda del Sr. Collignon, Rue des Trois Frères, París.De esta forma, inventa toda clase de estrategias de lo más originales y conmovedoras para intervenir, sin que se den cuenta, en la existencia de varias personas de su entorno.
Como cuando agarra del brazo a un ciego vagabundo y le da un rápido pero intenso paseo por un mercado mientras le susurra al oído todo lo que ella va viendo, produciendo en el ciego un estado de emoción inmesurable. Cómo le hace olvidar a Georgette su carácter hipocondríaco y a Joseph su desdichada obsesión por Gina al provocar Amélie una situación de romance de lo más pasional entre ambos. Cómo se venga del cruel frutero de su barrio quien humilla constantemente a su joven ayudante dejándolo en ridículo delante de todo el mundo. O como cuando consigue sacar a su vecino Raymond de la obsesión por el cuadro de Renoir mediante el envío anónimo de videos donde se muestran hermosas escenas de lo más curiosas, que producen en el anciano una inmediata necesidad de expandir su mente más allá de lo que había hecho antes. Y cuando Hipólito vuelve a cobrar ilusión por su literatura al descubrir una de sus estrofas pintada en una pared de la calle: “Sans toi, les émotions d’aujourd’hui ne seraient que la peau morte des emotions d’autrefois” ("Sin ti, las emociones de hoy no serían más que la piel muerta de las de ayer"). Y sobre todo cuando, valiéndose de un gnomo de madera a quien su padre tenía especial cariño, logra que éste por fin decida hacer las maletas y emprender un viaje por el mundo. Pero mientras todo esto sucede y nadie se preocupa por Amélie, ella se ve forzada de forma involuntaria a examinar y valorar su vida solitaria. Este sentimiento se agudiza especialmente tras conocer a Nino, un chico tan raro y soñador como ella, que trabaja medio día en “el tren del horror” y el otro medio en un sex shop, que colecciona las fotos que la gente va desechando en los fotomatones. Amélie siente fascinación por Nino pero prefiere un encuentro casual a una presentación directa. Lo intenta varias veces sin éxito y acaba dejándolo por imposible. Pero finalmente Raymond, le corresponde con la misma moneda a Amélie, incitándola a buscar lo que había dejado en un segundo plano: su propia felicidad. Así, Amélie, acaba felizmente en los brazos de Nino al que besa de la forma más sutil y complaciente que se pueda imaginar.
Éxito comercial
Una de las películas francesas más taquilleras de todos los tiempos (más de 30 millones de espectadores en el mundo), Amélie marcó un fenómeno muy poco usual en su fecha, desbancar a las siempre taquilleras películas americanas en Francia y lograr una gran repercusión fuera de su país, en EE. UU., Europa, América Latina y Asia
Análisis psicológico
A pesar de ser descrita por muchos como un "cuento para adultos" en esta película se pueden encontrar pequeñas pinceladas sobre la naturaleza humana. El principal y más evidente es el hecho de ver con romanticismo y nostalgia la infancia tal y como hizo Antoine de Saint-Exupéry con "El Principito". La inocencia y a la vez la naturaleza traviesa que se le atribuye a los niños hace que Amelie pase de ser un personaje más a uno con mucho juego. Por supuesto no nos podemos olvidar del simbolismo de encontrarse en una caja los recuerdos de infancia de un hombre a quien, encontrarse con esta gracias a Amelie, le supone un cambio en su vida y una recapacitación de ella.
Amelie es un personaje excepcional también gracias a su descubrimiento de hacer el bien y mejorar la vida de los demás sin que ellos lo noten. Esta actitud altruista hace que se dé cuenta, como bien uno de los personajes resalta, que ella no se preocupa por arreglar los problemas de su propia vida. Esto se puede tomar como que al arreglar los problemas de los demás ella está evitando arreglar los suyos propios. Esto, unido con su timidez y falta de experiencia en la infancia para socializar hacen para ella muy difícil poder alcanzar la felicidad, que en ese momento es acercase a la persona de la que se ha enamorado. La timidez de Amélie tiene como base una fuerte tendencia a la cobardía ya que no se siente capaz de arriesgarse por miedo a salir herida sentimentalmente. Su miedo lo evade con "estratagemas" que solo son una forma de alargar el momento de enfrentarse con la realidad y actuar de una forma directa. A su lado tiene a su vecino que le hace pensar sobre ello pero la ayuda es mutua ya que ella lo ayuda a acabar con su soledad. Este es otro simbolismo, ya que el vecino tiene un esqueleto tan frágil como si fuera de cristal y no puede salir de casa por poder hacerse daño. De este modo podemos decir que se siente Amélie subconcientemente con sus sentimientos: no puede dejar "salir" a su corazón por temor a que se rompa cual como haría el esqueleto de su vecino. Este paralelismo es muy importante ya que tarde o temprano va a tener que enfrentarse con ello y elegir si arriesgarse para perder o ganar todo o vivir protegiéndose como siempre sin que haya ningún cambio en su vida.
Análisis de la película y técnica del director
Esta película es clave porque su autor pudo abrir la caja de los sueños, llena de arlequines y ogros, de príncipes y hadas, de risas y canciones infantiles, de felicidades olvidadas y finalmente resucitadas. Según Jean-Pierre Jeunet, se trata de un film "concebido para dar felicidad a la gente", un cine champán, como es ahora nombrado, en que el espectador es sumergido en una ligera ebriedad, una euforia que se parece a la felicidad.
Ya con Delicatessen (1991) y "La ciudad de los niños perdidos" (1995) con el que apareció asociado, en el guión y dirección, a Marc Caro, el cineasta francés había manifestado con brillo su gusto por las situaciones y los personajes extravagantes, y sus dos filmes aparecían como equivalentes cinematográficos de los mejores cómics y dibujos animados. Uno y otro también miraban de reojo la ciencia-ficción delirante de un maestro del género, Terry Gillian (Héroes del tiempo, 1981). Es además por eso que Pierre Jeunet fue llamado para participar en la saga hollywoodiense de Alien, de la que dirigió el cuarto episodio, Alien resurrección en 1997.
Como sus predecesoras, Amélie desborda con una invención tal que parece que su autor se hubiera propuesto el objeto de desarrollar una idea por plano, y a la velocidad a la que éstas pasan por la pantalla, el espectador es literalmente bombardeado por imágenes cómicas, insólitas y poéticas que subrayan un comentario, un diálogo y un acompañamiento musical que son otras tantas razones para ver la película. Algunos le reprocharon a Jeunet haber puesto su genio creativo al servicio de una visión nostálgica, idílica y consensualista del mundo. " ¿Qué responderles, sino tanto mejor?- dijo él.
" Sin ti, las emociones de hoy no serían más que la piel muerta de las de ayer "
Premios
El film recibió galardones nacionales e internacionales. Fue nominada para cinco Premios Óscar:
Mejor dirección artística, Aline Bonetto (directora de arte), Marie-Laure Valla (decoradora del set) Mejor cinematografía, Bruno Delbonnel Mejor película extranjera, Francia Mejor guión original, Guillaume Laurant, Jean-Pierre Jeunet Mejor sonido, Vincent Arnardi, Guillaume Leriche, Jean Umansky En el año 2002, en Francia, ganó el Premio César por:
Mejor película Mejor director Mejor banda sonora Mejor dirección artística Además, estuvo nominada en las siguientes categorías:
Mejor Actriz (Audrey Tautou) Mejor Actor Secundario (Rufus y Jamel Debbouze) Mejor Actriz Secundaria (Isabelle Nanty) Mejor Guión Original o Adaptación Mejor Fotografía Mejor Sonido Mejor Montaje Mejor Vestuario
Sinopsis En 1995 a la edad de 43 años, Jean-Dominique Bauby, carismático redactor jefe de la revista francesa Elle, sufrió una embolia masiva. Salió del coma tres semanas más tarde y se descubre que es víctima del "síndrome de cautiverio "; está totalmente paralizado, no puede moverse, comer, hablar ni respirar sin asistencia. Su mente funciona con normalidad y sólo es capaz de comunicarse con el exterior mediante el parpadeo de su ojo izquierdo. Forzado a adaptarse a esta única perspectiva, Bauby crea un nuevo mundo a partir de las dos cosas sobre las que conserva el control: su imaginación y su memoria.
En un hospital de Berk-Sur-Mer, le enseñan un código usando las letras más comunes del alfabeto utilizando el parpadeo de su ojo izquierdo. Mediante este parpadeo, y con la ayuda de los doctores del hospital es capaz de deletrear letra a letra concienzudas palabras, frases y párrafos. Mediante este método es capaz de dictar una profunda aventura dentro del psique humano
Ficha técnica: Nombre original: PVC-1 (2007) País: Colombia Director: Spiros Stathoulopoulos Género: Drama Producción: Spiros Stathoulopoulos y Dwight Istambulian Obra de ficcion inspirada en hechos reales ocurridos en Colombia.85 minutosMérida Urquía, Daniel Páez, Alberto Sornoza, Hugo Pereira, Patricia Rueda, Andrés Mahecha, Liz Pulido entre otros.
Sinopsis
PVC-1: Una tragedia de 85 minutos sin parar
Cuatro hombres cuidan con recelo un paquete negro. Tres de ellos y un niño entran a la casa de una campesina y su familia y empiezan a tomar la medida de sus cuellos. Ofelia entra en pánico al darse cuenta de que tiene en su cuello un ‘collar bomba’.
Director: François Alaux, Hervé De Crécy, Ludovic Houplain (H5)
Animación: Julián Aubard, Guillaume Bergere, Patrice Cailhol, Damián Climent, Nicolas Deleyris, Thomas Dufour, Renaud Megange, Michael Nauzin, Rudy Pierrot, Maximilien Royo, Alexandre Sauthier
Guión: François Alaux, Hervé De Crécy, Ludovic Houplain (H5)
Montaje: Sam Danesi, Stephen BergerSonido: Human WorlwideMúsica: Human WorlwideIntérpretes: Bob Stephenson, Sherman Augustus, Aja Evans, Joel Michaely…
Logorama es uno de los cinco cortometrajes animados candidatos al Oscar 2010. Se trata de una historia de acción que se inicia cuando un par de policías identifica a un peligroso (y conocido) criminal. Mientras la vida en la ciudad de los logos busca seguir su curso, comienza la persecución, que finalmente deviene un desastre mayor del esperado. Logorama está repleta de pequeños gags e inundada de referencias a la cultura de las corporaciones, al arte pop y al logo, lo que fascinará a los amantes del diseño y divertirá a los que intenten reconocer el máximo número de marcas citadas. Pero además, es una entretenida comedia de acción, dirigida con bastante destreza. Es interesante ver cómo la invasión de imágenes corporativas que conforman la ciudad retratada en el corto no sorprende tanto en comparación con lo que podemos ver en las grandes ciudades del mundo real, también colapsadas de logos.
Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone (ヱヴァンゲリヲン新劇場版:序, Evangelion Shin Gekijōban: Jo, Evangelion, la nueva película: Prefacio?) es un film que se estrenó el 1 de septiembre de 2007, escrito y dirigido por Hideaki Anno. Es la primera de las cuatro películas realizada de la tetralogía de Rebuild of Evangelion basadas en el anime original de Neon Genesis Evangelion. Está producida y co-distribuida por el estudio Hidekai Anno.
Argumento
El argumento está basado en los episodios del 1 al 6 de la serie original. Aunque algunas situaciones se muestran de diferente forma, tales como ángulos de cámara, historias alternativas, etc.Shinji Ikari llega a Tokyo-3, buscado por su padre Gendo. A su llegada, se encuentra con ejército de la ONU tratando de detener al cuarto Angel (el tercero en la versión original), Sachiel. Rescatado por Misato Katsuragi, Shinji llega a los cuarteles generales de NERV junto con su padre Gendo (que es el Supremo Comandante de NERV) con la casi amenaza de que si no pilotaba el EVA-01 (EVA 初号機, EVA shogōki?) y luchaba contra Sachiel, la misteriosa Rei Ayanami, que se encontraba en malas condiciones, sería enviada a pelear; por lo que acepta. Después de la primera batalla, en la que salió victorioso, Misato lo lleva a su casa para que viva con ella, vaya a la escuela y trate de tener una vida normal. Tras todo esto comienzan a aparecer nuevos ángeles.En la escena final, Kaworu Nagisa despierta en una base de SEELE localizada en la luna, diciendo que desea conocer a Shinji.
Diferencias entre la serie original y la película
Al inicio de la película el mar es rojo, mientras que en la versión original el mar no es rojo hasta después del Tercer ImpactoEn la serie original, tras el ataque del primer ángel, éste localiza la base de NERV y ataca directamente, provocando que unos fragmentos caigan y hagan temblar la estancia donde se encuentra Shinji y donde se desprenden trozos del techo, y el EVA 01 salva a Shinji de que uno de esos fragmentos lo aplaste resguardándolo con la mano y destrozando los anclajes de retención, mientras que en la película, esto no sucede.En la serie original Sachiel es el tercer ángel, mientras que en la nueva versión es el cuarto ángel. Siendo así Adam el primer ángel, Lilith el segundo y el tercero es desconocido (Todo hace indicar que sería Rei Ayanami).Hay una escena exclusiva de la película: en un bar, se encuentran hablando Misato y Ritsuko, acerca de Shinji y como podría Misato interactuar con el, además de que Ritsuko le entrega a Misato las nuevas tarjetas de Shinji y Rei y le pide que le diga a Shinji que se la entregue el a Rei. En la serie original, la conversación de Misato y Ritsuko sobre Shinji ocurre en el Episodio #02, cuando Misato está desnuda en el baño (en Rebuild, sí aparece esta escena pero no con la conversación de las chicas) y Ritsuko en el Episodio #05 le entrega a Shinji directamente la tarjeta de Rei para que se la dé cuando está en casa de Misato y Shinji.En la serie original Lilith es mostrada en los capítulos finales, mientras que aquí Misato ya conocía la existencia de Lilith y se la muestra a Shinji justo antes de la operación Yashima.Al igual que Lilith, Kaworu Nagisa aparece antes de tiempo con respecto a la serie original.La aparición del Quinto Ángel Ramiel, el sexto en Rebuild, está completamente re-hecha con gráficos por ordenador, y ahora el Ángel ya no estático, sino que antes de atacar con su rayo de partículas, se transforma de manera espectacular, aparte de ser mucho más poderoso y salvaje que en la serie original.
Dirección y guión: Deepa Mehta.
Web oficial (España): www.golem.es/agua
