Evangelion 1.0 You Are (Not) Alone

Reseña:

Evangelion: 1.0 You Are (Not) Alone (ヱヴァンゲリヲン新劇場版:序, Evangelion Shin Gekijōban: Jo, Evangelion, la nueva película: Prefacio?) es un film que se estrenó el 1 de septiembre de 2007, escrito y dirigido por Hideaki Anno. Es la primera de las cuatro películas realizada de la tetralogía de Rebuild of Evangelion basadas en el anime original de Neon Genesis Evangelion. Está producida y co-distribuida por el estudio Hidekai Anno.

Argumento

El argumento está basado en los episodios del 1 al 6 de la serie original. Aunque algunas situaciones se muestran de diferente forma, tales como ángulos de cámara, historias alternativas, etc.Shinji Ikari llega a Tokyo-3, buscado por su padre Gendo. A su llegada, se encuentra con ejército de la ONU tratando de detener al cuarto Angel (el tercero en la versión original), Sachiel. Rescatado por Misato Katsuragi, Shinji llega a los cuarteles generales de NERV junto con su padre Gendo (que es el Supremo Comandante de NERV) con la casi amenaza de que si no pilotaba el EVA-01 (EVA 初号機, EVA shogōki?) y luchaba contra Sachiel, la misteriosa Rei Ayanami, que se encontraba en malas condiciones, sería enviada a pelear; por lo que acepta. Después de la primera batalla, en la que salió victorioso, Misato lo lleva a su casa para que viva con ella, vaya a la escuela y trate de tener una vida normal. Tras todo esto comienzan a aparecer nuevos ángeles.En la escena final, Kaworu Nagisa despierta en una base de SEELE localizada en la luna, diciendo que desea conocer a Shinji.

Diferencias entre la serie original y la película

Al inicio de la película el mar es rojo, mientras que en la versión original el mar no es rojo hasta después del Tercer ImpactoEn la serie original, tras el ataque del primer ángel, éste localiza la base de NERV y ataca directamente, provocando que unos fragmentos caigan y hagan temblar la estancia donde se encuentra Shinji y donde se desprenden trozos del techo, y el EVA 01 salva a Shinji de que uno de esos fragmentos lo aplaste resguardándolo con la mano y destrozando los anclajes de retención, mientras que en la película, esto no sucede.En la serie original Sachiel es el tercer ángel, mientras que en la nueva versión es el cuarto ángel. Siendo así Adam el primer ángel, Lilith el segundo y el tercero es desconocido (Todo hace indicar que sería Rei Ayanami).Hay una escena exclusiva de la película: en un bar, se encuentran hablando Misato y Ritsuko, acerca de Shinji y como podría Misato interactuar con el, además de que Ritsuko le entrega a Misato las nuevas tarjetas de Shinji y Rei y le pide que le diga a Shinji que se la entregue el a Rei. En la serie original, la conversación de Misato y Ritsuko sobre Shinji ocurre en el Episodio #02, cuando Misato está desnuda en el baño (en Rebuild, sí aparece esta escena pero no con la conversación de las chicas) y Ritsuko en el Episodio #05 le entrega a Shinji directamente la tarjeta de Rei para que se la dé cuando está en casa de Misato y Shinji.En la serie original Lilith es mostrada en los capítulos finales, mientras que aquí Misato ya conocía la existencia de Lilith y se la muestra a Shinji justo antes de la operación Yashima.Al igual que Lilith, Kaworu Nagisa aparece antes de tiempo con respecto a la serie original.La aparición del Quinto Ángel Ramiel, el sexto en Rebuild, está completamente re-hecha con gráficos por ordenador, y ahora el Ángel ya no estático, sino que antes de atacar con su rayo de partículas, se transforma de manera espectacular, aparte de ser mucho más poderoso y salvaje que en la serie original.

Afro Samurai Resurrection

Afro Samurai (アフロサムライ, Afuro Samurai?) es una mini serie u OVA de los estudios GONZO. La historia gira en torno a un samurái con peinado afro que busca la venganza.
El productor de esta serie japonesa es Samuel L. Jackson, él mismo hace la voz del protagonista. La trama de esta serie es muy violenta, con toques de humor y mucha acción, pero sobre todo mucha sangre. Está enfocada hacia un público adulto por su contenido y escenas. Solo consta de 5 capítulos.
Costó alrededor de 1 millón de dolares la producción de cada capítulo de esta serie.

Historia

Un guerrero invencible, una venganza, un hombre que es más que una leyenda. Un samurái negro con un abundante peinado afro es el protagonista de esta historia de muerte y venganza, nuestro protagonista es conocido como afro samurai o afro para los amigos, en realidad para el único amigo que tiene, un ninja negro de buen corazón, que lleva todo el ritmo del Bronx, en su forma de hablar y moverse, llamado Ninja Ninja. Afro recorrerá este mundo tal vez futurista mezcla del Japón feudal con el oeste americano y algo de los barrios negros de Nueva York. Un mundo donde la violencia manda y las armas son el alma de la gente. Existe el reto de ser el Nº1 del mundo, un hombre intocable considerado un dios por ser el más fuerte del mundo. Existen dos cintas que son portadas por los dos mejores guerreros la del Nº1 y la del Nº2.
El padre de Afro supo ser el que ostentaba aquel grandioso título, ser el Nº1 del mundo, hasta que un trágico día Justice, el hombre que tenía la cinta del Nº2, reta al padre de Afro y en una feroz batalla lo asesina delante de Afro de la forma más trágica. Por lo que el protagonista jurará venganza y crecerá para convertirse en el segundo hombre más fuerte del mundo y así poder ser el único que podrá retar al Nº1, para derrotarlo y de esta manera vengar la muerte de su padre. Afro a diferencia del Nº1, sí puede ser retado por cualquiera que quiera tener la cinta del Nº2, lo que le traerá una vida llena de violencia y asesinatos sin fin donde todos, ladrones, bandoleros, caza recompensas y monjes maníacos querrán su cabeza, en cualquier lugar a donde vaya le será muy difícil encontrar la paz, ya que sólo lo rodea la muerte.

Realización

Lo llamativo de esta serie es que se estrenó primero en USA y Canadá donde se emitió a través de Spike TV, a principios del 2007 para luego emitirse en Japón. Esto se debió a que la serie es una producción hecha para captar al mercado estadounidense. Fue hecha íntegramente en Japón por Gonzo, que le compró los derechos a un ignoto mangaka, llamado Takashi Okosaki, el manga original se publicó en una pequeña revista independiente Nou Nou Hau, revista propiedad del mismo Okosaki entre otros colegas. El hecho de que esté hablada en inglés le da un estilo más western hollywoodense bastante novedoso. Entre las voces principales se encuentra ni más ni menos que Samuel L. Jackson, como Afro y también como Ninja Ninja, Ron Perlman (Hellboy) como Justice y Kelly Hu (Lady Deathstrike en X-men 2).
Cada capitulo es una obra de arte en si mismo, la ambientación hace recordar mucho a dos de los cortos de Animatrix, Program (el de samuráis) y la animación a World record (el del corredor). Las escenas de acción no escatiman en sangre y la espectacularidad de las peleas lleva a no poder sacarle los ojos de encima, sobre todo a la primer escena de lucha aérea (por arriba de las nubes) en una serie de samuráis. Afro es capaz de cortar misiles y proyectiles de todo tipo. La serie esta novedosamente musicalizada con hip hop de fondo sobre las peleas, el soundtrack fue realizado por el músico RZA. La serie da para una continuación o para varias mientras Afro lleve una de las dos cintas siempre habrá alguien que busque su cabeza.

Personajes

Afro: Cuando era pequeño, Afro tuvo que presenciar la muerte de su padre en manos de Justice. Más tarde fue acogido en una escuela donde le enseñaron a perfeccionar su técnica del manejo de la espada. Cuando estuvo listo, obtuvo la cinta número 2 y se fue en busca de Justice para arrebatarle la cinta número 1 y vengar la muerte de su padre.
Justice: Justice es el hombre que mató al padre de Afro ante sus ojos cuando tan sólo era un niño. Es un experto pistolero y posee un tercer brazo en su espalda para vencer a los luchadores más desprevenidos. Cuando le robó la cinta número 1 al padre de Afro, se retiró a la cima de un monte a esperar a que Afro llegara.
Ninja Ninja: Ninja Ninja es el amigo imaginario de Afro, siempre lo acompaña a todas partes. Aparece por primera vez cuando Afro le arrebata la cinta número 2 a su maestro y pierde a sus compañeros de la escuela. Al contrario que Afro, Ninja Ninja nunca se está quieto y se pasa todo el rato hablando aunque Afro casi nunca le conteste.
Jino: Jino fue uno de los compañeros de Afro en la escuela samurai, aunque siempre se trataron más como hermanos. Guarda un gran rencor hacia Afro pues lo ve como el culpable de la muerte de todos sus amigos y de su maestro, a quien Afro terminó asesinando para quedarse con la cinta del número 2. Después de eso, cayó por un precipicio pero fue rescatado por el grupo de los 7 Vacíos y su cuerpo gravemente dañado fue reconstruido como un cyborg asesino. Su estilo es muy diferente al de Afro, pues usa 2 espadas. Lleva siempre una máscara de osito de felpa en honor a sus compañeros y para ocultar su terrible aspecto de cyborg.
Otsuru: Otsuru fue una compañera de escuela de Afro cuando era niño. Después de la muerte de sus compañeros, Otsuru fue acogida junto con Jino por el clan de los 7 Vacíos y fue entrenada como una ninja. Cuando Afro cae de un precipio, ella lo acoge en su posada para poco a poco extraerle sus recuerdos de la niñez para poder copiarle sus técnicas. Muere a manos de uno de los monjes cuando se rebela contra el clan.
Clan de los 7 Vacíos: Son un grupo bien organizado de monjes asesinos quienes desean llegar a ser dioses con la cinta del número 1, por lo que siempre tratan de quitarle la cinta del número 2 a Afro. En general, no tienen escrupulos para tratar obtener su objetivo. Utilizan desde la clonación humana hasta el uso de tecnología robótica en su afán por vencer a Afro.

Estreno

En enero de 2009, se lanzó una película de Afro Samurai; bajo el nombre de Afro Samurai Resurrection. Samuel L. Jackson será Afro (además de ser el productor ejecutivo de la película); Lucy Liu le pondrá voz a Sio, la seductora villana a la que se enfrentará de Afro. Mientras que Mark Hamill interpretará a Bin, el sirviente y protector de Sio. Yuri Lowenthal, regresará en el rol de Gino, el guerrero con cabeza de osito. Igual que la vez anterior, Gonzo y Funimation trabajarán juntos para esta nueva película.
Para la misma fecha se lanzó también un juego para Xbox 360 de Microsoft, y para PlayStation 3 de Sony, desarrollado por Namco Bandai Games.

Historia del Anime

Astroboy está considerada como la primera serie de anime de 20 minutos de duración, las primeras temporadas fueron producidas en blanco y negro. Astroboy es un personaje de anime, creado por Osamu Tezuka, llamado "el dios del manga", en la década de los '60, y que tuvo mucho éxito convirtiéndose en una de las producciones modelo del anime dirigido por Rintaro (Hayashi Shigeyuki). El primer episodio fue emitido en 1963, después de haber cosechado un enorme éxito en su versión en papel, aunque a su llegada a los Estados Unidos fue censurado por la cadena de televisión NBC por considerarlo inhumano y degradante con los animales y de pésimo gusto para los niños que pudiesen verlo, puesto que trataba básicamente de como un científico secuestraba perros y los convertía en soldados Cyborg, y a la NBC aquello en un principio no le terminó de convencer, cosa que Osamu Tezuka nunca les perdonó y reprochó en su reedición de los Comics de Astroboy de 1980.

Heidi (アルプスの少女ハイジ, Arupusu no Shōjo Haiji?, Heidi, la niña de los Alpes) es una serie de anime japonesa estrenada el 6 de enero de 1974, inspirada en el libro homónimo de la escritora suiza Johanna Spyri.
La serie estaba producida por la japonesa Zuiyo Eizo (Más tarde convertida en Nippon Animation) y la cadena alemana Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF).
La serie, que consta de 52 episodios, se estrenó en España en 1975 y fue emitida por Televisión Española, alcanzando un éxito sin precedentes entre los espacios de animación emitidos en este país.

Mazinger Z (マジンガーZ, majingā zetto?) es un manga y anime del dibujante japonés Go Nagai. Como en muchos otros casos, empezó siendo un manga para posteriormente trasladarse a la televisión. Es uno de los precursores del género Mecha (se pronuncia "meca") de robots gigantes y manipulados por seres humanos.
El manga se publicó en la revista semanal Shōnen Jump entre el #42 de 1972 y el #35 de 1973, antes de publicarse en tomos separados. En Japón fue un éxito.
En Latinoamérica y Europa la serie gozó de gran popularidad, (a pesar de que no se emitieron todos los episodios y los que fueron emitidos no llevaban el orden correlativo). A Estados Unidos llegó en el año 1985 con el nombre de Tranzor Z.
En su origen, mazinger (o majinga), como término japonés, significa "dios/demonio", lo cuál presume la afirmación de que una máquina creada puede usarse para el bien o para el mal en manos humanas y que expone de alguna forma que todo avance técnico no es bueno ni malo, sino que simplemente depende de quien lo maneje.

Gundam (en japonés ガンダム Gandamu). Conjunto de series de ciencia ficción, pertenecientes al género mecha, producidas desde 1979 por la productora de animación Sunrise (asimilada a partir de 1994 al grupo Bandai, más tarde Namco Bandai Holdings). Tratan generalmente de conflictos bélicos entre el gobierno de la Tierra y sus colonias espaciales. La acción suele transcurrir tanto en la Tierra como en las propias colonias. Algunas de estas colonias buscan la independencia de la Federación Terrestre, lo cual suele causar enfrentamientos militares. Todas las series tienen un cierto número de características comunes, como la presencia de un robot gigante pilotado por el protagonista que siempre responde al nombre de Gundam.

Nausicaä del Valle del Viento (風の谷のナウシカ, Kaze no Tani no Naushika?) es un manga creado por Hayao Miyazaki en 1982, que sirvió de base para una película del mismo título, dirigida por el citado director, en 1984.
Miyazaki escribió el manga Nausicaä a lo largo de 12 años, quedando parado a intervalos, mientras trabajaba en proyectos del Studio Ghibli. Fue publicada en la revista Animage de Tokuma Shoten, entre febrero de 1982, y marzo de 1994. Como era de esperar, la historia del manga es mucho más compleja que la del anime, puesto que éste fue realizado cuando la historia estaba a medias y sólo abarca los dos primeros tomos y de una forma muy burda. Hay diferencias significativas en la trama, aunque el tema principal, la relación del ser humano con la Naturaleza sigue teniendo un papel prominente.
La película fue realizada por animadores pagados por fotograma realizado. Uno de los más notables fue Hideaki Anno, que luego sería el director de Neon Genesis Evangelion. Anno fue asignado a la escena del ataque del Dios Guerrero, que de acuerdo a Toshio Suzuki es un momento álgido de la película.Está entre las cincuenta mejores películas de ciencia ficción por IMDb.[Aunque la películas data de antes de la fundación del Studio Ghibli, suele considerarse como la primera película del estudio, por la presencia en ella de Hayao Miyazaki, Isao Takahata y Toshio Suzuki.
De acuerdo al vídeo "El nacimiento del Studio Ghibli", Miyazaki sólo escribió el manga porque el productor del Studio Ghibli, Toshio Suzuki era incapaz de encontrar financiación para una película que no estuviera basada en un manga Sin embargo, otras fuentes han indicado que Miyazaki lo empezó con la condición de que nunca fuera trasladado al cine. Más tarde, habría accedido a hacer una OVA de quince minutos, pero los editores de Animage le habrían convencido de realizar un largometraje.

Capitán Tsubasa (キャプテン翼, Kyaputen Tsubasa?) es un manga y una serie de anime conocida en el mundo hispanohablante como "los campeones"Campeones, Supercampeones y Oliver y Benji que, teniendo como tema central el fútbol, narra las aventuras de Tsubasa Ozora (Oliver Atom en el anime en español) y sus amigos desde la infancia hasta que son profesionales y llegan a formar parte de la selección nacional de Japón. La Asociación de Fútbol de Japón apoyó el desarrollo de la serie, debido a su potencial para crear aficionados a este deporte. La trama se centra en la relación de Tsubasa con sus amigos, la rivalidad hacia sus oponentes, los entrenamientos, la competición y los acontecimientos en cada uno de los partidos que se juegan. Estos partidos se caracterizan por las detalladas, espectaculares y, a menudo, imposibles jugadas que llevan a cabo los personajes.

Dragon Ball (ドラゴンボール, Doragon Bōru?, conocido en España como Bola de Dragón)[2] es un manga creado por Akira Toriyama. Fue publicado en la revista semanal Shōnen Jump entre 1984 y 1995[3] y se editó en 42 tankōbon;[1] en España fue publicado por la editorial Planeta DeAgostini entre 1995 y 1998,[4] y en México por el Grupo Editorial Vid. Este manga fue adaptado en 2 series de anime, de las cuales se derivaron varias películas y especiales de televisión; además, después de terminar su publicación, Toei Animation hizo una historia alternativa llamada Dragon Ball GT que continúa más allá del final de manga.La fama de la serie ha logrado que sea traducida y distribuida en muchos países como España y la mayor parte de América Latina;incluso se ha hecho referencia a esta serie en muchas otros manga y anime.[ En una encuesta realizada por TV Asahi en el 2005 Dragon Ball quedó en el tercer puesto de las 100 mejores series de animación de acuerdo al público japonés con 1322 votos.En la encuesta realizada por la Agencia de Cultura Japonesa, sobre los 50 mejores animes y mangas de Japón, Dragon Ball alcanzó el puesto 3.Las artes marciales, la amistad y el afán de superación son las bases del argumento de esta serie, la cual incrementó considerablemente el interés por el manga en todo el mundo. Sin embargo, la violencia y otros contenidos considerados no apropiados para menores en muchos de sus episodios ha provocado que en Occidente se haya pedido con frecuencia la retirada de las escenas del anime e, incluso, su prohibición.

Neon Genesis Evangelion (新世紀エヴァンゲリオン, Shin Seiki Evangerion?, también conocido como "Evangelion") es un anime y manga japonés.
El anime cuenta con 26 episodios producidos en 1995 por el estudio Gainax, bajo la dirección de Hideaki Anno. Diversos spin-offs, mangas, películas y videojuegos complementan la historia u ofrecen una realidad alternativa de la serie.
La serie muestra los esfuerzos de una organización militar llamada NERV para derrotar a seres llamados "Ángeles", usando para ello robots biomecánicos gigantes llamados EVA. A medida que la serie avanza se torna cada vez más confusa y psicológica, en donde el desarrollo de los personajes, sus personalidades (miedos, deseos) es fundamental.
El director, Hideaki Anno, ha expresado que el desarrollo de la serie fue inspirado en su propia experiencia, en virtud de la cual los personajes de la serie muestran una amplia gama de sus afecciones emocionales y de su personalidad.
Esta serie ha sido clasificada en los géneros ciencia ficción, mecha y distopía conteniendo diversos elementos de filosofía, psicología y religión, con marcadas influencias abrahámicas. Además, sus características técnicas y temáticas, así como la complejidad de su argumento, han hecho que esta producción sea considerada como uno de los mejores ejemplos del género del realismo épico. También ha recibido algunos de los mayores premios de animación.
La edición en manga de esta historia (a cargo de Yoshiyuki Sadamoto, diseñador de personajes de la serie) está siendo publicada en Argentina por la editorial Ivrea, en México por el Grupo Editorial Vid[9] y en España por Norma Editorial.
En el ranking de los mejores 100 animes de 2006 de TV Asahi (en base a una encuesta japonesa online), Evangelion alcanzó el segundo puesto, tan sólo superado por Full Metal Alchemist.

Serial Experiments Lain es una serie de anime que trata sobre una chica adolescente de los suburbios de Japón llamada Lain Iwakura, y su introducción al Wired, una red internacional de computadoras. Fue animada por Tatsunoko Production.En Serial Experiments Lain se tratan temas como Dios, el inconsciente colectivo, Internet (en este caso, WIRED), teorías conspiratorias y muchos otros temas comunes en la literatura cyberpunk.

Pokémon (ポケットモンスター, Poketto Monsutā?) es una franquicia multimillonaria, que originalmente comenzó como un videojuego, pero debido a su popularidad ha logrado expandirse a otros medios de entretenimiento como series de televisión, juegos de cartas, ropa, entre otros, convirtiéndose en una marca que es reconocida en el mercado mundial. Las ventas de videojuegos hasta el 1 de diciembre de 2006, habían alcanzado una cantidad de 175 millones de ejemplares (incluyendo la venta de la versión Pikachu de la consola Nintendo 64), logrando ocupar el segundo lugar de las sagas de videojuegos más vendidos de Nintendo.La franquicia celebró su décimo aniversario el 27 de febrero de 2006.La saga de videojuegos fue desarrollada por la compañía programadora de software japonesa Game Freak, con personajes creados por Satoshi Tajiri para la empresa de juguetes Creatures Inc., y a su vez para Nintendo. La misión en estos juegos es capturar y entrenar a los pokémon (personajes cuya denominación da nombre al juego), que hasta la fecha alcanzan el número de 493. La posibilidad de intercambiarlos le hizo conseguir una popularidad que se plasmó en un éxito de ventas y la consiguiente aparición de una serie animada, películas y diverso merchandising como peluches, juguetes y cartas.
La producción de los videojuegos, serie de anime y demás material para su distribución en occidente fue realizada en Estados Unidos por 4Kids Entertainment hasta noviembre de 2005, momento en que decidió no renovar su contrato con Pokémon USA, (una subsidiaria de Pokémon Company). Actualmente ésta supervisa todo lo referente al material de Pokémon en su distribución en occidente.

Saint Seiya (聖闘士星矢, Seinto Seiya?), conocido como Los Caballeros del Zodiaco en Hispanoamérica y en España, es un manga y posteriormente una serie de anime de género shōnen creado originalmente por Masami Kurumada.
Publicado inicialmente desde enero de 1986 en formato manga en la revista Shonen Jump, posteriormente se realizó la adaptación en un serie televisiva de 114 episodios, 5 películas y varias continuaciones del manga original, permaneciendo de esta manera vigente hasta la fecha.
El argumento de la serie se centra en la historia de un grupo de jóvenes guerreros denominados Santos (o caballeros en varias traducciones), quienes luchan por proteger a la diosa griega Atenea de las fuerzas del mal. Para luchar, los Santos sólo utilizan su energía interior (denominada cosmos), sus puños y armaduras que les sirven de protección y que además están inspiradas en constelaciones o seres de la mitología griega.
En el ranking publicado por TV Asahi de los mejores 100 animes de 2006 (en base a una encuesta online en Japón), Saint Seiya alcanzó el puesto 25.

Ranma ½ (らんま½, Ranma Nibun no Ichi?) es un manga y anime humorístico de Rumiko Takahashi (高橋 留美子, Rumiko Takahashi?) sobre un chico llamado Ranma Saotome (早乙女 乱馬, 'Ranma Saotome'?) que sufre una peculiar maldición desde que cayó en un estanque maldito durante un entrenamiento de artes marciales en China. Desde aquel día, cuando se moja con agua fría se convierte en una chica pelirroja, y al tener contacto con agua caliente vuelve a su estado original de chico. Esto causó controversia en Occidente (véase "Emisión y controversia"). Takahashi ha afirmado en entrevistas que quería producir una historia que fuera popular entre los niños. La audiencia objetivo de Ranma ½ eran las personas de primaria y secundaria.
El manga se publicó en la revista Shōnen Sunday en Japón entre 1987 y 1996. Ha sido licenciada en varios países, incluyendo España y Argentina.

El manga fue adaptado en su totalidad al anime por Toei Animation en dos series. Los primeros 194 capítulos fueron adaptados usando el mismo nombre en 153 episodios de media hora y se emitieron en Japón desde el 26 de febrero de 1986 al 19 de abril de 1989, sumándole además 4 películas. A partir del capítulo 195 del manga su adaptación al anime fue llamada Dragon Ball Z y fueron adaptados 291 episodios de media hora emitidos desde el 26 de abril de 1989 hasta el 31 de enero de 1996, completando las historia del manga. También fueron creados dos especiales para televisión que ampliaban la historia, más 13 películas y 2 OVA. Ambas series fueron dobladas por Intertrack S.A. de C.V. en México, transmitidas por toda América Latina, y por varios estudios en España: Estudio de Barcelona doblo los primeros 26 episodios, Videotake Sur doblo el resto de la serie y Alta Frecuencia las películas y especiales, esta comenzó a transmitirse por Telemadrid y Canal Sur Televisión desde 1991. El 5 de abril de 2009 se estrenó Dragon Ball Z llamada Dragon Ball Kai (Dragon Ball 改, Dragon Ball Kai? Dragon Ball renovada), Dragon Ball Z remasterizada en alta definición en formato 16:9 con algunos cambios para festejar el 20 aniversario de la serie, se regrabaron las voces y los efectos de sonido, se edito para que siga mejor el manga y se crearon nuevos opening y ending.

Al terminar Dragon Ball Z, Toei creó con ayuda de Akira Toriyama una historia alterna llamada Dragon Ball GT, esta historia continúa la vida de Gokū y sus amigos años luego del final del manga, enfrentándose a nuevos peligros. Fue estrenada el 7 de febrero de 1996, terminando el 19 de noviembre de 1997 con 64 episodios y un episodio especial para televisión titulado Gokū Gaiden! Yūki no akashi wa Sì Xīngqiú

Ghost in the Shell (攻殻機動隊, Kōkaku Kidōtai?) es un manga de ciencia ficción creado por Masamune Shirow.
La historia ha progresado con dos mangas más (Ghost in the Shell 2: Man/Machine Interface y Ghost in the Shell 1.5: Human-Error Processor), además de dos películas animadas (Ghost in the Shell y Ghost in the Shell 2: Innocence), una serie de televisión con dos temporadas (Ghost in the Shell: Stand Alone Complex y Ghost in the Shell: S.A.C. 2nd GIG), un OVA (Ghost in the Shell: S.A.C. Solid State Society) y tres videojuegos. Cada obra tiene una línea argumental libre.

Ciclo Animé

5 Centímetros por Segundo (秒速５センチメートル, Byōsoku Go Senchimētoru?), con el subtítulo "una colección de historias sobre la distancia." es una película de anime dirigida por Makoto Shinkai. La película se finalizó el 22 de enero de 2007. La primera parte de la película se estrenó en Yahoo! Japón para miembros exclusivos desde el 16 al 19 de febrero de 2007. El 3 de marzo de 2007, la película completa se estrenó en los diferentes cines siendo el primero en Cinema Rise en Shibuya, Tokio. La película se divide en tres partes: Extracto de sakura (桜花抄, Ōkashō?), Cosmonauta (コスモナウト, Kosumonauto?), y 5 Centímetros por Segundo (秒速5センチメートル, Byōsoku 5 Senchimētoru?). El DVD fue lanzado el 19 de julio de 2007.
Makoto Shinkai había expresado que, a diferencia de sus últimos trabajos, no habría fantasía o elementos de ciencia ficción en esta película. En su lugar, la película procuraría presentar un mundo verdadero desde una diferente perspectiva. La película de Makoto da una vista realista de las luchas que muchos hacen frente contra del tiempo, del espacio, de la gente, y del amor. El título 5 centímetros por segundo viene de la velocidad a la cual los pétalos de sakura caen del árbol, los pétalos que son una representación metafórica de los seres humanos, evocadora de la lentitud de la vida y de cómo la gente comienza a menudo junta pero lentamente se van separando y toman caminos diferentes.

Elfen Lied (エルフェンリート, Erufen Rīto?) es un manga creado por Lynn Okamoto y su adaptación al anime dirigida por Mamoru Kanbe. Ambos formatos tratan sobre la especie de los diclonius, una mutación del ser humano con cuernos, y su violenta relación con el resto de la humanidad.
El manga comenzó en junio de 2002 en la revista semanal japonesa Young Jump; pocos meses después la editorial Shūeisha emprendió su recopilación y publicación hasta su final en noviembre de 2005 con el duodécimo volumen.[1] La aceptación obtenida propició su adaptación al anime, que empezó a ser emitido el 25 de julio de 2004, cuando el manga aún estaba inconcluso;[2] por ello, el argumento de ambos formatos diverge a partir del volumen 7 de la historieta y el episodio 12 de la serie, la cual cubre la historia publicada hasta su realización pero ofrece un desenlace completamente diferente al que se escribiría para el manga un año después de la finalización del anime. El 21 de abril de 2005 se lanzó una OVA que añadía algo más de información al trasfondo pero sin avanzar en el argumento posterior al último episodio,[3] que dejaba la supervivencia de la protagonista principal a interpretación del espectador.
Elfen Lied está dirigido a un público adulto dada la cantidad de escenas con desnudos, gore, violencia física y psicológica que presenta, siendo principalmente categorizado en los géneros de seinen, ecchi, terror y drama. Muestra influencias de otros mangas y animes, como Chobits, 3×3 Ojos y Gunslinger Girl, de los que toma prestados el diseño de los personajes, la personalidad de la protagonista o el concepto de niñas con un comportamiento sanguinario, ya sea instintivo o condicionado.[4] [5]
El nombre Elfen Lied, pronunciado [ˈɛlfən liːt], es alemán y significa «Canción Élfica». Su origen es el lied Elfenlied del compositor austriaco Hugo Wolf, basado en el poema homónimo del escritor alemán Eduard Mörike.[6]

Reseña:Escapando de su hermano quien acaba de ascender al trono. Kurou y su sirviente Benkei se percatan de una luz en medio de una desolada montaña lo que les indica que es una casa, al llegar una bella mujer con el nombre de Kuromitsu, los recibe y les permite quedarse en su casa con la única condición de que nunca miren en la habitación donde ella duerme.¿Quién es la extraña Kuromitsu? ¿Por qué no quiere que nadie entre en su habitación?Fuente: ??Ficha TecnicaTitulo: Kurozuka (2008) Genero: Acción, samurai, misterio, violencia.

Reseña:Sahashi Minato ha fallado el examen de ingreso a la Universidad dos veces, no es muy popular con las mujeres y esta desempleado. Un día, Minato se encuentra con una chica llamada Musubi, que literalmente le cae del cielo. Minato pronto aprende que él es un Ashikabi, un ser humano con genes especiales que le permite asociarse con Sekireis. L@s Sekireis son seres super-dotados, creados por la misteriosa corporación MBI. Las Sekireis pueden ser chicas lindas, mujeres maduras, hasta chicos bishounen. Las Sekireis deben entrar en una lucha o competencia denominada «Plan Sekirei». Con toda la ciudad de Tokio como el campo de batalla, las Sekireis deben buscar a los seres humanos que son destinados a convertirse en su Ashikabi. Minato pronto aprende que ser el socio de una bella muchacha no es todo diversión y juegos, sobre todo cuando descubre que un Ashikabi puede tener más de una Sekirei pareja, y ahí es donde lo mejor comienza.Fuente: ??Ficha TecnicaTitulo: Sekirei (2008)Genero: Acción, ecchi, comedia.

Nuovo Cinema Paradiso

TITULO ORIGINAL
Nuovo Cinema Paradiso
AÑO
1988
DURACIÓN
123 min.
Trailers/Vídeos
PAÍS

DIRECTOR
Giuseppe Tornatore
GUIÓN
Giuseppe Tornatore
MÚSICA
Ennio Morricone
FOTOGRAFÍA
Blasco Giurato
REPARTO
Philippe Noiret, Jacques Perrin, Salvatore Cascio, Agnese Nano, Brigitte Fosey, Marco Leonardi, Antonella Attiu, Enzo Cannavale, Isa Danieli, Leo Gullota, Pupella Maggio, Leopoldo Trieste
PRODUCTORA
Coproducción Italia-Francia; Les Films Ariane / Cristaldifilm / TFI Films / RAI
GÉNERO Y CRÍTICA
Más información
1989: Oscar mejor película extranjera. 1989: Cannes: Premio Especial del Jurado. Globo de Oro: mejor película extranjera /

Sinopsis: La película es un homenaje al género cinematrográfico. En un largo raconto narra la historia de un respetado director de cine (Salvatore, interpretado por Jacques Perrin) que vuelve a su antiguo pueblo siciliano para acudir al funeral de su viejo amigo Alfredo (interpretado por Philipe Noiret), el antiguo proyeccionista del cine Nuevo Cinema Paradiso y también artífice de su pasión por el cine en su infancia y juventud. La película constituye un retrato sentimental de la Italia de la posguerra y una declaración de amor al cine.
Esta obra cinematográfica es la suma de tres características cruciales en la elaboración de una película: está dotada de una historia minuciosa, que trae consigo un análisis profundo, y estos dos factores están expresados con amplia versatilidad técnica en la realización.
El director italiano muestra en esta película la historia de Totó (cuyo nombre real es Salvatore), un personaje que tiene un amigo bastante cercano y mayor (Alfredo), de quien aprende –gracias a su extremo ahínco- las técnicas de proyección de películas.
“Totó”, como prefiere ser llamado el protagonista, tiene problemas económicos en su niñez porque su padre se ha ido a la guerra, por lo que debe tocar las campanas en la iglesia del pueblo (la historia se desarrolla en un pueblo de Sicilia, Giancaldo, en 1954; coincide con su adolescencia). Como el sacerdote para quien trabaja es el dueño de “Cinema Paradiso”, el teatro donde los ciudadanos asisten para ver las noticias y películas, Totó se acerca a Alfredo, quien cede ante su insistencia en el aprendizaje de las técnicas de proyección.
Con el paso de los años, Totó perfecciona sus conocimientos, aplicándolos cuando debe reemplazar a Alfredo después que éste sufre un accidente ocurrido por una manipulación inadecuada de las cintas en una proyección, y que da lugar a la reconstrucción del teatro. Mientras esto sucede, Totó crece y vive su primera experiencia de amor. Después de muchos años, contrariando el consejo de Alfredo, pero forzado a asistir a su funeral, Totó vuelve al pueblo, donde recuerda su infancia y juventud, acompañado de la nostalgia que despiertan ciertas cosas que su madre y Alfredo guardaron para él.
La cinta tiene una historia conmovedora, que se apoya fuertemente en un formidable manejo de la fotografía y sonido. Además, es un homenaje al cine antiguo (pues hay decenas de referencias en imágenes y diálogos, desde Jean Renoir hasta Charles Chaplin), al cariño por el cine, a su historia y técnicas… pero ante todo, es una reflexión sobre la fuerza de voluntad.

Antichrist (2009)

Titulo:Antichrist

Año:2009

Género: Drama, Horror

Director: Lars Von Trier

Productor: Meta Louise Foldager

Guión: Lars Von TrierFotografía: Anthony Dod Mantle

Montaje: Anders Refn

Diseño de producción: Karl Júlíusson

Dirección artística: Tim Pannen

Vestuario: Frauke Firl

SINOPSIS: Para ayudar a su mujer a superar la muerte accidental de su hijo, su marido, psicólogo, decide llevarla a una cabaña perdida en medio de un bosque, el lugar donde ella pasó el último verano con su pequeño. Pero la terapia no parece funcionar, ella comienza a comportarse de modo extraño, y la naturaleza también.

PVC-1

Ficha técnica:
Nombre original: PVC-1 (2007)
País: Colombia
Director: Spiros Stathoulopoulos
Género: Drama
Producción: Spiros Stathoulopoulos y Dwight Istambulian
Obra de ficcion inspirada en hechos reales ocurridos en Colombia.85 minutosMérida Urquía, Daniel Páez, Alberto Sornoza, Hugo Pereira, Patricia Rueda, Andrés Mahecha, Liz Pulido entre otros.
Sinopsis
Cuatro hombres cuidan con recelo un paquete negro. Tres de ellos y un niño entran a la casa de una campesina y su familia y empiezan a tomar la medida de sus cuellos. Ofelia entra en pánico al darse cuenta de que tiene en su cuello un ‘collar bomba’.

Se trata de un documento fílmico, dirigido por el colombiano Spiros Stathoulopoulos, quien trabajó en ella más de tres años, logrando 11 premios internacionales, utilizando un formato novedoso y arriesgado, con cámara al hombro en un plano de secuencia y a una sola toma, una historia de 85 minutos sin cortes y con poco apoyo financiero.
La historia parece sacada de la imaginación del director, pero en cada festival que se ha presentado, se han sorprendido al saber que fueron hechos reales los que en la cinta vive Ofelia, una humilde campesina que es aprisionada por unos delincuentes a través de un collar bomba, todo para obligar a su esposo a pagar una suma de dinero. Ganadora del Premio a la Evolución de la Expresión Moderna en el Cine, este filme se convierte en un testimonio del nivel de violencia y crueldad que vive Colombia. El plano secuencia permite que el espectador sienta la angustia de la mujer que intenta por todos los medios salvar su vida, y la relación de amistad que establece con el agente antiexplosivos que arriesga su vida para salvar a la pobre Ofelia.

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La hamaca paraguaya (2006)
Duración: 1h 28minGénero: Drama.
Elenco: Ramón del Río y Georgina Genes

Sinopsis: 14 de junio de 1935. En un lugar aislado en tierras de Paraguay, Cándida y Ramón, un matrimonio anciano de campesinos, esperan el regreso de su hijo, que partió al frente para luchar en la Guerra del Chaco. También esperan la llegada de la lluvia (que a pesar de los pronósticos no llega nunca), del viento (que no sopla), que el calor desaparezca (que sigue impertérrito a pesar de la estación), que la perra deje de ladrar (aunque nada consigue dejar que ladre), y, por último, esperan que las cosas mejoren. Y ese instante de eternidad se sitúa entre el pasado y el futuro por llegar. Pero dentro de la pareja cada uno ve las cosas a su manera: Ramón, el padre, hace frente a la espera con optimismo, mientras que Cándida, la madre, está convencida de que su hijo ha muerto. Sin embargo, los papeles se invierten durante la espera: el padre y la madre reciben una señal del hijo, que les va a hacer cambiar de actitud y postura.

Dirigida por Paz Encina, con Georgina Genes, Ramón del Río.

Filmar la espera. Gilles Deleuze ha dejado sus valiosas reflexiones sobre la relevancia del cuerpo cuando la cámara filma la espera, y en este caso no sólo se trata del cuerpo de los personajes en sus ceremonias cotidianas sino del cuerpo de la tierra toda.
Una pareja pasa sus días esperando el regreso del hijo que ha ido a la guerra; esperan mientras conversan sentados en la hamaca, en medio del monte, y esperan mientras trabajan. Cándida y Ramón esperan –cada uno a su manera, negándose a lo peor– al hijo, esperan la lluvia y el fresco, el fin de la guerra, esperan la muerte. Sus conversaciones no pueden ser más triviales: la tormenta que no se decide a descargarse, la perra que ladra sin cesar, el hijo, si vive o habrá muerto. Se trata del film más original que se ha estrenado en lo que va del año, y si agregamos que es el primero filmado en Paraguay en treinta años, dirigido por una joven formada en Argentina, y hablado íntegramente en guaraní, el grado de extrañamiento se acentúa.
Esta rara suerte de Esperando a Godot es fruto de una propuesta estética muy arriesgada, no apta para quienes gusten del cine narrativo más convencional de imagen-acción. Por el contrario, apela a una particular disposición del espectador amante de un cine de climas, de atmósferas. De un riguroso minimalismo, el film –circular, abre y cierra con larguísimas tomas en el mismo lugar– está realizado con una cámara siempre fija que toma planos generales de la pareja, del cielo encapotado, de los trabajos y los días de esos únicos personajes. Sólo en tres oportunidades la cámara se acerca a los protagonistas: en dos de ellas, mientras trabajan, hieráticos, los padres evocan sendas conversaciones con el hijo, superponiéndose sobre la capa del presente, otra del pasado. La imagen recuerda lo mejor del cine japonés, del cine iraní. Los bellísimos, escasos planos de Hamaca paraguaya –unos veinte en total– constituyen imágenes visuales y sonoras puras, cada uno de ellos una imagen-tiempo, que hace fluir el tiempo en directo. El cuerpo está mostrado en sus ceremonias y rituales cotidianos: la charla recurrente, el abanicarse, el pelar y comer una naranja, cortar la caña o lavar la ropa, todas las actitudes del cuerpo remiten fuertemente a las categorías de la vida y de la muerte. Aquí no interesa la performance actoral: los personajes siempre están tomados de lejos, y no son más que mediadores entre el espectador y la situación que se impone. El estado de espera queda en reemplazo de la imagen-acción, las charlas de los padres resultan situaciones absolutas, estados puros, ajenos a la cadena de acciones y consecuencias: empiezan y acaban en sí mismas. Una cuidadísima banda sonora registra voces y silencios, truenos, ladridos y el canto de los teros, con el agregado de que Encina utiliza el recurso de la voz en off para todo el film, lo que le imprime un asombroso grado de estilización.
La realizadora se identifica con el cine de Lucrecia Martel y Lisandro Alonso, y se perciben huellas de ambos en su opera prima. Paz Encina se inscribe en una tradición de directoras del cine moderno que han sabido filmar la física de los cuerpos y los elementos, como lo hace Martel, y también Alonso. La tierra, las plantas, el aire y el agua se sienten en toda su densidad. A eso agreguemos que el responsable de la fotografía es Willy Behnisch y del sonido Guido Beremblum y Víctor Tendler, y tenemos representado el lado más progresista del nuevo cine argentino colaborando con Encina. Una vez más se pone en evidencia la sensibilidad de la productora Lita Stantic para apoyar proyectos y descubrir talentos. Hamaca paraguaya ganó en el último Festival de Cannes (2006) el premio de la Fipresci (Federación Internacional de Críticos).
Es muy claro que Encina es una cabal conocedora de la identidad social y cultural de Paraguay. Se han ensayado diversas interpretaciones de Hamaca paraguaya: algunos ven en esta evocación de la Guerra del Chaco un alegato antibélico; la directora declara que quiso expresar la melancolía propia de Paraguay; para otros, se trata de la espera de un mejor destino para ese país y para todo el continente latinoamericano. Todas esas lecturas son válidas, porque su film casi atemporal es lo suficientemente abierto como para contenerlas a todas.
En pocas oportunidades como en ésta he sentido en cada plano el peso del tiempo, al decir de Tarkovski. Y sobre todo en el final, en su viaje hacia la noche, la (casi intolerable) sensación vívida de desembocar en la muerte.

Josefina Sartora

Departures (2008)

2008
DURACIÓN
131 min.
Trailers/Vídeos
PAÍS
Japón
DIRECTOR
Yojiro Takita
GUIÓN
Koyama Kundo
MÚSICA
Joe Hisaishi
FOTOGRAFÍA
Takeshi Hamada
REPARTO
Masahiro Motoki, Tsutomu Yamazaki, Ryoko Hirosue, Kazuko Yoshiyuki, Kimiko Yo, Takashi Sasano, Tôru Minegishi, Tetta Sugimoto, Yukiko Yachibana, Tatsuo Yamada
PRODUCTORA
Amuse Soft Entertainment
GÉNERO Y CRÍTICA

2008: Oscar: Mejor película de habla no inglesa / Drama / SINOPSIS: Daigo Kobayashi, antiguo violoncelista de una orquesta que se acaba de disolver, acaba vagando por las calles sin trabajo y sin demasiada esperanza. Por ello decide regresar a su ciudad natal en compañía de su esposa. Allí consigue un empleo como enterrador: limpia los cuerpos, los coloca en su ataud y los envía al otro mundo de la mejor forma posible. Aunque su esposa y sus vecinos contemplan con desagrado este puesto, Daigo descubrirá en este ritual de muerte la chispa vital que le faltaba a su propia vida.

Lo primero que se nos muestra en pantalla es el “nokanshi”, el ritual funerario japonés. El espectador que desconoce de este tipo de rituales seguramente quedara estupefacto con lo extraordinario del descubrimiento, en esos primeros minutos, es imposible no pensar en que esta película merecia plenamente elOscar.. Departures nos cuenta la historia de un antiguo violoncelista de una orquesta que se acaba de disolver y que vaga por las calles sin trabajo y sin demasiada esperanza. Por ello decide regresar a su ciudad natal en compañía de su esposa. Allí consigue un empleo como enterrador: limpia los cuerpos, los coloca en su ataúd y los envía al otro mundo de la mejor forma posible. Aunque su esposa y sus vecinos contemplan con desagrado este puesto, Daigo (protagonista) descubrirá en este ritual de muerte la chispa vital que le faltaba a su propia vida. El argumento es demasiado atrayente, el guión se tambalea sobre si mismo, o sobre el resultado al que se desea llegar, este es quizás su principal problema, la película desea abarcar demasiados terrenos, primeramente el humor negro, luego se introduce en terreno dramático, convirtiéndose en pocos segundos en una película lacrimógena y finalmente se transforma en una obra poética, asunto que no molesta del todo ya que el espectador disfrutara de estas facetas, gracias a que la película finalmente cubre las expectativas. Debido a esto se puede considerar a Departures dos películas en una, la primera hora de humor negro y la segunda es un drama poético magistral. Lo único verdaderamente cuestionable es que hay ciertos giros argumentales que no son del todo efectivos. La dirección es efectiva, sencilla, pero muy cuidada. El director vigila cada uno de los detalles, para que la historia no se salga del contexto, hay escenas muy emotivas que perduraran en el recuerdo, técnicamente es una película muy solvente la modesta música impregna un aire de melancolía al genial trabajo de fotografía, sobre las actuaciones no hay ninguna novedad, todas muy exactas pero nunca impresionantes, aunque los personajes de reparto son los que se roban la atención del espectador.

The Soloist (2009)

Tiulo: The SoloistDirector:

Joe Wright

País: Usa

Año: 2009

Género:Biografica, Drama, Musical

Interpretación: Jamie Foxx (Nathaniel Ayers), Robert Downey Jr. (Steve Lopez), Catherine Keener, Tom Hollander (Graham), Lisa Gay Hamilton (Jennifer)

SINOPSIS

Narra la historia verídica de Nathaniel Ayers, un prodigioso violinista que en su segundo año de conservatorio desarrolló esquizofrenia y acabó viviendo en la calle, en donde fue descubierto por el periodista de Los Angeles Times Steve López en el año 2005. Impresionado por su talento, López escribió una serie de artículos sobre él que lo sacaron del anonimato y le permitieron tocar en el Disney Concert Hall...