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Films Posibles
1. Le fabuleux destin d'Amélie Poulain (2002) 2. EVA (2011) 3. Water (2005) 4. Okuribitu (2008) 5. La piel que habito (2011) 6. Una separación (2011) 7. Cidade de Deus (2002) 8. El Colombian Dream (2006) 9. Le scaphandre et le papillon (2007) 10. Slumdog Millionaire (2008)
Temas de análisis (elegir 4) Concepto de 35 milímetros vrs concepto de 16 milímetros vrs concepto de video electrónico (ejemplificar) Concepto de guión cinematográfico y en específico concepto de happy end (ejemplificar) Concepto de género en cine y específico diferencias entre cine documental, testimonial y realista. Cine norteamericano comercial vrs cine arte (diferencias ténicas). Tomas y planos (concepto general), ejemplificar con una escena. Edición cinematográfica, concepto general y ejemplos. Efectos especiales. Uso y abuso (concepto general). Pista de sonido cinematográfica (concepto técnico) y ejemplos. Metodología Publicación en blog de cine mediante comentarios continuos ( Parte 1, parte2, etc.) en apartado “Crítica cinematográfica”.
Parte 1. Pista de sonido cinematográfica: Las pistas de sonido en el cine es uno de los aspectos más importantes que se a realizando desde los primeros inicios del cine, ya que estas pistas son producidas por ingenieros muy preparados en la actualidad, cabe destacar que las primeras pruebas de sonido se realizaron el 1927-1928 en salas de cine con películas sin dialogo (solo música). La primera película que incorpora diálogos es El cantor de Jazz (6 de octubre de 1927). El sistema utilizado era muy primitivo, se llamaba MovieTone y consistía en un tocadiscos coordinado con el proyector de cine. Se producían errores de sincronía a menudo. No llegó a Europa. A pesar de esta consideración, no era una cinta totalmente sonora. Contenía algunas canciones y varios fragmentos hablados; en uno de ellos, el protagonista, Al Jolson, miraba a la cámara y pronunciaba la primera línea de diálogo de la Historia del Cine: "¡Esperen un minuto: aún no han oído nada!" Después de esa frase nada fue igual y el cine mudo comenzó a ser algo del pasado. Después de este éxito sin precedentes del Warner, los demás estudios comenzaron a producir películas que cada vez ofrecían más diálogos. La primera totalmente hablada sería "The lights of New York", en 1928 dirigida por (Bryan Foy) esta largometraje utilizo el sistema de sonido (Vitaphone). Como mencionamos anteriormente el sonido es uno de los aspectos mas importantes en la realidad, para llegar acabo una posproducción de sonido es sumamente complicado, ya que para realizar un buen sonido se necesitan buenos ingenieros. Para dar una idea de posproducciones detallistas de sonido nos referimos ala película Amélie (Le fabuleux destin d'Amélie Poulain ) es una película francesa de 2001 dirigida por (Jean-Pierre Jeunet), co-escrita por el director y (Guillaume Laurant) y protagonizada por (Audrey Tautou). Bajo el lema de «Elle va changer ta vie...» (Algo así como Ella va a cambiar tu vida...) en esta película podemos apreciar una alta calidad del sonido el cual es producido por (DTS - Dolby Digital), para dar un ejemplo cuantificable podemos observar cuando Amélie esta en la calle y mete la mano en el costal de granos, en esta escena podemos escuchar la calidad del sonido, la delicadeza con la cual esta echa esta pista de sonido con lo cual solo profesionales en el ámbito del sonido lo podrían realizar.
parte 2 El sonido es sumamente importante en todo su esplendor pero para efectos del cine este llega una batuta muy importante pues este es esencial para cautivar la audiencia, un ejemplo que podemos mencionar es en la gran exitosa película wáter (directora Deepa Mehta), pues esta película nos muestra una pista de sonido impecable cabe destacar que la escena donde realizan el festival del color presentan un sonido impecable. El sonido es un problema de ingenieros con lo cual cada día el sonido cinematográfico se esta perfeccionando, en la actualidad la mejor calidad de sonido es donde se utilizan los primeros cinco altavoces los cuales emiten sonidos de plena frecuencia mientras que el subwoofer emite las bajas frecuencias. El DTS utiliza una resolución de bits superior a la del Dolby Digital 5.1. Cine norteamericano comercial vrs cine arte Como en todo arte siempre vamos a tener dos partes una comercial y la otra artística y con lo cual el cine no se escapa de esta tendencia mundial. Cabe destacar que en la actualidad estamos siendo bombardeados por el cine norteamericano comercial, el cual muchas personas llaman cine basura pues este carece de muchas cosas que realmente caracterizan el cine común mente llamado sétimo arte. Es importante mencionar que el cine comercial lo que trata es de vender una película con lo cual ellos lo que quieren es recolectar dinero y se acabó, suprimiendo lo que llamamos arte. Entre el cine comercial y cine arte podemos encontrar muchas diferencias técnicas pues el cine comercial parece de una buena trata, estética, sonidos de calidad, en otras palabras este tipo de cine se queda muy corto, pues cuando realizan este tipo de películas lo único que están pensado es en recibir dinero y dejando por un lado lo que en realidad es el cine, por otro lado encontramos el cine arte este tipo de cine es muy rico en su totalidad pues este cuanta con una trama muy esplendorosa, presenta una estética genial y además este cine cautiva el espectador de tal manera que este se refleje en la film, y en el ámbito del sonido presenta posproducciones increíbles. Es penoso y ridículo comparar una producción con wáter (directora Deepa Mehta), con Batman, pero esta comparación nos hará entender algunas diferencia técnicas importantes, en la película Water nos presenta una trama, estética muy sobresaliente ya que nos da a conocer temas muy importantes que en muchos casos la humanidad lo deja de un lado, esta película nos muestra un sonido no escandaloso si no sutil acoplado a su trama; en la otra contra parte la película Batman nos presenta una trama sin ningún argumento llega de violencia, un sonido pésimo, escandaloso que no se ajusta algunas veces a su trama.
parte 3 Algunas personas han tomado el cine como un comerció lo cual es indignante, pues este es un medio para presentar situaciones importantes que recalquen y engrandezca la integridad del ser humado, un ejemplo que pone en gran evidencia la diferencia del cine comercial con el cine arte es la gran película (Le scaphandre et le papillon (Diving Bell and the Butterfly) Director (Julian Schnabel), esta presenta un guion de primerísima clase y lo que tiene de especial este guion es la sutiliza con la que fue planteado con lo cual pone en lo mas alto el (sétimo arte) , esta es una de las grandes diferencias del cine comercial no cuanta, carece de un guion una estética. Edición cinematográfica: La edición o montaje forma parte de la última fase en la fabricación de películas y programas de tv, y algunas veces la llámanos fase de postproducción. Montar una película es construirla a partir de un material, el celuloide en que ha sido rodada, para un público de espectadores en los que se persigue un efecto determinado: interés, risa, miedo, emoción, reflejo de su vida, etc. La edición cinematográfica es sumamente importante cuando se comienza a ordenar todas las partes de la película o cortó, etc. pues el editor tiene que contemplar muchas variables algunas de las más importantes es el ritmo interno y externo de la film, además este tiene que controlar cada escena o edición a atreves del tiempo. El trabajo de un editor no solo consiste en yuxtaponer los planos, cortar y pegar, un editor ordena la narrativa y la rítmica del film; es él quien transmite las emociones al espectador lo incentiva a sentir la película, de modo que se evaluará la conveniencia de colocar a la emoción como primera y aleatoria condición para decidir un corte. La segunda consideración es hacer avanzar la historia que esta tenga un idea central donde se van a desarrollar ideas secundarias con el fin de tener el espectador en un estado inquieto; la tercera es mantener un ritmo interesante en el film con lo cual hacer que la audiencia se interesé en la historia; cuarta es la línea de mirada con la cual se pretende una buena estética; quinta el eje de acción y por último el espacio tridimensional de la acción este tiene un gran énfasis pues el editor tiene que escoger un espacio tridimensional adecuado para realizar cada puesta en acción en el lugar mas adecuado o mas bien donde la escena tenga las estética impecable. Es de interés tratar de explicar una edición cinematográfica con algún ejemplo, podemos dar una pincelada de como editaron Amélie, esta película es considerada una de las mejores del mundo pues tiene una edición muy importante pues la narración es flexible en cada escena y por su planteamiento de edición permite volver a montar temas posteriores en el transcurso de las escenas, otra de las etapas de montaje de Amélie que la hizo tan reconocida fue el proceso de ajuste de color para que la film tenga una continuidad con los diferentes planos y tomas este proceso suele llevarse en varias fases para tener el cuidado y la delicadeza de producir una obra de arte como es está film.
parte 4 Efectos especiales. Uso y abuso: Los efectos especiales en la realidad son una parte muy importante en las film, estos son un grupo de técnicas que permiten modificar la apariencia de la imagen o el sonido. Los efectos especiales nacen por una necesidad ya que los productores quieren envolver al espectador en la ilusión de que algo era real, cuando no lo era. Con este propósito, empiezan a surgir diversas técnicas que permití¬an crear esta “magia” con mayor efectividad. Inicialmente las llamaron “trucos”, pero, más tarde, recibieron el nombre de Efectos Especiales. Existen numerosas técnicas para realizar efectos especiales algunas de ellas las podemos analizar a continuación. Efectos mecánicos: estos son uno de los mas simples, se refiere a cualquier creación fí¬sica en el decorado o localización del rodaje, mientras se filma de modo habitual: por ejemplo, las explosiones, el fuego, el viento, la lluvia, paredes que se derrumban, efectos de las balas, maquetas y modelos en miniatura para facilitar un rodaje, y otros recursos similares. Estos efectos datan de los mismos orí¬genes del cine, ya que muchos de ellos se tomaron de los espectáculos teatrales y del ilusionismo. Efectos ópticos: Esta se aplicable a cualquier distorsión de la filmación directa hecha con la misma cámara con la que se rueda, o mediante un tratamiento especial de la pelí¬cula durante el proceso de revelado y positivado. El más simple de estos efectos es la sobreimpresión, que significa tener imágenes superpuestas en una serie de fotogramas. Efectos de montaje: Las técnicas de hacer aparecer y desaparecer los objetos, o cambiarse unos por otros parando la cámara, y sustituir un objeto por otro antes de comenzar a filmar de nuevo, logrando que el empalme entre los dos tramos de pelí¬cula sea imperceptible. Incrustaciones en movimiento: Las combinaciones de cachés simples no sirven cuando lo que se busca es que el fondo esté en movimiento cuando el actor también lo está (por ejemplo, el paisaje que se ve a través de la ventanilla de un tren). Se idearon diversas formas de incrustación en movimiento. En el básico, los actores se graban delante de una pantalla con un color apropiado, filmación de la que se obtiene una silueta negra en movimiento que se puede incrustar sobre el fondo grabado por separado cuando los dos se combinan al final en el copiado. Hay muchas variaciones complejas de este proceso básico, pero normalmente es una pantalla azul -”el chroma key”- la que se coloca detrás de los actores.
parte 5 Actualmente los efectos especiales constituyen una actividad especializada dentro de la poderosa industria del cine, que se nutre de la ciencia y desarrolla a la par de los avances tecnológicos, pero en la actualidad con el gran avance tecnológico desarrollado, los editores algunas veces abusan de estos efectos especiales ya que estos tratan de crear acontecimientos históricos (futuristas), con lo cual llevando algunas escenas a un abuso de los efectos especiales. Es importante mencionar que en los inicios del cine los efectos especiales o ópticos se usaba de tal forma que exponían dos capas de película, que han sido la base del funcionamiento de la mayorí¬a de los efectos especiales hasta hace pocas fechas. Los efectos especiales que vemos en el cine son, en realidad, la mezcla de varias técnicas. Estas surgieron con el propósito de crear una fábrica de sueños fí¬lmicos que hagan desaparecer la frontera entre la realidad y la fantasí¬a. Para ejemplificar un efecto podemos mencionar la película Amélie pues en esta film encontramos un efecto especial muy importante, nos referimos ala escena cuando la niña libera el pez al caño este cuando iba cayendo como a un medio metro antes de tocar el agua este se dio vuelta y se despedido de la niña, como podemos ver este es un efecto muy impresionante, cuanta con una gran delicadeza.
Bibliofrafia: 3 Jun 2012 – EFECTOS ESPECIALES EN EL CINE. shtml Recuperado de http://www.claqueta.es/articulos/efectos-especiales-en-el-cine.html Buenos Aires. La Rocca, 2007. Cromatografía. Recuperado de http://es.wikipedia.org/wiki/Croma Película sonara 1927-1928. Recuperado de http://www.muyinteresante.es/icual-fue-la-primera-pelicula-sonora Edición cinematográfica jueves, 02 de noviembre de 2006. Recuperado de http://ecine.blogcindario.com/2006/11/00010-la-edicion.html Cortos y planos edición cinematográfica. Recuperado de. http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/tiposdeplano.htm
EFECTOS ESPECIALES Son un conjunto de técnicas especializadas de carácter visual y auditivo con el fin de crear un ambiente imaginario el cual es imposible de obtener mediante técnicas comunes o naturales y también busca captar tanto la atención como el asombro del público en general. Le fabuleux destin d’Amélie Poulain es una producción de origen francesa estrenada en el año 2001 a cargo de Jean Pierre Jeunet, es catalogada por grandes críticos de cine como una gran película en aspectos de dirección, actuación, guion, música, fotografía, montaje y diseño. Este filme participó en una gran variedad de concursos cuyo porcentaje de éxito fue bastante alto tanto a nivel nacional como internacional. Una de los aspectos que se enfatizan en la película es la inclusión de una serie de efectos visuales. Los efectos especiales durante el rodaje de la película son abundantes, por ejemplo, durante el ciclo introductorio cuando Amélie era una niña tomaba una variedad de fotos a las nubes las cuales presentaban figuras que representaban animales entre ellos el conejo, otro efectos ocurren en la interacción de Audrey Tautou con el agua tanto en la escena en donde el pez se despide de ella en la etapa de su niñez y cuando por ocio se dedica a tirar piedras. Estos tres efectos mencionados anteriormente son realizados de una forma cuidadosa mediante gráficos animados programados dentro de un computador. Por otra parte como opinión subjetiva creo que en ciertas secciones de las películas, por ejemplo, cuando los personajes se desvaneces en especial Amélie, cuando su corazón resplandecen y el movimiento de pinturas y objetos son figuras no retóricas que están de más en el filme y que conforme un universo fuera de toda representación de la realidad.
35 MM VRS 16 MM En el ámbito cinematográfico existen tres formatos de películas: 8mm, 16mm, y 32mm estos valores representan los marcos de referencia o el ancho de los filmes. A medida que los valores aumentan se produce una mayor definición y un equilibrio estándar en aspectos de nitidez, brillo y contraste. El formato de 16 mm es el más económico en comparación con el de 35 mm, actualmente se utiliza en cortos debido a su simplicidad. De manera antagónica el filme de 35 mm presentan un mayor presupuesto, sin embargo, consigue una mejor definición mejorando la calidad de la imagen y haciendo de cada escena una fotografía. En la película titulada “Water” dirigida por Deepa Mehta se observó en gran porcentaje de la película la calidad de la imagen, el responsable de la calidad de la fotografía y del aspecto cinematográfico fue Giles Nuttgens. La película se diferencia ampliamente de las demás debido a que presentan una calidad de la iluminación, imágenes atractivas de paisajes y retratos que producen un efecto positivo en el receptor. La película fue realizada en Varanasi una ciudad rodeada por el rio Ganges en donde la belleza natural abunda todos estos aspectos fueron aprovechados, por ejemplo, en la escena de la película en donde Lisa Ray y Jonh Abraham se encuentran debajo de un árbol, en esta parte de la película el director utiliza su imaginación y demás herramientas para crear un retrato, una imagen de 35 mm de gran calidad, de las misma manera las interacciones que presentan algunos personajes con el agua crea escenas increíbles que representan un gran trabajo digital y creativo.
CONCEPTO DE GUION CINEMATOGRÁFICO El guion cinematográfico es la estructura principal, la base fundamental de la estructura dramática audiovisual, es un elemento cuyos márgenes y relleno están conformados por literatura, este aspecto principal del cine tiene como objetivo primordial contar una historia cuyos elementos se basan en escenarios, personajes y diversas situaciones mediante una descripción audiovisual. El concepto de guion cinematográfico se representa de manera directa con la película de Pedro Almodóvar titulada “la piel que habito” en donde se muestra un guion debidamente estructurado con todas sus cualidades, además, cabe rescatar que los guiones de Almodóvar se diferencian de los demás por generar un misterio junto con un desorden de ideas al principio que conforme se desarrollo la película se van amalgamando de una manera impecable y secuencial. “Happy end” es un concepto incorporado al séptimo arte debido al predominio de películas cuyo desarrollo esta basado en una trama y como conclusión se resuelvo todos o la mayoría de los conceptos, sin embargo, muchos productores de cine han dejado esa tendencia que genera en los expectadores la predicción del final, un ejemplo, es el filme mencionado anteriormente realizado por Almodóvar cuyo punto de predicción del desenlace de la película se pueden obtener únicamente en las ultimas escenas no al principio como en la mayoría de las producciones cinematográficas.
CONCEPTO DE GÉNERO EN CINE Y ESPECÍFICO DIFERENCIAS ENTRE CINE DOCUMENTAL, TESTIMONIAL Y REALISTA. En general, un género cinematográfico es el concepto con el cual se puede dividir mediante temas las películas tales como, comedia, drama, acción, terror, aventura, entre otros. Estos clasifican a los filmes según sus características emocionales. De una manera ejemplificada se puede clasificar a la obra de “le fabuleux destin d’Amélie Poulain” como una comedia romántica, sin embargo, a mi criterio un simple genero no puede representar el significado de una película y todo el trabajo que esta conlleva. El cine documental es aquel que por medio de herramientas audiovisuales se representa una representación parcial de la realidad de esta manera como objetivo principal trata de hacer una critica sobre algún tema en especifico, sin embargo, este puede utilizar partes fuera de la realidad. El documental testimonial es aquel que mediante una serie de testimonios generalmente expresados por personas se quiere cambiar el estilo de pensamiento de la población y el documental realista es aquel cuyo eje temático se concentra en representar la realidad tal y como es, este documental se ejemplifica con la película titulada “Ciudad de Dios, una producción de origen brasileño la cual expresa de una manera tosca la cruda realidad que aguardan en las diferentes favelas. Esta producción es dirigida por Fernando Meirelles. BIBLIOGRAFÍA Jiménez, P. (2009). Lenguaje cinematográfico Recuperado el 07 de Septiembre del 2012, de http://www.zemos98.org/descargas/eacine/04LenguajeApuntes.pdf Sanchez, R. (2011). Cinematografía y sus composiciones Recuperado el 07 de Septiembre del 2012, de http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lco/jimenez_l_ma/capitulo1.pdf Bermudez, N. (2008). El cine y el video Recuperado el 07 de Septiembre del 2012, de http://www.saber.ula.ve/bitstream/123456789/26457/1/articulo5.pdf
Parte 1 Aspectos importantes en el cine El presente trabajo consta de una explicación de diferentes términos que se utilizan en el cine para poder caracterizarlo e identificarlo, y con ello conocer más ampliamente algunos temas que son importantes valorar para poder identificar el cine que se tiene. Además se abordaran las diferencias que permiten distinguir una película de otra en cuanto al género. También se comentara lo que nos presenta el cine norteamericano comercial y el cine arte, mediante lo cual se podrá concluir las grandes diferencias que tiene cada cine. Otro tema que se abordara son los efectos especiales que se utilizan en las películas, se explicara en que consiste y se tratara de comentar como son realizados estos efectos en una película. Y por último se abordara el tema de la pista de sonido donde se comenta términos importantes, y se señala la importancia de estos. Estos términos serán explicados con ejemplos de diferentes películas que serán mencionados en el transcurso de esta crítica. Con estos diferentes temas se tratara de explicar aspectos importantes de una película y mostrar las diferencias que hace sobresalir y obtener grandes premios a los films.
Parte 2 Genero en el cine El género en una película es el tema que se quiere plantear, se fundamenta en un tema en específico y algunas veces se identifica con el escritor de la película. Estos temas buscan algunas veces denunciar algún problema social, político, económico o cultural que aqueje una sociedad, también se encuentran temas informativos que destacan algún aspecto relevante de una situación determinada, así como de informar y dar a conocer algún tema o lugar. En el cine se encuentran mucho tipos de géneros entre lo cuales vamos a mencionar el cine documental, testimonial y realista. El cine realista se enfoca en situaciones vividas por personas o sociedades. Identifica características que predominan en un lugar y trata de denunciarlas a través del cine. Ejemplos de escenas de cine realista se encuentra en las siguientes películas. La película Water (2005) dirigida por Deepa Metha se presenta la realidad de las mujeres de la India que según su religión al quedar viudas deben pasar el resto de su vida en un lugar dispuesto para ellas. Esto se evidencia en una escena donde una niña queda viuda y es llevada a este lugar, donde se le limita su libertad y es obligada a permanecer allí. También una película que presenta un carácter de cine realista es Ciudad de Dios (2002) dirigida por Fernando Meirelles y Kátia Lund que se basa en hechos reales, presentado las situaciones de las personas que viven en las favelas en Brasil. Una escena donde se presenta una situación realista en donde después de que un grupo de jóvenes que asaltan un Motel llegan al pueblo y se esconden, seguidamente llega la policía y pregunta que si los han visto, pero nadie da respuesta. Presentándose así algo muy usual ante el comportamiento de las personas de este lugar. El género documental indaga la realidad, plantea discursos sociales, representa historias particulares y colectivas (tomado desde http://www.cinedocumental.com.ar/sitio/). Este género presenta la cultura así como la historia de lo que se realiza en lugar determinado. Un ejemplo de cine documental es Ciudad de Dios (2002) dirigida por Fernando Meirelles y Kátia Lund, que presenta varias situaciones reales además de que plantea los problemas que aqueja una sociedad en las favelas en Brasil. También por medio de esta película que se presenta como un documental se hace una denuncia de cómo niños se van sumiendo en la delincuencia sin que tengan una ayuda para que se puedan de nuevo incorporar a la sociedad. El genero testimonial es el cine que trata de dar un idea o una explicación de un tema. Se abordan contenidos en los cuales las personas expresan lo que les pasa en diferentes momentos de su vida. Como ejemplo de esto tenemos la película La Escafandra y la Mariposa (2007) dirigida por Julian Schnabel donde se presenta lo que le sucede a una persona que tiene una parálisis. Además se pone de ejemplo lo que una persona tiene que pasar ante la enfermedad y de como trata de expresar lo que siente por medio de su ojo que es lo único que no tiene parálisis.
Parte 3 Cine norteamericano comercial contra cine arte Entre el cine norteamericano comercial y el cine arte se presenta gran cantidad de diferencias que afectan directamente en la calidad de las producciones. El cine arte hecha mano de la ingeniería para realizar sus producciones ejemplo de ello la película Amélie (Le fabuleax destin d´Amélie Poulain) (2002) dirigida por Jean-Pierre Jeunet la cual utiliza elementos ingenieriles para producir escenas que destacan, comparadas con el cine comercial. Ejemplo de ello se tiene los efectos especiales que están acorde con el film y los cuales son realizados por gente especializada que tiene un gran camino recorrido en estos campos. En cambio en el cine comercial se trata de sorprender al espectador con escenas exageradas con lo cual lo hace que sea transitorio y no tenga un sentido verdadero para las personas. Se debe recordar que este cine comercial es hecho solo para obtener ganancias, donde la calidad de la película se mide por el dinero que se recoja en su estreno y no por aspectos técnicos como los antes mencionados. Comparando la película Amélie (Le fabuleax destin d´Amélie Poulain) (2002) dirigida por Jean-Pierre Jeunet con una película comercial como puede ser el Hombre Araña se evidencia una gran diferencia en muchos aspectos. Un ejemplo puede ser las imágenes, donde la película Amélie presenta gran cantidad de escenas que son producidas en base a la presentación de un buen arte a diferencia de esta otra película que es muy pobre en este tema y lo que quiere es obtener una ganancia lo cual la hace una película pasajera.
Parte 4 Efectos especiales El cine siempre busca tratar de llamar la atención, esto lo puede lograr de muchas maneras y una de esas es la utilización de los efectos especiales. Los efectos especiales son técnicas que buscan presentar una escena como si fuera real pero que no lo es, un ejemplo de esto se presenta en la película Amélie (Le fabuleax destin d´Amélie Poulain) (2002) dirigida por Jean-Pierre Jeunet, donde el pez es liberado y este se despide, obviamente esto no sucede en la realidad por lo cual se recurre diferentes efectos para poder presentar esta escena y hacerlo que parezca real. Las personas se asombran de lo que una película es capaz de trasmitir por medio de los efectos especiales, donde muchas veces estos efectos pasan desapercibidos y parecen que son reales. Un ejemplo de esto es cuando en la película La Escafandra y la Mariposa (2007) dirigida por Julian Schnabel le cosen el ojo al hombre que tiene la parálisis, en esta escena se hace sentir a los que ven la película como si se estuviera dentro del ojo. Esto se logra por medio de efectos ópticos, donde se utiliza la cámara grabando detrás de un objeto que parezca un ojo. Una gran film que rescata efectos especiales y que hace mantener a la audiencia con la atención puesta es la película es Amélie (Le fabuleax destin d´Amélie Poulain) (2002) dirigida por Jean-Pierre Jeunet donde en el transcurso de las escenas utiliza los efectos especiales. Esto se evidencia por ejemplo cuando Amélie en su lugar de trabajo la cafetería, se desvanece como el agua siendo este un gran efecto. Esto se logra por medio del uso de cámaras especializadas y además de que las imágenes se les da un tratamiento especial. También entre otros efectos se tiene cuando en una escena los animales hablan. Mediante el tratamiento que se le da a cada unas de estas escenas hace parecer como si lo que sucede fuera real y así mantener una gran expectativa en todo el transcurso de la película.
Parte 5 Pista de sonido cinematográfica Inicialmente el cine era mudo el cual se transformo a partir de 1927, donde la primer largometraje que utiliza el sonido es El cantante de jazz, básicamente el sonido consistió en los diálogos. Esta película fue dirigida por Alan Crosland. El sonido en el cine es un elemento de gran importancia ya que hace al espectador que se sienta en ese lugar y de que viva la película en un sentido más amplio. Se puede decir que el sonido le da vida a las diferentes escenas. Un punto que es importante destacar es que el sonido es grabado aparte de las escenas, y luego es acoplado a la película. Con esto se logra resaltar gran variedad de sonidos que van desde los muy simples hasta los muy complejos pero que requieren un trabajo para poder tenerlos. Además se puede influir en los sonidos que se quieren en esa escena y agregar o quitar cualquier enfoque que se le quiera dar a las escenas mediante el sonido. En la película Amélie (Le fabuleax destin d´Amélie Poulain) (2002) dirigida por Jean-Pierre Jeunet el uso del sonido se destaca en casi todas sus escenas. Es impresionante como esta película llama la atención del espectador y lo introducen en el film. Ejemplo de ello se da cuando Amélie mete sus manos en los sacos de los granos de legumbres, y se obtiene un sonido espectacular que hace que se escuche igual como se da en la realidad en un grado de amplificación. También otro ejemplo de esto se da cuando Amélie se encuentra una caja con unos juguetes de un niño. Se aprecia todos los sonidos como por ejemplo cuando abre la caja y cuando manipula los juguetes entre si. Además se nota en esta película tuvo un gran manejo del sonido desde el rechinado de la puerta hasta cuando se da el corte de una cuerda o cuando escribe Amélie en la pared del café donde trabaja. Para poder obtener el sonido en una película se trabajan con diferentes técnicas algunas de esta son: grabación del sonido directo, grabación del sonido en el estudio, doblaje, efectos, música, sincronización y montaje,. Además se cuenta con dos sistemas de sonido sistemas analógicos y sistemas digitales. Por efectos se entiende, los sonidos que son grabados después de que se toma una escena, ejemplo de ello se da en la película Ciudad de Dios (2002) dirigida por Fernando Meirelles y Kátia Lund, donde el sonido de las armas que se utilizan son grabados posteriormente o tomadas de otros lugares e incorporadas en tales escenas. También la música juega un papel muy importante en las películas, con lo cual las escenas presentan un mayor interés para el público y son mas llamativas, como ejemplo de esto tenemos la película Water (2005) de Deepa Metha que utiliza la música en varias escenas con lo cual la hace mas interesante para los espectadores.
Géneros cinematográficos. Recuperado el 3 de setiembre de 2012 desde http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque4/pag1.html
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Martinez, P. Cine documental. Recuperado el 3 de setiembre de 2012 desde http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/cinedocumental.htm
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Domínguez, J. La técnica del sonido. Recuperado el 5 de setiembre de 2012 desde http://www.felinorama.com/univ/tv/campus/temas/Sonido_cine.pdf Efectos especiales en el cine. Recuperado el 7 de setiembre de 2012 desde http://www.claqueta.es/articulos/efectos-especiales-en-el-cine.html
CONCEPTO DE GÉNERO DE CINE: El género en una película está sumamente relacionado por ejemplo con la familia, ya que es una diferencia o característica que le da un contraste con otra, para lograr su identificación; patrones, formas, estructuras, estilos son varias de estas características singulares, estos géneros son capaces de brillar en varias operaciones simultáneamente. Se toma en cuenta que para realizar una película el director debe tomar un papel de observador de la misma para así visualizar un punto de vista crítico. Los géneros más mencionados se encuentra: la Comedia, Drama, Terror, Suspenso, Pobreza, Drogas, etc. Se pueden reconocer fácilmente cada tipo de género en películas como Water que se enfoca en sentimientos de la niña Chuyia, ella se tiene que adaptar a condiciones o quizás leyes que rigen en su país cuando las mujeres son viudas, también hay escenas de comedia (cuando la niña brinca sobre la gorda ya que le prohíbe casarse de nuevo a Kalyani). Película como La Piel que Hábito es un género muy particular ya que es drama psicológico, con escenas de crueldad, violación, amor y temas que están alrededor uniéndose para formar una sola historia e ir tejiendo una secuencia de sucesos hasta llegar a un final casi inesperado cuando el Doctor se enamora de “Vicente”. La Película ciudad de Dios muestra le realidad de las Favelas en América Latina y principalmente en Brasil, donde se da la pobreza, falta de trabajo que conlleva a juventud perdida en drogas, asaltos y hasta asesinatos, es un género no quizás fuerte pero si muy abierto expresando la realidad sin limitarse a sentimientos o imágenes que no se ven normalmente en el cine (aceptó en películas de acción). La Scaphandre et le papillon: es una película que se sale de lo normal y de lo que se tiene acostumbrado a ver en el cine, cuesta imaginarse que un tema para una película sea la discapacidad de una persona. Incluir en el cine un tema como la imposibilidad es sumamente difícil pues se debe de estudiar muy bien las condiciones en las que se encuentra un enfermo para que el observador siempre crea en este caso los doctores le están hablando a una persona y no a una cámara como lo es en realidad. Diferencias entre el cine documental y testimonial: El cine documental es muy importante ya que es un registro de la realidad con un grado de objetividad o efecto de verdad, muchos de los especialistas clasifican al cine documental como aquellas obras que presentan la realidad y que tienen la capacidad de presentar la vida social de las personas, también las situaciones económicas, políticas, industriales, científicas, etc. Y que esencialmente el observador las pueda entender y analizar, como la película Ciudad de Dios que se muestra la realidad de la pobreza, las drogas y fácilmente los observadores la podemos analizar y entender, que es algo que nos encierra, que está con nosotros y que muchas veces no está en nuestras manos el salir de ese círculo.
El cine testimonial sin embargo es una forma pos ficcional de narrativa con repercusiones culturales y políticas, relatado en primera persona un testigo que expone una experiencia de vida desde la urgencia por denunciar una situación opresiva y que se sitúa a sí mismo en lugar de una serie de sujetos excluidos de la representación autorizada. Este tipo de cine se amarra perfectamente a la película La Scaphandre et le papillon, ya que la persona con la discapacidad está sujeta a las condiciones que otros quieran sin él estar de acuerdo, él narra su propia historia, es narrador y testigo a la vez, incluso expresa mediante sus pensamientos las cosas que no le gustan o la incomodes y desesperación de no poder hacer nada.
CINE NORTEAMERICANO COMERCIAL VRS CINE ARTE: El cine norteamericano fue uno de los primeros bienes culturales globalizados del planeta, en temas de representación audiovisual es una de las naciones más poderosa e influyente del siglo pasado, razón comercial de un país muy exitoso con corporaciones trasnacionales del mundo y transportador de la propaganda cultural del gobierno estadounidense durante décadas. En este país se dieron interrupciones a otros países para que no lograran avanzar en estos términos relacionados al cine, como en España. Las películas norteamericanas han interrumpido carteleras y preferencias cinematográficas, componiendo uno de los vínculos culturales y comerciales más sólidos, ese tipo de actividades han logrado enfrentar temas políticos, sociales, culturales y económicos que conllevan a una transformación. El cine norteamericano es una forma de consumo y agrupación de masas, el único fin es simplemente comercial y lograr en los cines solo la acumulación de personas sin importan que tipo de personas la ven, o condiciones que se encuentren. El cine en Norteamérica acostumbro a la sociedad y básicamente Latina a observar siempre lo mismo, se convierte en un circuito. Este representa historias que siempre detallan la misma secuencia, dolor, amor, comedia e incluso hasta uno puede predecir el final de una película. La película antes mencionada como La Piel que Hábito se sale de lo habitual, es una historia que quizás para muchas personas jamás se pensó que podría realizarse sobre ese tema e incluir tantas historias que se van acomodando y tener un final tal diferente y complicado. Para el director el acomodar las escenas de tal forma que se espera el final en ese momento y después se vuelve a narrar más internamente lo que sucede en realidad (la primer parte de la película solo se ve la historia de la mujer en sus condiciones de protección de su piel, ya luego está la parte donde se narra todo como sucedió, desde el momento donde Vicente viola a la hija del doctor hasta convertirse Vicente en una mujer, con órganos sexuales femeninos incluso). Este es cine de arte, debe de haber imaginación, trabajo de ingenieros en fotografía, sonido, escenas y todo un desarrollo tecnológico, capaz de elevar el comercio cinematográfico. El cine americano muestra explícitamente como un tipo de censura encubierta de sus postulantes hacia la democratización de la cultura y conlleva a la homogenización del hecho cultural.
Un ejemplo muy importante que se puede dar es que en el cine norteamericano no se ve la verdad así tan abierto y expresivo como el cine de otros países, como la película Ciudad de Dios que revela en carne propia el dolor, la muerte, las drogas, pobreza, este tipo de temas que son muy llamativos para la sociedad y no los vamos a encontrar sino es en este tipo de países como Brasil donde la realidad está a simple vista, sin esconder nada y presentando al mundo como se vive sin la felicidad que se quiere. Entiendo que el cine de Norteamérica quiere vender solo por encima de la realidad, vista desde otro mundo y guiándose solo en la ciencia ficción y al amor de parejas (personas físicamente bonitas)
EFECTOS ESPECIALES Los efectos especiales son a aquellos artificios en los que se utiliza el rodaje de una película para dar forma de realidad a escenas. Son un grupo de técnicas que permiten modificar la apariencia de la imagen y también el sonido. Estos efectos especiales constituyen una actividad especializada dentro de la industria del cine. A partir de este desarrollo y evolución se fue avanzando hasta la creación de efectos digitales, quiere decir construidos en computadora, a partir de ese momento se da una disminución en la creación de tipo industrial y mayor de tipo digital. Existen varios tipos de efectos especiales, los más conocidos son el pre fílmico que se programan con antelación y los cinematográficos son los que se usan en la misma grabación, por lo general con dobles. Efectos como el sonido son muy importantes para que una producción sea de alta calidad, ejemplo como en Amelié donde incluso hasta el sonido de la servilleta se escucha muy claramente, en La piel que Hábito me parece que es un poco excesivo pues cuando “Vicente” empieza a escribir sobre todas las paredes del cuarto se escucha el sonido del roce, cuando se abren puertas también, el sonido cuando introduce la llave para encender su motocicleta. También muy claramente en Ciudad de Dios todo lo que es el tema de armas es una secuencia de escenas donde se filma primero y luego se añaden los disparos. Tenemos efectos de tipo mecánicos como lo es en Water, el efecto de la lluvia, simplemente no se está realmente en condiciones de lluvia sino que artificialmente se crea para la situación que se quiere, también llamadas decoraciones físicas aquellas que normalmente se encuentran de fondo a la imagen principal como el fuego después que le cortan el pelo a Chuyia.
PISTA DE SONIDO CINEMATOGRAFICA El sonido es uno de los efectos más importantes y por ende debe de ser de muy buena calidad y que a simple vista se vea que en realidad la persona está hablando, se sabe que la mayoría de films el sonido es grabado por aparate, este por el alto desarrollo tecnológico es capaz de modificarse de varias maneras como alargarse, comprimirse, se ajusta a un doblaje para que valla en apariencia al movimiento de la vos y todo esto para que se vea con una mayor realidad, lograr esto requiere esfuerzo y tiempo porque es un trabajo de mucho cuidado y observación. Existen dos tipos de sonidos: los grabados de forma directa, estos se dan durante la rueda de acción de la cámara y los sonidos de estudio que básicamente su importancia es que se pueden controlar. El caso de la película Water es un ejemplo muy importante de mencionar ya que en varias escenas se incorpora la música, en todos los casos fueron signos de felicidad y tranquilidad (cuando la niña corre tras del perro que se escapó), este efecto de la música no está ligado con la escena correspondiente sino que es trabajado con otro tratamiento y esta tiene características distintas a la del sonido cinematográfico. El sonido va montado sobre la definitiva imagen de cada secuencia y la mayor parte de veces esto se hace cuando la película ya este gravada por completo, catalogándolos como sonidos de dialogo, efectos y música. Un efecto de este tipo, es el montaje del dialogo que hay en la película Le Scaphandre et le papillon cuando la mujer que le ayuda al enfermo a escribir su libro, es una continua repetición de las letras más utilizadas del abecedario e incluso hay escenas donde esta repetición se escucha a lo lejos ya que es la misma secuencia. También la inclusión del dialogo de Dominique ya que sabemos que es una cámara la que está haciendo el papel del hombre (la cámara es montada en posición que en realidad parezca un ojo, con pestañas y parpadeo), se debe de colocar con un orden exacto para que las respuestas dadas por el parpado vallan continuas a las preguntas que haga la enfermera
Cine Norteamericano y la España franquista. (Sin fecha).Recuperado en: 7-9-2012 Disponible en: http://eprints.ucm.es/8378/1/T30698.pdf
Torres, R. El cine testimonial, la literatura y la realidad. (2004).Recuperado en: 7-9-2012 Disponible en: http://www.minotaurodigital.net/textos.asp?art=86&seccion=Cine&subseccion=articulos
Crítica acerca de la película Le fabuleux destin d'Amélie Poulain y conceptos específicos en cine
En la película Amelie, se nota la utilización efectos especiales que son presentados de manera atinada para enfocar aún más los sentimientos que trasmiten cada personaje y no son los típicos efectos de explosiones, también se implementa el uso de la voz en off que ayuda a presentar a los personajes al inicio de la película, además el uso de varios tipos de planos y la utilización de la música con un sonido que va incluyéndose en cada escena de manera muy atinada. Adicionalmente se observa la utilización de varios conceptos específicos de cine que se mencionaran a continuación: El concepto de guión cinematográfico, en Amelie se utilizó un guión original, ya que fue escrito expresamente para la película y en gran parte de las escenas las emociones en los rostros de los personajes indicaban lo que ellos sentían, no eran necesarias las palabras, como en la escena final donde se notaba el amor en el rostro de ambos, mientras van en bicicleta, no fue necesario que hablen ni que la voz en off dijera algo, para que los espectadores notaran esos sentimientos. Una escena aparte donde se evidencia también un manejo del guión es en la película Water (2005) donde casi al final de la película la pequeña Chuyia sufre un abuso el cual no se ve en la película pero esa parte en el guión está hecha para que la gente deduzca lo que le paso sin si quiera verlo en escena.
Otra forma de guión se puede mencionar en la película La piel que habito, ya que la historia está hecha para que los espectadores estén siempre al pendiente de lo que va a suceder, se empieza contando la historia desde el final y después se retrocede para ver el cómo empezó a suceder todo y cuando al inicio vemos a la mujer siendo como víctima de algún tipo de experimento, nunca se esperaba que ese experimento fuera un cambio de género y la historia va uniendo pedazos para que el espectador no sepa toda la historia sino hasta el final. También se presenta el concepto de Happy End, este término se refiere a un tipo de desenlace donde los espectadores terminan con una sensación de alegría por como finalizó la película, en Amelie ella decide ayudar a las demás personas al inicio de la película, conoce a Nino al cual también trató de ayudarle en su obsesión por las fotografías que tiraban las personas, pero la historia llevará a un romance entre los dos, que se refleja al final cuando recorren en bicicleta la ciudad y se ve la felicidad y amor en el rostro de ambos. Al final todas las buenas acciones que ella realizó por los demás durante la película fueron recompensadas para ella misma sintiendo lo que significa el amor y proyectando la sensación de un final feliz. En contraste con Amelie, en la película La piel que habito, no se puede decir que existe el concepto de happy end, ya que al final de la película cuando Vicente llega a su casa luego de asesinar al doctor, después de tantos años, no se logra transmitir ese sentimiento de felicidad, ya que no podía dar marcha atrás a lo que ya había vivido en todo ese tiempo.
Otro concepto es el género cinematográfico que es reconocido por el espectador según el tipo de temas que se reflejen en la película, el tipo de género que se aprecia en Amelie es el de comedia romántica, ya que suceden escenas divertidas como cuando las fotos le hablan a Nino sobre las intensiones de Amelie, aunado a que durante el film empieza a florecer un amor entre Amelie y Nino, y que por la extraña personalidad de Amelie e inocencia donde se ve que a ella le gusta hacer feliz a los demás pero evade su propia felicidad, no siente lo que es el amor al inicio pero después de pasar varios hechos y superar como ese miedo a su propia felicidad lograrán finalmente quedar juntos. Entre otros géneros está el de cine documental, que lo que presenta en escena son hechos reales con un carácter informativo y que tiene como fin dar a conocer la realidad sobre algún tema, un ejemplo de este tipo de género se da en la película Cidade de deus, ya que se aleja de la ficción, cuenta una historia real donde los personajes existen antes y después del film, realizan las tomas en el lugar donde sucedieron los hechos, en esta historia se realizan en una favela de Rio de Janeiro, y finalmente se encuentra la encuesta a uno de los implicados en la historia real y que es otro elemento de este género y que también se presenta en Cidade de deus cuando en los créditos finales se presenta una entrevista que se le realizó a Mané Galinha cuando estuvo en el hospital después de ser baleado por la pandilla de Ze Pequeño.
Las tomas y planos es otro concepto que se puede explicar en varias escenas de Amelie, se nota la utilización de varios tipos de planos pero en su mayoría son planos a detalle y primeros planos por la cercanía en que se presentan las expresiones en los rostros de los personajes, por ejemplo cuando ella acudía a la máquina de fotografías, en varias ocasiones se dieron primeros planos y planos a detalle cuando Amelie supo la razón por la cual habían tantas fotografías del hombre sin cabello del cual ella creía que era un muerto, en ese primer plano se mostró claramente la emoción de sorpresa y descubrimiento en el rostro de Amelie, otra escena en primer plano se produjo cuando Amelie se encuentra con Nino al final de la película cuando al abrir la puerta se encuentran frente a frente y terminan besándose todo con una toma en primer plano, otro tipo de plano y toma que se presenta es cuando Nino también descubre el secreto de las fotos del hombre el cual era el técnico de la máquina de fotografía, cuando Amelie iba acercándose a él se le atraviesa un coche con varias cajas y cuando vuelve a ver de nuevo ya no se encuentra Nino ni a nadie alrededor de ella, en esa escena se presenta un plano general donde se nota su alrededor y también se observa como la toma se eleva sobre la cabeza de Amelie, ese tipo de toma se hace con una grúa de grabación donde la cámara está fijada y se tiene también un control para una gran variedad de movimientos. Otro tipo de toma utilizada en la película se realizó con un dolly en la escena final cuando Amelie y Nino montados en bicicleta recorrían la ciudad juntos y la cámara los seguía al mismo tiempo. Finalmente en la película Amelie se ejemplifica también el concepto de sonido, ya que la música es un factor importante en cada escena, porque ayuda a expresar aún mejor los sentimientos que se van presentando durante la película y le da un toque de mayor atracción en las escenas mudas, también se pueden apreciar detalles de sonidos finos como el sonido del agua cuando Amelie lanza piedras en el Canal San Marta, el del pilot al escribir en el vidrio del café donde trabaja, el sonido de cuando mete la mano en un saco de legumbres, las cortinas de maderas al tocarlas cuando Amelie estaba pensando en Nino y también los sonidos en la escena del baño de la cafetería, entre Georgette y Joseph, cuando al iniciar se escucha la luz del rotulo del baño que esta parpadeando, la vibración en las tasas, vasos y como va aumentando hasta llegar al punto final donde se escuchan gritos de placer de Georgette.
Como conclusión cabe mencionar que la película Amelie ha sido una película con un tema de fondo donde se logra la atención del espectador y un llamativo final donde se logra transmitir el sentimiento de amor para Amelie como una recompensa de su forma de ser al ayudar a las personas a su alrededor.
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El amplio mundo del cine. Conceptos y ejemplos técnicos
Cine es fotografía en 35 mm. Referencia importante a destacar, pues las películas analizadas cuentan con este formato, mas no se ahondará en este tema para dedicar especial atención a cómo logran los guionistas y directores plasmar su visión en un filme, por medio de un guión; el planeamiento previo de cada toma hasta hacer de ellas una narración sutil, dinámica y pospuesto agradable a la vista, manteniendo los efectos especiales en un nivel conveniente.
Básicamente el guión es una secuencia de acciones y diálogos organizados de forma lógica , según desea el director o guionista, se distinguen dos tipos, el literario, compuesto por los diálogos y simples anotaciones sobre las acciones por realizar; y el guión técnico, que a grandes rasgos, es la planificación de los movimientos de cámara . Para este ultimo tipo entran en juego tomas y planos, los cuales se hacen con un sentido especial, no simplemente por que parece lucir bien. Tomando de punto de partida para este y próximos análisis la película La Piel que Habito, del español Pedro Almodóvar, que adapta a su manera el libro la Tarántula de Thierry Jonquet, eligiendo como eje principal la represión, en sus diversos sentidos, la historia no se narra de manera clásica, pues los personajes van viviendo diversas aventuras y transformaciones (tanto emocionales como físicas ), todas ellas de manera perturbada, es decir no lineal, esto es una manera de crear una trama compleja, suficiente para mantener al espectador pendiente de lo que esta ocurriendo, ocurrió y esta por ocurrir. El filme inicia con tomas donde una mujer (Vera)con traje ajustado a su piel practica posiciones de yoga, el reflejo de su cuerpo a contra luz crea sombras que le dan un gran valor estético a la toma, utilizando un plano de secuencia, la cámara se desliza haciendo un seguimiento al personaje, es evidente el uso del principio de fotografía donde se suele dividir la composición en tercios. Y ya la introducción, es en un momento mas adelante de un verdadero orden cronológico en la película, situación de la cual es imposible darnos cuenta aún, así repetidamente los saltos temporales se siguen suscitando y sería redundante enumerar todos; sin embargo tiene cierto contraste con Ciudad de Dios del año 2002, pues se empieza a narrar desde la década de los 60, luego 70’s y principios de los 80, generalmente con no más sobresalto que el paso periódico del tiempo, exceptuando unas escenas, entre ellas la vuelta al pasado cuando dadito (ahora Ze Pequeño) decidió asesinar a las personas que estaban en el motel. Por supuesto Agua, producción india-canadiense con una fotografía de Giles Nuttgens, convirtiendo este film en un portafolio fotográfico de la más alta categoría, gracias a sus conocimientos técnicos del tema (iluminación, encuadre, diagramación de la toma); en cuanto a guión, recurre a un relato completamente ordenado, sin juegos temporales. También con los guiones, los hay originales, o cono en La Piel que Habito y Ciudad de Dios son historias adaptadas, en este caso de libros y Agua es totalmente inédita, claro, inspirada en la vida de las viudas hindúes.
El filme de Almodóvar realmente carece de lo que en cine se conoce como happy end, puesto que cerrar con ese estilo contrastaría con todo el misterio e inseguridad que invaden al espectador, ya que la real intención del director era mantener la expectación, por mas que se le quiera encontrar el final ideal, no se puede, Vera aunque logra escapar de su propio Víctor Frankenstein, revertir su trasformación es prácticamente imposible, en otras palabras, no se puede esperar lo mejor para los protagonistas. Slumdog Millonaire, en contraposición a La Piel que Habito, mantiene la expectativa, mas sin embargo; es claro el Happy End: los protagonistas finalmente entrelazan sus vidas, Jamal gana el premio y el villano muere, ¡Todos felices!. Generalmente la audiencia meta de las grandes productoras de cine, especialmente en Hollywood, esperan este tipo de desenlace, el cual se tiene acostumbrado, al igual que historias superficiales que no ahondan en la verdadera, no idealizada, naturaleza humana, pues en la vida real los finales felices no están doblando la esquina.
Retomando la producción española del 2011, en cuestiones de planos y tomas ,se reconocen principalmente los planos generales , que buscan una vista que informe del lugar y los hechos que acontecen en la escena; también el plano de detalle que enfoca elementos delicados que se necesitan precisar, además del plano sobre el hombro mientras se desarrolla un dialogo que involucra una persona de espaldas a la cámara y otra frente a ella. Escudriñando la película, una escena demostró presentar claramente los tipos de plano empleados, esta inicia cuando Robert Ledgar observa a Vera en una pantalla, posiblemente de una cámara situada en la habitación en que esta reclusa, cuando él la mira la cámara se posa tras su espalda, este es un recurso común, pero usado de manera innovadora pues la protagonista no esta exactamente frente al doctor. Luego toma una cajita (que contiene una pipa y opio) y se dirige al cuarto de la mujer, allí pasa a un plano general que lo sigue hasta que entra al cuarto, la cámara se pone frente a la joven y se convierte en una toma continua por aproximadamente dos minutos, donde se regresa a un plano general, enfocando particularmente de la cintura, luego pecho hasta la cabeza, gracias a un disimulado zoom, finalmente se hace un acercamiento en primer ...
... plano, los rostros de los protagonistas, este close-up intensifica la tensión del momento, Robert decide salir y regresa frente a la pantalla, la escena termina ahí con ella mirando directamente a él. Los cortes, con los cuales se cambia el ángulo o perspectiva de visión de la cámara se manejan muy sutil, e inclusive cuando acaba la escena se acostumbra usar un fundido a determinado color, dando a entender que se acaba la secuencia para iniciar una nueva, no obstante para incrementar las dudas sobre la línea temporal se hace uso de una transición directa, sin fundidos, disoluciones ni barridos que añaden una distracción innecesaria cuando se busca determinado objetivo. Todo lo anterior contrasta con la ultima entrega de la trilogía de Deepa Mehta, Agua, pues las transiciones son encadenas, donde una imagen van dando paso a la otra como si se desvaneciera, esto agrega una connotación muy dramática y nostálgica que profundiza el sentido del filme. En la actualidad las transiciones y fundidos se logran a través de medios electrónicos en los procesos de edición, ya que quedaron en el pasado las técnicas en las cuales filtros o cierres de diafragma u obturador de las cámaras permitían cumplir estas tareas. El empleo de estos procedimientos se dejan en manos de profesionales que en trabajo continuo con el director y guionistas, logran dar en el punto exacto, evitando los malos usos que otras producciones hacen, y lo peor de manera excesiva. No se puede ignorar Le Scaphandre et le Papillon la cual sumerge en la impotencia del protagonista al publico, especialmente por el empleo de la cámara subjetiva, donde se permite ver todo desde el limitado punto de vista de Jean-Dominique; al igual que en Slumdog Millionaire se nos introduce en la acción de Jamal, mediante la snorricam, una cámara que se sujeta al actor, que enfoca la cara y da la impresión de que lo que se mueve es el fondo.
Las nuevas herramientas tecnológicas expanden de forma increíble las posibilidades de mentir en una película, y con mentir refiero a los efectos especiales, que si ya de por sí el cine es un agradable engaño, en ocasiones el excesivo uso de ellos acaba con la ilusión creada. Y todo lo anterior pone a pensar: eclipsará esto la creatividad, convirtiéndola en un simple producto comercial?. La respuesta es : parcialmente. Por que parcialmente? ...
... pues en producciones con direcciones artísticas de calidad los efectos son un arma poderosa para atraer al espectador. Almodóvar y su film muestran la sutileza del retoque digital aplicado al rostro de Vera, el cual consigue una perdida absoluta de textura haciéndola lucir perfecta, situación de la cual se pasa inadvertido durante la completitud del filme, pues claro esa era la intención del director y de los expertos en efectos Reyes Abades y Eduardo Díaz. Contradictoriamente en Eva del 2011, la temática requiere del uso de bastante ayuda de los software de animación por computadora y maquetas a escala, por ejemplo la creación de robots animales y humanos con gran realismo (el gato que tiene como mascota el protagonista, animatronics) así como las escenas en las que se nos permite observar el mecanismo interno a través del cual se da forma a la personalidad de un robot. Existen variedad de técnicas de efectos especiales, por mencionar algunos la inserción por croma (pantalla azul o verde), stop motion, el maquillaje (puede ser el típico usado en teatro e inclusive prótesis), pirotecnia, tomas enmascaradas, morphing (empleado en la cinta Le fabuleux destin d´Amélie Poulain, en la escena en que la protagonista esta realmente conmocionada y parece derretirse, convirtiéndose en agua, pues la técnica consiste en el paso de una imagen a otra superponiendo delicadamente fotograma por fotograma para que parezca una acción fluida) e innumerables programas de ordenador. El abuso se da a gran escala en la gran mayoría de productoras norteamericanas, puesto que con los efectos no se busca exactamente sorprender, sino mas bien dar a entender una idea que por medios convencionales sea muy difícil o económicamente costosa de lograr, sin embargo no se pueden ignorar los exorbitantes presupuestos de las películas recargadas con efectos especiales, y lamentablemente por otro lado numeradas producciones ven la luz años después de concluidas las grabaciones principalmente por problemas monetarios. También una producción resalta por el vestuario de los actores, para contextualizar a la audiencia ya sea temporalmente, socialmente, emocionalmente, en fin, para definir la personalidad deseada por el director de la película.
El amplio mundo del cine complace a la gran cantidad de audiencias, pues cada producción busca un publico meta, aunque existen películas que reúnen las condiciones para convertirse en obras que transcienden el tiempo y a las personas, esos filmes poseen dotes únicos, ya sea técnicos y argumentales, para finalmente (Citando al M.A Max Soto) logran cambiar una vida.
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Rebotar piedras en el canal de San Martin: uno de los pequeños placeres de Amelie Poulain.
Una escena como la de Amelie y su pequeño gusto de lanzar piedras al canal de San Martin haciendo que estas reboten, aunque se observe sencilla a simple vista en realidad se están utilizando los efectos especiales de la forma mas sutil o mas adecuada, de manera tal que a ojos del espectador esto aparenta ser únicamente por habilidad de la actriz; los efectos especiales son para dar apariencia de realidad a ciertas escenas, pero bien también son utilizadas para lograr atraer la atención del espectador , en Amalie aparte de las piedras que rebotan en el rio, se pueden apreciar algunos otros efectos agregados como lo es la escena de pez al despedirse, por así decirlo de Amelie, estos son algunos de los efectos menos notorios o reconocidos a la hora de ver la película; algunos efectos mas notorios se hacen evidentes pero de una forma que no es exagerada, si no agradable que logran captar la atención, en esta película resaltan algunas escenas más, por ejemplo la copia de la llave que lleva Amelie en el bolsillo, otra similar es al resaltar el corazón latiendo fuertemente cuando ella se encuentra en frente de Nino, en otra escena donde es un poco mas evidente se da cuando Nino parte de la cafetería y ella se “derrite”, en el film completo se usa pero no se da un abuso de los efectos especiales. Esto distingue, entre muchas otras cosas, el cine comercial entre el cine arte ya que uno como el cine comercial de Hollywood le da demasiada importancia al uso de los efectos visuales por encima de los buenos argumentos. La mitad o más del presupuesto de los grandes proyectos audiovisuales se van directo a este rubro, recurso que a veces lo que busca es que el espectador deje de lado un guión llano y transparente, esto bien no quiere decir que toda película norteamericana abuse de estos, pero a la hora de trasmitir un film mas que pensar en una alta categoría de película con un guion, tomas y planos adecuados, se visualiza como ganancias monetarias. Para explicar lo anterior con respecto al guion cinematográfico se debe explicar el concepto de este, el guión es el relato escrito de lo que va a suceder en la película. Es algo muy sencillo y con un cierto parecido a una novela. Se desarrolla completamente un argumento teniendo en cuenta que todo hay que filmarlo, grabarlo y montarlo. El guión son los diálogos, las escenas, las secuencias, y una descripción minuciosa y pormenorizada de lo que los actores hacen en escena. El guión es el «montaje en borrador» de una película. Es muy importante que un escritor de guiones sepa de cine, de montaje, de los entresijos del rodaje, de la dificultad de realizar determinados efectos y que tenga idea de lo que cuesta económicamente realizar una película.
En definitiva que sepa lo que se puede y lo que no se puede hacer en el cine, de manera que en la grabación los actores no realizan un solo movimiento que no este previamente planeado, no existe la improvisación por parte de actores u actrices, el guion cinematográfico va seguido o de la mano con el «storyboard» que es el dibujo detallado de todas y cada una de las tomas de la película, es esencialmente una serie grande de viñetas de la película o alguna sección de la película producida de antemano para ayudar a los directores y los cineastas a visualizar las escenas y encontrar problemas potenciales antes de que éstos ocurran. Los storyboards incluyen instrucciones o apuntes necesarios que servirán al equipo de trabajo para que éste se desarrolle dentro de un plan pre-establecido. Gracias a este elemento, el director puede desglosar y segmentar su filmación sin seguir estrictamente el orden lógico de la trama, por lo que las escenas filmadas no san tomadas seguidas ni en orden como uno suele pensar al estar viendo el film esto se logra gracias a la guía de las viñetas con lo cual se sabe como montar cada escena en el rodaje completo. Un guion cinematográfico no necesariamente debe de tener un happy end como suelen verse en las películas comerciales, en Amelie si termina con el final feliz pero no es tan evidente desde el principio, el “happy end” se da mucho en películas comerciales ya que es todo lo que las personas desean pero en la vida real no sucede de esta forma, por ejemplo las películas Agua y Ciudad de Dios, no cuentan con el final feliz típico de muchas filmaciones ya que estas son apegadas a la realidad. La realización de un film es muy complejo y debe de contar con minuciosos detalles tanto así como lo es la pista de sonido que se graba aparte de las escenas, por lo que donde alguna escena como el sonido del rebote de las piedras en el agua, en Amelie, el sonido no fue grabado en ese instante, sino que un grupo de expertos recopila los sonidos, voces, y los mas mínimos detalles que concuerden exactamente con las escenas, por cual al ver Amelie una sola escena como las piedras rebotando en el agua posee una complejidad que va desde los efectos especiales hasta el sonido, los cuales son tan curiosamente montados que pareciera todo realizado en un simple instante y por obra única de la actriz, en cambio la mayoría es realizado en una computadora y posteriormente recopilado, aunque también se dan muchas otras formas de agregar sonido al film, entre estos se encuntran las siguientes formas; puede ser sonido directo, tomado sincrónicamente en rodaje para ser utilizado como tal lo que genera en una serie de problemas logísticos pues cualquier sonido extraño obliga a repetir la toma; sin embargo es el modo más natural de recrear el ambiente y la calidad interpretativa. Sonido de referencia, se graban los sonidos y los diálogos pero posteriormente no serán utilizados en la copia sino que servirán como referencia a los actores para doblar y a los técnicos de efectos de sonido para recrear ambientes y sonidos. El más popular y habitualmente combinado con el sonido directo recibe el nombre de wildtrack, pista de sonido que sirve como base para un ambiente dado o como Sonido añadido o mezclas, el conjunto de la banda sonora se compone de sonido directo, wildtracks, doblaje, efectos de sonido y música.
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Los planos son un conjunto de imágenes que componen una misma toma, para poder lograr esto se debe de planificar, la distancia de la cámara, tamaño entre la cámara y el objetivo. Las tomas se pueden grabar en distintas posiciones y ángulos, se elige dependiendo del interés de la escena, tales como profundidad, enfoque, movimientos entre otras. En la película Colombian Dream se puede observar gran variedad de tomas, en la escena donde la mama de Rosita se despierta por el ruido (está en un balcón) cuando Enrique, Pepe y Rosita llegan a su casa después de hacer compras con el dinero que les dieron de adelanto, mientras está viendo todo lo que compraron, el plano que se usa es picado, ya que se puede observar con un cierto ángulo y con vista desde arriba. En muchas partes la película donde el niño fantasma que es hermano de Rosita está viendo lo que las demás personas hacen, se utiliza el plano subjetivo o también llamado punto de vista, el cual da la impresión como si la cámara fuera la vista de la persona de interés en la escena. Hay tomas que se filman con la cámara en movimiento, el tipo más conocido es llamado travelling esto se logra montando la cámara en un carrito sobre unos rieles y es utilizado para dar la impresión de movimientos sin vibraciones en la cámara, en dicha película se utiliza en la toma del bebe (que se cree que es el hijo del duende) se encuentra en una cama y esta se desplaza desde donde está la pareja y alejándose cada vez más. Los efectos especiales son una variedad de técnicas que se utilizan para simular ciertas escenas a la realidad, que no se puede o es difícil de lograr de otra manera, también se utilizan para llamar la atención visual. Los efectos se pueden crear de diferentes formas, digitales que son hechos a computadora, también se pueden hacer mecánicamente estos se utilizan la mayoría de veces para crear una ilusión visual de condiciones atmosféricas, como la lluvia, nieve, viento, entre otros. En la película okuribito cuando Daigo está interpretando en su violonchelo la melodía llamada Memory en un campo abierto, se utilizan pantallas azules para lograr el fondo de la montaña y se utiliza un efecto para el viento, no muy fuerte. En la película Colombian Dream se hace un abuso de efectos especiales, dentro de tantos, se puede ejemplificar mediante la escena donde John MacClane y Ana van en un auto rojo por una calle y John le dice a Ana que tenga un poco de respeto por el hijo ya que ella estaba consumiendo droga, y se utiliza un efecto en donde el entorno se hace borroso.
Los efectos de sonido son muy importantes en lo que es cine, ya que estos ayudan a comprender mejor lo que está pasando, la melodía en la película okuribito se utiliza para resaltar el dolor que sienten los familiares por las personas que han fallecido, y también por el dolor de Daigo por el abandono de su padre (canción favorita). El guion es la parte escrita en donde se narran todas las escenas, diálogos que llevará la película, es importante que el que lo haga tenga en cuenta lo que son efectos especiales, montaje, edición, el costo, sonido, grabación, entre otros. Okuribito muestra un excelente guion en donde Daigo por cuestiones económicas consigue un trabajo en donde se practica una tradición budista llamad Nokanshi, consiste en preparar a los muertos al más allá. En esta película el Director evaluó aspectos muy importantes como color, detalle, características de la cultura japonesa. El happy end es un término introducido por Hollywood en donde la mayoría de las películas terminan en “vivieron felices para siempre”, si analizamos el guion de La Separacion, se puede notar que el final de la película es muy duro ya que Nader y Simin se divorcian, no como se esperaría según la mentalidad del happy end.
El género es la forma de clasificar una película por sus características, tema, actuación de los personajes (Guion). Cine documental: Busca la realidad, se plantean situaciones sociales, representa historias particulares y colectivas, el orden del guion es cronológico. Cine Testimonial: Trata de explicar un tema, Las personas expresan lo que sienten. Cine Realista: implica las situaciones reales vividas por las personas, y algunas veces dar un mensaje. Colombian dream expresa la forma de vida vivida por muchos colombianos, en un ambiente de drogas y dinero fácil.
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Crítica cinematográfica PARTE I 35mm Vrs 16 mm En la industria del cine, existen 3 tipos de formatos, 8mm, 16mm y 35 mm en general. Estos términos corresponden al ancho, en milímetros, de la película que se utiliza en donde entre más ancho, más calidad y definición. La película de 35 mm es el formato de película más caro pero se obtiene mayor definición de imagen. Se utiliza mucho para cine, cortos con mucho presupuesto y spots de televisión; aunque ya se está empezando a sustituir en muchos casos por cámaras digitales que consiguen una alta definición, como la Red One. Los 16mm se utilizaban sobre todo en reportajes en los que se debe de trasladar la cámara, fue creada para el hombre común, se utiliza sobre todo para cortos, para las secuencias artísticas en algunas películas, para su uso en muchos programas de televisión porque es fácil de usar y más barata que el 35mm. Su principal diferencia, se aprecia en la calidad cinematográfica, ya que la de 35mm posee una alta calidad y es más nítida, pero su precio es mayor en comparación a la de 16mm. La película de 16mm es usada principalmente en televisión y cine educativo, mientras que la de 35mm es la más común en la industria del cine por poseer un color superior a la de 16mm.En cuanto al video electrónico, la grabación digital sobre cinta magnética ha mejorado la calidad de las grabaciones, reduciendo los errores en el sistema analógico de la grabación. Sin embargo son equipos muy costosos, que se incrementan por ciertos factores como; la duración del film y sus escenas, la resolución, los frames por segundo, el color y el sonido. Como ejemplos podemos citar, en el caso de 35mm; Le fabuleux destin d'Amélie Poulain, con efectos especiales, belleza en sus imágenes. La resolución y el contraste de la imagen son muy buenos, durante toda la grabación, cuenta además con buena iluminación que se usa para destacar los detalles, formas y contornos de los objetos más destacados, como en la escena de la lámpara de la mesa, que destaca al cerdito. También para enfatizar colores cálidos como lo son las tonalidades de rojos, naranjas, amarillos para transmitir alegría, felicidad, entusiasmo y amor.
PARTE II Concepto guión cinematográfico y Happy End. La definición de Syd Field, “el guión cinematográfico es una historia contada en imágenes, a través del diálogo y la descripción, en el contexto de una estructura dramática”, expresa en su totalidad lo que debe de ser un guión literario, ya que debe de ser capaz de transmitir, con todos sus medios la información suficiente que permita la interpretación y la visualización. Como por ejemplo el guión Le Scaphandre et le Papillon, una película dramática, dirigida partir de un guión de Ronald Harwood basado en la novela autobiográfica del propio, Jean-Dominique Bauby, redactor jefe de la revista francesa Elle, cuando sufrió una embolia masiva. Salió del coma tres semanas más tarde y se descubre que es víctima del "síndrome de cautiverio "; está totalmente paralizado, no puede moverse, comer, hablar ni respirar sin asistencia. Su mente funciona con normalidad y sólo es capaz de comunicarse con el exterior mediante el parpadeo de su ojo izquierdo. Forzado a adaptarse a esta única perspectiva, Bauby crea un nuevo mundo a partir de las dos cosas sobre las que conserva el control: su imaginación y su memoria. El Happy end, proporciona al espectador códigos reconocibles, que aumentan el consumo de los productos cinematográficos, convirtiéndose en un espectáculo de masas, recreando aspiraciones, modelos de conducta, popularizando películas de de bajo contenido a mi parecer, puesto que las películas con “Happy end”, son películas comerciales, las cuales no tienen un contexto real y que son dirigidas a ciertos sectores de población, como los adolescentes. Como en Le fabuleux destin d'Amélie Poulain muy diferente a, Le Scaphandre et le Papillon, en donde la vivencia del personaje no puede ser predecible, puesto que no sabemos como enfrentará su día a día.
Género en Cine y diferencias entre cine documental, testimonial y realista. El género, señala los contenidos de un filme, caracteriza los temas, los componentes narrativos de la película, siendo una forma organizativa que detalla los temas e ingredientes narrativos elegidos por el autor. En el medio cinematográfico, nos referimos a las categorías temáticas. Los géneros se clasifican en cuatro clases: Por su estilo o tono; entre los que podemos mencionar el drama, la comedia, acción, aventura, terror, cine romántico, musical, suspenso, entre otros. Por su ambientación; históricos, policíaco, bélico, fantasía, deportivo, entre otros. Por su formato; animación o imagen real. Por su audiencia; infantiles, juvenil, familiar y adulta. En cuanto al cine documental, testimonial y realista; su diferencia radica en que el documental es informativo, generalmente sin personajes y cuya finalidad es dar a conocer la realidad del tema en forma periodística, refleja acontecimientos reales; como en Ciudad de Deus, (2002) dirigida por Fernando Meirelles y Kátia Lund. En el caso del cine testimonial, es contado por la personas o personas involucradas en alguna vivencia como por ejemplo; en el caso de Le Scaphandre et le Papillon (2007) dirigida por Julian Schnabel y por ultimo en el cine realista muy parecido al testimonial, sin embargo en este género se denuncia alguna situación, como la violencia, la pobreza, la critica social, como por ejemplo, podemos citar la película Water (2005) dirigida por Deepa Metha, en donde se denuncia la realidad de las mujeres de la India y su religión.
Tomas y Planos. Un plano, nos da la perspectiva de los personajes, objetos, elementos de las imágenes, y juntas recrean un contexto, cuentan un significado definido por el comienzo y el final de un proceso de captura, selecciona la realidad espacial mediante la cámara, un plano nos detalla, nos describe el lugar o la situación es como una narración por medio de las imágenes, existen varios planos como, el primer plano, plano entero, plano medio, plano detalle. Como podemos ver en una escena de la película Le fabuleux destin d'Amélie Poulain, encontramos un Plano detalle de una flecha hecha mediante comida para pájaros y en la que unas palomas están comiendo tranquilas pero alzan vuelo asustadas y dejan ver la última flecha del suelo. La toma, es todo lo que se ha grabado o filmado, cuenta con varios elementos que permiten el concepto como, lo es el encuadre, la angulación, iluminación, el movimiento, podemos citar la toma, compuesta de planos centrales, medios, picado, entre otros; es cuando Nino llega al del "Café des 2 Moulins” (Café de los Dos Molinos). Y Amélie se encuentra detrás de él frente, a la ventana interna del café en donde escribe una frase y él se voltea para preguntarle si conoce a la mujer de la foto.
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Guión Cinematográfico Uno de los factores con gran influencia en el éxito de Le fabuleux destin d’Amélie Pouland, se debe a su excelente guión cinematográfico, desarrollado por Jean-Pierre Jeunet y Guillaume Laurant. De manera sencilla se define como guión cinematográfico, al relato escrito de lo que sucederá en la película, incluye los diálogos, las escenas y las secuencias, minuciosamente detallados para lograr que el actor realice una excelente escena según las ideas que el guionista había planteado. Por lo tanto los guiones inician en un punto (la narración de André Dussollier, en la calle St. Vincent) y desarrollan un trayecto que avanza por medio de acciones y conflictos de los personajes para llegar al otro punto determinado final (Amélie y Nino en motocicleta por la ciudad, ella atrás abrazándolo y tratando de besar su cuello). El guión es acompañado por el “storyboard”, el cual es un dibujo detallado de cada uno de las escenas presentes en la película, buscando un mejor entendimiento, para los integrantes del grupo de producción, de los deseos del guionista. Es una herramienta muy útil ya que además incluye apuntes e instrucciones necesarias durante el rodaje. Un buen guión no asegura una buena película, pero una buena película si asegura un buen guión. Por las características de la película Amélie, queda en completa evidencia el gran trabajo realizado por los guionistas anteriormente mencionados, Jean-Pierre Jeunet y Guillaume Laurant. Ambos trabajaron para lograr diseñar la historia, la secuencia y sus narraciones. La labor de ser guionista no es tan sencilla como suena el de decir simplemente: el guionista hace el guión. Deben desarrollar de su creatividad, la idea propia o la adaptación que pretenden producir, dándole una trama con sentido, tomando muy en cuentas sus alcances y limitaciones. Los guionistas desarrollan la trama en los estudios de producción y se mantienen en el set de rodaje, ya que comúnmente pasan situaciones imprevistas que necesitan de un cambio de guión.
La creación de un guión debe de seguir una serie de pasos, o fases para su entendimiento: 1. Sinopsis: se le denomina sinopsis a un resumen, sin dialogo, de una o dos páginas donde se especifican los personajes, las acciones principales e intenciones. En esta fase del guión, se presenta quien va a ser Amélie Pouland, como va a ser su intervención, que situaciones deberá sobrellevar, que efectos secundarios tendrán sus acciones, dentro del resumen también se exponen los personajes secundario, el entorno en que se desarrolla, entre muchas más características que dejan clara la historia, sin entrar en grandes detalles. 2. Tratamiento, el cual es una descripción detallada de la película, generalmente abarca entre cuarenta y sesenta páginas. 3. Guión literario: son las secuencias y escenas, en los que se detalla cuáles serán los diálogos con sus respectivos lugares y tiempos. Este guión de cumplir con un formato el cual sea interpretado por todo el elenco de la misma manera. Al minuto veintitrés con veinte segundo aproximadamente, inicia la escena donde Amélie llega a visitar a su padre, Raphaël Poulain, y él se encuentra restaurando un “nuevo amigo”, un gnomo. El guión debe llevar: un encabezado en el cual se indique que es una escena dentro, esto con la abreviatura INT. por lo tanto se está en un espacio cerrado, lugar concreto donde ocurre la escena, la casa de Amélie y que es una acción de día. La descripción de la acción, debe de estar redactada de forma concisa y con los verbos en presente, resaltando los nombres y sonidos en mayúscula, se podría ejemplificar de la siguiente manera: RAPHAËL está limpiando la rodilla izquierda del gnomo, suena la PUERTA DE AFUERA ABRIENDOSE, luego entra AMÉLIE. El diálogo debe ir alineado ala izquierda y el nombre del personaje debe de ir antes que el habla y en mayúscula, AMÉLIE: Hola, papá. Se estima que un guión con un buen formato, cada página es aproximadamente un minuto de toda la película. También se tiene el conocido guión técnico, el cuales se basa en el propiamente en el Guión Literario pero le añade la planificación de los movimientos de cámara. Como toda historia, el guión avanza en el relato hasta que logra enlazar todas las secuencias y escenas hacia una única solución de todos los problemas planteados durante toda la trama. Muchas otras producciones plantean problemas y situaciones muy concretas, que hacen que el espectador, logre percibir cual será conclusión de manera rápida y sencilla, además de que hace un fin completo hacia la historia, sin embargo, Jean-Pierre Jeunet propone otra clase de final. Lo que pretende es interrumpir una historia (la vida de Amélie), únicamente, dejando un gran espacio para que cada espectador, cree cuales pueden ser los destinos de todos los personajes presentes, es por ellos que al final de la película no sale el cartel “FIN”. Edición Cinematográfica La edición cinematográfica también es conocida como montaje, la cual es la última de las etapas para la producción de películas. Edición cinematográfica, se refiere a ordenar todos los elementos, auditivos, gráficos y visuales, de acuerdo a un guión. La edición busca dentro de todas las escenas filmadas, cuales son los planos que proceden y los que anteceden, según las necesidades y eliminando todo aquello que no agregue información a la idea narrativa propuesta en el guión. Son gran cantidad de aspectos que se deben de tomar en cuenta para lograr editar de la mejor, evitando situaciones que reflejan como cada escena no tenía su continuación. Aspectos como cuando se dará un cambio de lugar, cambio de ángulo de la cámara, cambio de objeto, cambio de plano, acciones paralelas, metáforas, entre otros.
Existen cuatro normas básicas, que se pueden dejar por fuera en ningún momento si se desea una buena edición: escala, los cortes de escena no pueden ser arbitrarios, ya que un cambio pequeño, puede causar una mala imagen. Angulación, como en el caso de la escala se debe de tener cuidado ya que si se da mal el salto de imagen, se muy falso la continuidad de la imagen. Montaje en movimiento, las figuras únicamente cambian tamaño y posición. Velocidad, debe ir de acuerdo al desarrollo de la escena y por ultimo distancia focal, mantenerla sin variar. La ilustración de estas normas básicas se da en toda la película, Amélie caminando rápido con el señor ciego, la velocidad va de acuerdo con lo que se desea exponer de la escena, donde ella decide ayudar a las personas, dando a entender que anda por todos los al redores, rápido, ayudando. El simple de la escena cuando en su baño, encuentra la caja con las fotos, el cambio de observa a Amélie de frente y luego dar un giro y ver la caja por delante ya tiene una gran juego de mediciones y cortes que une escala, angulación y montaje de movimiento, en solo diez segundos. Los tres factores que se modifican al editar todas las escenas es el montaje y el tiempo. La historia de Amélie, inicia con montaje lineal condesado, ya que en su niñez, sigue una narración continua, pero únicamente expresa los acontecimientos importantes que se dieron. Se presenta su relación con su padre, luego su amigo el pez Cachalote, continua la historia narrando que fue lo que paso con su pez, su cámara fotográfica y luego la muerte de su madre, no cuenta su niñez de forma continua, si no, únicamente los momentos que marcaron su vida. Por otro lado el montaje conceptual también se hace presente, cuando se describen las personalidades de su padre (Raphaël Poulain), su madre (Amandine Poulain) y los miembros de la cafetería, Suzanne, Georgette, Gina, Hipolito y Joseph, recurren a un montaje conceptual, ya que lo único que desean determinar cuáles son las personalidad de cada uno, darle un “concepto” a cada personaje. Pero en general se podría analizar como una película con un montaje lineal continua, poco a poco va siguiendo como la vida de Amélie cambia desde encontrar el tesoro, hasta encontrar a Nino. El tiempo en el cine, a diferencia de la realidad, se puede acelerar, retardar, invertir o retroceder. El recorrido de la historia, transcurre en un tiempo normal, continuo, sin tener visiones hacia el futuro, o recuerdos, por lo tanto teniendo un tiempo de condensación. Efectos especiales Se define efectos especiales un grupo de técnicas que modifican la apariencia de la imagen o sonidos. Amélie presenta gran cantidad de efectos especiales, que muchos de los cuales no son percibidos de manera sencilla. Por ejemplo, al inicio de la película el pez se despide, en el rio, de Amélie, la llave del apartamento de Mr. Collignon, los deseos de Amélie con Nino, cocinando en su apartamento o las piedras en el agua. Existen varios tipos de efectos especiales presentes en la película, la mayor parte digitales, el corazón palpitando en el pecho de Amélie y las nubes con formas de animales son algunos de los más ilustrativos. Dentro de esos efectos digitales se encuentran los de tipo morphing, los cuales ha sido uno de los efectos especiales que más han maravillado e impresionado a los espectadores del cine. Se basan en alterar y manipular la imagen para transformarla de forma gradual a otra imagen. Un tipo de morphing es el de 2 dimensiones, el cual es la técnica que se encarga de modelar y transformar, humanos y animales. Una de las escenas que mejor representa este tipo, es la escena en el tiempo a una hora y treinta y ocho minutos, donde la protagonista Amélie, cambia de su forma física y se convierte en agua, esparciendo por todo el suelo, por el sentimiento hacia Nino, ilustrando la metáfora de que se “derrite” por él. En la cuales se da la trasformación completa de una imagen con técnicas de desvanecimiento, que a su vez es conocido como tweening.
Los dos elementos principales que participan en la transformación, el elemento de origen, Audrey Tautou (actriz principal) se encuentra acomodando una mesa en el fondo del café “Deux Moulins” y vuelve su cuerpo hacia la puerta de entrada observando a Nino salir, con facciones de nervios y temor. El elemento final, es una gran cantidad de agua, cayendo hacia el suelo, dispersándose hasta que desaparezca completamente del piso del café. Se da una metamorfosis completa, ya que ninguna de las caracterizas físicas del elemento de origen (la actriz), continúan de forma constante hacia el elemento final. Ambos elementos son filmados, cuando Amélie vuelve su cuerpo y por otro lado, gran cantidad de agua cayendo. Es aquí donde inicia, la técnica de morphing. Mediante la computadora, generalmente programas como Cinemoprh y Morp Plus, se digitaliza cada una de las escenas y se inicia la transformación de las dos imágenes. Se seleccionan puntos y líneas, los cuales se les conoce como marcadores, que serán los que se utilicen como base para unir ciertos de ellos y definir cuáles serán los deformados y transformados. A mayor cantidad de puntos, mejor será el proceso de transformación. Entre el agua y Amélie, se deben marcar gran cantidad de puntos, que ayuden a que se dé un mejor cálculo de las transformaciones geométricas que realiza el algoritmo, debido a la gran modificación que se tiene que hacer, siendo el cuerpo por obviedad totalmente distinto al agua. Se crean distintas etapas intermedias que poco a poco, por medio de cambios mínimos, transforman, el punto del rostro en un punto con definición de agua. Al final de la escena, desaparece completamente el efecto, ya que es solo una metáfora por lo tanto, solo está ilustrando un sentimiento y no debe de quedar rastro de ello en el entorno. Yves Domenjoud, fue el encargado, de realizar toda esta gran tarea de los efectos especiales presente es la película. Anteriormente había trabajado con el director, Jean-Pierre Jeunet, en lo que fue La ciudad de los niños perdidos (1995). Sus mejores producciones como técnico de efectos especiales se resumen en cuatro: Days of Glory (2006), Astérix et Obélix: Mission Cléopatre (2002), Amélie (2001) y Astérix et Obélix contre César. Pista Cinemátografica Aunque todos los componentes que forman parte del desarrollo de una película tiene una papel clave, el audio, es uno de los más importantes, ya que su mala calidad puede ser interpretada por lo espectadores de una manera más clara que otros componentes. Cuando se habla de audio, se refieren tanto a los efectos de sonido como a los diálogos. DTS y Dolby Digital, son los dos sistemas de sonido, utilizados dentro de la producción de Amélie, encargados de sonido, mezcladores de sonido, especialistas en efectos sonoros, trabajaron en conjunto para lograr crear un ambiente que atrape a la audiencia. Obviamente todos los integrantes de la producción trabajan juntos, pero los anteriores nombrados son los que están directamente relacionados con este tema.
Parte 1 Guión cinematográfico El guión cinematográfico es la parte clave de un rodaje; ya que sin el no se tendría claro que y como se llevara a cabo la escenas del film. En la película dirigida por Fernando Meirelles y Kátia Lund en el 2002 llamada Cidade de Deus, se muestra un excelente trabajo por parte del guionista Braulio Mantovani; en esta film se muestra las características fundamentales de un guión cinematográfico de primera, donde se cuenta con una historia y se le da personalidad a los personajes, mostrando las situaciones y lugares donde se desarrollan. Un ejemplo claro se da lo largo de toda la película donde se va narrando y mostrando lo vivido por cada personaje iniciando con la historia del “Trío tierno” y por cada uno de sus miembros, hasta llegar a finalizar con la historia del narrador en este caso “cohete”. Un caso en particular de la calidad del guión es la escena donde los policías liberan a “Zé Pequeño”, el tira la caja al suelo y pasa un perro chillando; es una muestra de complejidad del guión donde se planifico exactamente donde y en que momento debía aparecer el animal,se dio una excelente planificación de rodaje gracias al guión.
Concepto de género en cine Partiendo de la película Cidade de Deus (2002), se pueden observar varias características para colocar este film dentro un genero cinematográfico. Se podría colocar dentro del genero del cine testimonial ya que se basa en un tema en especifico en este caso las fabelas en Rio de Janeiro, y narra la historia de los personajes, también cuenta con otras características por ejemplo el tener un objetivo social y narra las vivencias de un personaje central “cohete”; claramente no puede incluirse dentro del genero documental ya que no cuenta con algunas características de este genero, por ejemplo incumplí con lo de no poseer personajes puesto en escena que es una característica del genero documental, básicamente el cine documental incluye testimonios, entrevistas, cámaras ocultas, material de archivo; y claramente en esta película no se da. También podría entrar dentro del genero realista donde se adapta mejor a las característica por ejemplo se muestra en si la realidad vivida en las fabelas.
Parte 2 Pista de sonido cinematográfica El sonido a sido de los puntos cinematográfica que mas han evolucionado en los últimos años gracias a la llegada de los sistemas digitales; el sonido en los film cinematográficos son grabados en un estudio diferente de donde se graba las escenas; luego de la grabación del sonido los editores lo insertan al film gracias a la aparición de los sistemas digitales ahora el sonido puede alargarse, acortarse, comprimirse para ajustarlo con los movimientos de la boca del actor. Gracias a que el sonido se graba en estudio permite un mejor control de las condiciones en que se producen las ondas sonoras, también durante la grabación de las escenas se da una grabación de sonido directo que se puede o no utilizar en la película ya que no se pueden discriminar los elementos incluidos en el registro sonoro por lo que en algunos casos el sonido no que da de la forma deseada; así que lo mas utilizado es la grabación en salas donde se pueden aplicar efectos de sala para mejorar del sonido, los efectos sonoros son mas que todo utilizados para atraer al espectador y mantenerlo interesado por ejemplo en la película Cidade de Deus, cuando presentaban a cada uno de los personajes, otra buena aplicación es el sonido de los disparos, durante la grabación de la película nunca se disparo un arma de verdad en realidad fue el uso de pistas de disparos ya echas que se insertaron a la pista de sonido de la película. Algo muy importante en una film es la música por lo que un buen trabajo del editor musical es fundamental,donde debe tener cuidado en que la música tenga la duración adecuada para cada momento en que deba aparecer, para que cuando se lleve a cabo la sincronización y el montaje la banda de sonido corresponda al montaje visual. En la actualidad el sistema digital mas utilizado por los ingenieros a la hora de codificar las pistas de sonido es Digital Dolby.
Parte 3 Tomas y planos El plano esta compuesto por una de fotografías sin movimiento y es la reproducción de una acción continua filmada sin interrupciones, en un film se pueden realizar varias tomas de un plano lo que define toma como cada una de las diferentes versiones que se pueden hacer de un mismo plano. Hay diferentes planos: los planos abiertos que este plano describe perfectamente el lugar donde se lleva a cabo la escena, se trata de una imagen completamente abierta donde se da prioridad al escenario. El plano general aquí se toma todo en cuenta en el escenario tanto ambiente, objetos y la gente. El plano completo toma al personaje de cuerpo completo, los planos medios en cambio toman al personaje de medio cuerpo donde las expresiones faciales y los movimientos corporales inician a tomarse perfectamente y por ultimo los planos cerrados nos muestra las expresiones totales del personaje,donde se describe una parte especifica del cuerpo del actor. En la película Cidade de Deus se muestra todos los tipos de planos por ejemplo el plano abierto se muestra cuando “cohete” esta en la playa con sus compañeros de clase, la toma inicia lejos para mostrar el lugar donde se lleva a cabo y luego se acerca mostrando un plano general donde aparecen tanto el ambiente(la playa) como la gente y los objetos. El plano completo, los planos medios y los planos cerrados también se aprecian en esta escena.
Referencias: Jimenez.I.(s.f.).Capitulo 1:Definición de guión cinematográfico.Recuperado el 08 de setiembre en:http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lco/poucel_s_p/capitulo1.pdf
Sagüés.A.F.(2006).Cine documental:aprender, hacer, enseñar a hacer y volver a aprender.Recuperado el 08 de setiembre en:http://www.doredin.mec.es/documentos/00620073000101.pdf
Domínguez.J.J.(s.f.).La técnica del sonido cinematográfico.Recuperado el 07 de setiembre en:http://www.felinorama.com/univ/tv/campus/temas/Sonido_cine.pdf
Jimenez.I.(s.f.).Capitulo 1:Cinematografía y sus composiciones. Recuperado el 06 de setiembre en:http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lco/jimenez_l_ma/capitulo1.pdf
Parte 1 Diferencias entre 35mm y 16mm La diferencia entre estos es la calidad y el precio obviamente entre más calidad mayor el precio. Lo que marca el filmar con una cámara de 16mm o 35mm es el tamaño del ancho, tomando en cuenta que entre mayor ancho mejor definición obtenemos, menor cantidad de grano cinematográfico. El grano cinematográfico es literalmente el grano que le sale en la imagen, como cuando tomamos una foto a poca luz solo que esta es mas agradable a la vista que el grano digital. Cuando se utiliza 16mm es por lo general para grabar cortos, también es muy utilizada por periodistas esto debido a que es mas económico que hacerlo con la 35mm que es mucho más cara y es utiliza en películas dado que se obtiene mejor definición. En la película cinema paradiso es muy evidente el uso de lente de 35mm por ejemplo en la escena cuando Totó va en el tren se puede ver le perfección en la toma, tomando en cuenta la excelente definición que se ofrece para apreciar cada detalle de la despedida y las acciones que ocurren. Referenciado de Diferencias de 35mm y 16mm (2012).cine de cartelera.es Recuperado de http://www.cinedecartelera.es/cultura-cinematografica/diferencias-entre-8-16-y-35mm/
Parte 2 Tomas y planos El plano en el cine, una tira continúa de tiras cinematográficas, creado a partir de fotogramas. Estos corren en periodos de tiempo interrumpidos. Los planos pueden variar en su duración y por lo general son filmados con un simple cámara. Los fotogramas, planos, clips, escenas y secuencias forman una jerarquía de unidades fundamentales para varias tareas en la creación de material visual. Los planos y las tomas se acomodan según la necesidad que se tenga por ejemplo cuando se esta filmando con la cámara en movimiento, “movimientos en la cámara misma” son capaces de reproducir los movimientos de los sujetos filmados. “Movimientos de la cámara sobre si misma” estos se dan colocando la cámara sobre una plataforma esférica, logrando de esta manera panorámicas horizontales, verticales, y diagonales. “Movimiento externo de la cámara” cuando la cámara es la que se desplaza, ya sea por travelling, con una grúa o montándola en un helicóptero.La cámara en ángulo, hay varios tipos de tomas según el tipo de ángulo que necesite. Esta la toma en picado, la cámara es colocada por encima de objeto a grabar, la toma en contrapicado que es lo contrario la cámara es colocada debajo del objeto. La toma o plano aéreo cuando es tomada desde bastante altura. La toma frontal, es cuando se toma desde el frente y la toma cenital la cámara se encuentra en vertical respecto al suelo. En la película cinema paradiso se hacen evites muchos tipos de tomas y planos como ejemplo la escena de la reprimenda de la madre a la salida del cine: “cuando tiene lugar vemos picados en Totó y contrapicados en su madre, y cuando llega Alfredo a calmar la situación todos son planos” otra escena es cuando están todos en la plaza y después le dan un enfoque de cámara y sonido al señor que grita que la plaza es de él.
Martínez, E. &Sánchez,S. (2011). Tipos de plano Los movimientos en el cine Recuperado de http://www.uhu.es/cine.educacion/cieyeducacion /tipos de plano.htm
Parte 3 Pista de sonido cinematográfica El sonido en una película es muy importante, en algunos casos esencial en el mundo cinematográfico especialmente el diálogo, facilita enormemente saber lo que está pasando, pero también provee de un contexto y unas emociones a lo que está pasando. Existen dos sistemas de sonido en el cine, que son el analógico y el digital, y dentro de los sistemas digitales tenemos tres principales, que son los DTS (sistemas de cine digitales), el sistema dolby digital, y el SDDS (Sonido Digital Dinámico Sony). En la película de cinema paradiso el sonido posee un papel relevante, por ejemplo los diálogos conchaban excelentemente respecto al guion, los efectos de sonoros resaltantes ya que logran hacer que la persona que ve la película capture todo para esto los ponen de una forma más fuerte en en la realidad por ejemplo en el cine cuando despiertan al tipo como entres ocasiones los ruidos que hacen son realmente penetrantes, o cuando el niño no se sabe la tabla del 5 y lo golpea contra la pizarra se puede escucha cada detalle, también en la plaza el loco todo se corta solo para escuchar lo que este dice. En esta película también es muy relevante la música utilizada con fines emocionales como en el incendio y al final cuando Totó observa lo que Alfredo le tenía guardado.
Electronica-basica.com (2012). Recuperado de http://www.electronica-basica.com/sonido-peliculas.html
Parte 4 Los efectos especiales Los efectos especiales se refieren a detalles que son introducidos en el film para hacerlo ver más verdadero “Se definen, también, como el grupo de técnicas que permiten modificar la apariencia de la imagen o el sonido”. Esto clarifica y delimita un poco más el concepto, y es debido a esta concepción que se pueden clasificar en efectos de sonido y en efectos visuales. Generalmente el público hace referencia a la idea de “truco”, cuando se refiere a ambos. Actualmente los efectos especiales constituyen una actividad especializada dentro de la poderosa industria del cine, que se nutre de la ciencia y desarrolla a la par de los avances tecnológicos. Los efecto especiales pueden clasificarse de muchas maneras, para algunos autores de libro sobre el cine solo hay dos tipos, los pre fílmicos y los cinematográficos. Siendo los primeros los que se programan con anticipación y los segundos son los que se usan durante la películas. Según la Academia de Arte y Ciencias cinematográficas se encuentran diversas clasificaciones para los efectos especiales como el caso de los efectos mecánicos, que se refiere a cualquier creación fí¬sica en el decorado o localización del rodaje, como las explocines y el fuego entre otros. Los efectos ópticos, aplicable a cualquier distorsión de la filmación directa hecha con la misma cámara con la que se rueda. los efectos de montaje, son las técnicas utilizadas para hacer aparecer objetos y que desaparezcan también. En la película de Le fabuleux destin d'Amélie Poulain (2002) cuando la pequeña Amélie se despide del pez es una escena que cautiva y hace parecer como si en realidad el pez se despide. En esta película el uso de efectos especiales es muy evidente.
Claqueta (2012). Efectos especiales Recuperado de http://www.claqueta.es/ artículos /efectos-especiales-en-el-cine.html
Critica cinematografica parte 1 Cuando hablamos de cine es una palabra que abarca muchos aspectos, muchos ligados a lo que estamos acostumbrados a ver en la salas de cine comerciales, el cine norteamricano comercial, este tipo de filmes se miden por otro tipo de parametros a los que se mediria el cine conocido como cine arte. El septimo arte o cine es todo un trabajo de un grupo de personas bastante grande y profesionales que plasman una idea o historia en una secuencia de fotografias, a pesar de ser uno de los artes de mayor impacto su elaboracion es bastante complicada, la cual no apreciamos debido a la "mala costumbre" de escuchar los lineamientos para determinar el exito de una pelicula norteamericana comercial, su taquilla, dinero gastado y dinero conseguido, cantidad de semanas en cartelera. Si bien esto es importante dentro del cine, no determinan el exito o la calidad de una pelicula, sino que el cine abarca mucho mas que eso. El cine arte como su nombre lo dice, es un arte que como cualquier otro, su simple elaboracion ya es un exito por si mismo. El impacto que pueda tener el arte no depende de su dinero, su produccion es mas importante, su profundidad en el guion, planos y tomas, calidad de produccion y otros aspectos son las diferencias tecnicas entre estos. Un ejemplo de esto lo podemos ver en la pelicula " Le fabuleux destin d'Amélie Poulain (2002)" en la cual vemos su profundidad en el guion el cual nos hace estar conectados a una serie de historias dentro de la misma que podemos ver como al final del film se unen todas, podemos ver que en una pelicula como estas cada una de sus tomas estan perfectamente planificadas y nos damos cuenta de que nada es casualidad y toda toma tiene un fin. En el cine norteamericano comercial por el contrario tenemos historias con poca profundidad y a veces hasta sin un sentido logico ya que su objetivo simplemente es generar dinero.
Uno de los mayores recursos utilizados en la industria del cine mundial son, sin duda alguna, los efectos especiales. Los efectos especiales no son solo esas explosiones o erupciones donde los edificios salen volando, sino es mucho mas que eso, los efectos especiales son un conjunto de tecnicas especializadas para crear ilusiones visuales que no pueden ser hechas normalmente. El exito del efecto especial no esta en que tan grande sea la explosion o que tanta lluvia caiga, sino que el efecto especial tiene exito cuando el o las personas que lo observan no lo perciben o lo toman como "normal" ya que cuando esto ocurre el efecto especial cumplio con su objetivo. Por ejemplo en "Le fabuleux destin d'Amélie Poulain (2002)" la escena de el la despedida entre el pez y la niña es un efecto especial el cual lo vemos como algo normal o lo pasamos por alto asi tambien en "Le scaphandre et le papillon (2007)" en el momento que le cosen el ojo al paciente nos olvidamos que no es un ojo sino que es una camara al momento de hacer el efecto. El uso de los efectos especiales es un recurso muy util para los directores de cine pero tambien puede llegar a ocurrir un abuso de el cuando se usa en demasia, por esa razon los cineastas deben tener cuidado a la hora de utilizarlo.
El cine documental es un genero cinematografico caracterizado por tomar imagenes de la realidad. Mientras unas veces lo confundimos con los reportajes tenemos que saber que hay una gran diferencia entre estos, empezando con que el primero es un genero de cine y el segundo de television, otra confusion comun es con el "cine de la realidad" pero este es un genero que no se preocupa por explicar realmente lo que sucede simplemente son escenas que fueron grabadas pero no necesariamente conuna historia de trasfondo. En "Cidade de Deus (2002)" vemos un cine documental ya que este guion fue basado en una historia real y el cine es tan exacto que a veces durante el transcurso de la pelicula se nos "olvida" el hecho de que son actores y pensamos que realmente ellos son miembros de una pandilla en este caso y que las muertes no son reales durantela pelicula. El cine documental busca plasmar en sus filmes imagenes de la realidad.
Una de las cosas que nos hace disfrutar de una pelicula es su sonido y su audio, lapista de sonido de las peliculas lleva un arduo trabajo detras de lo que escuchamos, es todo un grupo de personas grabando uno a uno los sonidos expuestos en la pista, ademas de ser una pista aparte a la de video, el sonido "acompaña la imagen" dicen algunos pero la verdad es que son todo un complemento, el sonido no solo nos transmite la musica o audio sino que muchas veces nos revela el sentimiento que se quiere dar a entender con la escena o toma en la pelicula. Un ejemplo de esto lo vemos en "Cidade de Deus (2002)" donde podemos escuchar los sonidos y su calidad por ejemplo en la escena donde "el trio tierno" esta subido en un arbol y a uno de ellos se le cae una gota de sudor, aqui no solo esuchamos alos policias buscandolos sino que tambien escuchamos los latidos del corazon y la gota cayendo a la vez y podemos diferenciar cada uno de los sonidos, esto refleja la calidad de la pista sonido en esta pelicula.
Bibliografia: 6 de junio del 2012 Efectos especiales,Recuperado de: http://www.actiweb.es/fotocine/como_se_hacen_los_efectos_especiales.html Cine Documental, recuperado de: http://www.cinedocumental.com.ar/sitio/ Pista de sonido, recuperado de: http://es.wikipedia.org/wiki/Sonido_%C3%B3ptico http://es.wikipedia.org/wiki/Sonido_cinematogr%C3%A1fico Ciudad de Dios, recuperado de: http://www.slideshare.net/mpsanchez/anlisis-pelcula-ciudad-de-dios Cine arte, recuperado de: http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/arte_cine.htm http://cinartec.blogspot.com/2011/03/cine-arte-o-industria.html
..::Concepto de guion cinematográfico y “happy ending”::.. El Colombian Dream nos lleva a través de la historia de tres jóvenes colombianos que se ven seducidos por el negocio de las "pepas" (droga alucinógena empacada en pastillas de colores) y el dinero fácil. Elementos centrales como el trio amoroso entre Enrique, Pepe y Rosita, de igual forma el trio amoroso entre John McClaine, El Duende y Ana son tan importantes como elementos secundarios de guion que le dan personalidad tanto a la película como a los personajes. Por ejemplo historias como la de Jesús Elvis, que ostentaba convertirse en un poeta; sin embargo, es víctima de la necesidad y de la sociedad y termina por convertirse en un "asesino" a sueldo como lo era su padre. Es importante recalcar que a pesar de los eventos ajenos a la trama central que se dan, la película tiene el mérito de nunca perder el hilo principal en torno al mundo del tráfico de drogas en Colombia (que de todas formas, se ve una perspectiva muy diferente a lo que nos tiene acostumbrados el cine de Hollywood). Esta producción nos lleva por una historia compleja, acelerada y realmente impredecible, el "happy ending", como se conoce en inglés, hace referencia a la situación donde el o los protagonistas atraviesan una situación complicada y al desenlace de la película, logran solucionar sus problemas y se concluye de la mejor manera para ellos (se casaron y vivieron felices por el resto de sus vidas...). En El Colombian Dream es difícil determinar si se da un happy ending, en primer lugar, Rosita se da cuenta que con quien está compartiendo su momento de intimidad no es Enrique sino más bien su hermano (el cual no es su novio) Pepe y sin embargo, decide continuar, es esto un final feliz para los gemelos?, en cuento al Duende, muere asesinado por los comerciantes de drogas extranjeros, ¿realmente quería Ana a John McClain y no al Duende? o ¿solo lo dejo a la suerte al no darle el número del recipiente correcto a John McClain? Probablemente sea un final feliz para algunos protagonistas más no para otros (Jesús Elvis encarcelado por un crimen que no cometió). Ahora, como referencia a un happy ending muy claro, se tiene el desenlace de la historia de Amelie (Le fabuleux destin d'Amélie Poulain), en el cual, tras la falta de confianza de Amelie para conquistar a Nino, se da por vencida, sin embargo, Nino aparece tras la puerta de su departamento, ella abre, lo observa y sin decirse una sola palabra se besan con pasión. Al final de la película, se muestran ambos viajando en la motocicleta de Nino y dejando ver es sus rostros una expresión de felicidad y satisfacción.
..::Concepto de planos y tomas cinematográficas::.. Es realmente amplio el uso de planos y tomas poco comunes en esta producción, desde una enorme variedad de travelling, hasta incluso el uso de “cámara en mano”, sin trípodes ni estructuras que den apoyo fijo a la cámara. A continuación se analizaran algunos de ellos. Primer Plano: En la escena donde la madre del Sagaz vende “pepas” a los jóvenes se da un "primer plano" para enfatizar los detalles de su rostro y su risa morbosa. Este tipo de plano se repite con frecuencia, por ejemplo en la escena donde se presenta Jesús Elvis por primera vez y cuando habla El Duende con Jesús Elvis en el momento que lo contrata. Plano Subjetivo: También llamado "plano PDV", muestra lo que ve un personaje, como si la cámara estuviera en sus ojos. Este recurso es ampliamente utilizado en El Colombian Dream, escenas como en la que El Duende contrata a Jesús Elvis por ejemplo. Además, se mezcla este tipo de plano con el "ojo de pez", que brinda una distorsión angular asemejando una imagen reflejada en una esfera. Esta combinación de elementos permite reflejar con mayor precisión el efecto de la vista subjetiva, y da a entender inmediatamente que en la escena se observa la perspectiva desde un sujeto. Plano Objetual: La escena en la que los jóvenes buscan en internet artículos para comprar con el dinero del Sagaz, muestra la perspectiva desde la pantalla del computador, en la cual incluso se logran observar detalles de los artículos que los jóvenes buscan. Este efecto da la sensación de que la cámara es un objeto (mirando desde dentro del objeto hacia afuera). Otro ejemplo es la escena donde El Duende y Jesús Elvis amenazan a la mujer del Sagaz, la cual se encuentra dentro del baúl del automóvil; la imagen da la sensación de ver a través de los ojos de la mujer desde dentro del baúl , combinando el elemento subjetivo con un plano conceptual. Plano Múltiple: Se da en varias ocasiones el uso del plano múltiple, por ejemplo en la escena donde El Duende llama por celular a Jesús Elvis. Este tipo de plano se da con la intención de mostrar acciones múltiples y en este caso, enfatizar los contrastes existentes entre ambas acciones. Incluso, cuando la madre del Sagaz advierte a Enrique que debe aceptar el negocio de las "pepas", se da un plano múltiple donde en ambas ventanas se muestra la misma imagen.
..::Cine Norteamericano Comercial vrs Cine Arte::.. Es necesario dejar claro que todo tipo de cine tiene una finalidad bien delimitada. Detalles como el rango de edad hasta el tipo sociocultural de personas son previamente seleccionados como receptores de determinada producción. El cine comercial norteamericano tiene como finalidad la de entretener y no la de trascender, de ahí el detalle de que muchas de estas producciones obtengan un apogeo temporal sin embargo no son recordadas con importancia tiempo después. Es importante aclarar que existen excepciones, pues algunas producciones comerciales han logrado trascender, sin embargo, la cantidad es mínima en comparación con la cantidad de producciones que han visto la luz. En contraste al consumo masivo y de taquilla, se tiene el cine arte se caracteriza por mostrar temas más controvertidos y creativos. Es usual conocer este tipo de cine por el nombre propio del director ya que la libertad de producción permite que el director ponga su sello personal en cada uno de sus películas. Un ejemplo en la actualidad es el director Pedro Almodóvar, con producciones únicas y controvertidas como La Piel que Habito. Estas tramas pueden llegar a ser complicadas para el público que esta adiestrado al cine comercial, deben ser observadas con frialdad y aceptar escenarios muy reales que ocurren en la vida diaria pero que no se muestran en el cine comercial. Interesante del cine arte es que no necesita de exagerados y poco creíbles efectos especiales para lograr gran interés por parte de sus receptores, como es el caso de El Colombian Dream, cuyo guion y uso de planos y tomas sobresale por su originalidad y dinamismo. Ahora, en el caso de que se utilicen, se puede analizar un referente en el arte de efectos especiales, Amelie (Le fabuleux destin d'Amélie Poulain). En esta producción, el uso de efectos es tan sutil que para inexpertos, algunos de ellos pueden pasar desapercibidos, pero se dan en los momentos más apropiados y sin abusar de ellos. Son realizados por ingenieros expertos en el tema.
..::Concepto de 35mm vs concepto de 16mm y cine digital::.. El film reta y destruye muchos de los conceptos más tradicionales del cine, utilizando una amplia cantidad de formatos de película fotográfica, mas allá de los clásicos 35mm y 16mm utilizados en la mayoría de producciones cinematográficas. Recordemos que el uso de los 35mm es tan extendido debido a su excelente relación entre el costo del material fotográfico y la calidad de la imagen capturada, y se ha mantenido como la medida estándar aun después de amenazas de calibres más pequeños y más grandes y formatos que a pesar de novedosos, no logran una mejor relación calidad-precio que la de los 35mm. Incluso, en el Colombian Dream escenas grabadas en 16mm fueron luego digitalizadas en alta definición y de allí trasladadas a 35mm. Es tan amplio el uso de herramientas poco comunes, que la escena donde Enrique tiene sexo con una mujer en la finca de John McClain se grabó utilizando una cámara infrarroja, generando un efecto muy original en comparación con el cine comercial.
..::Bibliografia::.. (2011) Tipos de planos cinematográficos. Recuperado el 06 de Setiembre de 2012 de http://www.solosequenosenada.com/2011/02/14/tipos-de-planos-cinematograficos-ejemplos-con-fragmentos-de-peliculas/
David D. Griffith (2002) El Guion Cinematográfico. Recuperado el 07 de Setiembre de 2012 de http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lco/peralta_f_a/capitulo1.pdf
Película de 35mm. Recuperado el 06 de Setiembre de 2012 de http://es.wikipedia.org/wiki/Pel%C3%ADcula_de_35_mm
En la película La Piel Que Habito, la escena final al igual que el resto de la película es filmada en un formato de 35 mm ya que se pueden observar tomas donde se incluyen sonidos y hay captura del color, además que el ancho del film es el optimo para una buena calidad de imagen y obtener así una buena proyección cinematográfica.
Hasta en la escena final se nos muestra de una manera oral quién es realmente Vera ya que hasta en ese momento se lo menciona a su madre. Y según escenas anteriores todos asumimos que es Vicente por lo que el guión nos había mostrado. En esta misma escena se observa que no es necesario agregar música de fondo para crear un drama o expresar los sentimientos tanto de Vera como los de su madre. Gracias al guión de esta película, sin que sea necesario utilizar el habla por parte de los actores, nos damos cuenta de las razones que tenía Vera para matar a Robert. En esta escena analizada se descarta por completo el happy end debido a que suceden cosas completamente inesperadas. En la trama nos hacen salir un poco del pensamiento o de la idea de lo lógico a suceder para luego de un momento a otro sorprendernos con acciones totalmente diferentes a lo que realmente estamos acostumbrados a ver. Se observa como Vera ya se veía feliz y estaba junto a Robert, pero de un momento a otro tomó rencor y mató a Robert. En la película y en específico en la escena final nos mantiene en un suspenso acerca de lo que va a suceder con los protagonistas, a pesar de que algunas de las acciones tomadas por los actores en el film, son muy parecidas a las que muchas personas tomarían en la vida real estás nos causan sorpresa. Además de esto se muestran a todas las personas del film como personas normales (inteligentes, tristes, felices, locas, entre otras) y muestran a todos los actores con todas sus características además de que nos muestran sus pensamientos. Esto hace que este film sea de categoría realista y la diferencia de otras como documental y testimonial.
En la escena final se muestra como en el cine de arte se realiza una película sin propósitos principalmente económicos, como lo es el cine norteamericano comercial. Además que el cine arte además de preocuparse por el cómo se ve, se preocupa también por el cómo se siente. Se preocupa por crear una buena historia y no por lo ebonita que sea esta, ya que no les importa la vida o felicidad de los protagonistas dentro del film como si es el caso del cine norteamericano comercial.
DIFERENCIA EN 35mm VS 16mm VS DIGITAL: Empecemos a hablar sobre los formatos de cámara al grabar una escena en una película este es un aspecto importante ya que dependiendo de lo que el director quiera se usan diferentes formatos. Entre ellos el formato de 16 y 35 mm y el formato digital. Empecemos por el formato digital en la escena al inicio de Slumdog Millionaire cuando se da una secuencia de persecuciones el director de fotografía Anthony Dod Mantle,recomendó el uso de una cámara digital en vez de una tradicional de 35mm esto debido al espacio porque era muy concurrido y si se utilizabauna cámara de 35mm no daría la toma esperada. Los puntos altos del formato digital es su tamaño que es mas pequeña ,mas ligera y versátil , ideal como para grabar en las estrechas callejuelas que hay en Bombay.Recordando que esta escena fue grabada en una calle real y no en un estudio al grupo le costo mucho trabajo grabarla ya que no podían alterar la vida cotidiana de los habitantes. Además también explico que al llegar a la India quedo tan impactado del caos que se genera con toda la gente que no le bastaba “quedarse mirando” con esto se refiere al uso de una cámara convecional de 35mm en la que no se puede “sumergir en el caos” ,explico Boyle director de la película, por eso prefirió el uso de cámaras digitales en las escenas de ciudad para poder captar todo ese caos y poder ensenarlo al publico. Las cámaras que opto por usar fueron las SI-2K, que son muy versátiles y pequeñas permitiendo al camarógrafo lograr tomas muy buenas en espacios reducidos o de difícil acceso. Las cámaras de 35mm sin duda alguna son las que dan la mejor calidad de imagen mas resolución y menos grano. En la película Amelie se aprecia muy bien el uso de estas cámaras de 35mm como en la escena donde se describe el café donde ella trabaja, Les deux Moulins, se hace una toma donde se va mostrando todo el local y a la vez describiendo a cada personaje que esta en el , es una toma q se hace en la puerta del local y abarca en detalle cada espacio del café,esta es una de las características que tiene esta cámara da un marco muy ancho lo que permite este tipo de imágenes. En esta misma película me llamo mucho la atención una escena , los créditos que hay al principio de la película , donde esta Amelie de nina comiendo fresas y jugando con goma en sus dedos , estas tomas fueron hechas con una cámara de 35mm pero en la edición fueron tratadas digitalmente para hacerlas parecer que fueron grabadas con una cámara super 8, que es un tipo de formato de 8mm que era ultilizado mas que todo por las familias en sus casas. Por ultimo me queda hablar de el formato de 16mm este da una calidad un poco mas baja que el de 35mm pero es mas económico y es ultilizado por películas que no cuentan con mucho presupuesto, La Ciudad de Dios esta película posee muchas escenas que fueron grabadas en formato de 16mm , escenas como la del bosque cuando Neghinho y Alicate son perseguidos por la policía al bosque es una escena que no tiene mucha calidad de imagen ni mucha resolución ya que fue grabada con una cámara de 16mm, otra escena que utilizo este formato fue cuando Dadinho va a hablar con el chaman que hace voodoo y le llama Ze Pequeño es una escena muy parecida a la anteriormente descrita no es una imagen con mucha resolución mas bien es un poco dificil de apreciar algunos detalles ya que la calidad de la imagen no es muy alta.
Otro aspecto muy importante en lo que se refiere a una película son los efectos especiales, que le dan un gran aporte a una escena y pueden hacer la diferencia entre una película excelente y una película pésima ,ya que hay efectos muy sutiles y otros mas bien hacen que se vea muy exagerado o irreal. Por ejemplo en la película Amelie que esta llena de efectos especiales que muchos son casi irreconocibles tales como el pez suicida que ella tiene, es una animación no es un pez real,este mismo pez cuando es liberado el se devuelve y se despide de Amelie , un detalle que cuesta visualizar y es un gran efecto especial que pasa casi inadvertido , otro gran efecto especial es cuando ella esta lanzado piedras y estas dan brinquitos en el agua, muchos vemos eso como algo normal en el que no hubo nada especial , sin embargo este efecto llevo muchísimo tiempo ya que tenia que ser tan sutil que fuera casi imperceptible por los espectadores , claro que en esta película habían otros efectos que si eran muy fáciles de observar como los cuadros en el cuarto de Amelie que hablaban pero este efecto aunque fuera muy fácil de observar no afectaba ,pero cuando es uso de los efectos especiales se pasan de mano y son muy exagerados se cae en el abuso de estos . Al caer en el abuso de efectos especiales una película pierde el tono realista de esta misma , como las películas de cine de acción de Hollywood donde se dan muchísimas explosiones , destrucción de la propiedad privada,entre otros. Me gustaría poner el ejemplo de Mission Impossible donde el actor Tom Cruise sale caminando de un edficio a punto de explotar este explota a centímetros de el , ni se despeina ni se cae,o el dispara y explotan dos carros y destruyen una casa, estos efectos hacen que una película se vea completamente falso. A pesar de todo esto el cine de Hollywood sigue produciendo películas asi por que les deja cuantiosas sumas de dinero , ya que van dirigidas a un publico joven que disfruta de estos “gradiosos efectos”. En una conclusión se llega a que los efectos especiales son buenos ayudan muchismo al cine pero siempre y cuando sean usados en una forma racional , sin grandes exageraciones que parescan escenas de la vida real y no un actor con una gran pantalla azul . también se sabe que entre mas delicados y finos sean los efectos especiales , mas difíciles de lograr hacer. Muchos críticos de cine dicen que el éxito de una película muchas veces se encuentra en este tema ya que los efectos especiales hacen la diferencia entre una película muy buena y una muy mala, ya que aunque se tenga el mejor elenco de actores el mal uso de efectos especiales puede arruinar una muy buena producción. Por lo general las películas que abusan de estos efectos especiales son del tipo de cine comercial que tratan de llamar mucho la atención del publico.
Luego de haber hecho la diferenciación entre los efectos especiales y el tipo de cine que en general lo usa podemos especificar la diferencia entre el cine comercial y el cine arte. Para ejemplificar mejor lo que es cine arte tomare como referencia La Piel que Habito de el director Pedro Almodovar,esta película se caracteriza por una guion muy complejo donde hasta después de la mitad de la película se puede comprender bien que es lo que sucede, ultiza los flashbacks de una forma muy buena, al principio de la película uno no puede entender muy bien lo que esta pasando hasta que se hace el flashback que lo explica. Otro aspecto es que el guion no baja su intensidad en ningún momento , lo mantiene a uno a la expectativa de que va a pasar después , además de ser un guion completamente original no es un tema que abarca cualquier película,además de muy controversial por tocar temas como experimentos con humanos y cambio de genero que son dos temas que la sociedad ve como malo,Almodovar logra realizar una mezcla de estos dos y exponernolos dejandos a todos pensando un buen rato sobre este film. Aunque fue una producción de muy alto presupuesto ,con actores de primer nivel , el cine arte , no se basa en la recaudación hecha en los cines , ellos tienen otras prioridades antes que esa , esta es una d las mas grandes diferencias ya que una película de cine arte es buena gracias a el uso de sus cámaras, guion original o fotografía y no por su recaudación. Otra cosa que se ve muy bien en la película de la Piel que Habito es la escenografía son escenarios muy bien montados casi se pueden decir que completamente reales ,una diferencia muy grande con el cine comercial que mas que todo se basa en las pantallas azules para recrear todo lo que quieren. En otro aspecto que se caracteriza es en utilizar actores que tuvieron que pasar por un casting muy riguroso,para asegurarse de que será el actor que mejor se acople al personaje que se quiere , como la selección de Antonio Banderas como el persona principal , teniendo las cualidades y el carácter que tendría un doctor asi de exitoso. Luego un aspecto que tiene el cine de Hollywood es que ellos clasifican al cine que no es de ellos como cine independiente de baja calidad, con mala actuación ,cosa que aleja a mucha gente, además ellos eligen países poco desarrollados donde es muy dificil tener acceso a un cine arte de calidad, y amaestran a el publico a los efectos especiales exagerados y a que los actores siempre sean muy guapos y adinerados. Otro aspecto que varia entre estos dos tipos de cine esta en la clasificación de los generos de películas. Este tema es controversial dependiendo del gusto de cada persona pero las personas que ven cine artístico se dan cuenta del mal cine que veian antes
En lo que consta de cine existen varios generos que pueden ser fácilmente confundidos estos son el cine realista,el cine documental y testimonial ahora serán explicados para poder entender cada uno: El cine documental fue un genero que se derivo del cine de observación, cuando algunos cineastas con fines antropológicos y de estudio buscan una manera de filmar, sin que se interfiera en la realidad de lo sucedido. Este tipo de cine documental propone la filmación con una cámara estatica para afectar lo menos posible en los acontecimientos. El cine realista lo que hace es recrear en un estudio con un elenco de actores una problemática tal es el caso de la película Ciudad de Dios, donde se tienen referencias de que esos personajes no son ficticios si no que en la realidad si existieron , lo que hace la película es recrear esto. Por ultimo se habla del testimonial, en este genero se tiene una historia que es narrada por el personaje principal,desde su punto de vista en cada aspecto, no necesariamente tiene que ser basada en hechos reales ya que pueden ser ficticios. Un ejemplo claro de este tipo es la película Slumdog Millionaire donde el cuenta toda su historia y de cómo sus experiencias en la calle le ayudan para poder responder cada pregunta del programa.
Detalles de amelie. Recuperado el 4 de setiembre de 2012 http://todoscontraelarte.blogspot.com/2012/07/solo-para-muy-fans-anecdotario-de.html Pelicula agua.Recuperdado el 4 de setiembre de 2012 http://www.labutaca.net/films/36/water.htm Detalles técnicos Amelie. Recuperado el 6 de setiembre de 2012 http://www.imdb.com/title/tt0211915/technical Filmes arruinados por efectos especiales. Recuperado el 6 de setiembre 2012 http://de10.com.mx/8807.html Diferencias entre cine arte y cine comercial.Recuperado el 6 de setiembre 2012 http://publicalpha.com/cine-de-arte-o-cine-comercial/ Cine Documental. Recuperado el 6 de setiembre de 2012 http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/documentrealidad.htm
Parte 1 TOMAS Y PLANOS Las tomas y planos utilizados en cualquier película cumplen un papel sumamente importante, tal como lo veremos en películas como Le fabuleux destin d'Amélie Poulain (2002) del director Jean- Pierre Jeunet en la cual se hace un trabajo de cámaras utilizando diversos dispositivos entre los cuales se citaran los más importantes. En primer lugar se hace gran uso de las conocidas grúas con el fin de realizar tomas en picada con las cuales se busca transmitir en muchas ocasiones sentimientos de insignificancia, desolación, fracaso o en muchos casos busca cubrir un gran espacio de grabación en la que los actores o actrices se están moviendo, tomas de este tipo las observamos en Amelie en la estación del tren con el fin de cubrir gran cantidad de espacio y de esta manera enfocar. De la misma manera se encuentran tomas en contrapicado las cuales son realizadas con las mismas grúa y que buscan transmitir sentimientos de grandeza así como también momentos de triunfo o de exaltación tanto como se requiera transmitir a lo largo de toda la película como en la escena de Amelie en la cual poco después de haber cumplido con la entrega de la cajita de juguetes a “Brodoteau” se transmite mediante el uso de contrapicados un sentimiento de felicidad, en esta escena se puede notar la forma en la que se trabaja el movimiento de la cámara de una forma delicada deslizando la grúa hacia atrás con un movimiento giratorio logrando a la vez otro tipo de toma como lo es una toma panorámica en la que se puede no solo seguir a la actriz sino también muestra el río y edificios de fondo y por supuesto sin dejar de producir un buen enfoque de la sensación buscada, iniciando en plano medio y con un alejamiento concluyendo en un plano americano. Son este tipo de tomas en las que realmente se logra apreciar el sentido de la técnica y la manera en que se hace uso de la grúa en plena coordinación con la cámara que ésta porta. Sin duda alguna Amelie esta plagada de distintas técnicas para realizar tomas y en distintos planos, otra técnica utilizada en Amelie es el uso del trávelin o también conocido como dolly que básicamente consiste en el desplazamiento de la cámara la cual se coloca sobre un carro de ruedas que posteriormente se moverá sin alterar la grabación. Mediante esta técnica se logran distintos objetivos como pueden ser acercamientos o alejamientos de la misma forma puede ir alguien en el trávelin. Con respecto a esta técnica podremos notar que nuevamente la película Le fabuleux destin d'Amélie Poulain (2002) está repleta de tomas con base a esta técnica entre ellas está la utilizada en la escena en la cual Amelie se topa por primera vez con Nino Quincampoix que tiene lugar en la estación del tren, en esta escena se hace uso del trávelin para dar un enfoque en primer instancia a los pies de Amelie y de ahí parte y enfoca a Nino al cual se trabaja con un primer plano con el fin de transmitir un sentimiento deseado por el mismo director. En la escena descrita anteriormente se puede agregar que se hace uso de otra técnica conocida como close-up, la cual como se puede ver es un acercamiento directo al rostro del actor, mediante el uso de esta técnica se pueden destacar aspectos importantes como sentimientos de felicidad, dolor, miedo, entre otros, en el caso particular de esta escena se desea producir algún sentimiento de encuentro el cual vendrá seguido de un movimiento nuevamente de trávelin y algunas grúas hacia la parte de las gradas este acercamiento puede venir desde abajo o desde arriba según el propósito deseado.
Esta producción colombiana tiene un lema que da a entender de qué se trata la película: “Véala antes de que la prohíban”, es una película que expone la realidad colombiana y con su ritmo acelerado de contar las diferentes historias, muestra muchos aspectos de la vida en Colombia.
Tomas y planos En la primera escena donde se presenta a Lucho, el narrador de la de la historia, se utilizan muchos planos cinematográficos, la toma empieza con un plano general donde se muestra la habitación que representa el útero de muertos, luego cambian a un plano americano, plano medio y la escena termina con un primer plano de Lucho para hacer énfasis que es un niño de 14 años el que va a narrar la historia y también que el tema del dinero va a ser el tema principal de la narración que el niño está por comenzar. En la siguiente escena presentan a los personajes de la historia con tomas de primer plano con una cámara que se desplaza libremente por el Colombian Dream, luego de presentar a los 3 personajes principales con tomas de primer plano y pasan a plano americano para presentar a la mamá y al novio de turno de la mamá. También se presenta el plano múltiple en muchas escenas de la película entre ellas, cuando los 3 jóvenes están negociando con Lucas para el traslado de las cajas de pepas, cuando el duende le dice a Johnny que él fue por el Enrique Arango que encontró en el celular del sagaz y en la escena cuando el duende llama a Jesús Elvis pero ya la policía lo había agarrado. En la película predominan los distintos tipos de cámara móvil, en la escena cuando la Belfa llega al Colombian Dream a decirles que al día siguiente va a llegar el hijo a decirles que hacer con las pepas se utiliza la cámara en mano. En la escena cuando el sucio Arango va caminando por la carretera se presenta el tipo de travelling llamado retro, que es cuando la cámara se sitúa delante del rostro del sujeto, mientras la cámara retrocede a medida que el sujeto avanza. En la escena cuando Rosita le llega a decir a la mamá que necesita las pepas por que secuestraron a Enriquito y a Pepe se utiliza el plano de travelling circular. También el las tomas cuando muestran la finca de los traficantes, las tomas del árbol y de la casa son hechas con el plano de travelling aéreo.
Efectos especiales Esta película utiliza gran variedad de efectos especiales, por ejemplo la cámara térmica cuando a Pepe lo encierran en el cuarto oscuro en la casa de la finca de Maclein. También cuando los jóvenes están viendo las motos y las cámaras, que insertan una imagen de un teclado como si la cámara viniera de adentro de una portátil y este mismo efecto lo utilizan cuando Jesús Elvis entra a pedir un baño a un restaurante, la cámara simula estar dentro de una televisión donde en ese momento están pasando la noticia del secuestre del sucio Arango. El efecto de volar también lo utilizan cuando el sucio Arango anda caminando drogado sin un destino por la carretera que por un momento cree que es un pájaro y el efecto de la cigüeña que les lleva él bebe a John Maclein, a su mujer y al duende. Hay un efecto que ponen una escena en segundo plano y le insertan la misma escena en primer plano y es cuando John Maclein le llega a decir al duende que se consiga a alguien que sepa matar, porque las cosas se van a poner feas. Cuando el sucio Arango está en el maletero del carro del duende y llama a Nicole y aparece su celular y se oye lo que él dice y lo que está pasando en la casa. Concepto de guion cinematográfico y happy end El guion de esta película está hecho para hacer que el espectador se empiece a meter en la película pero que entienda que trata dos historias principales, el triángulo de Enrique, Pepe y Rosita y el triángulo del duende, John Maclein y Ana. Las dos historias se unen cuando los jóvenes por ir a buscar “pepas” y por cosas del destino se ven enredados en un problema donde la Belfa los tiene que esconder en la casa cuando llegan los hijos y luego se da cuenta que le robaron unas “pepas” y se va en busca de los jóvenes para que le hagan el favor es esconderle una pepas del hijo, ellos van con el hijo y hacen el negocio, a cambio de mucho dinero. Luego la historia cambia a los jóvenes que se dan cuenta de que se metieron en un gran problema y tratan de devolver o deshacerse de la droga. John Maclein va a cerrar un gran trato con unos clientes y para eso necesita la droga que tienen los 3 jóvenes y para eso manda al duende a buscar a toda costa esa droga, con esta oportunidad el duende idea un plan para quedarse con Ana, él bebe y toda la fortuna de Maclein. Al final el plan del duende sale mal porque Ana dejo el éxito del plan el destino y Maclein se da cuenta del plan y hace que maten al duende y les devuelve el dinero a los clientes y se va del lugar con su mujer y con el bebé. El termino estadounidense “Happy End” es que el personaje o personajes principales pasan por un gran problema, de alguna manera lo resuelven y viven felices para siempre. En esta película no hay un happy end explicito pero en parte cada uno de los personajes exceptuando al duende tiene un final incierto, John Maclein sigue con su vida tal y como era antes, no se sabe si a Enriquito le fue bien o mal con las “pepas” en Bogotá y a Pepe haciéndose pasar por su hermano, es descubierto por Rosita pero no le importa y hace como si no supiera y se queda con él.
Pista de sonido cinematográfica En cine el video y el audio se graban por aparte, lo que convierte a los encargados del sonido de una película en verdaderos artistas, luego de grabar ambos, se unen y así queda lista la película. La pista de sonido de la película Colombian Dream tiene muchos detalles, entre todas las canciones que se adaptan perfectamente al tema que trata la película. Al principio de la película se escucha como la canción que le cantaría una madre a un hijo recién nacido y se cuenta la historia de Lucho, el niño abortado. Como a la mitad representan la ida de compras de los 3 jóvenes con una canción donde ejemplifica la reacción de los vendedores de un centro comercial al ver a los 3 jóvenes con mucho efectivo y comprado de todo, al principio de esta canción se muestran como los principios de las personas y conforme va avanzando la canción se muestra como ceden las personas ante el dinero y al final ya no les importa y reciben el dinero sin importar de donde viene. Al final ponen una canción que habla que hace una crítica al país que dice que le van a regalar al país a un extranjero para que arregle todos los problemas pero que al final los dejan peor de cómo estaban. Durante ciertas escenas de la película hacen que el audio no coincida con el video y le dan un efecto interesante a la toma ya que dejan que se entienda lo que dicen y luego se escucha la voz de los actores, o lo silencian del todo pero en el video es claro lo que está diciendo la persona, también los sonidos de ciertas cosas los aumentan para darle un énfasis a que eso está sucediendo o para que no pase desapercibido ese evento.
Bibliografía Tipos de plano. Los movimientos en el cine. Recuperado el 4 Setiembre de 2012 de: http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/tiposdeplano.htm Tipos de planos cinematográficos. Recuperado el 5 de Setiembre de 2012 de http://www.solosequenosenada.com/2011/02/14/tipos-de-planos-cinematograficos-ejemplos-con-fragmentos-de-peliculas/
Parte 2 EDICION CINEMATOGRÁFICA En cuanto a la edición cinematográfica se tiene que es un proceso arduo y delicado en el que se necesita un amplio conocimiento del guión de la película y de las ideas, sentimientos, pensamientos y demás situaciones que el guionista y el director quieran destacar o hacer sentir a los espectadores de la película, con base en el rumbo que estas ideas señalen se podrá tener una visión clara de lo que se busca y se podrá dar comienzo a la edición. En la mayoría de las películas se hacen entre 5 y 30 tomas distintas con el fin de tener una basta cantidad de tomas de donde escoger a la hora de la edición. A manera de ejemplo se tiene la película de Cidade de Deus (Ciudad de Dios) en la cual se aprecia el sentido de hacer la edición de una película específicamente al final de la misma puesto que resultaría muy difícil estar trasladando todo el equipo de filmación de un lugar a otro, especialmente en una producción como esta en la cual se maneja gran cantidad de lugares (la playa, la ciudad, pueblos aledaños, etc.). Poniendo a prueba lo antes descrito se puede utilizar la escena en la cual “Ze pequeño” se apodera del negocio de venta de droga que se tenía en Ciudad de Dios, podremos notar el amplio uso de tomas en distintos planos que se realiza en esta escena puesto que con el objetivo de aclarar las ideas se repite la escena varias veces desde distintos ángulos, esta escena fue editada de esta manera con el objetivo de cumplir de cierta forma con lo que establece el guión y con base en el enfoque que el director de la película deseaba dar. De aquí la importancia del uso de tantas tomas (5 a 30). Un buen ejemplo de lo antes mencionado es la escena de la película Ciudad de Dios en la que “Daditos” mata a su propio hermano “Pato” con una pistola, si notamos es una escena dividida en dos partes, en la primera se utiliza una toma normal pero el editor con el fin de mantener podría llamarse la intriga que establece el guión decide editar la escena con un simple cambio de “metrajes” o duración con lo cual en la primera parte de la escena no se muestra todo lo que acontece en el momento sino hasta bien avanzada la película, en la parte dos de la escena el editor decide realizar lo que se conoce como flash back (recurso sumamente utilizado para contar situaciones que sucedieron en un pasado y así armar una historia) y en esta ocasión alargar el metraje de la toma para así mostrar algo todavía desconocido. Entre algunas cosas mas que se pueden añadir al tema de la edición es que aunque no lo notemos la edición no solo cumple su papel en el ordenamiento de las escenas y de todas las tomas seleccionadas sino también se encarga de agregar los diálogos de los personajes de la obra y muy importante: los efectos sonoros los cuales en pocas palabras, le dan vida al filme, a modo de ejemplo, una película de suspenso no sería lo mismo sin todos los sonidos macabros que se le agregan a la pista de sonido con el fin de complementar esa sensación de miedo que causa la imagen. De la misma manera en películas como Water del director Deepa Mehta se puede encontrar el peso real de los efectos de sonido sobre lo que se está buscando, a lo largo de toda esta película se utilizan sonidos propios de la naturaleza o de instrumentos tradicionales con el fin de transmitir alegría y en ocasiones tristeza. Múltiples escenas describirían distintos sonidos utilizados, entre ellas: La escena donde Amelie decide robarle el nomo de jardín a su padre. En esta escena claro está que el sonido no es natural sino obviamente fue editado y con un propósito especial que probablemente esté dirigido a generar algún sentimiento de incertidumbre de lo que se tiene entre manos, este sonido no está por casualidad ni fue un error del editor, claramente fue escogido con un propósito en particular y de la misma forma se manipulan las grabaciones en diversos filmes.
Parte 3 PISTA CINEMATOGRÁFICA Como todos los conceptos vistos la edición cinematográfica forma parte importante de todo filme pues por mejor imagen que se tenga y sin importar la calidad de la grabación y los efectos visuales, un filme adquiere su verdadero valor a la hora en la que se le agrega la pista sonora la cual incluirá tres elementos de suma importancia los cuales serán analizados con base en algunas filmaciones. Diálogos: probablemente es el elemento más perceptible de la banda sonora puesto que asociamos los diálogos a la imagen. Por ejemplo en escenas en las que se tiene gran cantidad de viento o sonidos es necesario el uso de zeppelín con el fin de obtener una mayor captación de la voz del actor. En la película “Cidade de Deus” se recurre al uso de zeppelín para filtrar el sonido deseado en escenas como la del baile en el cual es acecinado “Bené”, es esta escena es necesario enfocar el sonido de los personajes, para ello se necesitó de un grupo de expertos de sonido en acústica los cuales deben calcular la cantidad de reverberaciones. Con base en la información proporcionada se podrá recurrir a la elección del tipo de micrófono (En el caso de esta escena se utiliza lo que se conoce como micrófono electret, utilizado para captar la voz de varios personajes en un mismo plano). Volviendo a la escena del baile en Cidade de Deus anterior se puede agregar que gracias a una buena escogencia de micrófono las conversaciones entre los personajes durante el baile mantiene los sonidos graves de los mismos y no distorsiona sus voces. Efectos: El uso de efectos aunque son menos perceptibles que los diálogos forman parte importante de la pista cinematográfica, para comprender mejor su uso se utilizara la escena de la película “Le Fabuleux Destin d'Amelie Poulain” la cual está repleta de este tipo de efectos, entre los más importantes está el sonido de electricidad al pasar por las líneas eléctricas en la estación del tren que a la hora de ver la película si se presta atención nos daremos cuenta de que es un sonido agregado por el editor de sonido con el fin de aumentar el detalle de la escena. Otro ejemplo es el del sonido de los cuervos a lo largo de la película, cuervos que probablemente nunca estuvieron durante la filmación de la escena pero que quizá por petición del director o por mismo señalamiento del guión se agregó este sonido. De esto se entiende que en la edición de sonido se busca más la veracidad que el realismo. En este sentido se puede comprender la importancia de grabar el sonido de las escenas aparte de la imagen (directo o en estudio) para poder editar el sonido, el cual en muchos casos se podrá reemplazar por secciones de sonido más adecuadas para obtener mayor credibilidad. La música: es otro factor importante que compone la pista sonora, esta será debidamente seleccionada con el fin de transmitir los sentimientos o pensamientos que pasan por la cabeza del personaje, entre ellos: miedo, incertidumbre, entusiasmo, emoción, amor, entre otros. Con la música el editor tiene que velar porque la música se ajuste a la duración deseada así como también a la velocidad de los hechos y demás aspectos. Para analizar el efecto de la música y su uso se recurrirá a la película “Le scaphandre et le papillon” en la escena en la que le entra neumonía a “Jean-Do” luego de venir construyendo sentimientos de esperanza. En esta escena es claro el objetivo y el uso de la música, están orientados a despertar un sentimiento de dolor en el espectador, es en este tipo de escenas donde si se analiza lo suficiente se entiende el verdadero objetivo de la música y el cuidado que el editor de sonido debe de tener al momento de escogerla.
Parte 4 EFECTOS ESPECIALES En términos generales los efectos especiales son todos aquellos artificios a los cuales se recurre durante la post producción de la película con los cuales se pretende dar apariencia de realidad a ciertas escenas que así lo requieran. Básicamente pueden ser divididos en dos tipos de efectos los cuales serán analizados con la ayuda de la película Le Fabuleux Destin d'Amelie Poulain del director Jean- Pierre Jeunet. Esta película ha sido premiada de gran manera pero quizá uno de los factores más importantes que han apoyado a su prestigio han sido los efectos especiales y la forma de emplearlos. En primer lugar presenta un tipo de efecto conocido como efecto visual o animación digital que en el caso de esta película lo que se realiza en la animación digital, es tratar de modelar e iluminar diferentes sectores de la escena con el fin de darle la visión requerida. De los efectos más interesantes tenemos el de la escena en la que la madre de Amelie, “Amandine Fouet-Poulain” decide deshacerse de un pez el cual luego de ser tirado en el río se vuelve y observa a Amelie, en este caso mediante una gran manipulación de sectores, la iluminación y la ayuda de herramientas digitales poderosas se logra realizar este efecto visual que si no se razona podría incluso pensarse que es verdadero debido al gran parecido a la realidad que posee. Es necesario aclarar que estos trabajos de postproducción no son estrictamente necesarios pero como ya se ha visto forman parte en muchos filmes y un buen efecto puede causar un gran efecto positivo en las personas. Entre algunos otros efectos que se podrían mencionar es la manipulación cuidadosa de muchas de las imágenes con el fin de que las calles de parís luzcan impecables, este tipo de efecto y el anterior mencionado son un poco difíciles de percibir por lo que se dice que Amelie tiene estupendos efectos especiales, ya que se considera que el mejor efecto es el que se asemeja a la realidad sin parecer haber sido editado o trabajado mediante herramientas digitales De la misma forma la película trabaja mucho los otros tipos de efectos especiales, los efectos de sonido son quizá más perceptibles a la hora de ver la película, entre ellos se destacan los sonidos de múltiples escenas: Las escenas en la cafetería son tratadas con edición de sonido para conseguir coordinar situaciones que se están llevando a cabo con sonidos particulares que aumentan la creatividad de la película, entre algunos de los sonidos más destacados estás los realizados por una máquina de expresos y a la hora de poner una copa sobre una superficie, estos son solo algunos de los muchos que se podrían citar. Bibliografías: Freer, C. (2000). In Cortés Lourdes M. (Ed.), Lucer, cámara, acción (primera ed.) Editorial UCR. Rodriguez, R. (2006). Mentor cinematográfico (primera ed.) Editorial UCR. Zappeilli Cerri, G. (2006). Imágen escénica Zappeilli Cerri, G. (2003). Guión: Escritura activa (Primera ed.) Editorial de la Universidad de Costa Rica.
Conceptos Básicos Y Ejemplos Para La Apreciación Del Cine [PARTE 1]
<< 35mm vs 16mm vs Digital >> Algunas personas suelen decir que el cine es la suma de todas las artes previas a su nacimiento, y en realidad tienen razón ya que investigando un poco se puede llegar a la conclusión de que el cine involucra la arquitectura, la escultura, la pintura, la literatura, la danza y la música… lo que conlleva, según los analistas, una afirmación. Claro está que el cine es fotografía en 35mm, pero para comprender mejor este término se debe tener presente que hay varios tipos de película, entre los que destacan actualmente los formatos de 16mm, 35mm y el formato digital, cada uno con características y fines completamente diferentes. Cabe señalar que la película de 35mm, es el formato más aceptado por la industria, ya que posee una muy buena calidad de imagen (la cual se puede apreciar claramente en algunas películas como lo es “La Piel Que Habito” (2011) de Pedro Almodóvar), con amplia profundidad de campo (la que se distingue perfectamente en algunas tomas de “Water” (2005) del director Deepa Mehta, como por ejemplo la toma inicial de la película y las tomas que se hacen en el río), con buena disponibilidad y un costo considerable. La película de 16mm, resulta ser una alternativa económica al formato de 35mm, no posee las mismas características que el formato de 35mm con respecto a la profundidad de campo, por lo que se ha utilizado principalmente para la fabricación de películas caseras, aunque fue muy utilizada durante la segunda guerra mundial, por lo que se extendió su uso en los años 50 y 60. Posteriormente fue muy utilizada para el uso televisivo, en la producción de documentales y cortos. El formato digital cambia completamente el esquema, ya que generalmente no utiliza película para su elaboración, sino que todo se hace por métodos digitales, por lo que posee menos resolución e información en el fotograma que el cine celuloide. Para muchos el hecho de no usar película significa la pérdida de la esencia de la mirada fílmica ya que no consigue la misma sensación en el público, que la que se consigue por ejemplo, con una película de 35mm. A pesar de todo esto, con el formato digital la post-producción resulta ser mucho más flexible y con una infinidad de posibilidades. En la película “Le fabuleux destin d'Amélie Poulain” (2002) del director Jean-Pierre Jeunet, el uso de técnicas digitales, permitió la incorporación de gran cantidad efectos especiales que en la realidad o en una filmación de 35mm no podría ser posible, algunos de ellos casi imperceptibles y otros realmente notorios, entre los que destacan, la escena donde devuelven el pez al río y éste se devuelve a dar las gracias, la escena donde Amélie fotografía las nubes (en la cual todas las nubes poseían forma), las escenas donde Amélie lanza piedras al río y éstas rebotan, o escenas en donde las personas en las fotos, y animales en los cuadros hablan. Por lo que se puede concluir que a pesar de ser la película de 35mm la más aceptada mundialmente, existen otros formatos que se pueden adaptar a las necesidades del productor.
*Pista de Sonido* Desde un principio los cineastas se propusieron que el cine, tan precario en sus comienzos, se pareciera en lo posible al mundo real. Entre los primeros y principales objetivos de los pioneros, estuvo siempre el de conseguir el sonido y el color, por lo que la música en un principio era interpretada en directo ante la pantalla. Personas especializadas, entre ellas “el explicador”, contaban lo que sucedía y mediante artilugios hacían los ruidos, viento, tempestades, trinos de pájaros y otros, que eran utilizados para una mejor comprensión del lenguaje de las imágenes mudas. El sonido aumenta la impresión de realidad, siendo capaz de crear un modo distinto de percibir la imagen, lo que puede condicionar su interpretación, por ejemplo, centrando la atención del espectador en un punto específico y guiándolo a través de la imagen. Desde la aparición del cine sonoro, éste va de la mano con la imagen de una manera tan estrecha, que si se elimina uno de estos elementos, la película cambia completamente de sentido. Uno de los usos más frecuentes del sonido es el diálogo, en el que hay aplicaciones como la "voz en off", discurso en tercera persona y sin presencia del narrador en la imagen que, sobre todo, se usa en la estructura temporal del "flash back" utilizada en la primera escena de la película “Le fabuleux destin d'Amélie Poulain” (2002) del director Jean-Pierre Jeunet, en la cual una voz cuenta lo que pasa, en distintas partes de Francia el 3 de setiembre de 1973, en la película “Le Scaphandre Et Le Papillon” (2007) de Julian Schnabel, en la mayoría de escenas de la película y donde el personaje recita sus poemas y presente también en “Ciudade de Deus” (2002) del director Fernando Meirelles, a la hora de describir la historia de algún personaje. Para lograr los resultados audiovisuales buscados por el productor, se necesita un arsenal de ingenieros y técnicos detrás de cámaras que se encargan del más mínimo detalle, entre los que destacan el técnico de sonido y los microfonistas, en la post-producción se suman el editor de sonido, el compositor de la música incidental y los artistas de efectos sonoros y de doblaje, para generar la banda sonora original. Generalmente las personas tienen la sensación de que los actores u objetos que aparecen en las películas producen el ruido adecuado en el momento adecuado, pero lo que ignoran es que la banda sonora de una película se construye separada de la banda de imagen y de manera independiente. Existen dos sistemas de sonido en el cine, que son el analógico y el digital y dentro de los sistemas digitales tenemos tres principales, que son los DTS (Sistemas de Cine Digitales), el sistema Dolby Digital, y el SDDS (Sonido Digital Dinámico Sony)
*Tomas y Planos* Otro aspecto realmente importante en una producción cinematográfica, es la producción tomas y planos, ya que éstos lograrán hacer a la película más interesante y dinámica, guiando al espectador mediante tomas, hacia el mensaje que realmente se desea transmitir, sin dejar nada de lado. En esta ocasión se tomará como ejemplo la película “Ciudade de Deus” (2002) del director Fernando Meirelles, por la gran variedad de tomas y planos presentes. Los planos que destacan en la película son el frontal (más común) y el plano de perfil, (donde la cámara está a un lado del sujeto) que aparecen cuando los personajes dialogan entre sí, y el plano dorsal, que nos explica lo que ve el protagonista pero incluyéndolo, nos confirma nuestro rol de espectadores, pero no de posibles protagonistas, como por ejemplo en la escena donde están sentados en la playa viendo hacia el mar. Pero además se presentan otros tipos de planos que en otras películas no se han utilizado por ejemplo el plano nadir, en el que la cámara se sitúa totalmente por debajo del sujeto, con ángulo perpendicular al suelo, este plano se utilizó a la hora de grabar la escena donde la gallina salta y sale volando. Asimismo se utiliza el plano holandés en las escenas donde juegan futbol, en el que la cámara está inclinada unos 45 grados y comunica al espectador un efecto de inestabilidad, a la vez que sirve para dar dinamismo a la escena. Para presentar el entorno en que se desarrolló la película, se utilizó un plano general, en donde se mostraba con detalle, la Ciudad de Dios. De la misma manera se utilizaron hábilmente distintos tipos de tomas, para lograr diferentes reacciones en el espectador, como por ejemplo las tomas con cámara en mano donde se filma con la cámara en la mano, sin trípodes lo que produce una sensación de verismo, de vídeo doméstico, y hace más creíble la escena, como cuando todos los muchachos persiguen a la gallina que se escapó. También hubieron presentes en esta película diversas tomas con travelling, entre las que destaca el travelling de seguimiento donde la cámara sigue al sujeto, justo detrás de él, descubriendo el entorno al mismo tiempo que lo hace el sujeto, y el travelling circular, visto en la escena donde presentan al protagonista de la película describiendo un movimiento circular en torno al él. También hay presentes diversas tomas en las que se utilizan grúas.
*Edición* Si bien es cierto, todos los aspectos mencionados anteriormente han resultado ser de gran importancia a la hora de realizar una película, hace falta mencionar uno de los aspectos básicos en una producción cinematográfica que es la edición. La edición cinematográfica consiste en la unión de varios elementos, entre ellos es obligatorio mencionar el montaje y la post-producción. La manera de colocar los diversos planos puede cambiar completamente el sentido, y por lo tanto el mensaje de una película, por lo que el montaje es el proceso que se utiliza para ordenar los planos y secuencias de una película, de forma que el espectador los vea tal y como quiere el director. Para lograrlo el montaje tiene una serie de etapas que se irán desarrollando conforme la película, y que sin ellos, la película no se podría desarrollar, entre ellos están el guión técnico, el storyboard y la planta. El guión técnico es un documento que contiene la información necesaria para ejecutar cada uno de los planos que la obra audiovisual requiere, en él se ajusta el encuadre, posición de cámara, decoración, sonido, play-back, efectos especiales e iluminación. Mientras que el storyboard es un conjunto de ilustraciones mostradas en secuencia con el objetivo de servir de guía para entender una historia, previsualizar una animación o seguir la estructura de una película antes de realizarse o filmarse, por lo que es una herramienta de vital importancia para la planificación previa a la filmación, ya que en él pueden determinar el tipo de encuadre y el ángulo de visión que se va a utilizar. Por ejemplo en la película “Le Scaphandre Et Le Papillon” (2007) en la que debido a la complejidad del guión, el director Julian Schnabel, hizo uso del storyboard. Por último, la planta es una imagen cenital donde trascurre la acción, que sirve para diagramar posiciones de cámara, personajes y/o objetos, por lo que resulta ser indispensable tanto para el director de fotografía y el director de arte como para el cameraman al momento del rodaje. También la planta resulta ser útil para el sonidista, para saber cuáles serán sus posibilidades de posición a la hora de realizar la toma de sonido. La post-producción por su parte se divide en tres etapas, que posteriormente darán forma a la película en sí, las cuales son el corte del editor (el cual es la primer etapa de edición, normalmente es la idea básica de lo que la película será cuando se finalice la post-producción), el corte del director, (cuando se acaba de filmar, el director colabora con el editor en el perfeccionamiento de la película, revisando minuciosamente, reordenando, removiendo, cortando o ajustando las escenas) y el corte final, (en donde los productores que representan la compañía de producción o un estudio cinematográfico revisan los cortes aprobados por el director). Siendo ejemplo de películas en las que se ha invertido tiempo y esfuerzo, las mencionadas anteriormente pueden defenderse con las críticas favorables y gran cantidad de premios recibidos. Se puede concluir así, que el cine lleva involucrado mucho más trabajo que únicamente lo que vemos en las salas de cine. Conocer aspectos básicos del cine, crea personas críticas y conscientes de lo que una buena producción cinematográfica significa, al mismo tiempo que le permite comprender y apreciar como se debe, una de las mas íntegras expresiones del arte.
Parte 1 Aspectos Críticos del Arte Cinematográfico El cine se refiere a la técnica de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento o cinética, mostrando algún tipo de vídeo o película. El cine se basa en el principio de secuencias de fotografías continuas, es decir, que trata de representar la fotografía en una secuencia continua para mostrar movimiento sin interrupciones. El cine desde sus inicios ha experimentado una serie de cambios drásticos en varios sentidos hasta la actualidad. Con el paso del tiempo se han desarrollado cambios en múltiples aspectos cinematográficos; como ejemplo las evoluciones y combinaciones del concepto de género y temáticas, el establecimiento de diversos formatos cinematográficos de película, la creación de nuevas tecnologías que permiten distintos tipos de tomas y planos, además de un diversificado y paralelo desarrollo de cine según su país de origen y objetivo artístico o comercial, entre otros aspectos. Un aspecto importante del cine corresponde al género cinematográfico, el cual se refiere al tema o subtemas que abarca de manera general una película. Dicho aspecto es utilizado para la clasificación de las películas, ya sea por su ambientación, por su formato, por el sentimiento que intenta marcar en el público, entre otros. Con el paso del tiempo los géneros en cine se han ido diversificando ampliamente, además de crearse variadas mezclas con múltiples temáticas. Entre los principales géneros, subgéneros y mezclas, se encuentran las películas de drama, de comedia, de terror, de acción, de suspenso, de fantasía, de ciencia ficción, y muchos otros. También existen los géneros que buscan retratar la realidad, entre los que se encuentra el cine documental, el cine testimonial y el cine realista, además de la mezcla de éstos. El cine documental busca mostrar aspectos y escenas de la realidad con un objetivo informativo, científico, histórico, educacional o de conciencia social. El cine testimonial corresponde a una forma de narrativa con repercusiones culturales y políticas, relatado en primera persona por un testigo que expone una experiencia de vida pero se encuentra sujeto a lo descrito por el narrador, el cual puede tergiversar los hechos y alejarse de la realidad transcurrida. El cine realista busca mostrar la realidad tal cual es y no posee una narrativa establecida, por cual pueden mostrarse situaciones donde lo que pasa no siempre tiene un mensaje o propósito claro con la narrativa y simplemente corresponde a un hecho más de lo real; tiene un carácter subjetivo, por lo que su interpretación puede en ocasiones ser confusa y propia de cada espectador.
Parte 2 La película brasileña Ciudad de Dios, dirigida por Fernando Meirelles corresponde a un guión adaptado por Braulio Mantovani de una novela basada en hechos reales. Dicha cinta puede clasificarse en los géneros de cine testimonial de acción, drama y crimen, esto evidenciado por la constante narración de los hechos transcurridos en la historia vividos por el personaje Buscapé como forma de crónica contra el crimen desarrollado en su lugar de nacimiento. La cinta francesa Le Scaphandre et le Papillon, del director Julian Schnabel es un guión adaptado por Ronald Harwood de una novela autobiográfica escrita por Jean-Dominique Bauby. Clasificada en el género de cine testimonial de drama, corresponde a la narración del autor del libro de su experiencia de vida, en la cual padece un extraño síndrome que lo deja totalmente paralizado, donde no puede moverse, comer, hablar, ni respirar por sí mismo, pero su imaginación funciona como herramienta para continuar adelante, por lo que decide describir en su libro toda su experiencia, dictándoselo a las personas cercanas, letra por letra, con un sistema de comunicación al parpadear. La narrativa del testimonio y el juego de formatos, planos y ángulos de cámara logran sumergir al espectador en su mundo de imposibilidad física creando conciencia social y comprensión. Desde un punto de vista de avances técnicos, en la actualidad existen varios formatos de negativo o película fotográfica destinados para la industria cinematográfica, entre los principalmente utilizados se encuentran el formato de 16 mm y el de 35 mm. Dichos milímetros hacen referencia a la magnitud del ancho que tiene el negativo de la película. A medida que se aumenta el tamaño de película se consigue una mayor definición, menor cantidad de grano cinematográfico y mayor duración de la misma, además de una mejor calidad en el detalle. Aunque cuanto mayor es el formato de la película, mayor es el tamaño de los recipientes que la contienen y su colocación en la cámara se hace más compleja, haciendo que su costo también aumenta considerablemente. Al utilizar distintos formatos se notan significativas diferencias en los resultados obtenidos, tanto en calidad cinematográfica como en costo. La película de 35 mm se utiliza sobre todo para las películas de cine, mientras que la de 16 mm es reservado para la televisión y el cine educativo. El formato de 16 mm se ha utilizado sobre todo en reportajes en los que se debía transportar la cámara de forma fácil y rápida de un lugar a otro; hoy en día se utiliza mayormente para la realización de cortometrajes, documentales y televisión por su uso sencillo y económico con respecto al de 35 mm. La película de 35 mm se ha mantenido como el formato de película dominante, debido a que por su tamaño permite una buena relación entre el costo del material fotográfico y la calidad de la imagen capturada.
Parte 3 También existe el cine en formato digital, donde se utiliza la tecnología digital para grabar, distribuir y proyectar las películas. Generalmente, se caracteriza por una alta resolución de imagen, debido a que prescinde de algunos aspectos asociados a la proyección mecánica de las películas y por las sobresalientes posibilidades de edición por medios informáticos. El cine digital se graba utilizando una representación digital del brillo y el color en cada píxel de la imagen, en lugar de quedar fijada por emulsión química como en un filme en formato de 35 mm. La película Agua, escrita y dirigida por Deepa Mehta y fotografía realizada por Giles Nuttgens, se encuentra ambientada en la ciudad de Varanasi, India; por medio de la fotografía y formato utilizados, la cinta sumerge al espectador completamente en la ambientación de dicha ciudad a las orillas de río Ganges. En la realización de la película se hace evidente una elevada calidad de imagen, atención al detalle y cuidado con el color, ilustrado por secuencias que muestran diversos paisajes naturales y rurales hindúes. Un curioso ejemplo del uso de distintos formatos corresponde a la película colombiana El Colombian Dream, dirigida por Felipe Aljure y fotografía por Carlos Sánchez, en la cual se hace uso de variados formatos, principalmente el de 16 mm y el digital, lentes de cámara y efectos especiales que buscan añadirle grado de realismo y surrealismo al mismo tiempo y meter de lleno al espectador en una atmósfera de incertidumbre constante. En cinematografía las secuencias de tomas y la escogencia de planos y ángulos de cámaras corresponden a un aspecto de suma importancia debido a que influye directamente en la intención y el objetivo de la película a realizar. En cine una toma es el fragmento de película que se imprime o graba desde que la cámara comienza a registrar imágenes hasta el corte. La importancia y los detalles de una sola toma podrían llegar a definir la intención de una película, de ahí la importancia de la elección de los planos, ángulos y movimientos de cámara, además de otros detalles como el desempeño de los actores que participan o las condiciones ambientales de luz o clima. Un plano en cine es la vista o campo de visión de la cámara, y se encuentra definido por factores como el recuadro del plano o límite, el tamaño o relación de los que aparecen en la imagen con respecto al cuadro, el tipo de plano o relación entre la cámara con respecto a lo que se quiere grabar y el ángulo del plano, que se refiere al ángulo en que se encuentra la cámara con respecto al objetivo a filmar.
Parte 4 Algunos tipos de planos corresponden al plano general, el cual ofrece una vista general descriptiva e informa acerca del lugar y las condiciones en que se desarrollan los hechos además suele incluir muchos elementos en recuadro; el plano medio donde se muestra la figura humana de la cintura hacia arriba; el primer plano donde el rostro del personaje es el que llena el recuadro; entre otros tipos de planos. Los ángulos de cámara pueden ser: normal, donde la cámara está paralela al suelo; en picado en el cual la cámara mira desde arriba el objetivo orientada ligeramente hacia el suelo; en contrapicado donde se mira desde abajo con la cámara orientada ligeramente hacia arriba; y otros. La película Le Scaphandre et le Papillon, fotografía de Janusz Kaminski, explota en múltiples tomas el plano subjetivo, en el cual la imagen que se muestra al público es directamente el punto de vista del personaje principal, es decir, los hechos transcurridos y los acontecimientos se observan en primera persona, como si se fuese el personaje mismo dentro de la película. Esto se da desde la primera escena, en la que se muestra el despertar del personaje en el cuarto de hospital, él y el espectador miran a los doctores, la cámara se mueve como su cabeza confundida al no saber qué pasa ni por qué se encuentra allí. Su intención es la de introducir al espectador en el cuerpo de Jean-Dominique Bauby, y lograr así comprender desde su punto de vista personal toda la problemática e imposibilidad que su enfermedad le produce. Desde sus orígenes y conforme a su continuo desarrollo, a nivel mundial existen diversos y paralelos tipos de cine según su país de origen y objetivo artístico o comercial. Ejemplo evidente de esto es la diferencia que existe entre el cine comercial estadounidense con respecto al cine de los demás países del mundo donde se desarrolla de una manera más artística. Estados Unidos es el mayor productor de películas comerciales, cuyo objetivo principal es alcanzar la mejor recaudación económica en taquilla, sobreponiendo eso a la calidad técnica o profundidad de la narrativa. El cine comercial es caracterizado por temáticas simples, de gusto popular, someras y superficiales, poco profundas, que apelan a las emociones ligeras como lo romántico, lo cómico o la acción para entretener. Para dicho fin, en ocasiones se hace uso excesivo de efectos especiales digitales o de sonido para recrear ambientes irreales y fantasiosos que atraen a las masas, grabado en formato y con técnicas digitales.
Parte 5 En ciertos países, el cine artístico surge como forma de representación cultural, y con el objetivo de oponerse a la cultura estadounidense. Por esta causa, se hace uso de leves efectos especiales sin abusar de estos, son filmadas en formatos que le dan prioridad a la calidad de imagen y el color, se utilizan pistas de sonido que realzan los aspectos culturales del país de origen y tratan temáticas de crítica social y política, relaciones humanas, estados psicológicos, históricos, defensa de los derechos humanos, entre otros. Claro ejemplo de esto, corresponde a las películas desarrolladas en países latinoamericanos o asiáticos, como la cinta brasileña Ciudad de Dios o la película indo-canadiense Agua, cuyo objetivos principales van relacionados a la concientización y a la divulgación sobre las diversas problemáticas vividas en los lugares y época donde transcurren las historias mostradas. La primera película mencionada recreando hechos de crimen, violencia y corrupción durante una guerra civil dentro de una favela, y la segunda ambientada en las orillas del río Ganges, en una cultura de opresión contra el género femenino. Ambas se apoyan en temáticas de crítica social, política y religiosa, con leves efectos especiales casi invisibles para el espectador, con música y efectos de sonido que trasladan al público al Río de Janeiro de los años 60’s-80’s y a la India de los años 30’s.
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- Concepto de género en cine y específico diferencias entre cine documental, testimonial y realista. Este temas es muy diverso ya que las películas se pueden clasificar de muchas maneras como al publico que se dirige, niños, adolecentes, adultos, en cine no por solo decir apto para todo público no es decir que va dirigida para todas las personas se refiere a sus escenas, los temas que trata, vocabulario y tomas las pueden ver los niños como adolecentes, clases sociales bajas, medias y altas. Las reacciones que tienen sobre los que ven la película las emociones en especial son muy importantes ya que eso es lo que buscan los productores de las películas que el espectador sienta los sentimientos que interpretan en la película. Además del cine ‘‘real’’ también está el cine creado por dibujos o digitalmente.
Cine documental es la forma de cine en que se trata alguna realidad ya sea común o especifica puede ser sobre algún problema mundial así como de cierto tipo de población o de un lugar en especifico o cultural, no necesaria mente tiene que ser un problema puede ser alguna otra causa que quiera que los espectadores sientan y vean lo que pasa o vuelvan a recordar esos momentos y que los lleve al pasado. El cine testimonial trata de una persona que narra la película a como puede ser el mismo actor, algún personaje que hable sobre los demás actores o externo que sabe los sentimientos pensamientos como en el caso de El colombian Dream, que narra un niño que se encuentra muerto y habla sobre los problemas, sentimientos y pensamientos de todos los personajes de la película Cine realista: este tipo de cine también llamado cine de realidad trata de problemas sociales que viven diferentes tipos de población puede ser de temas muy generales que abarquen mucha población o cine que hable de algún lugar en especifico, puede ser objetivo como subjetivo como es el caso de ‘Cidade de Deus’ aunque esta película solo trate de las favelas de Brasil también puede hacer que en otras poblaciones que pasen situaciones iguales o parecidas se identifiquen con la película que es lo que buscan los productores.
Al referirnos al guion cinematográfico, hablamos del escrito sobre los hechos sucederán en el film; es decir, es la base de la película, con un cierto parecido a la novela. El guion, se realiza tomando en cuenta, que cada idea implícita y explicita será grabada; contrariamente, a lo que sucede cuando se lee una novela o cualquier libro. Asimismo, es de vital importancia, que el director reconozca los recursos con los cuales cuenta para realizar la película. De igual manera, el guion, al igual que los demás escritos, se encuentra dividido en secuencias; estas se dividen en escenas. Cada secuencia cuenta con un encabezamiento, que indica el lugar y el momento en el cual se va a desarrollar la secuencia. Es común observar en las películas comerciales, las escenas predecibles, a las cuales, todos estamos acostumbrados a ver en cada una de estas películas; por ejemplo, cuando a ultimo minuto el malo es atrapado, la protagonista (una mujer bella) después de muchísimas tragedias se casa con el apuesto protagonista y tiene un famoso final feliz. Al igual que este final, existen gran variedad de finales predecibles, que de forma técnica es llamada “happy end”. Sin embargo, no todos los finales cumplen con esta característica, se evidencia de manera clara, en la película española interpretada por Antonio Banderas “La piel que habito”. En la cual, el joven que fue transformado en una mujer llega al final de la película donde su madre y le revela que la joven que está viendo es su hijo. No obstante, el “happy end” es muy subjetivo, pues muchos podrían decir que es un final feliz, ya que el joven secuestrado al principio de la película logra salir y volver al lado de su madre. Como contraparte, muchos podrían asegurar, que no es un final feliz, que el joven tuviera que transformarse en mujer para poder reunirse con su madre, a pesar de que jamás podrá ser el mismo.
- Tomas y planos: En cine existen muchos tipos de tomas y depende de lo que el productor desea que el espectador tome atención y note los detalles de la escena esto es obtenido a los diferentes tipo de lentes que hay, además del enfoque la distancia, luz, colores y el tipo de toma que se desee para obtener estos tipos de tomas se usan diversos equipos que ayudan a que la imagen como puede ser la cámara que utilicen si es de 16 mm, 35mm… además el ángulo pueden ser normal que es el que está a la altura del objeto, picado que se encuentra arriba del objeto o contrapicado que es cuando se encuentra debajo del objetivo a tomar, los planos el cuadrante que se quiera tomar la distancia profundidad, el Travelling es cuando se quiere obtener una toma de un objeto en movimiento el camarógrafo se encuentra en una plataforma que se mueve en unos rieles y asi consigue la velocidad deseada sin q la toma se mueva y otros factores que afectan a la hora de escoger el tipo de plano que se llega a utilizar por ejemplo en ‘El Colombian Dream’ la escena cuando llegan a buscar a Enrique Arango padre, hay varios planos como cuando le está quitando la ropa interior ahí hay un plano invertido ya que la toma se encuentra al revés, también un plano nadir que se realiza cuando entran a secuestrarlo además un plano subjetivo cuando le están pegando a la novia de el padre Enrique. Además en esta película se usa en varias ocasiones el uso de del Travelling.
- Pista de sonido cinematográfica El sonido en una película tiene un papel muy importante que realizan ingenieros especializados en sonido para que la imagen este coordinada con el sonido y así que el espectador pueda sentir todos los sentimientos además el sonido ayuda a que se concentre mas el publico. El sonido no siempre se graba con las imágenes y eso lleva a un gran trabajo de los ingenieros al tener que buscar o replicar los sonidos de forma analógica o digital para que este sea lo q se desea con la imagen, el sonido siempre está presente en una película con sonidos aunque no se percibe tanto como los sonidos de fondos de olas, viento, lluvia, suspenso… y están los sonidos que se perciben con mas detalles como el sonido de un choque de autos, un disparo etc. En El Colombian Dream se escuchan diversas pistas de sonido esto ayuda a que el público se concentre mas en lo que ve, la escena en que revisan los galones de agua donde deberían haber pepas y hay bolinchas, el sonido de las bolinchas y en el momento que abren las tapas el sonido es muy alto esto ayuda a la visualización de la imagen.
Cine norteamericano comercial vrs cine arte A diario somos “bombardeados” por el cine norteamericano, y dejamos de lado una gran gama de cine, realizado en diversas partes del mundo, que nos ofrece amplias alternativas y nos muestra la vida desde diferentes perspectivas y con diferentes opiniones. Igualmente, las diferencias son indiscutibles a la hora de reconocer el tipo de cine que se está observando. Las características esenciales de la película norteamericana, son la exageración de las escenas, la destrucción masiva de cosas y la invasión a lo ajeno cuando se trata de una película de acción. Por otra parte, la imperante diferencia del cine arte, se presentan en esos detalles, donde nos reflejan situaciones que se basan en la realidad, mientras que en una norteamericana hay superhéroes ficticios, edificios cayéndose sobre una gran ciudad, entre otras. Otra característica técnica que hace la diferencia, es la trama de la película, que como se ha presentado en el cine arte, todo se encuentra muy bien pensado, su historia es interesante, hasta puede llegar a reflejar nuestra propia vida, logrando así atrapar la atención del espectador, un ejemplo muy claro de atención por parte del espectador es en “Le fabuleux destin d'Amélie” la cual mantiene al espectador concentrado pues la dificultad de concluir un final es muy alta. Sin embargo, esto no suele pasar en el cine norteamericano, pues su trama se basa en una misma secuencia de escenas en las cuales de película en película no varía en casi ningún aspecto, es como si existiera un manual para realizar una película, dando como resultado que el espectador desde el inicio logre concluir un final. Por otro lado, en las películas norteamericanas comerciales el enfoque de la película se basa en unos cuantos personajes, que comúnmente son apuestos y exitosos, en contra parte, las películas cine arte se pueden encontrar múltiples personajes, dependiendo de la trama del film y el espectador incluso es informado atreves de la película de ciertas características de estos mismos; la diferencia está en la forma en la que lo hacen, reitero el caso de “Le fabuleux destin d'Amélie” en la cual, la cantidad de personajes son bastantes en comparación a la clásica norteamericana e incluso el tipo de personaje que aparece no cumple siempre que debe de ser apuesto y exitoso, se basa más en la sociedad y sus parámetros normales.
- Efectos especiales: Los efectos especiales son grupos de técnicas que utilizan los ingenieros encargados para lograr crear alguna escena que no se puede dar normalmente o por un presupuesto limitado no se puede recrear, para que los actores no corran peligro haciendo una toma.
Los principales afectos especiales son: Efectos ópticos: son los efectos que no se pueden llevar a cabo entonces digitalmente logran crear escenarios que deseen un ejemplo es cuando usan un fondo azul y después lo editan para que el actor salga donde quiera el director. Efectos mecánicos: son los efectos que crean una ilusión en el público por ejemplo los disparos o la destrucción de un edificio. Efectos digitales: es la forma que crean lugares irreales o de un acceso muy difícil a ese lugar, crear un personaje ficticio. Los efectos especiales siempre han estado en el cine ya que el cine siempre quiere llevar y hacer sentir la gente que se encuentra en distintos lugares alejados de la realidad, ahí es donde entra el uso y el abuso de los efectos especiales esto puede contribuir a que una película sea catalogada como buena o mala por el mal uso de los efectos y/o el abuso de estos. Siempre van haber efectos especiales en las películas para crear ilusiones, mucho también depende sobre los temas que trata la película sin embargo debería haber un balance con los efectos especiales. En esto Hollywood se ha caracterizado por un abuso más que todo en efectos mecánicos y esto afecta a que sea poco creíble. - Bibliografía: Domínguez.J.J.(s.f.).La técnica del sonido cinematográfico.Recuperado el 07 de setiembre en:http://www.felinorama.com/univ/tv/campus/temas/Sonido_cine.pdf Efectos especiales en el cine. Recuperado el 7 de setiembre de 2012 desde http://www.claqueta.es/articulos/efectos-especiales-en-el-cine.html Enrique Martínez-Salanova Sánchez. Tipos de plano. Los movimientos en el cine. Recuperado 07 de setiembre del 2012 de http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/tiposdeplano.htm Montenegro, I. Efectos especiales. Recuperado el 5 de setiembre de 2012 desde http://www.monografias.com/trabajos15/efect-cine/efect-cine.shtml Wikipedia. Cine documental. Recuperado el 06 de Setiembre del 2012, de http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_documental
Los efectos especiales son efectos ópticos y/o sonoros, ya que también se encuentran los efectos especiales de sonido, los cuales provienen del uso de varias manipulaciones técnicas de ingeniería y tecnología, son hechos para desaparecer la barrera que hay entre la realidad y la fantasía. Cuando se habla de efectos especiales, no es necesariamente que deben haber bombas, destrucción, gente que vuela, entre muchos otros efectos que vemos en el cine norteamericano comercial, y hablamos del abuso que estas mismas generan en sus películas, como ejemplo particular y muy notable por cierto es la película “Transformer” en la cual desde un inicio el carro del protagonista habla y se transforma en un robot, y sin hablar de la exagerada destrucción de edificios que se da en la película, o el resto de automóviles que además de que vuelan también son robots. Caso contrario y vuelvo a considerar la película francesa “Le fabuleux destin d'Amélie” en la cual a través de toda la película se da el uso moderado y considerado de efectos especiales , un ejemplo bastante claro, es el momento en el que la protagonista de la película se convierte en agua y cae al suelo del restaurante en el cual ella trabaja, incluso la escena en la cual las fotografías hablan con el hombre que día a día va a la máquina de fotografías a colectar las fotos perdidas por la gente; sin embargo, se encuentran otros efectos especiales tal vez no tan fáciles de visualizar como lo es cuando Amelie llega al puente en el parque con su madre y deja en libertad a su pequeño pez y este a la vez se vuelve y la mira dando a entender una despedida.
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En la película Amelie una serie de historias se desarrollan en forma paralela entorno al personaje principal, aquí se muestra la importancia del guion donde el desarrollo de una idea, el argumento de la historia y el tratamiento que el director da a la misma se confabulan para guiar al espectador de manera coherente a través del filme. El guion es una herramienta para estructurar las escenas y secuencias que darán progreso a la acción dramática y juega un papel importante en películas como estas donde todas las situaciones, diferentes unas de otras y que a primera impresión no tienen relación, están formando un entramado complejo en favor de la premisa general de la misma. En esta película varias historias, entre estas la de una mujer que perdió a su esposo años atrás y no supo nunca más de él; la del ayudante del verdulero que se ve sometido a los maltratos de su patrón; la mujer del bar a la que no le es fácil encontrar el amor; la del padre de Amelie que se niega a hacer realidad sus sueños de viajar; la caja en el apartamento que es devuelta a su antiguo dueño y la del joven que colecciona fotografías; todos personajes desesperanzados y envueltos en el trajín del mundo cotidiano, encuentran esperanza en Amelie un personaje que hila la historia de todos ayudándoles y al mismo tiempo devolviéndoles sentido a sus vidas. Todo esto pasa para entender y llegar al desenlace de que incluso ella necesita un sentido para su vida dentro de su realidad monótona; que es encontrado al mismo tiempo que ayuda al joven del cual se enamora y que resignifica su vida. Esto no se podría lograr con un guion poco estructurado y difuso ya que la idea principal se disiparía en medio de todas estas historias las cuales serían como pequeños relatos sin cohesión. Por otro lado, Amelie es un ejemplo de firmeza en el guion manteniendo un discurso siempre conciso donde el espectador encuentra una relación entre todas las historias; una profundidad en los personajes que desde el guion nos lleva a su mundo individual con certeza y un despliegue del conflicto que no se confunde y que se posiciona con fuerza en medio de todos los relatos llegando a un desenlace comprensible.
Happy end
Es un término utilizado en el cine para referirse a una tendencia aplicada por algunos cineastas donde todos los conflictos o temáticas llegan a una resolución generalmente positiva o en favor a lo que el espectador espera, sin embargo, su uso ha sido acuñado en su mayoría en películas comerciales y de poca profundidad, desacreditando su utilización. No obstante bien utilizado y sin la finalidad comercial no siempre este recurso es negativo, como ejemplo tenemos Amelie en donde todos los ejes temáticos se solucionan de una manera inesperada y aunque genera la empatía con los espectadores esta tras un objetivo discursivo y estético.
Género en cine (documental, testimonial y realista) El Género cinematográfico es el eje general de una película que permite clasificarla dentro de una serie de parámetros en común con una o más películas, para saber sus similitudes y diferencias según criterios formales como ritmo, estilo, emoción que deseen provocar, etc. También se precisan por su formato o su estética. Entre estos encontramos el cine documental, testimonial y realista.
Ciudad de Dios y Water, el cine realista El género realista se propone mostrar la realidad tal y como es, concibiéndose casi como un estilo sin estilo, entendiendo por esto no una ausencia del mismo sino más bien una condición que trata de mimetizar la realidad, de emularla con cierto grado de fidelidad, basando su estética y contenido en base a hechos reales, a actuaciones realistas y que asemejan el contexto de un lugar o situación definida fundamentándose en la investigación de una sociedad o hecho determinado. En los filmes Ciudad de Dios y Water se nos presentan situaciones que muestran una ficción grabada en un espacio y un tiempo distintos a los reales en los que sucedieron los hechos, ejercida por actores que dan vida a las historias y no por las personas que pasaron por dichas situaciones. En Ciudad de Dios se muestran las favelas brasileñas donde los niños crecen en un ambiente de delincuencia, narcotráfico, pobreza, desamparo y ambición envolviéndolos en un círculo que se repite constantemente. Todo lo anterior se basó en la investigación de comunidades reales de Brasil y en su problemática y por medio del filme realista se buscó contar de manera verosímil las situaciones ocurrentes. Water por otra parte muestra la historia de las mujeres viudas en la India, donde su condición dictamina su rol social en la vida, encapsulándolas en un estilo de vida que ellas no eligieron y al cual están obligadas a seguir. A pesar de que el espectador no tenga conocimiento de la sociedad India, la película se presenta de tal modo que deja evidenciado el tratamiento de una situación real vivida por muchas mujeres en este contexto social.
La escafandra y la mariposa, cine testimonial El género testimonial encuentra sus bases en las vivencias de un individuo, experiencias que de una u otra forma han sido compartidas y han generado un interés o marcado una pauta a nivel social. Se sirve del realismo pero no lo sigue totalmente ya que en el cine testimonial la historia es contada a través de la visión subjetiva tanto del director como del individuo real que está prestando el testimonio que se narra en la historia. La estética, los planos, la música entre otras cosas van en función de fortalecer las experiencias internas, las sensaciones y sentimientos del narrador. En la escafandra y la mariposa vemos la historia de un hombre que lleva una vida normal hasta que sufre de Locked in Syndrom (encerrado en sí mismo) y su vida cambia al quedar paralizado totalmente. El filme se nos presenta desde la perspectiva de esta persona para contarnos la sensación de pasar por un problema como este.
Cine documental A diferencia de los anteriores géneros, el cine documental se estructura en ejes temáticos que se desarrollan mostrando los contextos reales, las personas reales y las situaciones reales en su tiempo y espacio, tratando la manera más objetiva de contar la historia.
Dentro del ámbito del cine podemos encontrar distintas corrientes que buscan conseguir finalidades opuestas, según para lo que hayan sido concebidas. Unas en busca de conseguir un perfeccionamiento estético, discursivo y artístico donde importe más trascender a un nivel ideológico, social o personal y donde no necesariamente haya un interés primordial en la comercialización sino en mantenerse en el tiempo, en encontrar formas novedosas y creativas de contar las historias; otras buscan entretener al espectador, tener éxito comercial sin tener como premisa principal la difusión de una idea o concepto sino más bien la difusión de un producto. En películas como Colombiam Dream, las decisiones estéticas, los planos, la selección musical, no están propuestas solo con la finalidad de atrapar al público, atienden a una necesidad de apoyar la temática y su desarrollo, no están planteados de manera efectista solo para lograr una toma agradable que encante al espectador, sino a través de ellas fortalecer el objetivo ideológico que busca plantear el director en una sociedad determinada.
Tomas y planos
Los planos son las unidades básicas de la narrativa del cine, que al unirlos conforman secuencias y escenas para lograr un producto final. Los planos son capturados en tomas que se han planificado previamente con un inicio y un final definidos. Cuentan una parte de la historia y dan al espectador una noción de lugar, tiempo, emoción, ritmo, dramatismo entre otras características. El plano muestra una parte de la realidad, la más importante de conocer para el espectador y con la cual podrá realizar un ordenamiento lógico y secuencial de la historia contada. Es por eso que hay una gran diversidad de planos que nos permiten enfoques, de una u otra manera, de una situación dada. En la Piel que Habito, la utilización de “planos detalle” de las diferentes partes del cuerpo y los procedimientos quirúrgicos permiten seguir paso a paso la transformación del joven a lo largo de la película hasta verlo finalmente convertido en una mujer. Por otra parte los primeros planos muestran la gestualidad de los personajes y su transitar por diversos momentos emocionales propuestos en las situaciones del filme. La utilización de planos picados y contrapicados evidencia firmemente los personajes que tienen el poder y los que no, esto se observa a lo largo de la película donde el personaje de Vicente siempre está en las tomas por debajo de su captor, tanto cuando está en la mesa de operaciones como cuando trata de escapar y debe bajar al primer piso para salir mientras que quien lo retiene está en el piso superior a él.
Edición cinematográfica En la parte final de la producción de la película, se manipulan las imágenes y el sonido, para poder darle uniformidad a las escenas para lograr relatar de forma completa la historia impregnada en el papel, en forma de guion cinematográfico. Generalmente, las películas se rodaban en 35mm, luego se montaban, se añadía el sonido, créditos, títulos, entre otros más complementos y exhibía, sin embargo con el paso de los tiempos el sistema ha variado, como por ejemplo el uso de las animaciones en 3D, pues la demanda y el uso de la informática ha hecho que atreves del tiempo las variaciones sean más significativas. Para la edición se parte de la imagen impresionada durante el rodaje de la película, que luego es revelada en un laboratorio para dicho fin, posteriormente, el sonido que en veces es grabado desde la grabación o añadido después de esta misma, esta última da mejor calidad de la película. La edición de la película se divide en tres, el corte del editor que consiste en perfeccionar el corte mientras la filmación continua, de segundo se encuentra el corte del director, que básicamente es que cuando la filmación ha terminado la atención del director se dirige en ayudar al editor con la perfección del corte de la película, y por ultimo está el corte final el cual consiste en que después de que el corte fue revisado por el director, son revisados por productores los cuales representan a la compañía de la producción Cuando hablamos de edición nos referimos también al sonido, el cual se refleja de manera clara en “Le fabuleux destin d'Amélie”, factor que mantiene al espectador involucrado durante el curso de la cinta, pues el sonido en la misma fue montado posterior a la grabación, dando a su vez un mejor ajuste de sonido que siendo grabado al mismo tiempo que el film.
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“Water” a su vez es una más clara expresión de cine en 35mm, empezando con una escena de un lago cubierto de lirios o bien concluyendo el filme donde el tren se empieza alejarse mientras se despide a Chuyia; en ambos casos la profundidad de campo es indiscutible y claramente alcanzada solamente con fotografía en 35mm (Forero, 2010). Asimismo, en el filme es empleada la fotografía en 16mm la cual da una menor capacidad de campo; sin embargo, permite escenas, a un menor costo, donde no es tan necesaria una gran profundidad; como es el caso de la mayoría de escenas llevadas a cabo dentro de la “institución de viudas”. La utilización del formato digital no es muy considerable en “Water” respecto a las dos anteriores. Puesto que, a pesar de dar aun una menor capacidad de campo su principal utilidad es la flexibilidad a la hora de la edición y la generación de efectos especiales; y en caso de “Water”, los efectos especiales son pocos y muy sutiles, siendo más evidentes en la pista de audio ejemplificado en la escena donde se realiza una danza en la “Institución de viudas” donde la mezcla de sonidos ambiente y conversación generan una “armonia” o bien en “Le fabuleux destin d'Amélie Poulain” en la escena donde el pez gira asemejando una despedida. En caso opuesto, en cine comercial se explota esta facilidad que da el formato digital en la realización de efectos especiales cayendo en el abuso de los mismos, punto que Forero (2010) resalta. De manera que, el efecto especial como escena donde lo imposible se hace ver como posible de manera muy sutil, se pierde y se convierte en una forma de llamar la atención de las masas con el fin de mover dinero. Finalmente, podemos evidenciar en “Water” el cine documental, en el cual es característico el dar a conocer al espectador una situación ya acontecida, procurando desarrollar el filme lo más semejante a la situación original. No obstante, en “Water” no se presenta la recreación de una situación concreta, objetivo del cine documental, evidenciándose de mejor manera en el caso de las Favelas Brasileñas recreadas en “Ciudad de Dios”. Y como caso opuesto “La escafandra y la mariposa” muestra el cine testimonial en donde básicamente se personifica la cámara y permite al espectador interpretar la película siendo parte de la escena (Peralta, 2006). Fernandez, F. 2005. El libro del guion. España: Fundación Universitaria Iberoamericana. ISBN: 84-7978-714-7 Forero, C. 2010. Microdocumental: Cercanias y distancias entre el cine arte y el cine comercial en Bogotá. Bogotá, Colombia: Corporación Nacional para el Desarrollo Educativo. Recuperado el 5 de setiembre del 2012 de: http://www.scribd.com/doc/80808768/El-Cine-Arte-y-El-Cine-Comercial Peralta, A. 2006. Soy el análisis de adaptación de Fight club: De Chuck Palahniuk a David Fincher. Puebla, México: Universidad de las Américas. Recuperado el 5 de setiembre del 2012 de: http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lco/peralta_f_a/
Basándome en lo establecido por Forero (2010), cuando se hace referencia al cine comercial no hay mejor ejemplo que el cine “hollywoodense”, es decir aquel que si bien puede implicar altos costos en su elaboración, la mentalidad del mismo es recuperar una cantidad por ventas muy superior a lo invertida; basándose para ellos en producciones superfluas dirigidas hacia afinidades de las masas. Tomando como base la película “Water” dirigida por Deepa Mehta, se puede evidenciar completamente lo apuesto a lo anteriormente descrito y para ellos haré un análisis del guión cinematográfico, la fotografía y efectos especiales. Iniciando con el guion cinematográfico, desde que se idealiza hasta que se lleva a cabo la última corrección del mismo se pasa a través de una serie de procesos lógicos los cuales determinan la complejidad de historia (Fernandez, 2005). Podemos aquí entonces delimitar un punto muy importante en cuanto a diferencia del cine comercial al cine arte. En el guion de “Water” se desarrolla una historia que obviamente no va dirigida a un pensamiento común de masas, un primer plano de una niña que por tradición hindú es enviada a una “institución para viudas”, lo cual según Peralta (2005) lo podemos determinar como la sinopsis o idea sobre la cual el autor se amplía. En caso de una producción comercial esta ampliación de la idea es mínima siendo muy lineal y de fácil comprensión, siguiendo en su trasfondo la repetitiva trama “hollywoodense” que concluye en “happy endding”. En “Water” la sipnosis en si ya es de difícil comprensión (no dirigida a un pensamiento masivo) y sin embargo, sobre esta se desarrolla una serie de historias paralelas que concluyen refutando por completo el “Happy endding” estadounidense: La niña simplemente es enviada a un sitio donde llevase la vida de forma diferente, mas no se garantiza que así sea. Siendo un mejor ejemplo de la complejidad de guion “Le fabuleux destin d'Amélie Poulain” de Jean-Pierre Jeunet, en donde a raíz de la sinopsis de la película (una mujer que se plantea como razón de existir, el poder trasformar la vida de los demás), surgen un sin número de historias paralelas; poniendo en manifiesto la ampliación de la idea que Peralta (2005) hace referencia, y dejando muy claro la diferencia entre cine comercial y cine arte.
Parte I Concepto de guión cinematográfico y concepto de happy end. Un guión es sobre lo que el director deberá trabajar para poder llevar a cabo la película o cortometraje, por lo que debe describir que es lo que aparecerá y se oirá en la película, es una historia relatada en imágenes osea debe explicar como una acción le sucede a un personaje en un lugar específico. El guión se divide en secuencias y en escenas,las escenas deben ser numeradas y llevan relación con las secuencias. Las escenas deben ser explicadas detalladamente, esto quiere decir que debir explicar donde y como es que sucede una acción. Dentro del guión se desarrollan dos grandes tipos de textos, los diálogos y la descripción. El diálogo es lo que los personajes dicen, muchas veces mediante el diálogo los personajes logran explicar algo que está sucediendo y no es necesario que mencionen sus sentimientos debido a que con sus expresiones el expectador entenderá como se siente el personaje. En la descripción es en donde se describe todas las acciones que el personaje llevará a cabo y también todo el entorno. El guión técnico es la obra del director a partir del guión literario en la cual está descrita y planificada cada escena, también estan descritas cosas técnicas como el ángulo que utilizará la cámara y si se estará o no moviendo. Además se incluyen los diálogos y el resto de sonidos de la escena. En el guión a una columna va todo seguido, los diálogos, la descripción y todos los sonidos. Si es un guión a dos columnas se utiliza la columnia de la izquiera para las descripciones y la de la derecha para lo sonoro. El "happy end" se refiere a que la película concluya con lo mejor para los protagonistas, que concluya en lo que los personas a lo largo de toda la película buscaron y lucharon por. En la película analizada "Slumdog Millionaire" dirigida por Danny Boyley y Loveleen Tandan, interpretada por Dev Patel como Jamal Y Freida Pinto como Latika estos dos personajes, Jamal y Latika, durante la película mencionan reiteradas veces su deseo de poder irse juntos a algún lugar sin ser perseguidos y al final de la película después de que Jamal gana el concurso de ¿Quién quiere ser Millonario? lo logran, logran poder estar juntos sin ser perseguidos. Edición cinematográfica, concepto general. La edición, también llamada montaje es la última fase de la creación de las películas, es donde construyen la película a partir del guión que a originado la película. Inicialmente la edición cinematográfica era muy sencilla comparada con la actual debido a que antes el cine era mudo entonces solo se tenía que montar la dramatización de los actores y a algunas películas que no era a todas que se le agregaba música para poder lograr el ambiente deseado. La edición ahora se complica mucho debido a que contiene una gran cantidad de capas visuales y de sonido. Las películas durante décadas han sido realizadas en estos pasos: se roda la película, se monta, se añade el sonido y finalmente se insertan los créditos y los títulos. La edición contiene una gran importancia en cómo la película se vaya a ver y escuchar ya que son los editores quienes le van a agredar o quitar color a las escenas cuando lo crean necesario, son los que le van a agregar toda la banda sonora y un pequeño error al introducirle esta puede arruinar completamente la producción a la hora de ser vista en los cines o televisores. Son los editores los encargados de velar por que el producto final quede lo mejor que se pueda, no solo agregan las pistas, efectos de sonido, efectos especiales, los subtítulos o los que unen todas las escenas de la película, sino que son los encargados de que la película quede cómo debe ser y sin tener fallo alguno, son los encargados de llamar al director de la película si notan algo extraño en el desarrollo de la película para que este logre corregirla a tiempo.
Parte II El montaje es un oficio artístico que permite al montador trabajar de manera similar a cómo trabajaron los escritores, el montador puede crear en los espectadores muchas emociones o dar a entender las cosas como se debe. El montador debe ser flexible para lograr enfocar la narración de cada escena como debe ser y así lograr en el espectador la mejor impresión posible. En muchas escenas podemos notar la edición cinematográfica, como en la parte que Jamal está hablando con su hermano desde el call center, solamente podríamos oír lo que Salim le dice a Jamal si fuera una toma en la que uno, la cámara, es Jamal pero lo que utilizan es una toma de frente a Jamal por lo que nadie más podría estar escuchando lo que Jamal escucha debido a que utiliza unos audífonos. Efectos Especiales. Los efectos especiales han sido utilizados desde el inicio del cine. Los efectos son aquellas técnicas utilizadas durante las películas para dar un efecto real a ciertas escenas, son utilizados para conseguir efectos en las escenas que por medios normales no se puede lograr, como para crear acontecimiento históricos o futuristas, o para lo que se utilizar en gran parte ahora, crear explosiones o destrucción de edificaciones. Con forme la tecnología aumenta los efectos especiales aumentan también ya que esta permite crear un efecto más verdadero. Hay tres tipos de efectos especiales, los digitales o visuales, los mecánicos y los de sonido. Los mecánicos son los que se utilizan mientras la película está siendo rodada, como la creación de lugares o espacios en los que los personajes se encuentra. Los de sonido son los que se incluyen gracias a sonidos que han sido grabados anteriormentes y son añadidos a la película en el montaje principalmente y los efectos visuales que son los que llaman mayormente la atención de los espectadores y son los creados por un computador con imágenes y acciones que son imposibles o muy peligrosas de realizar por una persona. Muchas veces el uso de los efectos especiales en las películas es demasiado y hace ver que escenas se vean mal o poco probables. Las buenas películas utilizan los efectos especiales visuales pocas veces, o un efecto similar constante para no abusar de estos, en muchas películas se utiliza el efecto especial visual en cosas que parecen poco significativas pero le dan un gran impresión al espectador que está concentrado en la película y logra apreciarlo. En la película "Cidade de Deus" el efecto especial de ver como son disparadas las pistolas o ver donde las balas chocan es un efecto especial constante pero no abusivo debido a que no provocan grandes catástrofes como botar una edificación o algo similar, tan sólo permite ver como se va desarrollando la guerra. Pista de sonido cinematográfica. La utlización del sonido en las películas si ha hecho más complejo conforme transcurría el tiempo, en sus inicios el sonido se grababa al mismo tiempo que se grababa la imagen,lo que hacía imposible realizar modificaciones en la banda sonora. Al inicio el cine era mudo y sólo se utilizaban pistas para dar al espectador el ambiente que se deseaba.El sonido y la imagen ahora son procesados de forma separada ahora, lo que permite realizar cambios en el sonido o en la imagen sin afectar el otro. Hay dos tipos de grabaciones, la grabación de sonido en directo y la grabación de sonido en estudio. La grabación en directo se puede utilizar o no en el montaje, pero no se pueden eliminar las otras fuentes de sonido que son utilizadas durante la grabación. La grabación en estudio permite obtener un sonido más claro y mejor principalmente en los dialogos y permite modificarlos, a diferencia de la grabación en directo que no se puede modificar.
Parte III Las personas encargadas de el sonido en las películas son ingenieros realmente preparados para llevar a cabo este trabajo de la mejor manera posible ya que la banda sonora en las películas es de suma importancia, ya sea por los diálogos que logran explicar muchas cosas o por el resto de la banda sonora que permite crear el ambiente deseado y perfecto para la escena. Para el sonido también existen efectos especiales que permiten dar a la escena el efecto justo y exacto de cómo debe ser, aunque no se note tan claramente sin el efecto especial en el sonido las películas no serían tan buenas como son en la actualidad. Son una gran cantidad de personas muy preparadas las encargadas del sonido en las películas o cortometrajes para lograr que estas queden exactamente a donde debe ser y que suenen como tiene que ser. En la película "Slumdog Millionaire" se utiliza efectos especiales en el sonido en repetidas acciones como cuando Jamal llama al celular de su hermano Salim y este se encuentra en un auto que está cerrado, en esta escena se logra apreciar el sonido que emite el celular al recibir la llamada y se olle más bajo el sonido que está afuera en la calle.
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Guion Cinematográfico: Documento que contiene el contenido de la obra cinematográfica, con lo detalles necesarios para que esta se lleve a cabo. El contenido de la obra se divide en escenas, acciones y el diálogo entre personajes, descripciones del entorno y acotaciones breves sobre la emoción que interpretara el actor. Un guion bien escrito debe transmitir la información suficiente para que el actor imagine la escena en que se va a desarrollar. Boy meets girl se le conoce como a, el chico conoce a la chica, el chico pierde a la chica, el chico recupera a la chica); y el happy end (final feliz) presente en la mayoría de las películas de Cine norteamericano (“Hollywood”). Pero esto no tan solo sucede en las películas tradicionales de los Estados Unidos, sino también lo podemos ver en obras cinematográficas de muy alto nivel como lo es en “Quien quiere ser millonario”. Al principio de la película vemos como el chico actor principal de la obra “Jamal”, conoce a la niña “Latika”, y en la escena en que ella está en medio de la lluvia a pesar de que su hermano le pidió que no podía llamarla para que fuera donde ellos, Jamal la llamo y comenzó a conversar con la niña, así es como comienza esta historia. Luego los hermanos Jamal y Salim junto con Latika son llevados a un lugar donde les ofrecen alimento y techo pero estos son engañados y resulta que ahí son maltratados por el hombre que parecía ser bueno. A los días de estar en el lugar a Jamal lo iban a dejar ciego, Salim lo sabía ya que se había aliado con el malvado hombre, estos huyen del lugar junto a Latika y en el momento de la huida Latika se quedo atrás y el hombre del lugar se queda con ella. Pasa el tiempo y Jamal siempre le comenta a su hermano de que tiene la esperanza de regresar al lugar por el amor de su vida. Al tiempo Jamal decide regresar junto a su hermano por Latika, resulta que en lugar se encuentra con ella pero a la vez con el hombre malvado, luego de que Salim con su arma mató al hombre huyen del lugar y se van hacia un Hotel. Salim se toma unos tragos y saca de la habitación a su hermano y lo hecha del hotel alejándose una vez más de Latika. Al paso del tiempo Jamal se encuentra de nuevo con la chica, nada más que en una casa donde ella esta en poder de un hombre malo con el que trabaja su hermano Salim, al entrar al lugar Latika está viendo el programa “Quien quiere ser millonario” y resulta que ella le comenta que siempre lo ve, en el momento que estaban conversando Jamal le propone a ella que escape, ella se niega y el le dice que siempre la va a esperar en la estación de tren a las 5 p.m además de que muestra su interés por ella diciéndole que la ama, él se va del lugar. Luego de contarle toda la historia al general de la policía, él ha confirmado su libertad, pero Jamal le dice que no sabe donde se han llevado al amor de su vida y que él fue al programa porqué sabía que ella lo estaría viendo. En el momento de la pregunta final del programa Latika está viéndolo, pero ella se encuentra en poder de un hombre malo, en ese mismo está Salim y el decide ayudarle a huir a Latika dándole las llaves de un auto y su teléfono celular, Latika huye del lugar en busca de llegar al programa. Jamal se encuentra en la última pregunta del concurso al no saber su respuesta decide llamar a un amigo(su hermano Salim), pero en el momento el se encuentra con la gran sorpresa de que es Latika, luego del tiempo transcurrido de la llamada no obtuvo ninguna respuesta de ella, pero el decide responder una opción ganando una fortuna de dinero y ser el nuevo millonario. Ya luego del programa él se va hacia al estación de tren y se encuentra con el amor de su vida, le dice que sabía que ella estaría viendo el programa, ella le responde pensé que solo en la muerte te vería de nuevo, el la mira dándole un beso sobre la cortada que ella tiene en su rostro y luego le dice “este es nuestro destino”, y la película termina donde ellos se besan.
Cine norteamericano vs cine arte El cine comercial norteamericano o mas conocido como el que se da en “Hollywood”, es aquel tipo de cine en el que antes de pensar en arte piensan en la cantidad de dinero que obtendrán al hacer la película. Se caracteriza por ser un cine donde los actores muchas veces son seleccionados por su belleza e imagen tal como Angelina Jolie, Adam Sandler, Will Smith en los cuáles para ellos es mas importante su fama, además este tipo de cine se dan escenas donde busca atraer la atención de las personas como: La chica sexi donde muestra la punta de sus nalgas, o el chico con el cuerpo marcado y perfecto, además donde en ella se den escenas un poco intimas (sexuales). Este tipo de escenas las desarrollan ante grandes estudios en donde encuentran así “el éxito de su película” o más bien lo podemos decir como buscar engañar a los espectadores y mostrar todo lo contrario ante el engaño de la gente de lo que no es saber sobre lo que es buen cine. Cine arte Es aquel tipo de cine en donde el éxito de la película se da a través de la calidad de la actuación de sus personajes y así de como logran transmitir e introducir al espectador en la película. Para hacer del cine un arte, el éxito de la película no debe depender de factores como la belleza de los actores, radica en la calidad y pureza de la manera en que transmiten los actores el mensaje, en el caso de la película “Quien quiere ser millonario” la manera de manejar el guion y en que se desarrolla la historia, además de que no hace falta efectos especiales espectaculares que exageren las escenas sino más bien con los diferentes tipos de efectos en el manejo de cámaras.
Pista de sonido cinematográfica. Esto consiste en introducir a la escena de la película un sonido a la imagen de manera que logre transmitir o meter más al espectador en la película. Es incorrecto decir que la imagen y el sonido se graban juntos a la misma vez, es totalmente aparte. El sonido se monta sobre la imagen separadamente, esto lleva un increíble trabajo en manos de profesionales en el área. Como lo vemos en la película “Quien quiere ser millonario”, las diferentes maneras en que el sonido es un aspecto fundamental. Algunas escenas son las siguientes:
-Cuando a Jamal se lo llevan a la cárcel en el momento que el policía le esta preguntando quien es él, y el policía lo maltrata y le mete su cara sobre un tazón de agua, escuchamos como suena el agua. -En el momento al inicio de la película que los niños están jugando y Salim batea una bola es tan perfecto el momento en que le pega a la bola y se escucha como si le pegara. -Cuando los niños huyen de la policía cuando ellos brincan y se escucha en el preciso momento cuando caen, además de cuando pasan por una parte y hay como un chorro de agua se escucha como el agua cae. -Cuando el niño Jamal esta en un servicio sanitario y se escucha el helicóptero volando, el niño quiere salir de ahí desesperado por ir a ver a Amitabh y el comienza a pegarle a la puerta. -La parte donde están lavando ropa, que ellos están jugando en el agua con una bola, y su mama esta lavando la ropa, es impresionante como suena cuando lavan y el agua cae. -En esa misma escena el sonido de fondo que comienza a sonar transmite susto, y en el momento que matan a la mamá, es exactamente cuando le pegan y el sonido del golpe se produce y luego cuando cae sobre el agua. -Cuando Jamal y Salim regresan por Latika al lugar de donde habían huido, y comienza a comenzar una canción transmite mucho el tipo de ambiente que se da, además de los niños que están llorando cuando una de las mujeres del lugar llega a tomar el teléfono, luego cuando Salim tiene amenazado al hombre de ese lugar y el le pide dinero cuando suenan las monedas caer, además de cuando Salim le dispara. -En los momento finales que Jamal se encuentra en el programa y él está dudoso el sonido que se escucha de fondo, produciendo en el espectador un tipo de emoción a la que vive el personaje. -Ya al final de la película cuando Jamal ve a Latika esperando su rencuentro, hay un sonido de fondo que transmite un sentimiento de nostalgia, amor lo que hace el momento más acogedor.
Genero de cine: Es la manera en que se clasifica una película, basándose en elementos como tono, ritmo, estilo, y más que todo el sentimiento que logra transmitir al autor. Cine documental: El cine documental indaga la realidad, plantea discursos sociales, representa historias particulares y colectivas, se constituye en archivo y memoria de las culturas pero tiene infinitas formas de hacerlo Es aquel tipo de cine que refleja la realidad, el tipo de vida social que se da en el lugar, las historias que se dan son casos particulares, y también la cultura del pueblo. Como lo vemos en “Cuidad de Dios”, una película que refleja mucho la realidad que se da en las favelas en Brasil, el tipo de vida social que desde niños las personas viven el contacto con las armas, drogas, delincuencia. Además la cultura de sus familias, la pobreza.
Cine Testimonial: Es aquel tipo de cine que da testimonio de la realidad vivida y de lo que sucede en un entorno. Es una forma pos-ficcional de narraciones con hechos culturales y políticos, lo cuenta en primera persona un testigo que expone su experiencia de vida con la urgencia por mostrar su difícil situación. En este genero se dan efectos muy similares a como se vive en la realidad y además de que provoca la sensación de experimentar lo real. Este genero lo vemos en la película “Quien quiere ser millonario”, ya que su actor principal Jamal el gran millonario, tiene que contar toda su realidad en una cárcel frente a un general, en donde no creían en que él pudo llegar de manera legar hasta la penúltima pregunta ya que era un trabajador-camarero. Luego de contar toda su realidad y el motivo del porqué pudo contestar todas las preguntas obtiene su libertad y va de regreso al programa. Cine realista: Genero que busca mostrar la realidad de la manera mas natural posible, además de situaciones que suceden en la vida cotidiana, tratando de dejar fuera del plano elementos como efectos o escenas que queden en un rango fuera de lo real. Por ejemplo en la película “Le scaphandre et le papillon” se muestra la realidad de un hombre que está enfermo, y es un film difícil ya que tiene que estar en un constante trabajo por mantener la atención y hacerle creer al espectador la realidad que el vive. Cabe destacar que es un gran trabajo desde la parte de como manejan la cámara hasta la actuación del hombre enfermo.
Referencias: -El cine testimonial, la literatura y la realidad. Minotauro Digital. La revista de arte y literatura (2012, 10 de Septiembre). Recuperado el 10 de Septiembre del 2012, de http://www.minotaurodigital.net/textos.asp?art=86&seccion=Cine&subseccion=articulos -Cine Documental (s. f.). Recuperado el 10 de Septiembre del 2012, de http://www.cinedocumental.com.ar/sitio/ - Género cinematográfico - Wikipedia, la enciclopedia libre (s. f.). Recuperado el 10 de Septiembre del 2012, de http://es.wikipedia.org/wiki/G%C3%A9nero_cinematogr%C3%A1fico - Pista de sonido cinematográfica (s. f.). Recuperado el 10 de Septiembre del 2012, de http://www.felinorama.com/univ/tv/campus/temas/Sonido_cine.pdf - Cine Norteamericano (s. f.). Recuperado el 10 de Septiembre del 2012, de http://es.wikipedia.org/wiki/Nuevo_cine_estadounidense
El colombian Dream cuenta la historia de los gemelos, unos jóvenes que se encuentran de vacaciones en un balneario cercano a Bogotá, que en su afán de conseguir dinero fácil empiezan a vender pastillas alucinógenas entre los clientes de "El colombian dream", el bar de su familia. Uno de sus proveedores les da a guardar una gran cantidad de “mercancía” que ha robado a sus socios, pero muere producto de una sobredosis después de la entrega… Los traficantes empiezan a buscar desesperadamente sus pastillas involucrando a los gemelos, su familia y amigos en una desenfrenada persecución.
Pista de Sonido cinematográfica La pista de sonido de la película Colombian Dream como se puede apreciar a través de toda la película fue compuesta por grupos nacionales colombianos como por ejemplo la banda paisa, con su canción Coffee Makers, trae uno de los temas principales que identifican la película. También existe música tropical electrónica compuesta por Camilo Montilla y Matías Lorusso, que se intitula El Colombian Dub; al igual que la controvertida y contravercial melodía de Carlos Posada tildada Así quedamos cuando predica algo así como “voy a regalarle mi país a un extranjero para que se encargue de arreglar este mierda.”, con la cual termina la película sutilmente. En cuanto al concepto de pista de sonido en el cine se puede decir que este es muy amplio ya que existen varios tipos y estos se subdividen. Los dos sistemas de sonido en el cine, que son el analógico y el digital, y dentro de los sistemas digitales tenemos tres principales, que son los DTS (sistemas de cine digitales), el sistema dolby digital, y el SDDS (Sonido Digital Dinámico Sony). Lo cierto es que el sonido en las películas viene ya de largo. Podemos decir que todo empezó cuando un científico llamado Edison y sus socios estaban experimentando con la sincronización del sonido en las películas. El mecanismo para dar sonido en los primeros días del cine era increíblemente sencillo. Lo que se utilizaba el Vitaphone, que consistía en un reproductor grabador que operaba con un disco de cera. Esto se conocía como sonido en disco, y normalmente se grababa el sonido después de que la película fuera filmada. Lo interesante de este sistema es que el sonido está a varias tramas de distancia de las imágenes correspondientes. Esto es porque el lector de audio estaba localizado en la parte superior o inferior de las lentes del proyector. Esto genera que las pistas sean de mejor calidad omo se visualiza en la película, además que en la mayoría de las escenas pero especialmente la escena final donde se muestran imágenes de lo que sucede con los personajes es donde se escuela la canción ya anteriormente mencionada: como “voy a regalarle mi país a un extranjero para que se encargue de arreglar este mierda.” De Carlos Posada la cual va muy ligada al contexto de la película.
Concepto de 16 mm contra concepto de 35mm. Existen dos formatos de cine muy utilizados actualmente y estos son el concepto de 16 mm y el concepto de 35mm. En cuanto a la película de 16 milímetros fue lanzada por Kodak en 1923 como una forma barata y alternativa al convencional 35 mm. Este formato fue considerado como un "sub-estándar" por la industria cinematográfica profesional. El formato de 16 mm mudo se concibió como formato doméstico, pero en los años '30 comenzó a penetrar en el ámbito educativo. La introducción de las pistas de audio y sobretodo de la película de color Kodachrome en 1935 relanzó enormemente el mercado de los 16 milímetros. La llegada de la televisión todavía contribuyó más a difundir este sistema como medio de captación de imágenes, imponiéndose este sobre el formato de 35 mm. Ya que contaba con distintas características: la ligereza de las cámaras y menor costo, con calidad de sobra para ser emitido por TV, llegando a ser adoptado durante muchos años como formato de captación de noticias, ya que el formato de 35 mm. resultaba excesivamente caro y sus equipos nada portátiles. La película fotográfica de 35 mm. en cuanto a anchura es la más extendida tanto para la fotografía fija como para la industria del cine, y permanece prácticamente idéntica desde su introducción en 1892 por William Dickson y Thomas Edison. La inmensa mayoría de las películas comerciales están rodadas utilizando este formato de película, en sus distintas variantes según el formato de pantalla final. La película “Colombian Dream” se grabó en el formato de 35 mm generando que esta se una a un grupo de películas comerciales, ya que la mayoría de su tipo son grabadas en este formato. Este formato genera más costos en comparación al de 16mm pero en cierta forma le da a las imágenes cierta profundidad y mejor percepción de las escenas.
Diferencias entre Cine documental y realista El cine, a pesar de ser cine este posee tipos y diferentes perspectivas. Se puede decir que existen más de 20 tipos sin embargo para muchos el cine no se divide sino que estos tipos se ligan con otros como por ejemplo: Cine documental y el Cine Realista. El cine documental indaga la realidad, plantea discursos sociales, representa historias particulares y colectivas, se constituye en archivo y memoria de las culturas pero tiene infinitas formas de hacerlo. Con estas características se podría decir que la Película “Colombian Dream” es un film del cine documental sin embargo este también presenta características del cine realista como por ejemplo Se caracteriza como cine realista ya que está compuesta por elementos dramáticos o autodestructivos, a partir del botín desaparecido de “pepas tricolores” (drogas) que circulan para aumentar su adrenalina y produce un efecto que el tiempo transcurre muy rápido. Entre las principales manifestaciones del realismo en la historia del cine mundial figuran tendencias tan importantes como la del socialismo soviético, el naturalismo escandinavo, el movimiento poético francés, el neorrealismo italiano de posguerra, el nuevo cine latinoamericano (Brasil-Colombia-Cuba-México) y los grupos independientes americanos.
Efectos especiales. Uso y abuso Actualmente los efectos especiales constituyen una actividad especializada dentro de la poderosa industria del cine, que se nutre de la ciencia y desarrolla a la par de los avances tecnológicos. Los efectos especiales que vemos en el cine son, en realidad, la mezcla de varias técnicas. Estas surgieron con el propósito de crear una fábrica de sueños fí¬lmicos que hagan desaparecer la frontera entre la realidad y la fantasí¬a. Los efectos especiales se refieren a aquellos “conceptos artificiales “a los que se recurre en el rodaje de una pelí¬cula para dar apariencia de realidad a ciertas escenas. Se definen, también, como el grupo de técnicas que permiten modificar la apariencia de la imagen o el sonido. Esto explica un poco más el concepto, sin embargo estos efectos se pueden clasificar en diferentes tipos: en efectos de sonido y en efectos visuales.
Los efectos de sonido son todos los que tienen que ver con pista de sonido, muchos de estos son insertados después de haber grabado las escenas. La película Colombian Dream posee varios de estos tipos de efectos ya que al tener una pista de sonido se podría decir que tiene efectos de sonido ya que muchas veces las pistas de sonido no son iguales a como estas fueron grabadas originalmente. Tambien se puede caracterizar por poseer efectos visuales como por ejemplo cuando los personajes se drogaban, se podía observar varias escenas en donde se muestra un mundo de fantasía, generando capacidades que son imposibles para el ser humano. Los efectos visuales se subdividen en dos tipos: los prefí¬lmicos y los cinematográficos. Los primeros son los que se programan con antelación y los cinematográficos son los que se usan, en la misma grabación, por lo general con dobles. Otra clasificación se puede establecer con: Los efectos especiales de toma de planos; los efectos de laboratorio y los efectos especiales mixtos, es decir, parte realizados durante las tomas, parte en el laboratorio. El cine, desde sus inicios, ha recurrido a los efectos especiales para crear mundos de fantasía que sorprendan al espectador. Hoy en día, las películas son filmadas con la tecnología CGI, la cual es capaz de crear escenarios totalmente digitales, a pesar de estos adelantos, no siempre se alcanzan los resultados deseados y el abuso o mal uso del CGI termina siendo un problema para las producciones como por ejemplo: Godzilla. Dirigida por Robert Emerich y protagonizada por Matthew Broderick, Jean Reno entre otros, esta producción de 1998 dejó con un "mal sabor de boca" a los expertos, indica el sitio cinemanía. Los efectos usados en la cinta quedaron por debajo de la misma; a pesar de ello, recaudó 379 millones de dólares en todo el mundo.X-Men Origins: Wolverine. Las películas de los X men fueron muy bien recibidas por el público; así que los estudios encargados de su distribución optaron por hacer una continuación, teniendo como personaje principal a "Wolverine".En el 2009, se estrenó X-Men Origins, dirigida por Gavin Hood y protagonizada por Hugh Jackman, Liev Schreiber y el rapero Will.i.am. el recibimiento por parte del público fue aceptable, pero sus efectos especiales eran tan poco creíbles, como aquella escena de la persecución de un helicóptero. .Bibliografía: Martínez, E. (sf). uhu.es. Recuperado de http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/tiposdeplano.htm, el 8 de setiembre de 2012. Texas Instruments. (2011). dlp.com. Recuperado de http://www.dlp.com/es/cinema/dlp-cinema/, el 28 de julio de 2012. Torres, R. (noviembre de 2004). minotaurodigital.net. Recuperado de http://www.minotaurodigital.net/textos.asp?art=86&seccion=Cine&subseccion=articulos, el 8 de setiembre de 2012.
EFECTOS ESPECIALES, CINE ARTE, EDICIÓN Y SONIDO EN CINE EVA – EFECTOS ESPECIALES El filme Eva se estreno en 2011 bajo la dirección de Kike Maíllo. Dado que ha sido catalogada en el género de drama y ciencia ficción es obvia la utilización de cierta tecnología con el fin de crear efectos especiales que favorezcan la ejecución de la película, principalmente debido a que la trama gira en torno a un tema como la robótica. El uso de los efectos especiales en este caso se debe considerar desde la creación de dos tipos de robots en el guión, la primera clasificación son los robots de servicio, los cuales lucen realmente como maquinas y que esencialmente han sido creados bajo animación digital. Se destaca la escena en la que aparece el “hand up” (dedicado a la creación del cerebro de los robot), en este caso se necesito hacer uso de un test, en el que se investigo como las personas visualizaban el “hand up”. Basados en los resultados los encargados decidieron utilizar cristales, petancas, canicas y bombillas, los cuales fueron colgados a través de hilos y varillas de cromo que permitieran su movimiento, manipulación y sensibilidad de manera que fue retocado computacionalmente para ambientarlo con el fin de no perder la simplicidad y realidad del cristal, pero al mismo tiempo tuviera el acabado de la animación mediante la manipulación de la luz, brillo y sombra en los software especializados.
La característica de sensibilidad también es percibida mediante el efecto del sonido, el cual completa el efecto especial. En esta escena donde Alex utiliza el “hand up” se puede escuchar un sonido cuando manipula el robot y arrastra los diferentes componentes del carácter, también es percibido en la escena cuando el androide empieza a funcionar y la memoria se va desarrollando mediante el robot “hand up”. Este sonido fue creado mediante el barrido de los cristales y ciertos sonidos que producían al ser golpeados. Es notorio que el objetivo del equipo era hacer que el robot luciera simple dentro de la habitación, la cual no tiene una ambientación de tipo futurista, sino es un estilo más hacia el estilo retro. Es por ello que el efecto especial se creó a través de elementos simples que únicamente fueron retocados digitalmente. El otro tipo de robot eran los androides, para este caso se requirió un experto en expresión y movimiento que pudiera enseñar los actores a realizar los movimientos indicados al ser colocados en trajes y luego ser superpuestos sobre la pantalla verde o azul técnica para finalmente realizar retoques que facilitan la perspectiva buscada entre lo futurista y retro, pero principalmente realista. OKURIBITO-PISTA SONIDO La película Okuribito (おくりびと) fue desarrollada por el director Yojiro Takita, basada en la historia de un hombre que vuelve a su ciudad natal después de haber tenido una decepción con orquesta en la que labora y comienza a trabajar en el negocio del Nokanshi, considerado indigno por algunos de sus allegados. Para empezar el sonido fue una de las revoluciones más importantes en la historia del cine, ya que introdujo un nuevo concepto y permitió la influencia de las bandas sonoras. La música a utilizar en las producciones cinematográficas cuentan con diferentes medios para ser grabadas, en el caso de Okuribito se utiliza una grabación de multipista donde se graban todos los instrumentos simultáneamente, por lo general se utiliza en el caso de orquestas de jazz o clásicas. Para este tipo se realizan grabaciones de cada sección por separado, ya que es mucho más fácil efectuar modificaciones y compensaciones en el proceso de mezcla, lo que ha consecuencia brinda una mejor calidad al sonido. Sin embargo este proceso no da la versatilidad que daría poder grabar cada instrumento sucesivamente.
En la consideración de la pista de sonido se destaca la figura del editor musical, el cual se encarga de la duración adecuada en los momentos adecuados. Sin duda, las tareas en cuanto a la producción musical cinematográfica se ha visto enriquecida y mejorada con la utilización de la digitalización, con la cual se realizan cortes y fusiones buscando la manipulación de la frecuencia y altura de la música según, es decir más control sobre la pista. En esta historia la música es parte fundamental ya que adquiere un simbolismo, principalmente utilizando el chelo (sueño frustrado del protagonista). En cuanto a la banda sonora utilizada es de corte clásico, sinfónico, suave, relajante, de tonos lentos que se logra adecuar perfectamente a las escenas y brindando una mayor emotividad, cumpliendo el propósito del compositor (Joe Hisaishi) logra el objetivo de complementar y acompañar el desarrollo de la escena. Dada la importancia del chelo dentro de la historia, se presentan diversas escenas en donde el protagonista toca el instrumento y las mismas piezas musicales tienen una referencia mas directa a la historia, dejando de ser un simple acompañamiento. Una de las escenas que se puede tomar como referente es en la que aparece el protagonista interpretando una de las piezas en el chelo y al mismo tiempo se van intercambiando pasajes en los que se presentan varios actos funerarios, conforme se van presentando estas imágenes la música va alcanzando cierta intensidad, intensificando las emociones de cada episodio, ya sea que presente una escena muy triste como el funeral católico de un niño, donde el chelo lidera la banda a manera de un acompañamiento suave o bien la escena donde se presenta el acto fúnebre de un padre donde se da un encuentro de emociones (llanto y risa) y se produce un aumento en la intensidad y velocidad de las notas. UNA SEPARACIÓN – CINE NORTEAMERICANO COMERCIAL VS CINE ARTE El filme una separación es de origen iraní producida en el 2011 por Asghar Farhadi, quien ya había sido reconocido por “About Elly” del 2009. Esta se puede clasificar dentro del cine arte, el cual se ha estereotipado como un tipo de cine elitista que se encarga de generar conflictos por ser controvertido o dramático, en muchas ocasiones incomprensible y de muy bajo presupuesto. El objetivo de estas producciones no es contar con taquilla y consumo masivo. Se caracteriza por contar con mayor libertad creativa y utilizar recursos narrativos y cinematográficos de difícil compresión y poco comunes, hasta llegar a trabajos de un corte mas experimental.
Caso contrario pasa con el cine norteamericano comercial que se ha distinguido por tener producciones de alto presupuesto, pero llena de excesos y absurdos que tienen el objetivo de atraer a la mayor cantidad de público y llenar las taquillas, es decir, básicamente su éxito se mide por la cantidad de dinero que logra recaudar. Los temas no son muy discutidos, ni profundos y el guion no suele ser elaborado, sino que cuenta una historia simple con muchos adornos, por lo general fantásticos. Sin embargo estos conceptos caen en el estereotipo y olvidan algunas producciones que rompen con ese protocolo, ya que existen obras en las que se ha contado con un presupuesto considerable y con temáticas que buscan más hacia la realidad y no tienen excesos en cuanto al uso de efectos absurdos innecesarios y que cumple con las demás condiciones que caracterizan el cine arte. En el caso de Una Separación se cuenta con un presupuesto de $500 000, el cual es considerablemente bajo en comparación con las películas taquilleras hollywoodenses, además la trama se basa en hechos realistas, cotidianos y que pueden generar polémica, principalmente en torno a lo moral, dada la red de mentiras y encubrimientos entre los personajes. Una de las escenas que muestran su categorización dentro del cine arte y que además es comparable al cine norteamericano comercial es cuando Nader se encuentra esperando a Razieh después de que ella había dejado a su padre solo en la casa. En este momento se produce un altercado y se acusa a Razieh de haber tomando un dinero extraviado, lo cual lleva a Nader a expulsarla del apartamento, Razieh cae por la escalera y sale del edificio. En esta escena no se muestra una discusión demasiado escandalosa o llena de golpes y acciones innecesarias, ya que si se considera la situación en la que se desarrolla, la situación es mucho mas realista. En casos de altercados, en películas bajo el comercialismo norteamericano, una escena de este tipo hubiera sido manipulada en el guion de manera que requeriría de mayor violencia (peleas sangrientas y heridos) y detalles incongruentes (explosiones) pero que sin duda por su naturaleza atraerían al público.
EL COLOMBIAN DREAM – EDICION CINEMATOGRAFICA Esta película latinoamericana fue estrenada en el año 2006, dirigida por el colombiano Felipe Aljure. El filme se basa en la historia de Rosita, Pepe y Enrique alrededor del uso y venta de alucinógenos, esta trama es narrada por un abortado (Lucho) hermano de Rosita. La edición se refiere al montaje o a la etapa de post producción, en la que se espera atender aspectos como el rodaje, montaje y sonido. En el caso del rodaje existen diferentes formatos, la variación depende del presupuesto y del acabado que se desee lograr en la toma, es por ello que existe gran variedad como las cintas grabadas en 16mm, digital y 35mm, las que son mas comunes. Se caracteriza por tener 4 perforaciones por fotograma y en su etapa final requiere del montaje en conjunto de la imagen y sonido lo que exige cierta sincronización mediante la utilización y alineación de marcan de referencia en imagen y sonido. En el montaje el proyecto ya ha pasado por el rodaje o bien se realiza de manera simultanea. Se encuentra a libertad del montador el orden en el que esta se puede realizar, pero se acostumbra a hacer un montaje en bruto, algunos otros montadores toman las escenas a conveniencia. El trabajo es laborioso, pero flexible y permite reordenar una escena las veces que sea necesaria, sin embargo el tiempo invertido para copiar y pegar los fotogramas si es de consideración. En este paso no se realizan las adiciones en cuanto a efectos especiales, sin embargo las transiciones deben ser indicadas por el montador. En esta etapa es donde se consigue la primera versión de la película completa. Como último paso se realizan los procesos finales del trabajo, esto involucra esencialmente la composición del sonido, lo que incluye los efectos sonoros, la creación de la banda sonora, y la sonorización de los diálogos, hasta poder completar la mezcla final del sonido. Esta etapa también relaciona los efectos ópticos, sobre todo aquellos en los que debe haber una corrección de color por escena y poder igualar el ajuste del color en los diferentes planos y tomas, sin embargo al ser un trabajo tan exhaustivo requiere de varias fases de elaboración.
En el Colombian Dream se utilizo el formato de super 16 (alternativa económica de 35mm), este formato se paso al digital para facilitar el trabajo de efectos visuales de post producción. Gracias a esto es posible agregar efectos digitales y animaciones requeridas en el desarrollo del guión. Sin embargo también se da la utilización de formatos que son poco utilizados en el cine, entre ellos la utilización de cámaras presentes en teléfonos celulares inclusive el uso de cámaras que detectan el calor y con ellas crear imágenes que solamente brinden una especie de reflejo colorido. En la edición también podemos notar la utilización de una compleja, variada y extensa variedad de recursos, entre ellos la alta velocidad mientras se produce la narración de Lucho y la cámara lenta en los diálogos superpuestos. Además hay cierto juego con la pantalla al realizar particiones de la misma, mediante la cual se puede observar la misma escena, pero desde dos ángulos distintos. Referencia bibliográfica Revista Vanity Fair. (2011). Making of Eva. Retrieved 09/05, 2012, from http://www.revistavanityfair.es/videos/eva-la-historia/1394 Chaves, C. (2011). Cine comercial versus cien arte. Retrieved 09/05, 2012, from http://labutacadecine.blogspot.com/2009/06/cine-comercial-versus-cine-arte.html# Snyder J. Cine de arte vs cine comercial. http://www.revistacomala.com/cineartevscinecomercial.html. Updated 2011. Accessed 09/05, 2012. Domínguez J. La técnica del sonido cinematrográfico. http://www.felinorama.com/univ/tv/campus/temas/Sonido_cine.pdf. Updated 2012. Accessed 09/05, 2012. Universia. Cine de arte. http://noticias.universia.net.mx/tiempo-libre/noticia/2007/12/13/27892/cine-arte.html. Updated 2007. Accessed 09/05, 2012. rtve.es. La película iraní "nader y simin, una separación", premio TVE-otra mirada 2011 . http://www.rtve.es/noticias/20110922/pelicula-irani-nader-simin-separacion-premio-tve-otra-mirada-2011/463438.shtml. Updated 2011. Accessed 09/05, 2012. Espacio Cine. La edición. http://ecine.blogcindario.com/2006/11/00010-la-edicion.html. Updated 2012. Accessed 09/05, 2012. Domínguez, J. (2012). La técnica del sonido cinematrográfico. Retrieved 09/05, 2012, from http://www.felinorama.com/univ/tv/campus/temas/Sonido_cine.pdf
Amélie Estrenado el año 2001, el cuarto largometraje de Jean-Pierre Jeunet (después de Delicatessen, La Ciudad de los Niños Perdidos y la norteamericana Alien: Resurrección), nos introduce en un cuento de hadas ambientado dentro de una idílica visión del París contemporáneo. Con la genial interpretación de Audrey Tatou (como Amélie Poulain) y contando en el reparto con Mathieu Kassovitz (Nino Quincampoix) y con Dominique Pinon (presente en todos los trabajos de Jeunet), esta película despliega una gran belleza visual y sonora, además de unos detalles de ingenio ("gnomo de jardín viajero", "fantasma del fotomatón"…). Pista de sonido cinematográfica En el mundo de los filmes, se abre una posibilidad y gama de variaciones en el sonido, por su diversidad de formatos. En la actualidad existen alrededor de nueve o más formatos que varían tanto en su forma de calidad como apreciación o para realizar un toque artístico en el desenlace de la historia, un ejemplo de un formato de sonido es el sonido analógico. Sonido analógico Sonido estéreo presente en la mayoría de películas, se desarrolla en un celuloide sobre una línea continua ubicada a la izquierda de los cuadros de imagen. Cuando la película se reproduce, l cinta pasa a través del proyector ara generar la proyección en la pantalla y simultáneamente otro haz de luz pasa a través de la pista óptica de audio para ser recogida por una fotocélula que convierte las diferencias en la intensidad de luz en señal de audio estéreo. A pesar de todo, este sistema se utilizo en las primeras películas clásicas. Hoy en día, se utiliza pero no frecuentemente ya que puede presentar desincronización, pausas o retrasos momentáneos del sonido.
DTS (Digital Theater System) Sus características generales, se aproximan al sistema Dolby Digital, se utilizan hasta 5.1 canales de audio distribuidos de la misma forma que el sistema Dolby. Pero siempre se encontraran diferencias realmente importantes entre este sistema y el Dolby. El DTS posee características de 20 bits y un 5.1 en canales a 48 KHz, a esto le agregamos la compresión de apenas 4.1 y almacenamiento de 100 minutos de audio con 51 canales. Sin embargo es un sistema de calidad muy superior, además no presenta la presencia de la impresión de la cinta con la información de audio e incrementa la sincronización de a imagen con el audio en tiempo real. Una desventaja presente es su instalación, a pesar de estar instalado en más de 40.000 salas alrededor del mundo, la cantidad es muy inferior en comparación con los sistemas de Dolby Digital, por cuestiones de marca hay más títulos presentes y disponibles en Dolby que en DTS. Cada formato esta llena de variaciones presentes en todo momento tanto de cortometrajes a largometrajes, como el caso de Amélie. Amélie se compone de cuatro pistas en audio multicanal, dos en V.O. francesa (Dolby Digital a 448 kbps y DTS a 768 kbps) y dos en su versión castellana (también una Dolby Digital y la otra en DTS). Diseñada por su multitud de banda sonora, penaliza la calidad visual. En una audición comparativa, de las cuatro pistas principales, sobresale el DTS (Digital Theater Surround), con mucho mayor volumen, mayor relieve y mayor espacialidad del sonido entre los diferentes altavoces, al punto de sobre pasar el Dolby Digital. Todos los canales se utilizan correctamente, lo que confirma el excelente nivel del sonido de la película. Sobre el tema, la pista DTS en francés tiene un grave defecto al final (desde 1h 52', antes de los créditos) hace que suene entrecortada. Claro que siempre podemos conmutar a la pista Dolby Digital. El sonido en francés Dolby Digital y DTS, y subtítulos únicamente en francés para sordos en la película. La edición lleva tan sólo el sonido Dolby Digital francés (pero no el DTS) y la película está subtitulada en español. Todos los análisis alaban la calidad de imagen y de sonido (DTS y Dolby Digital) por lo que mucho nos tememos que los defectos que hemos encontrado son exclusivos de la edición española.
Concepto de género en cine y específico diferencias entre cine documental, testimonial y realista.
En el realismo, testimonio y documental, se define en que forma se afecta y culales son las consecuencias que se dan de forma mutua, en primer paso se debe de definir cada una a un concepto base que se simple, eficaz y sencillo para su comprensión. Uno de los obstáculos, es el de su descripción previo a cada uno, ya que se relativismo con los que se tratan van con la diferencia propia de la naturaleza propia.
Documental
En primera parte, tenemos a la parte documental, es aquel que inspecciona la realidad de su naturaleza, plantea los discursos sociales, representa historias tanto colectivas como particulares, se constituye en un archivo y crea una memoria tanto de culturas pero con infinitas formas de construcción, presenta un amplio abanico de filmes documentados que permite un pesquisa completa histórica de sus aptitudes en lo rodado, brindando así una visión futura.
El cine documental no es un género. Es producto de una consecuencia preconcebida, una forma de estructura y consecuencia de un modelo preexistente con cimientos de un prototipo. A pesar de que por poseer un tipo sustancial, es dado como un film con género, aunque se difiera algún aspecto de diseño general al cual suele dar repetición sin concertar algún valor.
Testimonial
Aunque no tiene aspiraciones literarias, el testimonio exhibe una intencionalidad muy precisa, de donde se deriva el peligro de representación tergiversada, alentada por la agencia del narrador. A este escollo habría que sumar además la propia dificultad de registrar la historia, por muy buena intención que se tenga de ser objetivo, lo que hace necesaria la voluntad de tener fe en el discurso del narrador por parte del receptor. Una vez que el espectador acepta este requisito, convencido por la idea de que el testimonio conlleva ante todo preocupación por la sinceridad y de que ser testigo implica responsabilizarse por la verdad, el género testimonial puede producir un notable efecto de realidad y provocar la sensación de experimentar lo real. No se trataría de una interpretación de la realidad (codificada, de hecho, por lo Simbólico) sino de una auténtica, aunque insuficiente, huella de lo real, de lo inaprensible e inexpresable, que se logra vislumbrar. Su esbozo de la verdad permite al testigo encontrar la suya propia, conocerse a sí mismo, refrendar su autenticidad, hallarla o incluso reajustarse, si es necesario, a la realidad fenomenológica,
Realista
El cine testimonial, domina sobre la realidad del momento, se da con hechos poco materializado pero con extrema humanidad sobre los problemas y conflictos de varios individuos.
El cine es probablemente el espectáculo que mayor sensación de realidad que hace que provoque en el publico, así en un momento se cree que parece idóneo en su expresión para su denuncia de algún afán de una situación opresiva verídica a causa de una suposición estribada que de forma fílmica, pone en general, practica su estilo realista.
Esta idea de semejanza, no concluye en la representación o definición única, sino que va más allá de la percepción real, a su vez hay una identificación profunda entre representación y significación. Por lo tanto, pretender que un significado corresponda a un objeto real responde a una actitud ingenua. Además, el mundo del contenido es un universo cultural, lo que implica que la semiosis es capaz de explicarse por sí sola, pues una unidad cultural se refiere a otras culturales. El concepto de Realismo se prueba igualmente relativo, puesto que depende de cuán estereotipado está un modo de representación y lo determina el sistema estándar propio de una cultura o época determinada. A pesar de ello, el realismo se ofrece para definir todo un sistema de representación. Se tiende a pensar que una representación es realista si se adhiere al modo tradicional (europeo), ya que se suele tomar el sistema convencional como el estándar y la norma realista como la habitual. De todo ello se deriva que la representación realista depende de la inculcación y que la medida en que una imagen es correcta bajo un sistema es directamente proporcional a cuán precisa es la información sobre el objeto que se obtiene leyendo la imagen de acuerdo con tal sistema; la representación es una cuestión de elección; la corrección, de información, y el realismo, de hábito. De todas formas, en beneficio de los conceptos de testimonio y de realidad, habría que añadir que, a pesar de tal ambigüedad, los signos codificados culturalmente (convencionalmente), no son totalmente arbitrarios.
A pesar de dichas limitaciones al plasmar la realidad objetiva, ofrece dos formas distintas de tratarla: ficción y documental. Los límites entre ambos conceptos se solapan, ya que todo film de ficción documenta su propio relato (a través del acto analógico de la filmación o de los elementos materiales que lo hacen posible -actores, decorados, etc.-) y todo documental ficcionario una realidad pre-existente por la elección del punto de vista. Tanto un género como el otro son actos de hacer parecer verdad, mediante mecanismos persuasivos, que solicitan, al igual que en el caso del testimonio, que el espectador crea a partir de una especie de contrato de verificación, establecido implícitamente entre entre el autor y espectador sobre la base de la verosimilitud de la propuesta.
Amélie, presenta un poco de surrealismo, que ella expresa en una realidad amorfa de forma desordena y cronológica en momentos que el autor expresa, empleando símbolos, señales y metáforas para su desenlace. Este largometraje surrealista, la audiencia se inicia en una realidad subjetiva sobre el personaje principal, tanto que demuestra y transmite sus sentimientos, emociones y confusiones para que se mantenga una perspectiva en los actos para que se establezca una trama que contribuya a la obra. Sobre Amélie, muestra importancia y significado hacia la valoración de los pequeños detalles las cuales son totalmente simples sin complejidad, abstractas y un sinfín de conceptos de gustos e insipidez propios. El realismo del cine no está en su presunta capacidad para captar la realidad tal como ella es, sino en su capacidad para revelar, a través de asociaciones y relaciones de diversos aspectos de la realidad, es decir, a través de la creación de una nueva realidad, capas más profundas y esenciales de la realidad misma…
Referencia Bibliográfica
Formatos de Sonido para Cine (s. f.). Recuperado el 06 de Septiembre del 2012, de http://www.elforolatino.com/f23/formatos-de-sonido-para-cine-8178/ Metodología. El cine en la escuela (s. f.). Recuperado el 04 de Septiembre del 2012, de http://www.emagister.com/curso-cine-educacion-1-2/metodologia-cine-escuela CINEMANIACOS: Curso de creación cinematográfica (s. f.). Recuperado el 05 de Septiembre del 2012, de http://membres.multimania.fr/cinemaniacos/creacion_cine_10a.htm La edición - ESPACIO CINE (s. f.). Recuperado el 06 de Septiembre del 2012, de http://ecine.blogcindario.com/2006/11/00010-la-edicion.html Efectos especiales - Historia de los efectos especiales (s. f).Recuperado el 06 de Septiembre del 2012, de http://www.profesionalesdigitales.es/profesionales/blogs/node/2585 Apreciación Cine: Amélie (2001) (s. f.). Recuperado el 05 de Septiembre del 2012, de http://apreciacioncinetec.blogspot.com/2011/03/amelie-2001.html Escena final Amélie. - YouTube (s. f.). Recuperado el 07 de Septiembre del 2012, de http://www.youtube.com/watch?v=lKbeNyojjNs El cine testimonial, la literatura y la realidad. Minotauro Digital. La revista de arte y literatura (s. f.). Recuperado el 07 de Septiembre del 2012, de http://www.minotaurodigital.net/textos.asp?art=86&seccion=Cine&subseccion=articulos
Parte 1 Concepto de género en cine: Un género se refiere a categorías temáticas estables que respetan los responsables de las películas y que conocen sus espectadores. Los géneros mas conocidos son los siguientes: Cine cómico: Junto al documental, el cine cómico es el género más antiguo de toda la historia del cinematógrafo ya que al inicio el objetivo del cine fue ofrecer al público una película divertida, festiva y atrayente. El cine cómico propicia situaciones divertidas mediante acrobacias y escenas visuales, y la comedia lo consigue por medio de un juego de palabras. En ambos casos, el cine practica el humor que causa varias risas. Cine del Oeste: Como su nombre indica es el género cinematográfico que relata historias relacionadas con la conquista y colonización de los territorios occidentales de Estados Unidos. Este tipo de género sirvió para exaltar las virtudes de pistoleros al servicio de la ley y de militares del cuerpo de caballería ya que eran garantía de seguridad en un momento histórico sometido a muy violentas tensiones. Cine negro: El cine negro, o cine policiaco, establece sus argumentos en torno a la lucha contra el crimen. Entre las características más frecuentadas por el cine negro están el detective sagaz pero de vida desordenada, los mafiosos que amenazan el orden legal, el policía sometido a las tensiones de una sociedad corrupta, y la mujer fatal, atractiva y seductora aunque peligrosamente cercana al lado más turbio de la vida. Por su ambientación fotográfica y escenográfica, el cine negro delata su vinculación al expresionismo alemán, del cual tomó los toques de estilización tenebrosa, los contraluces y el tono sombrío de sus decorados. El musical: Se refiere a todas aquellas producciones cinematográficas que incluyen canciones o temas bailables en una parte fundamental de su desarrollo. Por sus características el musical se convirtió en sinónimo de elegancia y grandiosidad escénica. Terror: El género de terror o de horror engloba todas aquellas producciones cinematográficas cuya finalidad es formular dramas efectistas, truculentos o misteriosos, capaces de inducir sensaciones de inquietud, temor y sobresalto en el espectador así como momentos de muerte, amor y dolor. Ciencia-Ficción: Este género propone una versión fantasiosa de la realidad, relacionada con todas las probables o desorbitadas consecuencias de la ciencia. Un ejemplo es el del sabio loco o los monstruos prehistóricos que sobreviven a la extinción. Melodrama: Este género se basa en los giros súbitos de la acción, el juego simplificado de connotaciones morales y el resorte sentimental y apasionado que mueve a los personajes.
Histórico: Una película ofrece un punto de vista ideológico en torno a la realidad reflejada en su guion. El género histórico no es otra cosa que un producto imaginativo, derivado del folletín, donde se da forma al pasado hasta componer el telón de fondo de una aventura o de un melodrama. Aventuras: El género de aventuras tiene como características sucesos protagonizados por un héroe o conjunto de héroes. Puede tener inspiración policíaca, histórica o bélica. Animación: Este género define una técnica que sustituye la filmación de actores y escenarios por el uso de ilustraciones, muñecos articulados o planos infográficos o computarizados, animados, toma a toma, hasta lograr la sensación de movimiento. Entre otros géneros sin embargo voy a diferenciar tres tipos de cine en específico: el realista, el documental y el testimonial. El cine documental es el que se aleja de la ficción y refleja acontecimientos reales. El guion de los documentales dramatiza los hechos esenciales que rodean a la especie en cuestión, e incluso es probable que los técnicos encargados del rodaje hayan trucado con toda meticulosidad situaciones que, de otro modo, no hubiera sido posible captar con la cámara. Otro subgénero que se deriva de esa mezcla es el docudrama, donde los protagonistas de un determinado hecho lo reconstruyen ante la cámara, recreando así su propia realidad, el cine realista se refiere a la capacidad de representar las “cosas tal y como son”, según se ven, y no según los criterios establecidos por la tradición académica y el cine testimonial cobra una importancia suprema, debido básicamente al impacto visual-emocional que provoca en los espectadores. Es muy probable ver estos tres cines en una misma película o solo dos unidos ya que lo que hace u largometraje mas interesante es la manera de editarse, debido a esto varia la calidad de los cortes y hace que la película tenga una definición estética mucho mas detallada. Un documental normalmente se basa en un hecho histórico, un cine realista en un evento que le haya sucedido a una persona pero es probable que quede como anónima y uno testimonial expone una experiencia de vida con repercusiones culturales y políticas. En síntesis la diferencia de estos tres tipos de cine es que en el testimonial el testigo tiene tanto afán de la verdad que permite al testigo encontrar la suya propia, conocerse a sí mismo, hallarla o incluso reajustarse, el documental juega con imágenes de televisión, fotos, sonido, etc colocando en un contexto histórico mediante el enriquecedor uso de imágenes documentales de hechos pasados y actuales mientras el realista se enfrasca por mostrar la realidad de la vida.
Parte 3 Edición cinematográfica Algunos términos importantes cuando se habla de edición son las siguientes: Academia líder: es un líder colocado a la cabeza de copias de exhibición con información para el proyeccionista y con números que son de color negro sobre un fondo claro, contando con 11 a 3 a los 16 intervalos de cuadro. Gran Close-up: es una foto tomada muy cerca del sujeto (más cerca de lo que sería necesario para un primer plano), revelando detalles extremos. Superar disparo: es un corte que se utiliza para cubrir una pausa en el tiempo, u otra abertura en la continuidad. Clapper: son los palos que están juntos en la vista de la cámara con el propósito de sonido de la película de sincronización. Estos son por lo general, aunque no siempre, adscrito a la pizarra y aparecen a la cabeza o la cola de un sonido sincronizado. Close-up: es una foto tomada muy cerca del sujeto (o con el sujeto de la toma muy grande en el cuadro), que revela un detalle único. Codificación: método que una vez que la copia de trabajo y el caldo de sonido (mag) se han colocado en la sincronización, los rollos se codifican con números que coinciden borde amarillo para que pueda coincidir más tarde, una vez que se han cortado en pedazos. Conforming: es el corte de la OCN para que coincida con el corte final de una película. Contacto de impresión: es una impresión hecha en una impresora de contacto donde el elemento original y el duplicado del elemento en realidad se presionan entre sí en el punto de exponer (sin lente involucrado). La continuidad de movimiento: es el flujo de la acción de una toma a la siguiente, ya que se coloca en la pantalla en el punto de corte. La colocación de la acción significativa en el extremo de un disparo en la misma zona de la pantalla donde la acción significativa se iniciará en la siguiente toma. Cross-cut: es la intercutting de disparos de dos o más escenas de modo que los fragmentos de cada escena se presentará a la atención de los espectadores alternativamente. Cut: es una sola tira continua de película. Disolver: es una fusión gradual de la final de un solo disparo y comienzo de otro producido por la superposición de un fundido de salida en un fundido de entrada de igual longitud. Dolly shot: es una foto tomada con la cámara en movimiento sobre una plataforma rodante. Dupe negativo: es un elemento negativo impreso a partir de una impresión positiva o copias de exhibición que se imprimen desde un duplicado negativo. El establecimiento de un disparo: es un tiro utilizado cerca del comienzo de una escena para establecer la relación entre los detalles que se muestran posteriormente en estrechar la toma. Fade-in: un tiro que comienza en la oscuridad total y poco a poco ilumina con un brillo intenso o para llevar poco a poco el sonido al volumen deseado. Fade-out: lo contrario de un fundido de entrada. Inter-positivo de impresión: es una impresión de grano fino hecho a partir del negativo original de conformado que conserva los matices anaranjados de la OCN. El IP se utiliza para producir negativos subsiguientes duplicados.
Parte 4 Ir cortar: es un corte que rompe la continuidad del tiempo por saltar hacia delante de una parte de una acción a otra. KeyKode: es una extensión de los números del borde latentes mediante el cual se otorga cada cuadro un número. Estos números son registrados como un código de barras en la negativa y puede ser leído por un lector especial en la casa de laboratorio o de transferencia. Lab roll: son rollos de OCN compilado por el laboratorio para la impresión, que puede consistir de varios rollos de cámara. Números latentes de borde: son números que se imprimen en el borde de forma negativa por el fabricante. Estos números a imprimir a través de la copia de trabajo y son utilizados por los comparadores negativos (confórmeros) para que coincida con la OCN para el corte final de la imagen. Efectos jurídicos: son las longitudes para fundidos y encadenados que pueden ser ejecutadas por la mayoría de impresoras (16, 24, 32, 48, 64 y 96 cuadros). Biblioteca de disparo: es un tiro utilizado en una película, pero no se tomó inicialmente para esa película. Long shot: es una foto tomada desde una distancia considerable. A menudo, el LS sirve como un plano general. Mag: son acciones magnéticas de grabación de sonido que tiene perforaciones de vanguardia que responden a las perforaciones. En el stock de imagen, con lo que podrá ser tirado junto con la imagen a la misma velocidad y la posición relativa. Maestro de disparo: es un disparo que abarca toda una pieza de la acción dramática. Medium close-up: es un tiro entre un Estado miembro y un CU. (Es decir, una figura humana tomada de la cara hasta el pecho) Plano medio: es un tiro entre un LS y un MCU (es decir, una figura humana tomada de la cintura para arriba.) Impresión Casado: es una impresión positiva que lleva la imagen y el sonido en él. Mute impresión: es una impresión positiva que lleva a la única imagen (impresión silenciosa). Montaje: es la yuxtaposición de tomas o escenas aparentemente inconexas que, al combinarse, logran sentido o una serie de tomas relacionadas que conducen al espectador a una conclusión deseada. Óptico: es cualquier dispositivo llevado a cabo por el departamento de óptica de un laboratorio usando una impresora óptica. Optical impresora: se utiliza en la impresión de la imagen de una pieza de película sobre otro por medio de una lente. Negativo de cámara original (OCN): es el negativo original que pasa a través de la cámara. Pan: se usa para rotar la cámara alrededor de su eje vertical. Acción paralelo: es un dispositivo de construcción narrativa en la que se presentan el desarrollo de dos piezas de acción de forma simultánea. Pitch (de película): es el espacio entre las perforaciones. Edición Relacional: es la edición de fotografías que sugieren la asociación de ideas entre ellos.
Parte 5 Rough cut: es el primer montaje de una película que prepara el editor de una selección de tomas, con el fin de tener el guión, dejando los puntos más finos de la oportunidad y de edición para una etapa posterior. Rushes: son impresiones realizadas inmediatamente después de un día de rodaje para que puedan ser vistos al día siguiente. Escena: es la acción que se produce en un solo lugar al mismo tiempo. Secuencia: es una serie de tomas o escenas que tiene un principio, un medio y un final. Pizarra: es un tablero sobre el que se muestra la información clave acerca de un corte. Esta placa se lleva a cabo a la vista de la cámara, ya sea en la cabeza o la cola de un disparo a identificar al laboratorio y al editor. Si aparece en la cola de un disparo, se llevará a cabo al revés. Shot: es una grabación de una sola toma. SMPTE líder: es un líder colocado a la cabeza de copias de exhibición con información para el proyeccionista y con números que son de color negro sobre un fondo de densidad media. Sync pop: es un tono único fotograma colocado en la pista de sonido de manera que corresponda con el "2" en el marco líder SMPTE. Sincronización: es para poner sonido y la imagen en su relación correcta. Take: es una grabación de un solo tiro. Tilt: es para activar o girar la cámara hacia arriba o hacia abajo en el disparo. Tiempo: es el proceso de ajustar el balance de color para la impresión de cada escena una vez que la negativa ha sido conformada. Todos los términos nombrados anteriormente logran entender varias tiempos, cortes y tomas que se dan durante el transcurso de la película como por ejemplo en la película El Colombian Dream (2006) donde se aplican estos conceptos para enfocar solo partes del cuerpo como para diferenciar a los dos gemelos con el dedo de mas que tenía uno, otra escena es cuando los niños están tomando pepitas les enfocan del pecho hacia la cabeza para expresar la sensación que producen las pepas, o la utilización de colores, el juego que tienen repasando momentos anteriores de la película o el uso del audio con la canción del final para dejar al espectador pensando. Otro ejemplo es en la película Okuribitu (2008) donde el autor le gusta expresar cada momento el acto del ritual tratando de visualizar todo mínimo detalle.
Concepto de 35 milímetros vrs concepto de 16 milímetros vrs concepto de video electronico Hay varios tipos de película pero la más usada es la de 35 mm con cuatro perforaciones por fotograma. Cada bobina que se carga en la cámara tiene por lo general 10 minutos de duración. La banda de sonido que se incorporará a la película se graba por separado en una cinta magnetofónica abierta de 1/4". El NAGRA es el grabador de cinta para audio más común, aunque en los últimos años se ha extendido el DAT (cinta de audio digital). El método de filmado se denomina sistema dual debido a la utilización de dos sistemas de grabación: uno para la imagen y otro para el sonido. La película de 35 mm requiere que en su etapa final la imagen y el sonido se monten conjuntamente. Para ello, el sonido de las tomas válidas de audio se transfiere a la banda magnética de una película de 35 mm anotándose en el parte de sonido. Después se hará una marca en esa pista magnética en el sonido del golpe de la claqueta que indica el comienzo de cada toma. Cuando llega la copia positivada del rodaje del día, se marca también el fotograma que tiene grabada la imagen del golpe de la claqueta. El siguiente paso implica la sincronización de la imagen con su correspondiente sonido, alineando las marcas de referencia de la imagen y sonido, la película de 35 mm y la pista magnética en 35 mm estarán entonces en sincronía. Las cintas de 35 mm tienen un código identificativo único para cada intervalo específico. Este consiste en unos números que hay en el borde de la película, los cuales van a determinar los fotogramas que se utilizan en el proyecto. Si se usan sólo unos pocos metros de la copia del negativo de la cámara, habrá que tener luego una manera de asociar cada trozo de la copia con el correspondiente trozo del negativo original. Para eso sirven los números del borde o números de pie (pietaje). Los conceptos de 35mm y 16mm hacen referencia al ancho de la película con que se toma la fotografía, lo cual resulta en diferencias importantes tanto en calidad como en costo. En 1909 el film de 35mm se estableció como el estándar internacional para la elaboración de película con fotografía en movimiento. Sin embargo, existen otras medidas como el 16mm, 8 mm y 70mm, mas 35mm ha mostrado la mejor relación calidad-costo (dado que el precio del film está directamente relacionado con su tamaño) (Ferland, 2010). Los film de 35mm son los más utilizados para la fotografía en movimiento, mientras que el film de 16mm se reserva para la televisión y filmes educacionales. En 1965 surge una variación del tradicional film en 16mm, el súper 16mm. Este fue creado en Suecia por Rune Ericson. Su principal característica es que aumenta el área del negativo expuesto (la imagen), al extenderla al espacio reservado para la banda de sonido. Este formato presenta perforaciones solo en un lado del film y permite aumentar el tamaño del área de la imagen expuesta a ser proyectada (Díaz-Amador, 2006). Una video cámara o cámara de video es un dispositivo portátil que permite registrar imágenes y sonidos, convirtiéndolos en señales eléctricas que pueden ser reproducidos por un aparato determinado. En un principio, las video cámaras utilizaban tubos electrónicos como captadores. De esta manera, estaban compuestas por válvulas termoiónicas que, a través del barrido por un haz de electrones, permitían formar las imágenes con un sistema de lentes. En la década del ’80, se desarrollaron los dispositivos de cargas interconectadas, que posibilitaron una reducción en el peso y el tamaño de las cámaras y una mayor calidad de imagen y sonido. El proceso de funcionamiento de las video cámaras comienza con la descomposición de la luz entre tres componentes (rojo, verde y azul) mediante un prisma de espejos dicroicos. Del otro lado del prisma se encuentran los captadores, que reconstruyen la imagen y la reenvían a los circuitos preamplificadores.
El montaje puede clasificarse según la totalidad del relato en: Montaje lineal continuo: Donde la acción se desarrolla con una unidad de tiempo y lugar. Los cortes solo establecen una selección de momentos significativos. Montaje lineal condensado: La narración es continuada y lineal, pero comprende distintas etapas de una anécdota o proceso que se suceden en diferentes épocas y lugares. Montaje de tiempos alternados: Está basado en la yuxtaposición de dos o más acciones entre las que existe una correspondencia temporal estricta y suelen unirse en un mismo hecho al final del film o de la secuencia. El transcurso del tiempo (continuo, condensado, o paralelo) es quebrado introduciendo escenas del pasado llamadas flashback; escenas premonitorias, proyecciones o imaginaciones del futuro; y también con alteraciones del tiempo real por medio de la cámara rápida, cámara lenta o inversiones en el que el tiempo retrocede (personas y vehículos marchan hacia atrás). Debemos mencionar también la llamada “elipsis”, una omisión temporal que establece una especie de vacío en la misma línea narrativa, cosa que permite enfatizar psicológicamente esa ausencia. Montaje Conceptual: Se trata de una estructura liberada de las circunstancias de tiempo y lugar. Sucesivas tomas y escenas no pretenden desarrollar una estructura lógica de los hechos, sino de los conceptos. Las imágenes más dispares van orquestando una sucesión que conforma una totalidad coherente -psicológica e ideológica- en el espectador. Suelen utilizarse a partir de una banda de sonido previa, que establece un punto de apoyo por analogías o contrapuntos con la edición de las imágenes. Montaje rítmico: Es un concepto que engloba diversas significaciones. En función tanto de la longitud de los planos como de la composición de los encuadres. Intenta subrayar el impacto psicológico con una segunda sensación confiada al ritmo; en la que se deforma la realidad de alguna manera, ocasionando que el ritmo real de un suceso se retrase o acelere según lo que el autor quiere provocar. Se supone que todo tipo de montaje debe tener un ritmo adecuado. Repeticiones, cámara rápida, cámara lenta, destiempo y otras características de ese género, hacen posible una edición que no es narrativa, ni conceptual, sino rítmica.
Montaje Paralelo: Se unen dos o más líneas narrativas, independientes cronológicamente. Normalmente se trata de sucesos que transcurren y se desarrollan a un mismo tiempo, pero en distintos lugares, creando una asociación de ideas en el espectador. El montaje permite observar uno y otro como señalando “mientras en A ocurre tal cosa, en B ocurre tal otra”.
Según la escala y la duración del plano el montaje se clasifica en: Analítico: Se realiza a base de encuadres que contienen numerosos planos cortos de corta duración; se analiza la realidad estudiándola por partes y creando un ritmo rápido en la sucesión; lo que se presta más a lo expresivo y psicológico. Sintético: Se lleva a cabo a base de encuadres que contienen planos largos o planos-secuencias y con frecuencia uso de la profundidad de campo; se da una visión más completa de la realidad, sin intentar un análisis. Como aparecen más objetos y más hechos, exige encuadres de mayor duración para poder tener suficiente tiempo de lectura. En la película Colombian Dream (2006) se puede observar muy bien el montaje de tiempos alternados ya que mediante la cámara rápida o retrocesos se introducen escenas del pasado o proyecciones del futuro. Además también se observa el montaje rítmico que se intenta subrayar el impacto psicológico con una segunda sensación confiada al ritmo. Tambien se puede ver un montaje analítico donde los planos son de corta duración lo que presta mas a lo expresivo y psicológico por lo que se analiza un poco mas las escenas.
Referencias Espacio Cine. (2006). La Edición. Recuperado de: http://ecine.blogcindario.com/2006/11/00010-la-edicion.html Martinez, E., y Sanchez, S. (S.A). Tipos de plano. Los movimientos en el cine. Recuperado de: http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/tiposdeplano.htm Códigos Visuales. (S.A). Montaje y Edición. Recuperado de: http://codigosvisules7.blogspot.com/ Mas Cine. (S.A). Géneros del cine. Recuperado de: http://mas-cine.buscamix.com/content/view/90/139/ Especialista en el estudio 2. (2011). Estilos cinematográficos y genero. Recuperado de: http://translate.google.co.cr/translate?hl=es&langpair=en%7Ces&u=http://specialiststudy2.blogspot.com/2011/01/cinematic-styles-and-genres.html
Análisis de técnico de cine. En el cine es bastante común el formato de 35mm, sin embargo no por esto las cámaras usadas para la filmación son las mismas. Cuando se realiza una toma en HD el tamaño de la imagen es reducido considerablemente, es por esto que dependiendo del tamaño del escenario que se desea filmar así será la cámara a utilizar también. El formato de 16mm a pesar de no conseguir una imagen de tanta calidad como el de 35mm, tiene ciertas ventajas que son dignas de considerar al hacer una producción cinematográfica, entre ellas destacan una reducción en los costos de producción y la utilización de un equipo más ligero. Los efectos especiales en el cine es el medio por el cual se puede lograr obtener ciertas escenas que por medios normales no se pueda recrear o esto resulte peligroso o muy costoso. La mayoría de los efectos especiales se realizan postproducción, existen varios tipos de ellos de los cuales podemos destacar: Efectos digitales: Estos consisten en la manipulación de las imágenes por medio de una computadora, dentro de esta categoría podemos mencionar el uso de una pantalla azul en una toma, la cual luego por medio de una computadora es modificada para cambiar el fondo en la escena. También podemos mencionar la creación de personajes por medio de computadora. Efectos mecánicos: Los efectos mecánicos tienen que ver con la creación física del decorado y se utilizan en tiempo de filmación por ejemplo la lluvia. Efectos de sonido: Contrario a lo que hacer las personas ordinarias al realizar una grabación, en el cine el video y el sonido son grabados por separado y luego son juntados, a este es necesario agregar sonidos pregrabados para conseguir ciertos efectos en una escena. Podemos mencionar la película “EVA” (2011) en la cual se utilizó un formato de 35mm para ejemplificar de manera más efectiva los efectos especiales y responder así a la interrogante de cuando se da un uso y cuando el abuso. Para esto hay que tener muy claro el concepto ya mencionado de los efectos especiales que contrario a la creencia popular no se dan solo en las típicas películas de acción creadas en los estudios de Hollywood . En esta película podemos destacar efectos tan sutiles como el clima en el que se desenvuelve la película que es de invierno el cual es creado de manera artificial con una maquinaria especial, el cual el público podría pensar que las escenas fueron grabadas en un lugar con esas condiciones climáticas. Las pistas de sonido forman parte fundamental en una película, esto se refleja al comparar una película vista en el cine que una vista en el televisor, ahora siendo el sonido algo tan importante para una película es normal que se le de cuidado especial al incorporarla al filme.
Retomando un poco la película “EVA” se puede observar que se le dio mucha importancia a la pista de sonido, se puede poner de ejemplo la escena en la que Eva se da cuenta de que no es humana y corre a la montaña, la incorporación del sonido cuando se pisa sobre la nieve. Son este tipo de detalles los que logran que el público se involucre más con la película. Es importante también mencionar el gran efecto que brinda el sonido en películas como “El Colombian Dream” (2006) en la cual se liga directamente con la película, por ejemplo en esta se incorporan canciones de grupos colombianos como mensajes a la audiencia. Un plano es el espacio de filmación que se toma en relación con la figura humano, algunos planos son: el plano general, plano general medio, plano medio, primer plano medio. El plano general es cuando además del personaje principal también se enfoca sus alrededores, por ejemplo en la escena de la película “EVA” en la que Eva lleva a Alex a la montaña a enseñarle donde viven sus padres, se pueden observar ambos de lejos subidos en la montaña. También se puede ver en la escena de la película Okuribitu (2008) en la que el protagonista toca una canción navideña para su jefe. En el plano medio se muestra al personaje de la cintura hacia arriba, este tipo de toma es bastante común, la podemos ver por ejemplo en la película Una separación (2011) en la escena en la que se da la discusión cuando llegó Nader a la casa y encontró a su padre en el suelo amarrado en la cama. El plano general medio muestra al personaje de los pies a la cabeza, por ejemplo en la película EVA cuando Alex ve a Eva por primera vez, esa escena muestra una toma de plano general medio de Eva. El primer plano medio muestra al personaje arriba de los hombros por ejemplo la escena en Okuribitu en la que el protagonista va a unos baños públicos y se encuentra con un señor que también los está utilizando
Bibliografía:
Formatos de cine, Recuperado el 7 de setiembre del 2012 desde http://blog.abelcine.com/2010/08/18/35mm-digital-sensor-comparison-chart Efectos especiales, Recuperado el 9 de setiembre del 2012 desde http://www.claqueta.es/articulos/efectos-especiales-en-el-cine.html Movimiento de cámara y Técnicas cinematográficas, Recuperado el 10 de setiembre del 2012 desde http://www.slideshare.net/rmad/planos-y-mov-camara
primera parte. Tipos de formato en el Colombian dream Concepto de 35mm vs 16mm vs electrónico. El formato es un concepto que viene determinado por el ancho de las imágenes tomadas, la relación entre el ancho y el alto y el numero de perforaciones de la película, ya que esta compuesta por una seria de imágenes consecutivas que son mostradas a una frecuencia determinada y que por la persistencia retiniana se crea un efecto de secuencia un ejemplo de esto es en la película de quien quiere millonario en la escena donde Jamal y su hermano se encuentran al dios rama después de haber perdido a su madre, en esta escena se encuentra un recurso técnico que elimina el efecto de secuencia en este caso no hay disminución en la frecuencia con la que se presentan las imágenes ya que la frecuencia no cambia. Existen diferentes formatos según la capacidad de profundidad de la imagen están los de 16mm, 35mm, 8mm, electrónicos y alta definición. El de 35 milimetros ha sido muy usado en los años 90 y ahora es considerado un formato de producción por lo que no necesita reservar una banda óptica de sonido. El formato de 16 milimetros es muy usado en cine para tomas panorámicas como podemos ver en la película El Colombian Dream en la escena donde la voz en off (narrador) presenta el bar llamado de la misma forma de la película, durante esta escena vemos una vista panorámica de las personas y escenografía y el campo de visión es reducido, también el costo fue menor que la mayoría de películas de 35 milimetros por lo que se sobre entiende que fue grabada en 16 milimetros, durante esta escena se utiliza un recurso técnico conocido como ojo de buey, el cual muestra la escena en forma oblicua sin embargo este recurso no altera su formato, incluso cuando se pasa del ambiente del colombian dream al techo donde están los personajes principales con las pepas se sigue viendo de forma panorámica, con este formato se permite disminuir la cantidad de luz en alguna escena especifica. Es necesario entender que aunque la escena cambie las tomas o utilice recursos técnicos no se esta cambiando el formato del mismo. Por otra parte el formato electrónico aunque actualmente llamado Digital consiste en convertir esa secuencia de imágenes (película) en unos y ceros (digitalización) esto ayuda a que las películas duren mucho mas tiempo sin dañarse que a diferencia de los otros formatos se dañaban dependiendo del uso o frecuencia con la que se veían.
segunda parte.Cine Norteamericano comercial vs cine arte Después de haber definido la forma en la que están compuestas las películas y sus diferentes formatos podemos pasar a entender lo que se define como Cine Norteamericano que son aquellas escenas donde usa ciertas marcas o comidas para hacer propaganda en ocasiones el espectador logra notarlo pero a veces es sutil un ejemplo de esto es en la película quien quiere ser millonario en la escena donde maman se encuentra a jamal y a su hermano, al principio se muestra un día caluroso y maman se les acerca con una bebida carbonatada de vidrio con una etiqueta roja, aunque no se muestra la marca de la bebida se sobre entiende de que marca se esta comercializando la escena, ya que puedo haber usado una comida o bebida que no hiciera alusión a alguna marca en especifico, sin embargo esta película es una combinación de los ambos cines, porque el cine arte trata de mostrar una realidad basada en la historia y no usar marcas ni escenas propiamente comerciales un ejemplo de esto es en la escena donde Jamal y su hermano pierden a su madre en una batalla entre hindúes y musulmanes, también es mostrada la pobreza de ciertas partes de la india, en otra escena se observa a maman sacando provecho de los niños porque los manda a pedir plata y si cantan bien los deja ciegos para que obtengan mas plata. Todas estas escenas son un claro reflejo de cine arte donde no se usa ningún recurso comercial Efectos especiales. Uso y abuso (concepto general) Los efectos especiales pueden ser auditivos o visuales y consisten en una extensión de la escena combinado con elementos reales como personas o escenografía, existen dos tipos el sobresaliente que son los efectos especiales delicados y el burdo en el que no se tiene contenido de fondo sino que solo se busca llamar la atención del espectador. Un ejemplo de esto es en la película de eva donde el actor principal le enseña a la niña el procesador del robot el cual es el cerebro donde cada elemento conforma el carácter, se presenta un uso no exagerado de los efectos especiales ya que no hay sonidos demasiado altos e innecesarios ni mucho menos la aparición de naves voladoras gigantescas, sino que se da una estrecha relación entre lo real que es el personaje y este efecto especial en forma de holograma es usado de forma sutil cuidando los detalles y no exagerando nada. Otro ejemplo de efecto especial sutil es usado en la parte interna de los carros de la película de eva, el cual hace el contraste entre los autos de forma antigua (vistos desde afuera) pero con elementos digitales, sofisticados y elevados (vistos desde adentro del carro) Pista de sonido cinematográfica En el cine primero se graban las imágenes y después el sonido y en la edición se hace calzar, en la pista de sonido cinematográfica se incluyen los efectos especiales sonoros ya que es aquí donde se modifican los sonidos altos y bajos, normalmente lleva una estrecha relación con las escenas y logra producir que el espectador se enfoque en ciertos detalles de la escena, los primero cines no usaban sonido, pero en la actualidad es uno de los recursos mas usados de forma obvia o sutil, se puede usar canciones o solo sonidos de ambiente un ejemplo de esto es el la película el colombian dream donde el narrador presenta el bar con el mismo nombre de la película, en esta escena notamos que se usa una música alegre y fuertemente relacionado con la
tercera parte.escena rápida del momento, también se puede notar una vos de fondo o también llamada vos en off que se escucha mucho mas fuerte que la música alegre y en este caso no existe uso de elementos como el viento o parecidos.
Una Separación: las características para crear un buen filme. El guión cinematográfico es la parte de la producción que permite al director, a los actores y al staff la interpretación del texto, de tal manera que al aparecer en la pantalla, esta interpretación aparezca lo más lúcida posible. El guión posee elementos tales como: las acciones, los lugares donde suceden, la descripción de las acciones y el diálogo de cada uno de los personajes, pausas e introducciones a cada diálogo. El guión y el escritor en el cine son clave del éxito del producto final, o sea el filme; que este sea de calidad, que logre transmitir el mensaje que se tiene propuesto y que sea capaz de crear sensaciones o sentimientos en los receptores. Una escena en la cual se muestra el trabajo de calidad de un guionista es en la parte final de la película “Una separación” en donde Nuri espera en un pasillo de pie, frente a su esposo sentado, sólo separados por un vidrio, la decisión de Termeh de con quién quedarse, después de que la pareja haya traído su divorcio realidad. Siendo una película más que rompe con el paradigma del happy end –donde la película siempre termina con una prosperidad encontrada de los personajes y transmitiendo una felicidad emocional al público–, la última escena de Una Separación, fue escrita para que el final de la película y que la emoción transmitida fueran distintos. Ya que esta genera duda, expectativa, sospecha y sobre todo las ganas de parte del espectador en saber el veredicto final de Termeh, quien tiene la última palabra, es el último personaje que interfiere. Sin embargo todo queda a la expectativa y este veredicto final, pasa a manos del público, quien puede ser el encargado de imaginar un supuesto final para la película, sumido en las ganas de encontrar respuesta a la pregunta de si Termeh se quedaría con su madre o su padre. A diferencia de la escena final en “Slumdog Millionaire”, donde a pesar de que durante toda la película se cuentan historias dramáticas, al final a dos de los personajes les sucede el final de la película como a ellos les hubiera gustado que pasara, el personaje principal se queda con el amor de su vida.
Este último “happy end”, característica del cine norteamericano. El cine norteamericano consta de producciones en donde la mayoría de los objetivos que tiene el filme, es una ganancia taquillera grande, que sea una película que tenga éxito en masa, que las personas hablen de ella y paguen sus tiquetes en los cines. Esto se da porque, en las casas norteamericanas de producciones cinematográficas, el concepto de éxito es la ganancia que tengan del público, por lo tanto entre más taquillera sea una película, se supone que fue porque es una buena producción. Pero no sólo se trata de la trama, género o estilo del filme, sino también de que en este cine influyen mucho los actores y actrices, los cuales en su mayoría son personas con atractivo físico o con carisma popular. Además el cine norteamericano tiende mucho a vender y promocionar marcas, así si un sector el público tiene cierta preferencia por una marca de autos o comidas, es muy seguro que vaya a observar una película de estas. También sus tramas tienden a ser fáciles de entender para el público, ejemplo de ello son las comedias o historias sobre los súper héroes. A diferencia del cine arte en donde sus objetivos son muy distintos, sus compañías productoras son distintas, algunas poseen menos recursos y otras si tienen suficiente presupuesto tanto económico como material para poder realizar cine que suele ser de mayor calidad que el norteamericano. Los actores y actrices que participan en estos filmes poseen mayor habilidad y talento, no son el tipo de estrellas de cine o TV que la gente compra por su sonrisa, ojos o atractivo. Los hechos que se manejan que el cine arte requieren de más atención, pues este cine posee más libertad de contenido, rompe muchas reglas de cine habituales. Esto hace que reciban el nombre de arte, pues el arte permite romper con paradigmas, reglas y con las mismas formas de representar y decir las cosas. Una separación es un buen ejemplo del cine arte, posee las características mencionadas y sumerge al público a lo diferente y sensacional. Para un buen filme, lo que los receptores ven, también es importante, porque puede generar sentimientos o conexión. Las tomas y planos, requieren de un buen esfuerzo por parte del actor o la actriz y de todo el equipo en cámaras. Puesto que una escena puede hacer la diferencia dentro de una película. Realizar la toma perfecta consiste en captar una imagen durante un tiempo determinado a conveniencia por parte del director y staff, en la cual los personajes tienen que hacer alguna intervención, o se va a mostrar algún paisaje, o lo que sea que el director necesite dentro de una toma. Para lograr crear una toma realista, que interactúe con el observador, que resalte los momentos claves de una película y también los mejores puntos de expresión y actuación de los artistas participantes, se llevan a cabo los planos. Los planos es cómo el espectador mira lo que sucede en el filme a través de la pantalla, consta del movimiento de las cámaras, presenta los acontecimientos y el entorno. Resalta puntos clave de una toma y disimula los no tanto. En la escena final de Una Separación se observa una toma desde un plano fijo. La pareja recién divorciada, acomodados de frente en un pasillo. La toma permite ver todo lo que pasa a su alrededor, como ellos se hacen los indiferentes, personas que caminan, abriendo puertas… Además se deja escuchar el ambiente, las personas hablando y el choque de las mismas puertas cuando se abren y cierran. Todo esto desde un mismo plano, pues la cámara esta de frente a estas situaciones con Nuri y Sahin de perfil y de allí pareciera no moverse porque la toma es la misma hasta la aparición de los créditos.
Un aspecto importante para la elaboración de un filme de calidad es la edición cinematográfica. La edición ordena las tomas y planos en busca de acomodarlas de la mejor manera para que la narración y la representación del tema de la película sea entendible y con sentido. Se remueven, cortan o ajustan escenas. Es el último paso en el cine, el responsable del producto final. Si se ordenan los planos de manera incorrecta, es posible que el mensaje que se quería dar o rescatar no sea visible o como resultado sea algo totalmente mente inesperado o contrario a lo que se quería dar. La edición cinematográfica consta de varias partes en la cuales se trabajan aspectos tales como sonido, decoración, iluminación ente otros. En Una Separación (2011), algo muy notorio es que no se hizo uso de pistas de sonido por ejemplo, pero el resto de la edición fue sencillamente genial, porque permite a quien ve la película ir más allá de la pantalla, su historia permitía que muchos la vieran como si fuera de la vida real, lo cual quiere decir que el filme impresionó y logró sus objetivos a la hora de captar el público. Bibliografía: Taller de Escritores (sin fecha).Recuperado el 02 de setiembre del 2012, de http://www.tallerdeescritores.com/el-formato-del-guion-literario.php Salanova S Enrique. El guión y sus tipos (sin fecha). Recuperado el 02 de setiembre del 2012, de http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/guionquees.htm
cuarta parte.Referencia bibliográfica Fernández, M. Teoria del cine. Lecciones al Portal. Consultado en : http://jornalismocontemporaneo.files.wordpress.com/2011/02/2008-teorias-do-cinema.pdf Putnam, D. Siete recetas para salvar el cine. Consultado en: http://www.mgar.net/cine/var/industri.htm Enciclopedia Microsoft ® Encarta. Consultado en : http://cine.astalaweb.net/Documentos/El%20cine%20estadounidense.asp
García, R Virginia. La documentación del guión cinematográfico, (sin fecha).Recuperado el 02 de setiembre del 2012, desde http://www.ucm.es/info/multidoc/multidoc/revista/cuad6-7/anexo/guion/guion.htm Sánchez, S Enrique. Tipos de plano. Los movimientos en el cine, (sin fecha). Recuperado el 11 de setiembre del 2012 desde http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/tiposdeplano.htm El periódico más breve (2010) Recuperado el 11 de setiembre del 2012, desde http://elperiodicomasbreve.blogspot.com/2011/06/las-diferencias-entre-toma-escena-y.html Salanova, S Enrique El Glosario de cine, (sin fecha) Recuperado el 12 de setiembre del 2012, desde http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/glosariocine.htm Espacio Cine (11 de Octubre del 2006) Recuperado el 11 de setiembre del 2012 desde http://ecine.blogcindario.com/2006/11/00010-la-edicion.html
quinta parte. continuacionde referencia bibliografica.
Hiche, B. cine arte. Consultado en: http://casanovacinco.tripod.com/debate/CINE_ARTE.pdf Montero, M. Persistencia retiniana y nacimiento del cine. Consultado en: http://www.oftalmo.com/studium/studium2010/stud10-2/10b-11.htm Bermúdez, N. El cine y el video: recursos didácticos para el estudio y enseñanza de la historia.Revista de Teoría y Didáctica de las Ciencias Sociales. Consultado en: http://www.saber.ula.ve/bitstream/123456789/26457/1/articulo5.pdf
Géneros cinematográficos: Documental, testimonial, realista. Muchas veces el concepto de género cinematográfico se toma como una prolongación a los géneros literarios, ya que se dice estos fueron o son sus antecesores. Pero sin embargo existen unas series de diferencias muy notables, entre lo que es un género literario y un género cinematográfico. Los géneros cinematográficos empezaron a proliferar en los años 70 y se ha logrado apartar del estudio de los géneros literarios, en consecuencia ha logrado crear sus propios postulados y sus propios objetivos de estudio, abriéndose paso entre los estudiosos y críticos del cine. El termino género cinematográfico, no es un genero descriptivo, sino más bien un conjunto de de conceptos con múltiples significados que en cierta forma se complementan entre sí. Estos conceptos de género los podemos identificar como, un esquema básico, que precede, programa y configura la producción industrial cinematográfica, como una estructura sobre lo que se construyen las películas y como una etiqueta de una categoría fundamental para los comunicados y decisiones de los distribuidores de las películas. Gracias a esto los géneros se pueden definir como patrones, formas y estilos que trascienden las películas y su estructura y verifican su construcción por parte del productor y su lectura por parte del espectador. Género documental: Según los teóricos de los medios audiovisuales, el documental es aquel que se aleja de la ficción y por su parte refleja acontecimientos reales. Eso no es del todo cierto, ya que, si bien es cierto el documental refleja hechos reales, desde la mirada del creador (el cineasta) este modela un relato, los guiones de un documental sobre el estilo de vida de una persona, un animal, o la creación de un objeto entre otros, van a dramatizar los hechos que rodena a este y es muy posible que los encargados de la producción, por ejemplo los camarógrafos, hayan tomado una serie de situaciones de las cuales solo incluirán en la película aquellas que dramaticen lo que diga el dialogo y incluso puede suceder que para ciertas escenas incluyan actores (sin darle una protagonización a ninguno) El género documental muchas veces se de cómo una forma de presentar temas de aprendizaje e informativos, otra veces se usa como denuncia de las situaciones sociales y políticas entre otros. Un ejemplo de esto es el documental “Ciudad de Dios” (2002) donde hace una crítica y una denuncia a las situaciones de drogadicción, narcotráfico y delincuencia vividas en Brasil, en las favelas. Genero testimonial: El cine testimonial es aquel cine en donde el protagonista es el que cuenta su propia historia y expresa lo que siente, es un cine donde a pesar de la buena intención que tiene el narrador, tiene que ser convincente en su discurso y por otra parte el público tiene que tiene que relacionarse de cierta manera con este discurso para poder disfrutarlo, ese es el ejemplo de la película: quien quiere ser millonario, donde Jamal cuenta su propia historia de cómo llego hasta el final del concurso y cómo fue que a lo largo de su vida, fue aprendiendo las repuestas que lo llevaron hasta el final. Genero realista: En el género de cine realista lo que se busca expresar son aquellos temas y que suceden en el mudo real, por ejemplo las condiciones en las que viven las sociedades, lo que esta pasando con la economía en cierto tiempo determinado o las circunstancias políticas que está sufriendo, cierto país o el mundo. Este tipo de género se ve inspirado por las noticias y por los sucesos de la realidad cotidiana. Un ejemplo de esta película es wáter (2005) donde se muestra la situación en la que viven las mujeres en la india y lo que se les impone por su religión.
Guion cinematográfico y concepto de happy ending: El guion es un relato escrito de los acontecimientos que van suceder en la película, en este se desarrolla por completo un argumento y diálogos donde es indispensable tener en cuenta que hay que filmarlos, grabarlos y montarlos. En este se debe incluir el dialogo de los personajes, las escenas del montaje con sus respectivas secuencias y una descripción de lo que va a suceder en cada escena junto con lo que deben realizar los actores, en donde lo deben realizar y a la hora en la se deben realizar. Hay ciertas etapas en la construcción de un guion en las que el guionista se puede apoyar para tener un libreto mejor estructurado y de una mejor calidad, entre los que podemos citar una sinopsis, es un pequeño resumen del relato donde el guionista se puede dar una idea de cómo va a construir la historia, también podemos mencionar la redacción o tratamiento, es una redacción de la película en la cual el guionista construye la historia y que es lo que esta le va dar, después viene lo que es el guion literario y aparecen los diálogos que va a decir cada personaje y en la secuencia que lo va decir, y por último, el guion técnico, donde en este aparecen los acontecimiento de forma minuciosa, la hora en la que ocurren y la utilería y los lugares paisajes que van incluidos en esa escena. Un buen ejemplo de un guion bien construido es el que vemos en la película okirubito (2008), donde se presenta un dialogo llamativo y además, se presenta a los personaje haciendo otras acciones o ejecutando otras cosas complementarias mientras estos dicen sus líneas. Podemos mencionar el concepto de happy ending, aquel final feliz que se presentan en las películas (comerciales principalmente) en donde los protagonistas después de enfrentar todas las situaciones difíciles y retos que se le pusieron en el camino, logran tener un final feliz y vivieron felices por siempre, un ejemplo de el happy ending es la película Quien Quiere ser millonario, donde el protagonista después de superar todos los problemas y contratiempos, logra tener un final donde consigue el dinero y se queda con la mujer que el ama y lograron vivir felices por siempre.
Guion cinematográfico y concepto de happy ending: El guion es un relato escrito de los acontecimientos que van suceder en la película, en este se desarrolla por completo un argumento y diálogos donde es indispensable tener en cuenta que hay que filmarlos, grabarlos y montarlos. En este se debe incluir el dialogo de los personajes, las escenas del montaje con sus respectivas secuencias y una descripción de lo que va a suceder en cada escena junto con lo que deben realizar los actores, en donde lo deben realizar y a la hora en la se deben realizar. Hay ciertas etapas en la construcción de un guion en las que el guionista se puede apoyar para tener un libreto mejor estructurado y de una mejor calidad, entre los que podemos citar una sinopsis, es un pequeño resumen del relato donde el guionista se puede dar una idea de cómo va a construir la historia, también podemos mencionar la redacción o tratamiento, es una redacción de la película en la cual el guionista construye la historia y que es lo que esta le va dar, después viene lo que es el guion literario y aparecen los diálogos que va a decir cada personaje y en la secuencia que lo va decir, y por último, el guion técnico, donde en este aparecen los acontecimiento de forma minuciosa, la hora en la que ocurren y la utilería y los lugares paisajes que van incluidos en esa escena. Un buen ejemplo de un guion bien construido es el que vemos en la película okirubito (2008), donde se presenta un dialogo llamativo y además, se presenta a los personaje haciendo otras acciones o ejecutando otras cosas complementarias mientras estos dicen sus líneas. Podemos mencionar el concepto de happy ending, aquel final feliz que se presentan en las películas (comerciales principalmente) en donde los protagonistas después de enfrentar todas las situaciones difíciles y retos que se le pusieron en el camino, logran tener un final feliz y vivieron felices por siempre, un ejemplo de el happy ending es la película Quien Quiere ser millonario, donde el protagonista después de superar todos los problemas y contratiempos, logra tener un final donde consigue el dinero y se queda con la mujer que el ama y lograron vivir felices por siempre.
parte 4 Los efectos especiales: Los efectos especiales son efectos, ópticos, sonoros y digitales, que permiten crear ilusiones y percepciones al público para poder captar la atención de este y dar apariencia de lugares y situaciones que en realidad no están ahí, un excelente ejemplo es filmar una escena que muestre un hombre caminado por la luna y avanzando a los pasoso de la gravedad de esta. Esto se logra mediante efectos especiales, ya que en realidad no se está grabando la película en la luna, si no en un set donde se ambienta para que este parezca el espacio y la luna donde se utilizan imágenes y sonidos para ambientarlo y muy posiblemente el actor este sostenido de un cable que a la hora de caminar lo suspenda un poco en el aire para dar el efecto de que esta en una atracción de gravedad muy baja, a esto es lo que se le llama como efectos especiales. Hay diferentes técnicas y tipos de efectos especiales, entre ellos se encuentra los ópticos, que consisten en manipulación de imágenes, los mecánicos, estos se realizan durante un rodaje, los de sonido que se realizan en estudios de post producción, los de maquillaje, estos se usan mayoritariamente para crea personajes ficticios con apariencias no humanas como por ejemplo el hombre lobo, y los efectos digitales. En la película “El Colombian Drems”, se puede apreciar un buen efecto especial hecho con cámaras que es cuando hacen parecer al niño que narra la historia, lo hace desde el vientre de su madre. También en la película “Eva”, donde la madre de Eva cae al precipicio, este se ve realmente como si callera desde un precipicio.
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Critica cinematográfica (conceptos básicos del cine aplicados a diferentes películas)
Parte 1 • Guión cinematográfico: El concepto guión cinematográfico según Syd Field (una de la mas grandes autoridades en el ámbito de la escritura de guiones) es una historia contada en imágenes, a través del dialogo y la descripción, y en el contexto de una estructura dramática. Tal como Field lo plantea el guión cinematográfico es una historia creada desde la imaginación de cualquiera, este narra la historia de uno o mas personajes principales; a los cuales les ocurren diferentes situaciones, estas pueden transcurrir dentro de un mismo lugar o este puede ir cambiando según sea necesario. Todo guión tiene un objetivo ya se el de transmitir un mensaje claro u oculto en la película, o simplemente mostrase una historia para entretener y enseñar. El guión se basa en el sistema del dialogo, ya que esta es la manera mas común la que podemos comunicarnos de manera mas eficaz( cabe recalcar que no es la única manera las películas pueden ser mudas donde los diferentes gestos, movimientos o expresiones con el cuerpo toman el lugar que le corresponde a las palabras en el dialogo). El guión también consta de la descripción esta es la parte en donde se le cuenta la espectador que es lo esta viendo se describe el lugar o la situación a la cual es sometido el personaje o personajes, esta es de vital importancia ya que permite una mayor compresión de los hechos y permite desarrollar con mayor facilidad la historia. El guión esta constituido por diferentes escenas en las cuales se van formando diferentes planos y en las cuales no solo se trata de enfatizar una parte sino que también busca dar continuidad a la película. Para ejemplificar los conceptos se tomaran en cuenta: la película Slumdog Millionare (2008)esta se basa en la historia de Jamal un joven hindú el cual busca recuperar el amor de su vida y ganar al mismo tiempo el concurso de quien quiere ser millonario; además también la película Ciudad de Dios (2002) la cuál se sitúa en Brasil y narra la vida en la favelas así como la historia de Budapest y sus encuentros con el narcotráfico y guerra entre pandillas y para finalizar Okuribito (2008) la cual narra la historia de Daiko quien al perder su trabajo en la sinfónica decide volver a su tierra natal y reencontrarse con su pasada así como encontrar una profesión que le enseñara sobre la belleza e importancia de la vida y la muerte. Esto se puede ver en la película Slumdog Millionare (2008) ya que esta sigue un orden de tres partes así como el ordenamiento de diálogos, descripción de situaciones, etcétera ; no es muy diferente de la mayoría de la películas en este sentido, otro buen ejemplo de la utilización de un buen guión cinematográfico pero esta vez variando un poco el estilo que se utiliza es el que se uso en Ciudad de Dios (2002) se puede tomar como ejemplo la primera escena de la playa en la que se conoce el grupo de amigos del narrador ya que en esta se puede ver como un guión nos muestra las interacciones entre los personajes así como las partes en las que Buscape (el narrador) interactúa narrador y personaje, todo esto hace parte el guión y esto nos facilita sobre todo en esta escena a entender con mayor facilidad que esta sucediendo sobre todo en la mente de Buscape, esto hace que la película tome un curso natural de sucesos esta escena muestra la importancia del guión porque se muestra tanto la interacción entre los personajes como la participación del narrador entonces se aprecia como se desenvuelve un guión en su totalidad, las diferencias entre Ciudad de Dios (2002) y Slumdog Millionare (2008) con este es la utilización de un narrador en primera persona es decir alguien narra los hechos y esto lo mezclan con los diálogos; además de mantenerse alrededor de un mismo lugar el cual se va describiendo y desarrollando durante toda la película.
La mayoría de los guiones buscan una conclusión o final del llamado “happy ending”, esto porque es el final que las persona en su mayoría buscan recibir luego de ver pasar por tantas situaciones difíciles al personaje principal. En el ámbito general del cine se mantiene la premisa de que siempre va a ser mejor un final feliz a uno triste además que siempre va a ser mejor una mala historia con un buen final, que lo contrario. Para ejemplificar el guión y el happy ending se puede tomar como referencia la película Slumdog Millionare (2008), la escena final de la película contiene perfectamente el happy ending ya que el personaje principal Jamal logra ganar el concurso además de conseguir reunirse, esta para siempre, con su “amor” de toda la vida Latika este es un ejemplo perfecto de los finales de “happy ending”, los cuales son los mas buscados en las películas en especia en el tipo de cine burgués-capitalista de Estados Unidos. El happy ending busca dar un final alegre a todas las situaciones difíciles tristes por las que pudo a ver pasado el o los personajes. De nuevo en la película Slumdog Millionare (2008) Jamal atraviesa por diferente situaciones durante toda la película por lo que se considera como un buen final el hecho de que sea recompensado por todo su sufrimiento. Las películas también cuentan con diferente recursos para atraer y entretener de mejor manera a la audiencia esto con el objetivo de contar una historia de la mejor manera y de la forma mas eficiente, entre ellos están los efecto espaciales y los efectos de sonido. Los efectos especiales son aquellos elementos que se utilizan en el cine para generar situaciones, personajes, hechos o realidades diferentes a la verdadera.
• Efectos especiales Los efectos especiales tienen sus inicios desde los inicios del cine mudo, estos se han desarrollado en gran parte por el interés humano hacia nuevas fronteras o diferentes realidades, así como el interés por criaturas o espectros que son inventos de nuestra imaginación pero nos producen intriga y nos incitan a buscarlos y tratar de conocerlos. Los efectos especiales han tenido cierto grado de abuso conforme el tiempo ha transcurrido, películas que se ha centrado solamente en estos elementos han hecho historia en el cine pero también han puesto en sobrevaloración a estos efectos. Los efectos especiales que la mayoría se limitan a conocer son las grandes explosiones, las animaciones de alienígenas, grandes robots, entre otros; son efectos pocos sutiles los cuales solo tiene el propósito de ser vistos y sorprender mas no juegan un papel importante a la hora de desarrollar en si la película, esto por supuesto tiene sus excepciones ya que todo es relativos a la historia y al guión. El uso de los efectos especiales es el de ayudar a la ambientación de una escena, parte o toda la película. Los efectos especiales pueden presentarse de diferentes maneras ya sea de una manera sutil con cortadas o algo por este estilo, o llegar a tener mas complejidad los cuales van desde creación de mundos hasta animación digital. Si tomamos como ejemplo a Eva (2011), específicamente la escena en la cual el gato robot pelea contra el robot sirviente nos podemos dar cuenta de como un efectos de animación se puede usar con tal sutileza que no solamente no cansa y no se usa solo para entretener, si no que además este presenta un papel en la historia que se esta contando y además también toma un rol en la historia y permite que esta se lleve a cabo con mayor fluidez. Podemos tomar como ejemplo (en Eva (2011)) la escena de las pruebas paral a creación del niño robot, esta es un gran ejemplo de los efectos especiales ya que por medio de la animación digital se ven como las partes del “cerebro” de este niño futuro además de que los efectos especiales también juegan un papel importante a la hora del manejo del niño robot, se debe recalcar la labor del actor en muchos de estos casos ya que no siempre el esta consciente de a quien le esta dirigiendo la palabra; es decir no siempre el acto esta en el mismo plano que los efectos.
• Pista de sonido Estos efectos no son los únicos que se pueden encontrar, cabe retomar como ya mencionamos anteriormente otros efectos estos son los del sonido, ya que estos son el equivalente auditivos de los efectos especiales. Los efectos de sonido tienen como principal labor la de ambientar una escena, tanto con el dialogo que se esta dando como con sonidos pregrabados reales o música y diferentes ruidos. En estos efectos se encuentra la pista de sonido de la película, la cual es la que no solo se encarga de llevar toda esta gama de sonidos, sino que además busca una conexión adecuada entre la imagen y lo que suena. La pista de sonido tiene diferentes etapas antes de poder ser llevada a la imagen, algunos de estos son la grabación, masterización , edición, etc. Las pistas de sonido pueden ser grabadas en diferentes formatos dependiendo de lo que se requiera; así como los sistemas que se utilizan para su grabación y presentación. Las pistas de sonido son de gran importancia en las películas ya que sin ellas es probable que lo que se busca transmitir no se logre de manera completa ( a menos que este sea el objetivo desde el inicio del creador), podemos tomar como referencia Okuribito (2008), si detallamos la película nos daremos cuenta de la importancia de la música en esta película; se puede tomar la escena cuando Daigo toca de nuevo el violonchelo que tenia de niño la pista de sonido que se presenta ayuda a mostrar parte de lo que siente el personaje en este momento estas pistas de sonido buscan que profundicemos en lo que esta sintiendo en ese momento el personaje, las pistas buscan enseñarnos mas sobre el personaje así como mostrar o ambientar la escena en la que transcurre esto, la pista que se escucha en esta escena muestra su relación con su familia; esto se sabe por la relación música-imagen que se va viendo. También podemos ver en la escena del funeral de la señora de los baño la pista es de tipo fúnebre con sonidos de llanto por parte de los familiares, pero de la misma manera se usa para expresar parte de lo que no se dice, además la pista conforme avanza comienza a tornarse en una pista mas alegre, esto conforme Daiko prepara el cadáver de la señora, esto con la intención de mostrar el mensaje de esta escena; la pista se relaciona con la imagen e interactúan entre ellas buscando ampliar el conocimiento parcial que se tiene sobre lo que esta sucediendo.
• Diferencias cine arte y cine nortemaricano Se menciono la definición de guión, se hablo sobre los efectos especiales así como de la pista de sonido y como se muestran en diferentes películas, todos estos son elementos que componen al cine mundial, entonces porque se da una mayor importancia al cine norteamericano sobre el resto o sobre el cine arte. El cine norteamericano desde sus inicios se ha basado bajo la ideología burguesa de la maximización de las ventas por esta razón es que las películas norteamericanas se enfocan hacia temas que se han de agrado permanente par alas personas es decir, buscan temas que nunca dejen de vender como es el caso de una película de terror o de aventura o una comedia, lo especial sobre estas películas es la relación constante con el happy ending y así con un desarrollo tecnológico.
El cine arte por otro lado se ha enfocado no solo a la venta sino al progreso y este busca conforme el tiempo innovar y mostrar nuevas tendencias cinematográficas; el cine arte se enfoca en mostrar una historia, al igual que el norteamericano, pero de tal manera que esta adentra al espectador al mundo que es narrado en ella. La toma de planos, la edición y la pista de sonido en el cine arte se hacen con extrema delicadeza ya que cada parte es esencial para mantener el enfoque que la película requiere; a diferencia de las películas norteamericanas donde no son de gran importancia ya que el objetivo primordial es vender por lo que si se denota muchas de estas como pistas de sonido llevan canciones “populares” o diálogos simples. Podemos también observar las diferencias entre los efectos especiales que se usan en una película arte y una norteamericana, la norteamericana se enfoca a las explosiones y al exceso de efectos para llamar la atención de la audiencia por le contrario del cine arte el cual utiliza de manera sutil y moderada estos efectos para no llenar la película solo con estos, sino que permita que la historia gire entorno a los personajes y sus historias. Estas diferencias también llegan al guión el cual en el cine arte es escrito de tal manera que entretenga pero de una manera distinta ya que en el cine arte el objetivo es el de introducir al espectador en la película, es decir hacerlo sentir parte de la historia para atraparlo con la trama y de esta manera mostrar la historia en toda su amplitud; esto no esta presente en el cine norteamericano el cual normalmente mantiene una historia sencilla y básica que tiene como objetivo principal el de únicamente entretener pero no impulsa alguna otra reacción con la película, simplemente el guión es hecho para vender y los demás objetivos que se podrían buscar explotar pasan a un tercer plano esto porque estos “objetivos” no podrían ser explotados de la misma manera. Estas diferencias se pueden apreciar aun mas en películas como Ciudad de Dios (2002), por ejemplo la escena de la ultima batalla entre Zanahoria, Manuel y Ze Pequeño en esta escena se ve como se busca dar un objetivo a la historia además muestra como no es de gran importancia un “happy ending”, esto se ve porque el final es mas trágico que feliz para la mayoría del os personajes porque en esta escena capturan tanto a Zanahoria como a Ze y muere Manuel, además de mostrar la realidad de la corrupción que se vive en la favelas; en esta escena las pistas de sonido que hay son de diálogos y sonidos de “guerra” entre ambos bandos y se ven los efectos esenciales de las muerte y los disparos todo esto en una gran elaboración y cuidado, para transmitir el objetivo de la película, en esta escena, así como durante toda la película se puede observar como no el objetivo principal no es el monetario si no el desarrollo y creación de una película de alto nivel y presentación.
Bibliografía
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Crítica técnica: Eva (2011) 1. Pista de sonido cinematográfica En un inicio el cine era mudo, es decir, no tenía diálogos, y en caso de que fuera necesario un diálogo para la compresión del tema, este se incluía de forma escrita. Esto se debía la ausencia de recursos para realizar una grabación de audio. Sin embargo, muchos de estás obras de cine eran acompañadas por una serie de músicos que tocaban mientras se transmitía la película. Las primeras películas que se lograron transmitir con sonido (grabado anteriormente y siendo reproducido en ese momento) fue la película “Don Juan” y “El cantante de Jazz” que utilizaron tecnología impulsada por Edison. Una pista de sonido cinematográfica se compone de todos los sonidos (ruidos, voz, silencio, música, efectos) que forman parte de una obra de cine, desde el sonido más simple que represente un movimiento, hasta el más complejo como el de una explosión o un sonido musical añadido con el fin de facilitar la comprensión de lo que está sucediendo o de capturar a el observador y envolverlo en lo que se proyecta en las imágenes. Los sonidos pueden ser grabados de forma directa, es decir, se captan todos los sonidos que estén en el ambiente en el momento de la grabación. El problema en este tipo de captura de sonido, es que en muchas ocasiones se obtienen ruidos que no deberían existir en la grabación o que no tienen relación con el objetivo de la escena. También el sonido se puede grabar separado a la captura del video, es muy usado ya que se eliminan las interferencias o sonidos no deseados y se abre la posibilidad de jugar con lo que se quiere transmitir finalmente. La tecnología actualmente permite que este mecanismo funcione de una manera óptima, ya que se pueden alargar los sonidos y manipularlos de modo tal que se vean sincronizados a la perfección con lo que se proyecta en la imagen y que de igual manera sean realistas. En la película Eva, en la escena en la que Alex y su hermano David tienen una pelea después de la fiesta de graduados, se logra apreciar auditivamente el momento en el que caen en la nieve, los golpes, los movimientos e incluso sus respiraciones, haciendo la escena mas realista, inclusive cuando la cámara se aleja y el sonido se escucha lejano. Además se omite cualquier tipo de interferencia para envolver más al espectador. Igualmente cuando Alex le muestra a Eva como se hace el cerebro del robot y como se crea la memoria del mismo. En esta escena se incluye además de las voces de los personajes, una pista musical de fondo y de efectos como el del procesador y el sonido de cuando Alex le envía el cerebro al robot que está en la silla y este empieza a funcionar. Estos sonidos funcionan todos paralelamente pero sin causar distorsiones o sonidos molestos, todo gracias al trabajo de ingenieros especializados en sonido que lo editan y lo hacen funcionar en sincronía con lo que muestran las imágenes.
2. Guion cinematográfico, “happy end”. Para la correcta realización de una producción cinematográfica, es necesaria la elaboración de un manual para poder fijar un rumbo. Para esto existen los guiones cinematográficos. Estos son documentos escritos que incluyen detalles de que se quiere lograr en las diferentes escenas. La información que incluyen los guiones es para uso de actores, productores e ingenieros, ya que incluye detalles de la ambientación que debe tener una escena, las emociones que debe contener, los diálogos y todo lo necesario para que se logre entender el mensaje por todas las partes. El concepto de “happy end” es muy conocido ya que en la mayoría de películas de Hollywood (principalmente) el guion está enfocado a esto. El happy end consiste en la típica pareja que se conoce, se enamora, se separa y termina de nuevo como pareja y felices por siempre. Un ejemplo claro del conocido happy end, aunque fuera de Hollywood, es en la película de “Quien quiere ser millonario”. La pareja se conoce después de que tienen que salir huyendo del pueblo donde vivían y Latika estaba en medio de la lluvia, por lo que Jamal decide invitarla a que se quede junto a él y a su hermano en un lugar con techo a pesar de la negación de Salim, posterior a esto, se enamoran con todo lo que les sucede y con lo que van pasando. Los 3 niños luego son recogidos de un basurero y son llevados a un lugar donde los explotan a cambio de comida y techo, y cuando Salim y Jamal huyen, dejan sin querer a Latika, y aquí es donde se da la separación. Al final, Jamal encuentra de nuevo a Latika y a su hermano (del cual se había separado anteriormente) y empieza a luchar por liberar a Latika de un hombre malvado con el que ella está casada. En su primer intento falla y se llevan a Latika a un lugar desconocido por Jamal, por lo que decide participar en el concurso de Quien quiere ser millonario, ya que Latika siempre veía el programa; Salim cuando ve el programa junto con Latika la ayuda a escapar para que ella pueda reunirse con Jamal y finalmente, después de que Jamal ganó el premio mayor en el concurso, se rencontró con su amada de la infancia. Por lo contrario, en la película Eva no se da este final feliz esperado, probablemente si se buscara tener el final feliz sería así: Alex se hubiera quedado con Eva y con Lana ya que era su proyecto inicial sobre la inteligencia artificial y su enamorada, o al menos se hubiera quedad con Eva al final de la muerte de Lana, pero opuesto a esto, después de una pelea entre Eva y Lana, Lana termina cayendo de una montaña y muere en el accidente; esto hizo que la encargada del proyecto de Eva fuera hasta Alex a decirle que era necesario descontinuar a Eva porque no cumplía con las medidas de seguridad. Esto hizo que Alex tuviera que apagar a Eva, quedando su hermano sin esposa y sin hija, y el sin su enamorada y sin el proyecto.
3. Cine comercial norteamericano, diferencia técnica con cine como séptimo arte. El cine es considerado séptimo arte (partiendo de las 6 bellas artes antiguas). Este involucra mucho trabajo para poder brindar comunicar un mensaje artístico, sin importar el margen de utilidad que haya entre las ventas de la película y los costos de producción, que debido a la calidad buscada, son elevados. En este tipo de cine se trabaja con mejores guiones, ediciones, actores y demás aspectos importantes a tomar en cuenta en la realización de una producción cinematográfica. Sin embargo, al igual que las otras artes, el cine ha caído en la búsqueda de lucro por parte de los productores. Estos realizan producciones menos elaboradas, con menor trabajo técnico y de menor calidad y esto con el fin de minimizar los gastos y lograr obtener una utilidad más elevada. Este tipo de cine enfocado más en el comercio que en la expresión artística, es justamente el cine por el que estamos siendo bombardeados, especialmente por las casas productoras de los Estados Unidos que generalmente nos ofrecen las mismas historias sin fundamentos y exageradas que no aportan nada a la sociedad, o el típico happy end, variando por muy poco el guion entre una película y otra. Ejemplificando un poco el cine comercial y el cine arte, podríamos comparar una película que ha dado a sus productores grandes cantidades de ingresos, “Twilight”, esta película es una burla al séptimo arte. Es enfocada totalmente a capturar un publico femenino adolescente e inflar las ventas, sin embargo, el guion es absurdo, los efectos especiales, la ambientación, la pista de sonido y en general, la producción, le da a su publico meta justamente lo que quieren ver, un felices por siempre. Por todo lo contrario la producción española, “Eva”, da un giro inesperado, no es la típica historia del happy end, tiene un trabajo técnico muy delicado, cada efecto y cada sonido están estratégicamente colocados, de manera casi armónica y es claramente notorio que no busca un enfoque únicamente comercial, sino más bien artístico.
4. Efectos especiales: uso y abuso. Los efectos especiales se pueden definir como la manipulación que se le da a la imagen o al sonido de una producción con el fin de darle una apariencia más realista y creíble al espectador, y con el fin de ser mas atrayente. Este trabajo es posible gracias a la tecnología y al trabajo de ingenieros especializados en imagen o en sonido. Actualmente, se podría decir que no hay producción de cine existente sin efectos especiales, ya que son utilizados para poder realizar escenas que son imposibles de lograr sin ellos o que producirlo sin los efectos, tendrían un costo muy elevado; o bien, para mejorar una escena existente para hacerla de la mejor calidad posible. En la película “Eva” se encuentran notoriamente efectos especiales como los de los robots, sus movimientos y los sonidos que producen, por ejemplo, en la escena en la que Eva llega por primera vez a la casa de Alex y se encuentra al gato creado por Alex, los sonidos robóticos que produce el gato y los movimientos que realiza; también se ve más adelante cuando le muestra la creación de la inteligencia artificial del robot y los factores del carácter del mismo, estos objetos que aparecen de color dorado suspendidos en el aire, que Alex comprime y envía a el robot sentado en una silla y la reacción del robot al recibir el cerebro artificial, incluyendo los sonidos que se producen por estos factores, son efectos claros efectos especiales.
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Los efectos especiales con muy comunes hoy en día en la industria cinematográfica, de hecho se usa un personal humano altamente calificado para tener los resultados que vemos en la actualidad. En general los efectos especiales son un conjunto de técnicas con las cuales se busca darnos una visión fantástica de la realidad, haciendo que por unos minutos podamos vivir en un mundo lleno de fantasía. Pero la mayoría pensaría al escuchar dicho concepto como algo que solo los ojos captaran, ósea un efecto meramente visual, pues lo cierto es que no es así, los efectos visuales también se presentan como la acción de sonidos fantásticos, y como fue dicho anteriormente las personas encargadas de dicho trabajo son especialistas en esa área, tanto la ciencia como los avances tecnológicos respaldan las horas para crear los efectos, con esto se busca desvanecer la frase “eso es un truco” que es dicha por los espectadores menos informados. A lo largo de los años se pueden nombrar muchas películas cuyos efectos especiales fueron pioneros y antecesores de lo que es hoy el cine, tal es el caso de “King Kong” (1993) o para algunos mas reciente el caso de “La Guerra de las Galaxias” (1977) la cual causa toda una moda entre los fans, y el publico en general. Por otro lado también podemos ver la contraparte del uso de dichos efectos, y esto es el abuso en la utilización de éstos, para muchos críticos de cine un caso de abuso se dio en la película Transformers (2007) ya que por momentos durante las escenas de lucha ni siquiera se entendía lo que estaba pasando, muy distinto los robots diseñados para la película Eva (2011).
2.Concepto de guión cinematográfico y en específico concepto de happy end
El guión cinematográfico es en esencia el relato escrito que luego se vera en imágenes durante la película. Se podría decir que es el borrador de lo que será la película, pero claro no se puede perder de vista que cada escena escrita será montada, filmada y fotografiada para ser vista como un producto final. Un dato curioso es que un buen guión no indica que al trasladarlo a la película se obtendrá algo del mismo valor, por lo tanto un buen guión no implica una buena película; pero sin un buen guión no puede haber una buena película. Entre las características del guión cinematográfico esta el hecho que éste tiene que ser directo, y con un lenguaje sencillo, por lo tampoco no es necesario la utilización de un lenguaje técnico ni literario, en este tipo de trabajos predominan las acciones de los personajes y los diálogos. Es interesante el uso de flashbacks en las películas esto nos dice que el guión no necesariamente debe de ser escrito en una secuencia lineal de tiempo, un ejemplo claro de esto se da con los recuerdos que tienen los personajes en las películas, tal es el caso de Slumdog Millionaire (2008) en el cual casi toda la secuencia se da con recuerdos del pasado.
Ahora bien un concepto muy conocido en el cine es el “Happy end”, esto se refiere al final feliz en una película, para muchos, comportamiento típico del cine comercial estadounidense. Hace falta aclarar que no todos los finales de este tipo se refieren a una mala película, tal es el caso nuevamente de Slumdog Millionaire con un happy end magnifico, pero talvez el mal uso de esta técnica se debe a que siempre hemos sido bombardeados con los finales feliz de películas tales como Superman, o cualquier otro rodaje de superhéroes en los cuales el “bueno” mata al “malo” y vive con la actriz principal, siempre buscando tener ese final que le deje un sabor dulce a la película. Claro no es necesario un buen final para una buena película, como fue dicho antes el guión de final feliz no hace una película grandiosa, talvez aquí se podría citar la película Okuribitu (2008) en la cual el padre del protagonista muere y ahí se da un termino al filme.
3.Concepto de género en cine y específico diferencias entre cine documental, testimonial y realista.
El concepto de género en cine se refiere a las categorías temáticas con las cuales se clasifica una película, un ejemplo de hecho es el cine, romántico, cómico, etc. Pero en resumen el género sirve para etiquetar los contenidos de un filme. Para clasificar el genero de una película se deben analizar los patrones del guión, la historia, y de hecho la selección de los actores y actrices, tal cual sucede en la actualidad, ya que muchos actores profesionales ya tienen bien definido en cual genero se acoplan mejor, por otro lado el publico también tiene una gran influencia en los roles que desarrollan dichos profesionales del cine. Ahora bien, tenemos 3 géneros de cine en particular, el cine documental, testimonial y realista, primeramente del cine documental podemos decir que se basa en historia, narrativas de particulares o colectivas, además éste contiene un sentido de objetividad muy algo ya que en el caso de historias colectivas se puede mantener un “filtro de verdad” con el cual se mantiene un digno y fiel archivo de importancia cultural e histórica. También se dice que este tipo de cine es meramente didáctico lo cual tiene mucho sentido ya que lo que se busca es un medio informativo de cada una de las historias que las películas de este género nos transmiten. En segundo lugar se tiene el cine testimonial, su mismo nombre lo dice, se basa en experiencias vividas por particulares, a diferencia del cine documental, el cine testimonial es mas subjetivo ya que al basarse en testimonios se depende mucho del punto de vista del locutor. Pero de igual manera es un medio informativo importante. Un punto importante de cine testimonial es que relata la vida tal y como la viven las personas, desde su propia vida, de hecho es de gran importancia para la difusión de quejas, un ejemplo claro y común en la actualidad son los problemas políticos y como el cine da paso a la libre expresión. También se tiene el genero de cine realista, en este se trata de expresar la realidad que se vive en el mundo, en la vida cotidiana de las personas, la cruda realidad del mundo, tal es el caso de la escena del lugar donde vive la familia de Jamal en Slumdog Millionaire(2008).
Es interesante ver como Hollywood comercializo el cine estadounidense de una manera increíble, ahora muchas de las marcas de ropa, comidas y otros productos son patrocinadas en las películas, talvez de una manera sutil o tan simple como un gran letrero de comidas rápidas, pero se dice que a medida que este cine comercial creció también lo hizo el cine arte, ese otro cine que cautiva pero que para los países tercermundistas sigue siendo “bueno” mientras que películas como Spiderman son “excelentes” para ellos. Y es que esta presión que ejerce el cine de Hollywood es tan fuerte que nos transforma de pies de a cabeza, desde lo que comemos hasta como vestimos e incluso la forma de hablar, no cabe duda que es un gran negocio producir una película no tan técnica pero con un boom comercial tremendo. El problema quizás radica en que se nos enseña desde pequeños a que Estados unidos debe de ser respetado y que todo lo que venga de ellos es bueno, claro con el tiempo algunos ven la realidad detrás de esa mentira. Pero talvez cualquier persona notaria las grandes diferencias entre el cine comercial del norte del continente y el resto, el otro 90% de cine mundial. Y es que a pesar de que los presupuestos del cine arte son relativamente bajos en comparación con cualquier otra película de Hollywood no cabe duda que realizan un trabajo técnico muy por encima de este segundo. De hecho hay cortometrajes con una calidad técnica infinidad de veces mejor que cualquier película comercial estadounidense. Por ejemplo en la película Eva(2011) en la cual se armaban las emociones y en general la forma de ser de los robots, se puede notar un trabajo técnico con una calidad tremenda, sin necesidad de hacer como antes fue mencionado un abuso de los efectos especiales, o por otro lado en la película Okuribitu (2008) la intensidad de los actores con la cual celebraban el rito de despedida de los muertos, uno simplemente se queda pensando en una escena tan fuerte emocionalmente en alguna de las típicas películas estadounidenses enfocadas en ganar dinero y dejando muy de lado la intensidad y los detalles técnicos que finalmente crean la gran diferencia entre el comercio y el arte.
Referencias Bibliográficas
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Parte I Efectos especiales: ¿Cuando son especiales? Los efectos especiales pueden ser definidos como el grupo de técnicas que se utilizan para darle apariencia realista a algo que no está presente en la grabación y se clasifican principalmente en efectos visuales y efectos de sonido. Ellos han tenido una estrecha relación con la tecnología disponible para realizarlos, donde se aprovecha cada innovación para crear algo nuevo. La película “El Colombian Dream” (2006) es una producción ejemplar con personajes realistas y buenas actuaciones, pero también posee buenos efectos especiales, los cuales van a ser el enfoque de este análisis. Hay una escena en que Rosita, Enriquito y Pepe se incorporan oficialmente en el negocio de las “pepitas”, les dan la paga adelantada y se van de compras. Además de ir acompañada de una buena canción, parte de una gran banda sonora, el efecto óptico que hacen con los colores hace a la escena memorable. Aquí la escena es grabada en 16 mm, por lo que hay menos nitidez, pero esto permite un mejor efecto al introducir o modificar enormemente los colores para darle la apariencia que hace referencia al negocio de las drogas alucinógenas en que se metieron los protagonistas. Disminuyen muchos colores y resaltan colores como rojo, amarillo y azul, los cuales representan la bandera colombiana. En general la película da un buen uso de los efectos y logran sorprender. Aquí son utilizados para dar realismo, pero también logran transmitir la emoción de la película. En general en este film se utilizan muchos tipos distintos de efectos especiales, donde parece que la razón de utilizarlos es simplemente porque se puede. Hay un abuso de efectos especiales cuando dichos efectos son lo único que la película ofrece al espectador. Muchos de los ejemplos son películas comerciales recientes, donde se puede mencionar Transformers. La trilogía de películas de Transformers fue una gran expectativa para los seguidores de las series animadas (al menos inicialmente), con animaciones impresionantes pero tenía una actuación que sólo estaba para abrir paso a las explosiones e hizo que el recurso de efecto especial fuera tedioso. El director de estas películas, Michael Bay, incluso es parodiado por su uso frecuente de explosiones, aludiendo al abuso de efectos especiales.
Parte 2 Guión cinematográfico y concepto de happy ending El guión es el relato de la historia que se quiere expresar en la película. En él salen los diálogos de los personajes, las acciones, secuencias, partes que deben ser agregadas en post-grabación, entre otros. Debe tener una descripción completa de lo que sucede en el filme. El guión puede ser una adaptación de una obra, novela o un evento de la vida real, al igual que ser creado para la película. Se conoce como “happy end” (final feliz) a la estructura usual de las películas, donde primero se introducen los personajes, luego o simultáneamente la trama de la película y se llega al desenlace de la donde el o los protagonistas logran resolver el conflicto que se desarrolla desde el inicio de la película. Es prácticamente indispensable en el cine comercial hollywoodense, al ser el tipo de final que la audiencia espera. Incluso cuando la situación no se resuelve en la película, o los malos “ganan”, la película continúa con una secuela, trilogía o saga (Guerra de las Galaxias, Harry Potter, Señor de los Anillos, entre muchos), donde la crisis finalmente culmina y todos viven en paz. En el cine arte también ocurre, pero usualmente se trata de evitar un final predecible, como en Slumdog Millionaire (2008), donde se mantiene incierto el destino que tendrán el protagonista Jamal (Dev Patel) y Latika (Freida Pinto). Este final puede ser representado por la frase “el bien triunfa sobre el mal”. Además, si es un protagonista, este conoce a alguien que será la pareja al final de la película donde vivirán juntos y felices. En el cine arte es más común la ruptura del happy end, como en la película “Una Separación” (2011), donde se puede decir que el final es inconcluso y la audiencia se queda con las ganas de saber cómo se resuelven los problemas legales entre las dos familias.
Parte 3 Pista de sonido Cinematográfica La pista de sonido es el conjunto de los tipos de sonidos presentes en una película. Existen 4 tipos principales de sonidos cinematográficos: La palabra, proveniente del diálogo entre los intérpretes que lo hablan. La música, que usualmente acompaña las imágenes. Puede ser el tema musical de un personaje, música de fondo, como por ejemplo en Trainspotting (1996) donde es un reflejo de la cultura representada en la película. El silencio también es un elemento de la pista de sonido, ya que puede condicionar una determinada situación, posiblemente dramática. El sonido real es el compuesto por todos los sonidos producidos por aquellos objetos y personas que son capturados en la pantalla. El sonido real puede ser sincrónico cuando a la vez que vemos una imagen oímos los sonidos que produce. También puede ser asincrónico, donde puede provenir de algo fuera de cámara. Este efecto de sonido es notable en “El Colombian Dream”, donde se oye diálogo que no está en sincronización con la vocalización del personaje. Este es un efecto discreto pero que logra llamar la atención del espectador. La película Okuribitu (2008) es una en la cual la música es protagonista de la banda sonora, junto con el diálogo. Esto es por la historia del protagonista Daigo, que es un hombre que pierde su trabajo de tocar el violoncelo en una orquesta. La música creada con este instrumento aparece a través de todo el film, donde las canciones ayudan a transmitir el tono y las emociones de las escenas, donde se recurre menos al diálogo.
Parte I Concepto de género en cine Funciona para comunicarle al público una expectativa de la película. Tomando en consideración el tratamiento que se le da ósea la estructura, según la edad del público para la cual es dirigida, el guión entre otros. “Cada cinematografía se ha servido de los géneros que mejor la representan” (Costa, 1986, p.115). Según esto aun así existen producciones cinematográficas que por su falta de secuencia lógica no se pueden agrupar con cierto tipo. Algunas clasificaciones pueden ser la epopeya, el film de guerra, el “Western”, la tragedia (drama y melodrama), la comedia, lo burlesco, el documental, el poema y el dibujo animado tomando como eje el contenido implícito y el estilo según Henri y Genevière donde excluyen a la película de historia o biográfica y la de tesis como géneros autónomos; la primera porque cuenta algo pasado y al ser traicionada por ser interpretada con actores contemporáneos a esta y la segunda ya que es utilizada para reproducir un hecho científico restándole creatividad (1965). El documental toma su atención en las imágenes y sonidos que tienen un nacimiento de la realidad. En la creación de estos los estudios y un alto presupuesto no juegan un papel importante sino la forma en que el documentalista expone su idea al público ligado a una realidad. El testimonial es creado a base valga la redundancia de testimonios pero no en forma directa sino como una interpretación de estos por parte del director. Los testimonios no son objetivos por el contrario interfiere el sujeto fue para este el suceso donde son verdaderos entendiéndose en este, como menciona Carvajal citando a Bayón son relatos individuales que varían de forma y contenido (2008). A pesar de esto cuando se termina la producción esta tiene características universales. El realista presenta los acontecimientos de índole social que parten de una situación verdadera.
Concepto de Guión cinematográfico
El guión literario es donde se narra se forma organizada la historia de la película con diálogos y acción, se utiliza un lenguaje cinematográfico pero no técnico. Cuando el guionista está realizando este debe tomar en cuenta que no puede poner acciones que no se van a realizar en la producción, debe omitir expresiones como por ejemplo “La llegada de Amelia causo mucha felicidad” y cambiarlas por una acción que de este sentimiento. Se parte del punto de la imagen para crear la narración, donde todo debidamente justificado. Esta demás anotaciones como exclama, como este personaje dice, entre otras. Con una rápida introducción de los personajes, aumentando el interés de los espectadores conforme avance la trama. El ritmo de la acción se debe mantener en todo tiempo no puede decaer para evitar que la atención del público se pierda en los lapsos si se disminuyera. En algunas ocasiones se utiliza un final no esperado pero este no resulta muy conveniente puesto que en la trama se va desenvolviendo de tal forma para llegar a un punto de concordancia de cierre. El tiempo con respecto al guión se debe marcar de tal forma que sea percibido por medio de la imagen nunca se debe marcar mediante letreros, relojes o en algunos casos el uso de calendarios se considera un método simple y sencillo. El sistema que se usa para presentar un guión es el de dos columnas verticales donde en la izquierda se describe la acción o la imagen visual y en la derecha la imagen sonora (Gutiérrez, 1978). El guión técnico es el cual el director escribe con todas las especificaciones de para el editor, camarógrafo, escenógrafo, jefe de producción y director musical. Es como un plano de los aspectos técnicos de la película. El concepto de “happy ending” mayormente utilizado en producciones de propaganda donde el objetivo es hacer que el público se identifique, que adopte cierta ideología por ejemplo en el final de la película Slumdog Millionaire donde en la escena final se cierra con un beso de los protagonistas en contraste con EVA producción donde se cierra cuando Álex desconecta a la pequeña robot.
Pista de sonido cinematográfica El sonido puede presentar se con sincronismo ya sea objeto directo (con la fuente sonara fuera del campo pero dentro del cuadro por contacto) o subjetivo (cuando es requerido por un elemento de la imagen que no está presenta materialmente solo recordada) donde es necesitado por elementos que están en la imagen visual o asincronismo puede ser objetivo (cuando se necesita por una acción y no por el elemento) y subjetivo ( cuando no tiene una relación directa o indirecta con alguna acción pero se encuentra relacionada con este) el cual es ocupado por elementos no presentes. (Gutiérrez, 1978). Los sistemas de sonido pueden ser de dos clases analógicos y digitales. Dentro de los digitales podemos encontrar tres sistemas diferentes: DTS, dolby digital y SDDS. Los analógicos se encuentran de abajo del lente al contrario de los digitales. Se basa en principios de óptica y magnética. La más fácil de encontrar es la primera donde una línea es gravada a un lado de la producción cinematográfica, el grosor de esta se encuentra en relación directa con el sonido. El sistema dolby digital utilizado en “Okuribito” muy utilizadas las pistas de sonido en todo la producción desde donde toca el instrumento hasta donde están escuchando la música favorita de su padre así sucede hasta el final, forma parte fundamental de esta; como punto de partida toma las señales de audio con cuatro bandas donde cuando llega el sonido se amplifica para que supere el ruido ambiental. El DTS conlleva un código esencial óptico de tiempo con la producción.
Tomas y planos Se entiende como plano al tamaño de espacio que necesita un objeto o un personaje encuadrado de la cámara. Según Gutiérrez depende de tres factores: el tamaño real de figura, distancia real entre figuras y cámara y de la longitud focal del objetivo que se utiliza. Se distinguen diferentes campos y planos: C.L.L. (campo larguísimo) que son fondos con exteriores con una visión lejana, C.L. (campo largo) donde la figura de la persona está a más de treinta metros de la cámara, C.T. (campo total) es el plano con más cercanía conteniendo la totalidad de personas, C.M. o M.C.L. (campo medio o campo medio largo) el personaje no se encuentra a más de treinta metros de la cámara pero sin que se le vean los pies y la cabeza tocar con los márgenes superiores e inferiores del encuadre, F.E. (figura entera) la figura toca con los pies la parte inferior del cuadro con una distancia donde están las rodillas, P.M.,M.P.P., M.F. (plano medio, medio primer plano o media figura) el actor es cortado hasta el busto, P.P. (primer plano) cortando la figura a la distancia del pecho, P.P.P. (primerísimo plano) solo aparece la cabeza del actor. DET. (detalle) se agranda un objeto o parte del ser humano para que utilice toda la pantalla, PART. (particular) igual que la anterior aplicada a una acción (1978). Por ejemplo cuando al principio de la película EVA, Álex va en el carro con su hermano por primera vez es un plano medio. Luego cuando esta con Julia viendo el cuerpo del pequeño robot y ella le dice para que lo ha llamado, él le pregunta porque yo y ella le contesta que no le va a mentir hacen una plano primerísimo. En la escena cuando Álex se encuentra bailando con Lana hacen una toma detalle cuando agrandan la imagen proyectada del toca discos. Luego cuando salen a buscar a David y Lana sale corriendo se logra una toma de campo total (de Álex y Lana). Cuando Álex se encuentra sentado en el sofá de su casa empezando a fumar después de enterarse de la realidad de Eva se hace un plano de este de figura entera.
Bibliografía: Carvajal, A. (2008). El cine como memoria y representación. Comentario al film “La tienda de la calle mayor”. Recuperado de http://scholar.googleusercontent.com/scholar?q=cache:Y6dbumjcY3QJ:scholar.google.com/+Cine+testimonial&hl=es&as_sdt=1,5&as_vis=1 Costa, A. (1986). Saber ver el cine. Editorial Paidós. Barcelona, España. Gutiérrez, L. (1978). Narrativa fílmica, teoría y técnica del guión cinematográfico. Editorial Piramides. Madrid, España. Henri, Geneviene, A. (1958). Manual de iniciación cinematográfica. Editorial Rialp. Madrid, España. Los sistemas de sonido digital en los cines. (s.f.) recuperado de http://www.electronica-basica.com/sonido-peliculas.html
Edición cinematográfica, concepto general y ejemplos.
La edición o montaje forma parte de la última fase en la fabricación de películas y programas de tv, en la fase de postproducción. Montar una película es construirla a partir de un material, el celuloide en que ha sido rodada, para un público de espectadores en los que se persigue una serie de efectos determinados: interés, risa, miedo, emoción etc. Generalmente las películas y las series de televisión se hacen de la siguiente manera: se rodaban las secuencias (generalmente en 35 mm.) se montaba la película, se añade el sonido, se insertaban los títulos y créditos y finalmente se exhiben. Existen varias películas con un gran trabajo de edición. Un ejemplo que podemos citar es el de la película japonesa Okuribito, más específicamente la escena en la que el personaje Daigo Kobayashi (interpretado por el actor Masahiro Motoki) toca el chelo en el campo dando a la escena mucha fuerza por el momento de la película y en la forma en que la presentan. No se trata únicamente de ponerlas en orden sino de colocar la escena en el momento correcto para lograr un efecto en el espectador, ya sea miedo, acción, suspenso, incertidumbre o simplemente conmovernos. Claro ejemplo es la escena descrita anteriormente, no nos muestra a un tipo cualquiera que toca el chelo en medio del campo, sino una persona que a pesar de las fuertes dificultades y cambios que venían ocurriendo en su vida, logra superarlas y alcanza un punto en su vida donde se auto descubre, revive el cariño que le tenía al instrumento que tocaba desde niño y aprende a amar su trabajo. Como se puede ver la complejidad e intensidad de una escena puede ser abrumadora simplemente por el momento en que es colocada la escena.
Pista de sonido cinematográfica (concepto técnico) y ejemplos. -El sonido es de los conceptos más importantes en cine ya que este brinda en alguna forma emoción al film. El sonido se graba después de que se graba la película, lo cual hace de este un trabajo difícil. Hay varios tipos de sonidos, entre los cuales tenemos: el sistema analógico, los sistemas digitales (entre ellos está el dolby digital), el sistema DTS y el sistema SDDS. Además tiene varias características tales como: ruidos, voz, silencio, música y efectos. En la película El Columbian Dream podemos ver como se posee de una banda colombiana que interpreta toda la música de la cinta, esto le da más emoción a la película si se da un trabajo bueno tal como el de dicha película. Además la música puede insinuar emociones en la película, por ejemplo en una escena de una película de terror pueden poner música tenebrosa para insinuar a la persona que mira el filme que algo está a punto de pasar o en una película de acción o romance la música puede poner un toque de excitación lo cual hace a la película más llamativa.
Concepto de guión cinematográfico y en específico concepto de happy end (ejemplificar) - El guion cinematográfico es un documento de producción, en el que se expone el contenido de una obra cinematográfica con los detalles necesarios para su realización. Un guion cinematográfico posee separación por escenas, acciones y diálogos entre personajes, acciones, descripciones del entorno y acotaciones breves para los actores con lo que interpretará. Un guion bien tiene que dar la información suficiente para que el lector ve la película en su propia imaginación: cómo transcurre el diálogo, cómo actúan los personajes y con qué objetos interactúan, sin especificar todavía los pormenores de la producción ni el trabajo de cámara. El guion es sumamente importante en la película claramente, ya que este le da vida y además es lo que más mete a la persona que está mirando en la película, es decir, si la película tiene un buen guion la persona se interesara por la película, ya que el guion es atractivo y llamativo, mientras que si el guion es malo, la persona se va a aburrir mucho durante la película aunque esta tenga muy buenos actores y escenas. Por ejemplo podemos ver que en la película Una Separación se posee de un excelente guion, que mantiene el interés de las personas a lo largo de toda la película, ya que este genera intriga y emoción, el concepto del happy end es un modo muy comercial del cine de Hollywood, ya que se ha comprobado que dentro de lo que la gente le gusta ir a ver se encuentra este concepto. El happy end se refiere a cuando en las películas el actor principal ha superado todos los obstáculos y logra terminar bien, ya sea con la mujer que ama, con dinero, o simplemente con lo que quería.
Efectos especiales. Uso y abuso (concepto general). -Los efectos especiales en cine es la forma en que se hacen las cosas sobrenaturales de las películas, como los viajes al espacio y otras cosas que no podrían realizarse mediante recursos normales. Los efectos especiales pueden ser visibles o no visibles, visibles como en el caso de cuando hay magia en las películas o autos voladores y no visibles como cuando en las películas donde se usan ciudades antiguas estas son recreadas en un estudio mediante efectos especiales. Los efectos especiales pueden ser: ópticos, mecánicos, de sonido, de maquillaje o digitales, entre muchos otros que son muy utilizados en la industria del cine. Normalmente en las películas de Hollywood se ve un gran abuso de este medio, como en las películas futuristas, se ve que usan efectos especiales para prácticamente todo, mientras que en otras películas usan el mínimo de efectos especiales, como en la película Una Separación o Quien quiere ser millonario. En la película Eva se ve un uso muy sutil de estos efectos, ya que es una película futurista, pero no sobresalen robots muy avanzados o ciudades futuristas, al contrario se ve muy cercano a la realidad, exceptuando a los robots.
Concepto de 35 milímetros vs. Concepto de 16 milímetros vs. Concepto de video electrónico: -En cuanto a el concepto de 35mm contra el digital se ve que en 35mm se obtiene una imagen más grande y de mejor calidad. Mientras que en digital la imagen tiene que comprimirse y pasar a ser datos, ósea 1s y 0s, en este proceso pierde un poco de su calidad, claro que esto es a hoy día, probablemente en unos años el digital supere al viejo 35mm. Ahora las ventajas que posee el digital con respecto al 35 mm es que es más barato de producir y más fácil de manejar en post producción. Debido a su bajo costo de producción y a su posibilidad de mejoramiento, es posible que el digital llegue a reemplazar al 35mm. En cuanto al 16mm, este es usado más que todo en programas de televisión ya que es más pequeño que el estándar de 35mm. Un ejemplo de la gran definición del 35mm se puede apreciar en la película Eva, donde se puede notar una claridad y nitidez muy fina además de las sombras.
Referencias: Alvort, P. (2002). La artesanía del guion, técnica y arte de escribir un buen guion para el cineManuscrito no publicado. Bordwell, D. (1995). El Arte Cinematografico Manuscrito no publicado. Dominguez , J. (s. f.). La Tecnica del Sonido Cinematografico Recuperado de http://www.felinorama.com/univ/tv/campus/temas/Sonido_cine.pdf Efectos Especiales en el cine (s. f.). Recuperado de http://www.claqueta.es/articulos/efectos-especiales-en-el-cine.html Ferland, M. (s. f.). 16mm vs. 35mm Film | eHow.com Recuperado de http://www.ehow.com/about_6635136_16mm-vs_-35mm-film.html
Toma: La toma comienza cuando el director da la orden de acción, entonces la cámara empieza a registrar imágenes, se coloca la claqueta frente al aparato por unos instantes y, antes desaparecer de escena, se abren y chocan las tablas. La toma termina cuando el director dice "corten", ordenando detener la grabación. Así, la toma puede estar formada por cuantos planos tome la cámara. Plano: Un plano es una tira continua de película cinematográfica, creada a partir de una serie de fotogramas, que corre por un período interrumpido de tiempo. Los planos son generalmente filmados con una simple cámara y puede ser de cualquier duración. Un plano en una producción, definido por el comienzo y el final de un proceso de captura, es equivalente a un clip en una edición, descrito como un metraje continuo entre dos ediciones. Los fotogramas, planos, clips, escenas y secuencias forman una jerarquía de unidades fundamentales para varias tareas en la creación de material visual. Es posible hacer varios tipos de tomas en diferentes planos para una unica escena, por ejemplo podemos ver la película de Agua del director Deepa Mehta. En esta grandiosa producción vemos en varias ocaciones unas tomas muy interesantes, una escena que llama la atención es en la que los dos enamorados se encuentran bajo el árbol, aunque se ven varios planos resulta curioso notar que el árbol siempre aparece en cada toma, de cierta forma dando algo de “privacidad” en la reunión de los personajes.
Concepto de guión cinematográfico y en específico concepto de happy end
Un guión se divide en secuencias, que son como los actos de una obra de teatro. Cada secuencia lleva un encabezamiento que indica el lugar y el momento en que se va a desarrollar. La secuencia se subdivide en escenas. Cada escena comprende uno o varios planos, rodados en el mismo ambiente y con los mismos personajes. Un guión puede comenzar así: «Secuencia 1ª' Entrada del Colombian dream (alquileres de videos). Exterior. Noche». Eso quiere decir que hay que rodar la primera secuencia en el exterior de un edificio que en la pelicula será conocido como el Colombian dream durante la noche. A continuación se describe la acción de la secuencia. Cuando hablan los personajes que intervienen en la acción, se destacan de manera clara sus diálogos. Cada vez que cambia el lugar donde se vaya a rodar la escena, o el tiempo -día o noche-, se pasa a otra secuencia. Podemos ejemplificar lo anterior con las dos primeras escenas del colombian dream, en la primera el chico que entra en una casa mientras se va desarrollando la hiatoria con una narración, cuando esta escena acaba, se cambia por una completamente distinta, se cambia de secuencia, y empieza a contar la historia del colombian dream y empieza la introducción de los personajes uno a uno.
“Happy end” es un concepto incorporado al séptimo arte debido al predominio de películas cuyo desarrollo esta basado en una trama y que tiene como conclusión un final que se desenvuelve a favor de los “buenos de la película”, sin embargo, muchos productores de cine han dejado esa tendencia que genera en los expectadores la predicción del final. Algunos ejemplos son agua, ciudad de Dios, y el colombian dream, que contienen una fuerte critica social, y una exposición de una cruda realidad (dependiendo del país de procedencia)
Concepto de 35 milímetros vrs concepto de 16 milímetros vrs concepto de video electrónico
Existen tres formatos de película de cine principales: 8mm, 16mm y 35mm. Los milímetros se refieren al tamaño de ancho que tiene cada una de las películas. A medida que vamos avanzando de tamaño de película conseguimos mayor definición, menor cantidad de grano cinematográfico y mayor duración de cada lata. Aunque cuanto mayor es la película, mayor es la lata y es más complicado de cargar en la cámara. La película de 8mm se destinó principalmente al ámbito doméstico y era, por tanto, de un coste menor que el resto y más sencilla de cargar en la cámara. De hecho se presentó la película “super8″ que permitía una mejor definición de imagen y cartuchos de quita y pon sin necesidad de tener que ir a un cuarto oscuro para cambiarlo. Los 16mm se utilizaban sobre todo en reportajes en los que el periodista debía transportar la cámara, hoy en día se utiliza sobre todo para cortos, porque resulta más sencilla de utilizar y más económica que el 35mm. Existen dos tipos de película de 16mm: con doble agujereado, y con uno solo; ésta última al tener un hueco, deja espacio para la banda de sonido. Por último, el de 35mm es la película más cara, pero también con la que se consigue mayor definición. Se utiliza sobre todo para cine, cortos con mucho presupuesto y spots de televisión, ya que tiene una calidad superior. Generalmente se cumple que en las películas de alto presupuesto usen el formato de 35mm, aunque dependiendo de la escena y del efecto que se le quiera dar podría considerarse también el formato de 16mm, pero esto no es una regla preestablecida y mucho menos inquebrantable pues en películas como el colombian dream vemos varios tipos de formatos de película (es importante aclarar que esta producción se rompe con muchos de los esquemas del cine), se ven formatos como el 35mm, 16mm, electrónico, una escena con cámara térmica, e incluso hay escenas grabadas con la cámara de un celular.
Bibliografía Enrique Martínez-Salanova Sánchez (2011) Tomas y planos (concepto general) consultado en http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/tiposdeplano.htm Enrique Martínez-Salanova Sánchez (2011) Concepto de guión cinematográfico y en específico concepto de happy end consultado en http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/guionquees.htm Laura Amante (2009) Concepto de 35 milímetros vrs concepto de 16 milímetros vrs concepto de video electrónico consultado en http://www.cinedecartelera.es/cultura-cinematografica/diferencias-entre-8-16-y-35mm/ Jonathan Griffith (2006) Edición cinematográfica, concepto general consultado en http://ecine.blogcindario.com/2006/11/00010-la-edicion.html
Una de las partes más importantes detrás de una producción cinematográfica es el guión. A continuación se empezará por analizar las diferencias entre este tipo de texto y las obras literarias que se acostumbran leer. Seguidamente se definirá claramente el concepto de un guión cinematográfico. Finalmente se explicara por que los finales felices son los más comunes en las películas. Es claro que el guión cinematográfico esta lejos de ser una obra literaria diseñada para el disfrute de cualquier lector como lo son las novelas o los ensayos. Por lo general una obra literaria cuenta con un estilo narrativo dominante; en el guión cinematográfico no se maneja una narración que explique lo que va sucediendo en el transcurso de la historia, para esto se utilizan las acciones de los actores. En la mayoría de los géneros literarios las descripciones le permiten al lector crear una imagen muy subjetiva de los escenarios y las acciones. Por su parte, el guión cinematográfico no intenta estimular la creatividad del lector para la escenificación, ya que los abundantes detalles en las acotaciones dejan bastante claro como es el ambiente y la forma como suceden las acciones. Otra aspecto que diferencia al guión cinematográfico es que en este escrito nunca se toman perspectivas omniscientes. Con la excepción de los monólogos, no se sabe que es lo que un personaje piense o siente con seguridad, para esto se utilizan las acciones y expresiones que los actores deben seguir a la perfección. Es por esto que en este tipo de textos no se suelen utilizar frases que involucren reflexiones internas del personaje, sino que se recurre a las acciones o gestos que denotan el estas reflexiones. El guión cinematográfico tiende más a ser de índole audio visual que literal, pese a que es en si texto. Esto se debe a que el guión conforma una base, o un punto de partida si se desea ver de esa manera, para la estructura audiovisual. El uso de los elementos audiovisuales se ajusta a lo definido en el guión. Los actores, la iluminación, la escenografía y los demás elementos deben basarse en lo establecido en el guión. La similitud entre lo definido en el guión y lo montado durante el rodaje es analizada meticulosamente para evitar contradicciones. Sin embargo, una vez terminada la producción cinematográfica, el guión deja de ser útil pues a cumplido su propósito. Es por esto que al guión se le conoce como un elemento perecedero. La gran mayoría de los filmes terminar con finales felices, también conocidos por su equivalente en inglés ‘happy endings’. No hay reglas que dicten que un guión deba terminar con un final feliz, pero si hay razones por las que este final tiende a ser conveniente. Los productores cinematográfica buscan obtener grandes ganancias con las películas, lo que es normal, pero el problema nace cuando para obtener estas ganancias sacrificar o ponen en juego el valor artístico de un filme. Los productores saben que las películas con finales felices y cerrados son las que más atraen al público, es por esto que los finales tristes y ambiguos son por lo general rechazados o adaptados. Por cuestiones económicas es mejor asegurar un asiento en una sala de cine que intentar impulsar un película diferente a las que se presentan comúnmente. Un ejemplo de un gran guión sin un final feliz es el de la película Eva. El guión esta lleno de momentos fascinantes y giros inesperados. Pero al final el personaje principal termina desactivando a Eva, y aunque se presenta una alusión de que Eva está en un lugar mejor, se ve claramente que no es un final feliz.
Todo es relativo en este mundo. Nuestras definiciones de bien, por ejemplo, son producto de comparaciones con ejemplos que se nos han dado como punto de referencia. Los grandes cineastas saben esto y deciden toma ventaja de esta realidad relativa para obtener resultados asombrosos. Al apreciar una película, la audiencia analiza todos los hechos desde la perspectiva que les es presentada. Los cineastas manipulan los perspectivas para lograr efectos en la audiencia. Esta selección del punto de vista que se desea mostrar se conoce como encuadre. Entre los tipos de planos más famosos se destacan: gran plano general, general, conjunto, entero, americano, medio, medio corto, primer, primerísimo primer plano y detalle. El gran plano general muestra el entorno del personaje pero desde un punto muy general, de tal forma que no se logra distinguir en personaje ni ningún detalle o figura. Un ejemplo de este plano se presenta en el filme Slumdog Millionaire cuando al inicio de la película los dos hermanos son perseguidos por los agentes de seguridad del aeropuerto. Entre los planos que se muestran uno es una vista general del lugar donde se encuentran, esto se muestra para que la audiencia entienda el contexto de las acciones. El plano general muestra el entorno del personaje pero sin dar una vista tan alejada como la del gran plano general. El plano conjunto muestra una vista muy cercana al personaje y lo que le rodea. El plano entero muestra toda la figura del personaje. El plano americano muestra de la cabeza hasta las rodillas. El plano medio muestra de la cabeza hasta la cintura. El plano medio muestra de la cabeza hasta la mitad del torso. El primer plano plano se acerca bastante al personaje y muestra la cabeza y los hombros. El primerísimo primer plano se utiliza para enfocarse en una parte del cuerpo del personaje. Finalmente el plano detalle muestra secciones o vistas muy específicas que en otros planos pasarían inadvertidas. Cada toma utiliza un único plano. Posteriormente, en la fase de edición, estas tomas se agrupan. La selección del plano de cada toma es crucial ya que define en que se centrará la atención de la audiencia, y por ende, lo que entenderá de la toma.
En una producción cinematográfica, el filme esta compuesto por muchas escenas. Las escenas a su vez están compuestas por diversas tomas. El proceso mediante el cual se ajustan y agrupan tomas se conoce como edición cinematográfica. La edición se se efectúa al final de la producción. En esta labor se debe prestar suma atención a la armonía de la película. Por su cuenta, cada toma no tiene un significado importante; las tomas son simples piezas de algo mayor. La forma en la que se unen las tomas define el efecto que tiene la escena en la audiencia, la unión que se decida hacer define la realidad en el filme. El editor debe elegir un tipo de unión que enfatice la relación entre las tomas para que genere en la audiencia la respuesta emotiva deseada. En el filme Slumdog Millionaire se presenta un gran ejemplo de edición en la escena cuando el personaje principal, Jamal, ve a Latika llegar a la estación después de escapar de la casa del mafioso. En esta escena se intercambian continuamente la vista de Jamal y de Latika hasta que en un momento repentino y sin aviso se muestran unos hombres que vienen a buscar a Latika. Es este cambio inesperado lo que produce una emoción de sorpresa en la audiencia.
Efectos especiales
Por lo general los efectos especiales que se conocen son los que involucran grandes explosiones, rayos lasers o transformaciones exageradas. Pero lo que debe preguntarse un cineasta es ¿cuándo es correcto usar un efecto especial? Los efectos especiales atraen la atención del público, pero usarlos por el simple hecho de usarlos distrae de lo que esta sucediendo en la película. El filme no tiene el propósito de mostrar los efectos, al contrario, los efecto deben realzar las acciones y el ambiente del que el filme presenta. Una buena regla es que si el efecto no necesario para la presentación de las acciones o si no concuerda con la armonía del filme o el entorno no se debe utilizar. Un gran ejemplo es la escena en la película Eva donde aparece por primera vez el gato del personaje principal. Se nota claramente que es un robot y no se busca realzar eso con sonido digitales o metálicos, al contrario, los efectos son usados para que el robot suene y se mueva como un gato. Este efecto realza el entorno del filme, en parte introduce el mundo que se va a presentar, y no choca con la armonía del mismo.
Jiménez, M. (2004). Presentación de significados diferentes de un audiovisual, mediante el proceso y técnica del montaje cinematográfico. Capítulo 2. Extraído de http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lco/jimenez_l_ma/capitulo_2.html
Poucel, P. (2010). Del cine a la literatura: guía para la adaptación de cuenta a guión de cortometraje. Capítulo 1.Extraído de http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lco/poucel_s_p/capitulo_1.html
Tipos de planos. Extraído de http://www.solosequenosenada.com/misc/tipos-de-planos-cine/
Crítica Cinematográfica: Conceptos aplicados al análisis de películas vistas en el curso (Parte 1) • Concepto de guión cinematográfico y en específico concepto de “happy end” (ejemplificar) El guión cinematográfico es el relato escrito de lo que va a suceder en la película. Esto contempla una gran parte de los aspectos pre-producción que se verán directamente en la narrativa del film: los escenarios, actuaciones, o más generalmente todo lo que los guionistas decidan es importante para entregar correctamente lo que se quiere decir en la película. Es algo parecido a una novela, y se desarrolla completamente un argumento para ser posteriormente filmado y editado en una película. El guión es el “montaje en borrador” de una película. En la actualidad, los dos estilos más utilizados por los guionistas son dos: el literario y el técnico. El primero ofrece únicamente la narrativa de la historia, sin tomar en cuenta aspectos de cámara, tomas y planos. El segundo es más completo, ya que contempla los pormenores fotográficos que conlleva filmar diferentes escenas (planos, escenas, secuencias y tomas). Es muy importante que un escritor de guiones sepa de cine, de edición y montaje, de la dificultad de realizar determinados efectos, y que tenga idea de lo que cuesta económicamente realizar una película. En la película “Una Separación” del guionista y director Asghar Farhadi se denota un estilo muy claro en lo que a guión se refiere. Esto en el sentido de que está construido de una manera muy atrapante, con una calidad de build-up impresionante. Desemboca en un final inesperado para cualquiera, que puede bien enojar a los que gustan de una película en la que toda la información de la narrativa se les entrega en bandeja de plata, ó los que gustan del conocido “happy ending” hecho famoso por Hollywood a nivel masivo. Nótese que carece de un final con un cierre definido de la historia, que es en lugar dado al espectador para que escoja de alguna forma como cree que se desarrollan los hechos después de terminado el film. Además, esto se complementa a la forma en que Farhadi toma cada escena, de manera muy subjetiva y cuidadosa, que junto con una sólida pero sutil interpretación actuarial asegura ese efecto que sumerge al espectador en la trama y que es en definitiva lo que debe hacer todo buen guión.
(Parte 2) • Efectos especiales. Uso y abuso (concepto general). Los efectos especiales son todos los elementos utilizados para dar apariencia de realidad a escenas específicas en una película. Son el grupo de técnicas que permiten modificar la apariencia de la imagen o el sonido. Esta última definición permite clasificarlos en dos grupos generales para el espectador: efectos de sonido y efectos visuales. De hecho, en la actualidad el cine no sería lo que es sin los efectos especiales, ya que el propio montaje de una película cuenta como tal. Por otro lado, hay quienes los dividen en pre-fílmicos y cinematográficos. Los primeros son los que se programan con antelación y los cinematográficos son los que se usan, en la misma grabación, por lo general con dobles. Existen también una cantidad infinita de subcategorías de efectos que se han creado a través del tiempo según la necesidad de la producción. Ejemplos de esto son: mecánicos, ópticos, tomas enmascaradas, incrustaciones en movimiento, etc. Actualmente, los efectos especiales constituyen una de las actividades claves a la hora de hacer cine, que se alimenta de la tecnología y va de la mano con ella, de forma que ambas mejoran con el tiempo creado “ilusiones” cada vez más creíbles que presentan una mejor experiencia para el espectador. Lastimosamente, el avance tecnológico utilizado para dar vida o credibilidad a ciertas escenas en una película muchas veces desemboca en el abuso del mismo. Se olvida que es un recurso para producir un filme y por lo tanto requiere moderación y sutileza para no cansar al espectador. En el caso de la película “Eva” es todo lo contrario, los efectos especiales utilizados nunca son indecorosos o exagerados, sino sutilmente puestos en un paisaje que mezcla la realidad con lo ficticio impresionantemente bien. De hecho, el efecto especial es clave al final del film para explicar una de las interrogantes importantes durante el clímax, y a pesar de que esa escena tiene tanto peso en la trama, es sutil y “creíble” hasta cierto punto.
(Parte 3) • Pista de sonido cinematográfica (concepto técnico) y ejemplos. La pista de sonido que conocemos en la actualidad es probablemente uno de los elementos que ha evolucionado más en el cine a través de la historia. Técnicamente, desde la implementación de sonido en películas, la pista de sonido se graba por aparte de la fotografía, y cada escena cuenta con su propio equipo para grabar directamente desde el set. A la hora de producir una película hay dos formas básicas de crear la pista de sonido: Directa, que sugiere a lo tomado desde el set, ó de estudio. La primera es utilizada primordialmente para grabar la voz de los actores o crear wildtracks que serán utilizados durante la edición de estudio. La segunda es de donde provienen la mayoría de los sonidos durante una película, ya que es la forma más eficiente de colocar un sonido en un momento exacto durante la película, además de que al ser colocado en un estudio tiene mayor versatilidad ya que el sonido puede ser cambiado acorde a lo que se necesite. En lo que se refiere al sonido en la sala de cine, actualmente hay dos formatos predominantes de reproducción: el analógico y el Dolby Stereo, siendo el primero impreso en la cinta a los costados que deja pasar una intensidad de luz específica recogida por una fotocélula que convierte las diferencias en la intensidad de luz en señal de audio estéreo. La segunda revoluciona al cine casi tanto como la aparición del sonido en el cine en primer lugar. La tecnología Dolby divide el sonido de la sala en cuatro canales para intensificar la experiencia dando una ilusión de inmersión en lo que se esté proyectando. A pesar de ser el formato utilizado en mayoría de las salas de cine, todavía se acostumbra que los filmes lleven impresos el sonido analógico en caso de algún fallo con el sonido digital. En la película “Despedidas” (Okuribito) la pista de sonido es clave para que el espectador desarrolle emociones en escenas específicas del filme. Era lógico pensar de que jugaría un gran papel, tomando en cuenta que el personaje principal está fuertemente relacionado con la música. Por otro lado “Una Separación” propone una pista de sonido casi inalterada de lo que se graba en set, aspecto que le da valor agregado al realismo que intenta proyectar el film.
(Parte 4) • Edición cinematográfica, concepto general y ejemplos. La edición o montaje forma una de las últimas partes de la creación de un film. Esta fase se conoce también como post-producción, y consiste en la utilización del material rodado para terminar la película agregando efectos sonoros ó visuales y hacer cortes de edición. Clásicamente, durante la edición de una película con sonido se tenía el material inicial rodado en set, una máquina de montaje (moviola) y un montador para editar las partes que no se utilizarían en el film. Con el tiempo, la moviola básica fue cambiada y mejorada para facilitar el proceso de edición. Un ejemplo claro de un laborioso trabajo de edición es la película “El Colombian Dream”. En esta película todas las escenas son cuidadosamente elaboradas en múltiples aspectos: la selección del soundtrack, la ralentización de las imágenes mientras el sonido permanecía a tiempo real para algunas escenas, etc.
Bibliografía:
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Concepto de género en cine y específico diferencias entre cine documental, testimonial y realista.
Un genero, tanto en la literatura como en medio audiovisuales(Cine) es una forma organizativa que caracteriza los temas e ingredientes narrativos escogidos por el autor. Cuando se habla de género en el área cinematográfica, se está hablando de temáticas ya estables, las cuales están sometidas a una codificación la cual es respetada por los responsables de la película. Pero con el paso de los años cada género ha experimentado cambios, por ejemplo, al hablar de una película romántica de los años 30's, a una de los años 80's. El Cine Documental es aquel cine que se aleja de la ficción y refleja acontecimientos reales. En otras palabras el cine documental es aquel que plantea discursos sociales, indaga en la realidad, muestra o representa historias particulares o colectivas. La cual proviene de archivos o memorias, y tiene muchas formas de realizarla.. Este género en particular es mas educativo. El documental es cine realizado sobre la base de materiales tomados de la realidad. La secuencia cronológica de los materiales, el tratamiento de la figura del narrador, la naturaleza de los materiales, dan a lugar una variedad amplia de formatos en la actualidad. El film documental cuenta hechos que han sucedido o que están sucediendo independientemente de que con ellos se haga o no una película. Sus personajes existen también fuera del film, antes y después del film. Un documental que cuenta algo que ha pasado, trabaja con los restos de eso que ha sucedido hace (mucho o poco) tiempo. Trabaja, en consecuencia, con material de archivo: tomas, fotos o sonidos que pertenecen a esa época pasada. Puede trabajar, también, con imágenes filmadas, ahora, de los lugares en los que sucedieron esos hechos. El cine Testimonial, definir lo testimonial va contra la propia natura de este tipo de narrativa. Se trataría de una forma pos-ficcional de narrativa con repercusiones culturales y políticas; lo relata en primera persona un testigo que expone una experiencia de vida desde la urgencia por denunciar una situación opresiva y que se sitúa a sí mismo en lugar de una serie de sujetos excluidos de la representación autorizada. Aunque no tiene aspiraciones literarias, el testimonio sí exhibe una intencionalidad muy precisa, de donde se deriva el peligro de representación tergiversada, alentada por la agencia del narrador. A este escollo habría que sumar además la propia dificultad de registrar la historia, por muy buena intención que se tenga de ser objetivo, lo que hace necesaria la voluntad de tener fe en el discurso del narrador por parte del receptor. El cine realista es un estilo de cine que comenzó como una reacción europea hacia el sistema clásico de hacer películas. El cine de realidad suministra similares tipos de ilusión cinematográfica que se encuentran en los clásicos de Hollywood, pero que a causa de un relajamiento de las ataduras entre su estilo y los aspectos narrativos permite un realismo subjetivo aumentado y expresividad autoral. La diferencia entre estos tres géneros son muy escasas, pero su diferencia más notoria es en la temática en la que se enfocan, el cine documental se basa mas en temas educativos, o historia mundial. El cine testimonial se basa más en historias o cuentos basados desde la perspectiva de un sujeto. Y el cine se enfoca mas en historia o acontecimientos vividos en el pasado.
Tomas y planos (concepto general) ¿Que es un plano? Se le llama así al espacio que recoge la filmación en relación con la figura humana. Ejemplos: plano general, plano entero, plano americano, plano medio, primer plano o plano detalle. En el cine, un plano es una tira continua de película cinematográfica, creado a partir de una serie de fotogramas, que corre por un período interrumpido de tiempo. Los planos son generalmente filmados con un simple cámara y puede ser de cualquier duración. Un plano en una producción, definido por el comienzo y el final de un proceso de captura, es equivalente a un clip en una edición, descrito como un metraje continuo entre dos ediciones. Hay diferentes tipos de tomas, muchos ya mencionados anteriormente en el ejemplo. Por ejemplo el plano general se usa para mostrar todo un paisaje, con eso se refiere a todo el entorno que rodea al actor en ese momento, la cual es usada para describir a las personas en el entorno que los rodea. Un ejemplo de esta toma se puede notar en la película EVA, cuando Eva sube con Álex a una montaña nevada desde donde podían apreciar toda la ciudad donde Vivian. Otro ejemplo de toma es el plano americano, el cual ya la cámara se enfoca en el sujeto, pero muestra desde la cabeza hasta las rodillas, su nombre nace de la tendencia en las películas de vaqueros para así poder mostrar al sujeto junto con sus armas. El plano detalle también es muy usado para seguir la trama de la película, ya que este se utiliza para destacar un elemento que desde otro plano podría pasar desapercibido. Un ejemplo típico donde se usa este plano es en la películas de detectives, o un ejemplo más apegado a las películas vistas en el curso seria Colombian Dreams, cuando muestran las "pepas" en las manos de las personas. ¿Que una toma? Se le dice así a la acción de filmar, interviene el elemento tiempo. La toma es el fragmento de película que se imprime o graba desde que la cámara comienza a registrar hasta el corte. Es en cada caso uno de los fragmentos en los que se fracciona el diálogo de una película o serie para que los actores de doblaje puedan realizar su trabajo con mayor facilidad. Estos visualizan cada uno de ellos por separado para memorizar y/o anotar las pausas, intenciones y gestos sonoros que se produzcan en la misma utilizando un texto que ha pasado un proceso de traducción y ajuste.
Cine norteamericano comercial vs. cine arte (diferencias técnicas). En los últimos años el cine norteamericano se ha enfocado mas en un cine comercial. Este cine se caracteriza porque es elaborado para hacer taquilla. Creando guiones que llamen la atención del espectador de manera rápida. En pocas palabras, crean lo que la gente quiere. Otras de las características que tiene este cine es que cuando van a sacar una producción grandes compañías de marketing se encargan de meter en la mente de las personas que la película es un éxito y dejar de lado su criterio propio sobre ella. También usan actores famosos para así generar mas expectativas sobre la película. Otro punto que aprovechan es la publicidad de corporaciones, de allí que generan más capital para la creación de la película. Por otro lado el cine artístico, por su naturaleza no entra entre las características de ser un cine comercial, ya que este cine enfoca su drama en problemas sociales, criticas, temas conflictivos (Aborto, Eutanasia, etc.) entre otros temas las cuales no son favorables para los gobiernos, corporación, o la Iglesia. Este cine por otro lado no dispone de mucho capital así que su publicidad es muy limitada, pero aun así los guiones y actuaciones que se realizan son de primera, inclusive mucho mejores que las de cine comercial.
Edición cinematográfica, concepto general y ejemplos Esta es la parte final de la película. Luego de grabar todas las escenas, la película es preparada para hacer su edición y sacarla al mercado. El cine y el vídeo confluyen actualmente en el uso de la informática. Durante mucho tiempo el montaje de películas ha requerido poco equipamiento y ha sido reticente al uso de nuevas tecnologías, pero esto ya no es así, dada la necesidad que los usuarios de cine y vídeo tenían de una forma de trabajo que integra a los dos sistemas reuniendo lo mejor de cada uno. Esta etapa se puede realizar una vez ya concluido el rodaje o grabación de escenas, pero en algunas ocasiones ambas etapas pueden ir en paralelo. Aunque ciertas tareas técnicas requieren especialización, el proceso de edición de una película es un oficio artístico que, sobre todo, permite al editor trabajar de manera parecida a la que utilizan los escritores para crear una pieza literaria. Ahora con los avances en la tecnología la edición se convierte en un trabajo con mucha mayor calidad. Un ejemplo interesante seria la película Colombian Dream, ya que esta película sale de estándares normales de grabación, siendo una película peculiar por esa estrategia de usar diferentes cámaras para grabar, 35mm, 16mm e inclusive 8mm. Otra película interesante en la elaboración de su edición fue Eva, ya que los efectos especiales que trae son de alta complejidad y calidad.
Bibliografía Cine Comercial y la Industria (s. f.). Recuperado de http://www.mgar.net/cine/var/industri.htm Cine Documental (s. f.). Recuperado de http://www.cinedocumental.com.ar/sitio/ Cine comercial vs. cine independiente (s. f.). Recuperado de http://www.thecult.es/Peliculas/cine-comercial-vs-cine-independiente.html Cine y Educacion (s. f.). Recuperado de http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/cinedocumental.htm El cine testimonial, la literatura y la realidad (s. f.). Recuperado de http://www.minotaurodigital.net/textos.asp?art=86&seccion=Cine&subseccion=articulos La edicion - ESPACIO CINE (s. f.). Recuperado de http://ecine.blogcindario.com/2006/11/00010-la-edicion.html Lenguaje del cine: tipos de plano (s. f.). Recuperado de http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/tiposdeplano.htm Pérez, B. (2012). TuPera (Versión Alnitak) [Software]. San José, Costa Rica. Planos Y Mov. Camara (s. f.). Recuperado de http://www.slideshare.net/rmad/planos-y-mov-camara Recursos Cine (s. f.). Recuperado de http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque4/pag12.html Tipos de planos cinematográficos: Encuadre (s. f.). Recuperado de http://www.solosequenosenada.com/misc/tipos-de-planos-cine/1_encuadre.php
Concepto de genero cinematrografico Las publicaciones sobre géneros cinematográficos comenzaron a mostrarse a finales de los setenta donde intelectuales, estudiosos y críticos del cine se respondían unos a otros sobre los géneros dejando a un lado aquellos críticos literarios que especulaban sobre los géneros. Al igual que los misteriosos aparatos que se ven en las películas. Series, animaciones capaces de realizar diversas tareas, con esa misma capacidad los géneros resisten dentro de la teoría cinematográfica. Según la mayoría de intelectuales sobre el cine los géneros: aportan las formulas que rigen la producción, constituyen las estructuras que definen a cada uno de los textos, define las decisiones que rigen la producción, todo esto antes mencionado es abarcado por el término genero. El termino genero se podría identificar como un esquema básico o formula que precede, programa y configura la producción de la industria, o como estructura sobre la que se construye las películas, o como etiqueta de una categoría fundamental para las decisiones y comunicados de distribuidores y exhibidores, o como posición espectatorial que toda película de género exige a su público. Por supuesto esta capacidad de cumplir múltiples funciones otorga al género la capacidad de brindar relaciones únicas entre los distintos componentes del cine. En síntesis el género es una estructura y también un conducto por el que fluye el material desde los productores a los directores y desde la industria a los distribuidores, exhibidores y espectadores. Cabe señalar que el género cinematográfico va mas allá del habitual concepto de género literario que se ha entendido por algunas personas. Diferencias Cine Documental vs Testimonial vs Realista. El cine documental consiste en la divulgación de un algún tema de manera informativa y didáctica el cual muestra aspectos sociológicos, zoológicos, entre otros. Este tiene una serie de características que lo diferencian de otros como que huye de la ficción, al ser escenas tomadas de la vida real, no se obtiene ninguna toma actuada o generada por un productor como en el cine testimonial y el realista, los personajes no son actores profesionales como en el cine realista, su longitud suele ser más corta a diferencia del cine testimonial y el realista, Presentan gran variedad de contenido a diferencia del cine testimonial el cual se basa en la opinión o el testimonio de una o varias personas sobre uno o varios temas, busca la realidad para filmarla contrario al cine realista que intenta crear la realidad.
Parte I Análisis técnico de algunas propiedades del cine, con respecto al Colombian Dream. Pista de sonido cinematográfica: Las vibraciones del aire se convierten en corriente eléctrica, permitiendo asi que sean absorbidas por el micrófono, para ser llevadas hasta la banda sonora, que es donde se obtiene el sonido, para luego ser usado sobre la imagen, esta señal se puede registrar de forma magnética u óptica, siendo así el sonido magnético la señal que se transfiere a una cabeza magnética de grabación, donde circula una cinta de grabación recubierta por partículas de Oxido y se envían luego a otra cabeza lectora. El otro tipo de sonido, el óptico, el cual está basado en la modulación de un haz luminoso, el cual varía según las fluctuaciones de intensidad y después de ser revelada, podrá reproducir esas fluctuaciones. El sonido también depende de la calidad del video, debido a que la toma debe repicarse en una película perforada para posteriormente sincronizarse con la imagen y, tras el montaje, incorporarse a la banda magnética de la película. El micrófono es el instrumento esencial para convertir el movimiento físico de las moléculas del aire en impulsos eléctricos. Se dividen en cinco tipos en función de su diseño, pero solo los de tipo resorte, condensador o cinta son de calidad profesional. La característica definitoria realmente importante es su direccionalidad y según como sea se dividen en: Omnidireccional, cubre un ángulo de 360º y son útiles para sonidos de ambiente, Cardiode, son sensibles a fuentes sonoras situadas frente a él y nula respuesta a las situadas detrás. Direccional, poseen un área de sensibilidad de 40º, son perfectos para grabar de lejos, también están los micrófonos específicos que se enganchan a la ropa pinzados, idóneos para grabar los diálogos en planos amplios y por último los de radio frecuencia, eliminan los cables permitiendo captar los diálogos sin restringir movilidad a los actores. Para resumir lo dicho anteriormente, usare la escena donde muere ¨El Sagaz¨, desde el momento en que llegan los gemelos, hasta que se retiran de la casa. En la escena se utilizaron diversos tipos de micrófonos, para poder abarcar el sonido de toda la escena en general, empezando por el Omnidireccional, el cual utilizan para captar el sonido de los tiros hechos por ¨Jesús Elvis¨ y los gritos de John Mclein, que provenían desde afuera de la casa.
Efectos especiales Uso y Abusos Son todos aquellos métodos de los que se recurre en una película para dar apariencia de realidad en algunas escenas que de manera convencional sería muy costoso o imposibles de lograr. Se dé fine también como “el grupo de técnicas que permiten modificar la apariencia de la imagen y el sonido. Actualmente los efectos especiales construyen una actividad especializada dentro de la poderosa industria del cine, a partir de especialistas en ciencia y avances tecnológicos que son aportados para contribuir en el mundo del cine. En el cine de Hollywood es común que se le dé prioridad a los efectos especiales por encima de otros aspectos quizás más importantes. En ciertas circunstancias los productores o directores utilizan demasiado los efectos especiales haciendo que la película se vea totalmente irreal opacando la trama y el guion de la película, un gran ejemplo son la mayoría de películas “gore” donde hay un exceso de sangre muertes y cortes exagerados en algunos casos. En la película EVA observamos elementos, lugares y paisajes en los cuales se utiliza un ligero toque de efectos especiales que provoca una impresión diferente a aluna película que usan los efectos especiales como su pilar de producción.
Tomas y Planos. El plano está determinado por la posición y la proximidad que tenga el actor con respecto a la cámara, siendo este muy útil, a la hora de enfocar objetos o encarar diálogos de actores, añadiendo asi, derivando asi una diversidad de planos, según la proximidad que se requiera. La escena a identificar se encuentra desde el instante donde los gemelos divisan a¨ John Mcklein¨ en el automóvil, hasta que salen de la casa de ¨El Sagaz¨, en esta escena, predomina el Flashback, mostrando la imagen desde 3 puntos de escena. Cuando los gemelos aparecen en las motos, se realiza un Plano panorámico, para mostrar una imagen completa de la ¨situación¨ que se vivía en ese momento, siguiendo en esa misma escena aparece posteriormente a los gemelos escondiéndose detrás de las plantas, en donde se realiza un Primer Plano medio, abarcando desde la altura de los hombros de los gemelos y ¨Rosita¨, haciendo un toma semisubjetiva, ocupando la pantalla con un tercio de su cuerpo, pero sin descuidar el plano donde se encuentran los otros actores, seguido de esa toma, se evidencia un Primerísimo plano, cuando enfocan al ¨Duende¨ diciendo: ¨¿pipí?¨, siguiendo el orden cronológico de la escena, se muestra como se le hace un Primer plano a ¨Jesús Elvis¨ mientras ¨Lucho¨ narra que él no es un asesino, sino un poeta, cabe destacar para ese plano, también se realizó un travelling circular, esto es, que se realiza una rotativa en torno al actor, continuando la escena, se pone en práctica el Plano general medio, para filmar la discusión del ¨Duende¨ con ¨Jesús Elvis¨ al momento de darse cuenta que este último no era un sicario, más adelante, cuando el ¨Duende¨ pone en práctica una de sus famosas cachetas, se realiza un Plano medio, para abarcar la figura de ¨Jesús Elvis¨ hasta por debajo de la cintura, además al instante donde recogen el celular del ¨Sagaz¨ se efectúa un Plano detalle, para enfocar el objeto.
Pista de sonido cinematográfica El sonido digital provoco una revolución en lo que refiere a la producción de filmes. La creación de una pista cinematográfica es un proceso que como ha avanzado a lo largo de los años se va haciendo más complejo. Al sus principios la pista de sonido se grababa en conjunto como se registraba las tomas del video, sin manera de manipular la imagen o el sonido. Ahora para producir una escena se hace un grabación de video y de sonido por aparte, que después serán editados y compuestos en un solo producto. Existen varios procesos por los que se puede realizar la grabación del sonido cinematográfico: Grabación de sonido directo: se graba al mismo tiempo que se filma la escena, debido a que se graba en directo no se puede discriminar todos los sonidos de fondo que transmiten alrededor de la toma por lo que de debe controlar la fuentes sonoras no deseadas. Grabación de sonido en estudio : En este se pueden controlar con mayor facilidad los sonidos no deseados dentro de la pista cinematográfica, a excepción del doblaje que siempre proviene de actores de voz , la fuentes acústicas pueden ser producidas por medios artificiales o naturales. En la película Okuribitu se puede apreciar en escenas tales como el concierto al inicio de la película, cuando el recuerda de niño cuando tocaba y el final de la película donde se utilizan pistas de sonido adecuadamente insertadas dentro de la película para que la música no fuera simplemente acompañamiento estático si no que se mostrara como referencias dentro de la película.
Critica y más Critica PARTE #1 Efectos especiales. Uso y abuso (concepto general).
Los efectos especiales son elementos que se utilizan para crear personajes, realidades y situaciones que por lo general no suceden en la vida real y que deben ser agregados a la vida real, tal es en el caso de la película Eva (España, 2011), dirigida por Kike Maíllo, en la cual se crean personajes (robots), a base de ya mencionado efectos especiales; Los efectos especiales pueden ser creados de dos maneras tanto de la manual como de los elaborados por el medio tecnológico, en la película ya mencionada anteriormente, se utilizan las dos manearas, esto lo podemos ejemplificar con la escena en que Alex (uno de los personajes principales) se encuentra manipulando una maquina que crea la mente del robot, dicho robot fue creado tanto por medio manual como el medio tecnológico, lograron darle una estructura muy realista, y es que se creo un traje en el que se introdujo una actriz y por medio de computadora se rellenaron las uniones con mecanismos mecánicos; otro caso muy parecido es la creación del gato robot, ya que su cuerpo fue hecho de forma manual al igual que una parte de sus movimientos, hubo personas manipulándolo, además de una afinación de estos por medio de computadora. Esa película aun siendo la primera película que trata el tema de robots en España, no se sometió a las que se ven normalmente en Canadá, Estados Unidos y otros países donde los efectos especiales son prácticamente la base de toda la película, en Eva se usaron los efectos especiales solo cuando la situación lo requería dándole así mas impresión a cada momento en los que la utilizaban, ello lo podemos percibir durante toda la película cuando en cada parte que aprecia un robot lo veían como normal, y no llegaban al extremo de darle el mayor énfasis.
Guion cinematográfico Básicamente es la trama o el relato escrito de lo que va a suceder en la película, similar a un novela. Se argumenta esencialmente teniendo en cuenta todos los aspectos de filme grabación y edición. El guion son diálogos, escenas, secuencia, y una descripción detallada de lo que cada actor hace en cada escena es muy importante definidos anteriormente es muy importante para la elaboración del guion que el creador del guion tenga todos los conocimientos necesarios acerca de cine, montaje rodaje, el costo económico. El guion es el trabajo global creado por un conocedor del lenguaje cinematográfico, el cual será la base o guía para la correcta creación de una película, es donde se estructura la trama y la historia a contar. En Hollywood se acostumbrado a los espectadores del cine a un clásico Happy End donde el héroe, el protagonista o personaje principal derrota al villano, o vence las dificultades y la película termina con un clásico y predecible final feliz. Aunque no es en todos los casos tenemos como ejemplos la película “Slumdog Millionaire” o “7 Pounds” que por ejemplo Slumdog Millionaire no presenta un final feliz realmente, por que se mostro en la película el hermano muere y los protagonistas, dando a elección del espectador la decisión si es o no un final feliz, otro caso es la película iraní una separación que nos da un final complementa abierto donde no sabemos en que terminara la historia, nos permite crear o seleccionar el final que creamos o que queramos.
Parte III Formatos de películas El formato de la película, determina la calidad de la película, asi como la fluidez de la animación de esta misma, para ello existen diferentes tipos de formatos, tales como: el de 35mm, el de 16mm y el electrónico, se cree que este último llegara a opacar a los otros 2, debido a que desde hace 100 años no ha existido mayor avance en los 2 primeros, por sus características, un poco inaccesibles o no deseadas, convertirían al cine en una industria electrónica, por ejemplo, el formato de 35mm es el más utilizado en el cine, si se requiere la mejor calidad de imagen y digo esto, porque, ha sucedido, donde para películas serias, graban en todo tipo de formato, para darle variedad a la imagen, utilizando formatos como el de 16mm y en algunos casos el ¨Súper 8¨, el cual antes se consideraba un formato doméstico, pero ahora se utiliza para efectos en promociones, documentales y muchas otras aplicaciones. También se emplea como herramienta eficaz para la enseñanza de cine. Se suministra en cartuchos de carga automática. El de 16 mm se modifica para ser llamado ¨Súper 16mm¨, esto porque rodar en formato de Súper 16 cuesta menos que en 35 mm, sin embargo se mantiene una calidad y resolución comparable en general. Es adecuado para una variedad de formatos de distribución, incluyendo películas en pantalla ancha, el Súper 16 ha sido el formato elegido por razones que van desde el “look” resultante, al ahorro de costos, el reducido volumen de los equipos y cualquier combinación de ellos. Cámaras cinematográficas resistentes se están haciendo cada vez más pequeñas y aún más portátiles, tan ligeras como de 2,4 kg. Se han probado en los lugares de rodaje y climas más duros: con alta humedad, sol ardiente, nieve, polvo y arena.
PARTE #2 Pista de sonido cinematográfica (concepto técnico) y ejemplos. Cuando nos referimos a pista de sonido en cine, hablamos del sonido que se utiliza para ambientar cada escena, es comúnmente usado para despistar al oyente, eso es ubicarlo en una situación emocional y pare que este se ubique en un momento, lugar y tiempo determinado, logrando así capturar la atención de la persona. En la película Eva (España, 2011), notamos un detalle cuidadoso en el sonido, cuando nos ubicamos en las escenas en que aparece el gato robot , específicamente cuando se encuentra en la casa y se trepa en el sillón, se logro darle un realismo al animal gracias a la pista de sonido utilizada, detalle que también se encuentra presente en la escena en que Alex se encuentra manipulando el creador de mente artificial, cuando el robot empieza a crear pensamientos, la pista que se utiliza nos crea la idea de que cada pensamiento esta hecho de cristal; muy parecido ocurre con la película El Colombian Dream (2006) en la cual durante toda la película se usan pistas de audio que nos hacen profundizar en cada escenas, nos logra transportar al hecho que esta sucediendo, mas notorio aun cuando escuchamos la pista utilizada al final de la película, lo cual nos da a entender ,de una forma mas profunda , que el país donde se filmo la película sufre de una serie de problemas, todo ello gracias al buen empleo de las pistas de sonido.
PARTE #3 Concepto de guion cinematográfico y en específico concepto de happy end (ejemplificar) El guion es el escrito que detalla lo que sucederá en toda la película, esta esta compuesta de todos los diálogos, las escenas, las secuencias y una descripción minuciosa de lo que los actores hacen en escena. Es por decirlo de otro modo un borrador de la película. Cuando nos referimos al happy end en una película, estamos hablando del desenlace del guion o final de la película feliz al que nos tiene acostumbrando el cine comercial. Un ejemplo en el que se rompe con esa tendencia es el final de la película Eva (España,2011), en la cual el robot termina siendo desconectado, algo que muchos no esperábamos que sucediera, todo a causa de la costumbre del happy end, otro caso muy notorio es el de la película Una separación (2011), en la que el final deja con tremenda incertidumbre a todas las personas, donde no se sabe si la niña decide quedarse con su padre o con su madre, lo cual probablemente era lo que el guionista quería, dejar con un grado de emoción a las personas; esas dos películas nos mostraron un desenlace diferente al habitualmente conocido como pro ejemplo al de la película Slumdog Millionaire (2008), en la cual si existe un happy end muy notorio, ya que el protagonista queda con chica y con dinero.
Géneros Cinematográficos. Adquirido el 12 de septiembre del 2012 de http://www.fba.unlp.edu.ar/medios/biblio/Altman-Los-Generos-Cinematograficos.pdf Cine documental. Adquirido el 12 de septiembre del 2012 de http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lco/paredes_l_af/capitulo2.pdf Cine. Adquirido el 12 de septiembre del 2012 de http://www.educarchile.cl/Portal.Base/Web/VerContenido.aspx?ID=195265 Cine testimonial. Adquirido el 12 de septiembre del 2012 de http://www.minotaurodigital.net/textos.asp?art=86&seccion=Cine&subseccion=articulos Cine documental. Adquirido el 12 de septiembre del 2012 de http://www.mariapinto.es/alfamedia/cine/documental.htm Efectos Especiales. Adquirido el 12 de septiembre del 2012 de http://blogs.prensa.com/cine/los-chicos-de-los-efectos-especiales/ Cine Comercial vs Cine Arte. Adquirido el 12 de septiembre del 2012 de http://labutacadecine.blogspot.com/2009/06/cine-comercial-versus-cine-arte.html Guion Cinematografico. Adquirido el 12 de septiembre del 2012 de http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/guionquees.htm Guion Cinematograico. Adquirido el 12 de septiembre del 2012 de http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lco/peralta_f_a/capitulo1.pdf
Géneros del cine (Testimonial, Documental, Realista) Género: Son las cualidades que permiten al observador identificarse con el relato mostrado y disfrutarlo en un grado mayor, debido a que conoce las bases que regulan todo aquello que se muestra en la pantalla. Por ejemplo, el espectador cuando ve una película con un género fácil de reconocer, procederá a tratar de adivinar la película, utilizando como herramienta los estereotipos que conoce de este. El género documental, aleja de la ficción y refleja acontecimientos reales, entre el documental y el cine de arte, hay muy poca diferencia desde el punto de vista en que se trate, por ejemplo, cabe imaginar un documental sobre la vida de un animal, probablemente, el guión de dicho documental dramatice los hechos esenciales que rodean a la especie en cuestión, e incluso realicen situaciones en donde se obtenga lo que se quiera filmar del animal, que de forma natural hubiese sido imposible, algunas veces usan animales adiestrados, provocando asi una similitud de un ¨artista¨ en este caso, animal, que al combinarse con una correcta narración, daría un aspecto creíble del documental, además, está el testimonial, el cual exhibe una intencionalidad muy precisa, de donde se deriva el peligro de distorsionar la narración, debido a la dificultad de registrar la historia, por muy buena intención que se tenga de ser objetivo, lo que hace necesaria la voluntad de tener fe en el discurso del narrador por parte del receptor. Una vez que el espectador acepta este requisito, convencido por la idea de que el testimonio conlleva ante todo preocupación por la sinceridad y de que ser testigo implica responsabilizarse por la verdad, el género testimonial puede producir un notable efecto de realidad y provocar la sensación de experimentar lo real.
Cine documental (s. f.). Recuperado el 13 de Septiembre del 2012, de http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque4/pag12.html El sonido (s. f.). Recuperado el 13 de Septiembre del 2012, de http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque7/pag5.html Planos, ángulos, tomas y movimientos de la cámara - Fotografía y Vídeo (s. f.). Recuperado el 13 de Septiembre del 2012, de https://sites.google.com/site/fotografiavideoangulosplanos/planos-angulos-tomas-y-movimientos-de-la-camara Torres, R. (s. f.). El cine testimonial, la literatura y la realidad. Recuperado el 13 de Septiembre del 2012, de http://www.minotaurodigital.net/textos.asp?art=86&seccion=Cine&subseccion=articulos Tipos y Formatos de Películas (s. f.). Recuperado el 13 de Septiembre del 2012, de http://www.kodak.com/cluster/lar/plugins/acrobat/es/motion/publicaciones/referenceGuide/plugins_acrobat_es_motion_newsletters_filmEss_05_Film_Types_and_Formats.pdf
Elegir bien un tipo de toma es fundamental para transmitir lo que se desea al espectador, en términos generales existen unos siete tipos de tomas divididas a su vez en subgrupos, estos son el encuadre, angulación, punto de vista, movimiento de cámara, planos especiales, planos contra planos y transiciones. El encuadre se refiere a la distancia que se encuentra la persona o el objeto de la cámara, es decir la profundidad de la toma, varia según distancia; por ejemplo el Plano General Largo es aquel que nos permite enfocar paisajes y escenas con gran profundidad, mientras que el Plan detalle permite enfocar objetos en especifico a lo que se le quiera dar énfasis. La angulación permite crear una imagen estéticamente agradable, además permite denotar inferioridad o superioridad de un personaje hacia otro, en general permite que una toma sea dinámica ya sea con tomas como la “Flip over” que presenta a dos objetos en diferente orientación, como por ejemplo a alguien en el techo mientras otro esta en el piso, o el “Plano Semisubjetivo” normalmente usado en escenas de terror para mostrar que alguien esta mirando a otro por las espaldas mientras este no nota su presencia. El punto de vista muestra la percepción de alguien o algo hacia otra como por ejemplo una toma que parezca que se esta haciendo a través de binoculares. Cuando se habla de movimiento de cámara hace referencia a el travelling esto significa que la cámara se mueve con forme se mueven los personajes. Los planos especiales y las transiciones más que todo permiten entender el contexto de la toma en si, donde se lleva acabo, además permite mostrar dos imágenes de eventos que estarían pasando al mismo tiempo.
Crítica Cinematográfica especializada
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Elementos del análisis
Debe tener un título
Omitir juicios de valor
Omitir recurso del copy/paste
Omitir análisis sociológico
Omitir sitios web superfluos
Utilizar referencias bibliográficas tipo APA
Elegir una escena de un film específico para análisis técnicos
Elegir films diversos para análisis generales
Films Posibles
1. Le fabuleux destin d'Amélie Poulain (2002)
2. EVA (2011)
3. Water (2005)
4. Okuribitu (2008)
5. La piel que habito (2011)
6. Una separación (2011)
7. Cidade de Deus (2002)
8. El Colombian Dream (2006)
9. Le scaphandre et le papillon (2007)
10. Slumdog Millionaire (2008)
Temas de análisis (elegir 4)
Concepto de 35 milímetros vrs concepto de 16 milímetros vrs concepto de video electrónico (ejemplificar)
Concepto de guión cinematográfico y en específico concepto de happy end (ejemplificar)
Concepto de género en cine y específico diferencias entre cine documental, testimonial y realista.
Cine norteamericano comercial vrs cine arte (diferencias ténicas).
Tomas y planos (concepto general), ejemplificar con una escena.
Edición cinematográfica, concepto general y ejemplos.
Efectos especiales. Uso y abuso (concepto general).
Pista de sonido cinematográfica (concepto técnico) y ejemplos.
Metodología
Publicación en blog de cine mediante comentarios continuos ( Parte 1, parte2, etc.) en apartado “Crítica cinematográfica”.
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ResponderEliminarParte 1.
ResponderEliminarPista de sonido cinematográfica:
Las pistas de sonido en el cine es uno de los aspectos más importantes que se a realizando desde los primeros inicios del cine, ya que estas pistas son producidas por ingenieros muy preparados en la actualidad, cabe destacar que las primeras pruebas de sonido se realizaron el 1927-1928 en salas de cine con películas sin dialogo (solo música). La primera película que incorpora diálogos es El cantor de Jazz (6 de octubre de 1927). El sistema utilizado era muy primitivo, se llamaba MovieTone y consistía en un tocadiscos coordinado con el proyector de cine. Se producían errores de sincronía a menudo. No llegó a Europa.
A pesar de esta consideración, no era una cinta totalmente sonora. Contenía algunas canciones y varios fragmentos hablados; en uno de ellos, el protagonista, Al Jolson, miraba a la cámara y pronunciaba la primera línea de diálogo de la Historia del Cine: "¡Esperen un minuto: aún no han oído nada!"
Después de esa frase nada fue igual y el cine mudo comenzó a ser algo del pasado. Después de este éxito sin precedentes del Warner, los demás estudios comenzaron a producir películas que cada vez ofrecían más diálogos. La primera totalmente hablada sería "The lights of New York", en 1928 dirigida por (Bryan Foy) esta largometraje utilizo el sistema de sonido (Vitaphone).
Como mencionamos anteriormente el sonido es uno de los aspectos mas importantes en la realidad, para llegar acabo una posproducción de sonido es sumamente complicado, ya que para realizar un buen sonido se necesitan buenos ingenieros.
Para dar una idea de posproducciones detallistas de sonido nos referimos ala película Amélie (Le fabuleux destin d'Amélie Poulain ) es una película francesa de 2001 dirigida por (Jean-Pierre Jeunet), co-escrita por el director y (Guillaume Laurant) y protagonizada por (Audrey Tautou). Bajo el lema de «Elle va changer ta vie...» (Algo así como Ella va a cambiar tu vida...) en esta película podemos apreciar una alta calidad del sonido el cual es producido por (DTS - Dolby Digital), para dar un ejemplo cuantificable podemos observar cuando Amélie esta en la calle y mete la mano en el costal de granos, en esta escena podemos escuchar la calidad del sonido, la delicadeza con la cual esta echa esta pista de sonido con lo cual solo profesionales en el ámbito del sonido lo podrían realizar.
parte 2
ResponderEliminarEl sonido es sumamente importante en todo su esplendor pero para efectos del cine este llega una batuta muy importante pues este es esencial para cautivar la audiencia, un ejemplo que podemos mencionar es en la gran exitosa película wáter (directora Deepa Mehta), pues esta película nos muestra una pista de sonido impecable cabe destacar que la escena donde realizan el festival del color presentan un sonido impecable.
El sonido es un problema de ingenieros con lo cual cada día el sonido cinematográfico se esta perfeccionando, en la actualidad la mejor calidad de sonido es donde se utilizan los primeros cinco altavoces los cuales emiten sonidos de plena frecuencia mientras que el subwoofer emite las bajas frecuencias. El DTS utiliza una resolución de bits superior a la del Dolby Digital 5.1.
Cine norteamericano comercial vrs cine arte
Como en todo arte siempre vamos a tener dos partes una comercial y la otra artística y con lo cual el cine no se escapa de esta tendencia mundial. Cabe destacar que en la actualidad estamos siendo bombardeados por el cine norteamericano comercial, el cual muchas personas llaman cine basura pues este carece de muchas cosas que realmente caracterizan el cine común mente llamado sétimo arte.
Es importante mencionar que el cine comercial lo que trata es de vender una película con lo cual ellos lo que quieren es recolectar dinero y se acabó, suprimiendo lo que llamamos arte.
Entre el cine comercial y cine arte podemos encontrar muchas diferencias técnicas pues el cine comercial parece de una buena trata, estética, sonidos de calidad, en otras palabras este tipo de cine se queda muy corto, pues cuando realizan este tipo de películas lo único que están pensado es en recibir dinero y dejando por un lado lo que en realidad es el cine, por otro lado encontramos el cine arte este tipo de cine es muy rico en su totalidad pues este cuanta con una trama muy esplendorosa, presenta una estética genial y además este cine cautiva el espectador de tal manera que este se refleje en la film, y en el ámbito del sonido presenta posproducciones increíbles.
Es penoso y ridículo comparar una producción con wáter (directora Deepa Mehta), con Batman, pero esta comparación nos hará entender algunas diferencia técnicas importantes, en la película Water nos presenta una trama, estética muy sobresaliente ya que nos da a conocer temas muy importantes que en muchos casos la humanidad lo deja de un lado, esta película nos muestra un sonido no escandaloso si no sutil acoplado a su trama; en la otra contra parte la película Batman nos presenta una trama sin ningún argumento llega de violencia, un sonido pésimo, escandaloso que no se ajusta algunas veces a su trama.
parte 3
ResponderEliminarAlgunas personas han tomado el cine como un comerció lo cual es indignante, pues este es un medio para presentar situaciones importantes que recalquen y engrandezca la integridad del ser humado, un ejemplo que pone en gran evidencia la diferencia del cine comercial con el cine arte es la gran película (Le scaphandre et le papillon (Diving Bell and the Butterfly) Director (Julian Schnabel), esta presenta un guion de primerísima clase y lo que tiene de especial este guion es la sutiliza con la que fue planteado con lo cual pone en lo mas alto el (sétimo arte) , esta es una de las grandes diferencias del cine comercial no cuanta, carece de un guion una estética.
Edición cinematográfica:
La edición o montaje forma parte de la última fase en la fabricación de películas y programas de tv, y algunas veces la llámanos fase de postproducción. Montar una película es construirla a partir de un material, el celuloide en que ha sido rodada, para un público de espectadores en los que se persigue un efecto determinado: interés, risa, miedo, emoción, reflejo de su vida, etc.
La edición cinematográfica es sumamente importante cuando se comienza a ordenar todas las partes de la película o cortó, etc. pues el editor tiene que contemplar muchas variables algunas de las más importantes es el ritmo interno y externo de la film, además este tiene que controlar cada escena o edición a atreves del tiempo.
El trabajo de un editor no solo consiste en yuxtaponer los planos, cortar y pegar, un editor ordena la narrativa y la rítmica del film; es él quien transmite las emociones al espectador lo incentiva a sentir la película, de modo que se evaluará la conveniencia de colocar a la emoción como primera y aleatoria condición para decidir un corte. La segunda consideración es hacer avanzar la historia que esta tenga un idea central donde se van a desarrollar ideas secundarias con el fin de tener el espectador en un estado inquieto; la tercera es mantener un ritmo interesante en el film con lo cual hacer que la audiencia se interesé en la historia; cuarta es la línea de mirada con la cual se pretende una buena estética; quinta el eje de acción y por último el espacio tridimensional de la acción este tiene un gran énfasis pues el editor tiene que escoger un espacio tridimensional adecuado para realizar cada puesta en acción en el lugar mas adecuado o mas bien donde la escena tenga las estética impecable.
Es de interés tratar de explicar una edición cinematográfica con algún ejemplo, podemos dar una pincelada de como editaron Amélie, esta película es considerada una de las mejores del mundo pues tiene una edición muy importante pues la narración es flexible en cada escena y por su planteamiento de edición permite volver a montar temas posteriores en el transcurso de las escenas, otra de las etapas de montaje de Amélie que la hizo tan reconocida fue el proceso de ajuste de color para que la film tenga una continuidad con los diferentes planos y tomas este proceso suele llevarse en varias fases para tener el cuidado y la delicadeza de producir una obra de arte como es está film.
parte 4
ResponderEliminarEfectos especiales. Uso y abuso:
Los efectos especiales en la realidad son una parte muy importante en las film, estos son un grupo de técnicas que permiten modificar la apariencia de la imagen o el sonido.
Los efectos especiales nacen por una necesidad ya que los productores quieren envolver al espectador en la ilusión de que algo era real, cuando no lo era. Con este propósito, empiezan a surgir diversas técnicas que permití¬an crear esta “magia” con mayor efectividad. Inicialmente las llamaron “trucos”, pero, más tarde, recibieron el nombre de Efectos Especiales.
Existen numerosas técnicas para realizar efectos especiales algunas de ellas las podemos analizar a continuación.
Efectos mecánicos: estos son uno de los mas simples, se refiere a cualquier creación fí¬sica en el decorado o localización del rodaje, mientras se filma de modo habitual: por ejemplo, las explosiones, el fuego, el viento, la lluvia, paredes que se derrumban, efectos de las balas, maquetas y modelos en miniatura para facilitar un rodaje, y otros recursos similares. Estos efectos datan de los mismos orí¬genes del cine, ya que muchos de ellos se tomaron de los espectáculos teatrales y del ilusionismo.
Efectos ópticos: Esta se aplicable a cualquier distorsión de la filmación directa hecha con la misma cámara con la que se rueda, o mediante un tratamiento especial de la pelí¬cula durante el proceso de revelado y positivado. El más simple de estos efectos es la sobreimpresión, que significa tener imágenes superpuestas en una serie de fotogramas.
Efectos de montaje: Las técnicas de hacer aparecer y desaparecer los objetos, o cambiarse unos por otros parando la cámara, y sustituir un objeto por otro antes de comenzar a filmar de nuevo, logrando que el empalme entre los dos tramos de pelí¬cula sea imperceptible.
Incrustaciones en movimiento: Las combinaciones de cachés simples no sirven cuando lo que se busca es que el fondo esté en movimiento cuando el actor también lo está (por ejemplo, el paisaje que se ve a través de la ventanilla de un tren). Se idearon diversas formas de incrustación en movimiento. En el básico, los actores se graban delante de una pantalla con un color apropiado, filmación de la que se obtiene una silueta negra en movimiento que se puede incrustar sobre el fondo grabado por separado cuando los dos se combinan al final en el copiado. Hay muchas variaciones complejas de este proceso básico, pero normalmente es una pantalla azul -”el chroma key”- la que se coloca detrás de los actores.
parte 5
ResponderEliminarActualmente los efectos especiales constituyen una actividad especializada dentro de la poderosa industria del cine, que se nutre de la ciencia y desarrolla a la par de los avances tecnológicos, pero en la actualidad con el gran avance tecnológico desarrollado, los editores algunas veces abusan de estos efectos especiales ya que estos tratan de crear acontecimientos históricos (futuristas), con lo cual llevando algunas escenas a un abuso de los efectos especiales.
Es importante mencionar que en los inicios del cine los efectos especiales o ópticos se usaba de tal forma que exponían dos capas de película, que han sido la base del funcionamiento de la mayorí¬a de los efectos especiales hasta hace pocas fechas.
Los efectos especiales que vemos en el cine son, en realidad, la mezcla de varias técnicas. Estas surgieron con el propósito de crear una fábrica de sueños fí¬lmicos que hagan desaparecer la frontera entre la realidad y la fantasí¬a.
Para ejemplificar un efecto podemos mencionar la película Amélie pues en esta film encontramos un efecto especial muy importante, nos referimos ala escena cuando la niña libera el pez al caño este cuando iba cayendo como a un medio metro antes de tocar el agua este se dio vuelta y se despedido de la niña, como podemos ver este es un efecto muy impresionante, cuanta con una gran delicadeza.
Bibliofrafia:
3 Jun 2012 – EFECTOS ESPECIALES EN EL CINE. shtml
Recuperado de http://www.claqueta.es/articulos/efectos-especiales-en-el-cine.html
Buenos Aires. La Rocca, 2007. Cromatografía.
Recuperado de http://es.wikipedia.org/wiki/Croma
Película sonara 1927-1928.
Recuperado de http://www.muyinteresante.es/icual-fue-la-primera-pelicula-sonora
Edición cinematográfica jueves, 02 de noviembre de 2006.
Recuperado de http://ecine.blogcindario.com/2006/11/00010-la-edicion.html
Cortos y planos edición cinematográfica.
Recuperado
de. http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/tiposdeplano.htm
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ResponderEliminarEFECTOS ESPECIALES
ResponderEliminarSon un conjunto de técnicas especializadas de carácter visual y auditivo con el fin de crear un ambiente imaginario el cual es imposible de obtener mediante técnicas comunes o naturales y también busca captar tanto la atención como el asombro del público en general. Le fabuleux destin d’Amélie Poulain es una producción de origen francesa estrenada en el año 2001 a cargo de Jean Pierre Jeunet, es catalogada por grandes críticos de cine como una gran película en aspectos de dirección, actuación, guion, música, fotografía, montaje y diseño. Este filme participó en una gran variedad de concursos cuyo porcentaje de éxito fue bastante alto tanto a nivel nacional como internacional. Una de los aspectos que se enfatizan en la película es la inclusión de una serie de efectos visuales.
Los efectos especiales durante el rodaje de la película son abundantes, por ejemplo, durante el ciclo introductorio cuando Amélie era una niña tomaba una variedad de fotos a las nubes las cuales presentaban figuras que representaban animales entre ellos el conejo, otro efectos ocurren en la interacción de Audrey Tautou con el agua tanto en la escena en donde el pez se despide de ella en la etapa de su niñez y cuando por ocio se dedica a tirar piedras. Estos tres efectos mencionados anteriormente son realizados de una forma cuidadosa mediante gráficos animados programados dentro de un computador. Por otra parte como opinión subjetiva creo que en ciertas secciones de las películas, por ejemplo, cuando los personajes se desvaneces en especial Amélie, cuando su corazón resplandecen y el movimiento de pinturas y objetos son figuras no retóricas que están de más en el filme y que conforme un universo fuera de toda representación de la realidad.
35 MM VRS 16 MM
ResponderEliminarEn el ámbito cinematográfico existen tres formatos de películas: 8mm, 16mm, y 32mm estos valores representan los marcos de referencia o el ancho de los filmes. A medida que los valores aumentan se produce una mayor definición y un equilibrio estándar en aspectos de nitidez, brillo y contraste. El formato de 16 mm es el más económico en comparación con el de 35 mm, actualmente se utiliza en cortos debido a su simplicidad. De manera antagónica el filme de 35 mm presentan un mayor presupuesto, sin embargo, consigue una mejor definición mejorando la calidad de la imagen y haciendo de cada escena una fotografía.
En la película titulada “Water” dirigida por Deepa Mehta se observó en gran porcentaje de la película la calidad de la imagen, el responsable de la calidad de la fotografía y del aspecto cinematográfico fue Giles Nuttgens. La película se diferencia ampliamente de las demás debido a que presentan una calidad de la iluminación, imágenes atractivas de paisajes y retratos que producen un efecto positivo en el receptor.
La película fue realizada en Varanasi una ciudad rodeada por el rio Ganges en donde la belleza natural abunda todos estos aspectos fueron aprovechados, por ejemplo, en la escena de la película en donde Lisa Ray y Jonh Abraham se encuentran debajo de un árbol, en esta parte de la película el director utiliza su imaginación y demás herramientas para crear un retrato, una imagen de 35 mm de gran calidad, de las misma manera las interacciones que presentan algunos personajes con el agua crea escenas increíbles que representan un gran trabajo digital y creativo.
CONCEPTO DE GUION CINEMATOGRÁFICO
ResponderEliminarEl guion cinematográfico es la estructura principal, la base fundamental de la estructura dramática audiovisual, es un elemento cuyos márgenes y relleno están conformados por literatura, este aspecto principal del cine tiene como objetivo primordial contar una historia cuyos elementos se basan en escenarios, personajes y diversas situaciones mediante una descripción audiovisual. El concepto de guion cinematográfico se representa de manera directa con la película de Pedro Almodóvar titulada “la piel que habito” en donde se muestra un guion debidamente estructurado con todas sus cualidades, además, cabe rescatar que los guiones de Almodóvar se diferencian de los demás por generar un misterio junto con un desorden de ideas al principio que conforme se desarrollo la película se van amalgamando de una manera impecable y secuencial.
“Happy end” es un concepto incorporado al séptimo arte debido al predominio de películas cuyo desarrollo esta basado en una trama y como conclusión se resuelvo todos o la mayoría de los conceptos, sin embargo, muchos productores de cine han dejado esa tendencia que genera en los expectadores la predicción del final, un ejemplo, es el filme mencionado anteriormente realizado por Almodóvar cuyo punto de predicción del desenlace de la película se pueden obtener únicamente en las ultimas escenas no al principio como en la mayoría de las producciones cinematográficas.
CONCEPTO DE GÉNERO EN CINE Y ESPECÍFICO DIFERENCIAS ENTRE CINE DOCUMENTAL, TESTIMONIAL Y REALISTA.
ResponderEliminarEn general, un género cinematográfico es el concepto con el cual se puede dividir mediante temas las películas tales como, comedia, drama, acción, terror, aventura, entre otros. Estos clasifican a los filmes según sus características emocionales. De una manera ejemplificada se puede clasificar a la obra de “le fabuleux destin d’Amélie Poulain” como una comedia romántica, sin embargo, a mi criterio un simple genero no puede representar el significado de una película y todo el trabajo que esta conlleva.
El cine documental es aquel que por medio de herramientas audiovisuales se representa una representación parcial de la realidad de esta manera como objetivo principal trata de hacer una critica sobre algún tema en especifico, sin embargo, este puede utilizar partes fuera de la realidad.
El documental testimonial es aquel que mediante una serie de testimonios generalmente expresados por personas se quiere cambiar el estilo de pensamiento de la población y el documental realista es aquel cuyo eje temático se concentra en representar la realidad tal y como es, este documental se ejemplifica con la película titulada “Ciudad de Dios, una producción de origen brasileño la cual expresa de una manera tosca la cruda realidad que aguardan en las diferentes favelas. Esta producción es dirigida por Fernando Meirelles.
BIBLIOGRAFÍA
Jiménez, P. (2009). Lenguaje cinematográfico Recuperado el 07 de Septiembre del 2012, de http://www.zemos98.org/descargas/eacine/04LenguajeApuntes.pdf
Sanchez, R. (2011). Cinematografía y sus composiciones Recuperado el 07 de Septiembre del 2012, de http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lco/jimenez_l_ma/capitulo1.pdf
Bermudez, N. (2008). El cine y el video Recuperado el 07 de Septiembre del 2012, de http://www.saber.ula.ve/bitstream/123456789/26457/1/articulo5.pdf
Parte 1
ResponderEliminarAspectos importantes en el cine
El presente trabajo consta de una explicación de diferentes términos que se utilizan en el cine para poder caracterizarlo e identificarlo, y con ello conocer más ampliamente algunos temas que son importantes valorar para poder identificar el cine que se tiene.
Además se abordaran las diferencias que permiten distinguir una película de otra en cuanto al género. También se comentara lo que nos presenta el cine norteamericano comercial y el cine arte, mediante lo cual se podrá concluir las grandes diferencias que tiene cada cine. Otro tema que se abordara son los efectos especiales que se utilizan en las películas, se explicara en que consiste y se tratara de comentar como son realizados estos efectos en una película. Y por último se abordara el tema de la pista de sonido donde se comenta términos importantes, y se señala la importancia de estos.
Estos términos serán explicados con ejemplos de diferentes películas que serán mencionados en el transcurso de esta crítica.
Con estos diferentes temas se tratara de explicar aspectos importantes de una película y mostrar las diferencias que hace sobresalir y obtener grandes premios a los films.
Parte 2
ResponderEliminarGenero en el cine
El género en una película es el tema que se quiere plantear, se fundamenta en un tema en específico y algunas veces se identifica con el escritor de la película. Estos temas buscan algunas veces denunciar algún problema social, político, económico o cultural que aqueje una sociedad, también se encuentran temas informativos que destacan algún aspecto relevante de una situación determinada, así como de informar y dar a conocer algún tema o lugar.
En el cine se encuentran mucho tipos de géneros entre lo cuales vamos a mencionar el cine documental, testimonial y realista.
El cine realista se enfoca en situaciones vividas por personas o sociedades. Identifica características que predominan en un lugar y trata de denunciarlas a través del cine. Ejemplos de escenas de cine realista se encuentra en las siguientes películas.
La película Water (2005) dirigida por Deepa Metha se presenta la realidad de las mujeres de la India que según su religión al quedar viudas deben pasar el resto de su vida en un lugar dispuesto para ellas. Esto se evidencia en una escena donde una niña queda viuda y es llevada a este lugar, donde se le limita su libertad y es obligada a permanecer allí.
También una película que presenta un carácter de cine realista es Ciudad de Dios (2002) dirigida por Fernando Meirelles y Kátia Lund que se basa en hechos reales, presentado las situaciones de las personas que viven en las favelas en Brasil. Una escena donde se presenta una situación realista en donde después de que un grupo de jóvenes que asaltan un Motel llegan al pueblo y se esconden, seguidamente llega la policía y pregunta que si los han visto, pero nadie da respuesta. Presentándose así algo muy usual ante el comportamiento de las personas de este lugar.
El género documental indaga la realidad, plantea discursos sociales, representa historias particulares y colectivas (tomado desde http://www.cinedocumental.com.ar/sitio/). Este género presenta la cultura así como la historia de lo que se realiza en lugar determinado.
Un ejemplo de cine documental es Ciudad de Dios (2002) dirigida por Fernando Meirelles y Kátia Lund, que presenta varias situaciones reales además de que plantea los problemas que aqueja una sociedad en las favelas en Brasil. También por medio de esta película que se presenta como un documental se hace una denuncia de cómo niños se van sumiendo en la delincuencia sin que tengan una ayuda para que se puedan de nuevo incorporar a la sociedad.
El genero testimonial es el cine que trata de dar un idea o una explicación de un tema. Se abordan contenidos en los cuales las personas expresan lo que les pasa en diferentes momentos de su vida. Como ejemplo de esto tenemos la película La Escafandra y la Mariposa (2007) dirigida por Julian Schnabel donde se presenta lo que le sucede a una persona que tiene una parálisis. Además se pone de ejemplo lo que una persona tiene que pasar ante la enfermedad y de como trata de expresar lo que siente por medio de su ojo que es lo único que no tiene parálisis.
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ResponderEliminarParte 3
ResponderEliminarCine norteamericano comercial contra cine arte
Entre el cine norteamericano comercial y el cine arte se presenta gran cantidad de diferencias que afectan directamente en la calidad de las producciones.
El cine arte hecha mano de la ingeniería para realizar sus producciones ejemplo de ello la película Amélie (Le fabuleax destin d´Amélie Poulain) (2002) dirigida por Jean-Pierre Jeunet la cual utiliza elementos ingenieriles para producir escenas que destacan, comparadas con el cine comercial. Ejemplo de ello se tiene los efectos especiales que están acorde con el film y los cuales son realizados por gente especializada que tiene un gran camino recorrido en estos campos. En cambio en el cine comercial se trata de sorprender al espectador con escenas exageradas con lo cual lo hace que sea transitorio y no tenga un sentido verdadero para las personas.
Se debe recordar que este cine comercial es hecho solo para obtener ganancias, donde la calidad de la película se mide por el dinero que se recoja en su estreno y no por aspectos técnicos como los antes mencionados.
Comparando la película Amélie (Le fabuleax destin d´Amélie Poulain) (2002) dirigida por Jean-Pierre Jeunet con una película comercial como puede ser el Hombre Araña se evidencia una gran diferencia en muchos aspectos. Un ejemplo puede ser las imágenes, donde la película Amélie presenta gran cantidad de escenas que son producidas en base a la presentación de un buen arte a diferencia de esta otra película que es muy pobre en este tema y lo que quiere es obtener una ganancia lo cual la hace una película pasajera.
Parte 4
ResponderEliminarEfectos especiales
El cine siempre busca tratar de llamar la atención, esto lo puede lograr de muchas maneras y una de esas es la utilización de los efectos especiales.
Los efectos especiales son técnicas que buscan presentar una escena como si fuera real pero que no lo es, un ejemplo de esto se presenta en la película Amélie (Le fabuleax destin d´Amélie Poulain) (2002) dirigida por Jean-Pierre Jeunet, donde el pez es liberado y este se despide, obviamente esto no sucede en la realidad por lo cual se recurre diferentes efectos para poder presentar esta escena y hacerlo que parezca real.
Las personas se asombran de lo que una película es capaz de trasmitir por medio de los efectos especiales, donde muchas veces estos efectos pasan desapercibidos y parecen que son reales. Un ejemplo de esto es cuando en la película La Escafandra y la Mariposa (2007) dirigida por Julian Schnabel le cosen el ojo al hombre que tiene la parálisis, en esta escena se hace sentir a los que ven la película como si se estuviera dentro del ojo. Esto se logra por medio de efectos ópticos, donde se utiliza la cámara grabando detrás de un objeto que parezca un ojo.
Una gran film que rescata efectos especiales y que hace mantener a la audiencia con la atención puesta es la película es Amélie (Le fabuleax destin d´Amélie Poulain) (2002) dirigida por Jean-Pierre Jeunet donde en el transcurso de las escenas utiliza los efectos especiales. Esto se evidencia por ejemplo cuando Amélie en su lugar de trabajo la cafetería, se desvanece como el agua siendo este un gran efecto. Esto se logra por medio del uso de cámaras especializadas y además de que las imágenes se les da un tratamiento especial.
También entre otros efectos se tiene cuando en una escena los animales hablan. Mediante el tratamiento que se le da a cada unas de estas escenas hace parecer como si lo que sucede fuera real y así mantener una gran expectativa en todo el transcurso de la película.
Parte 5
ResponderEliminarPista de sonido cinematográfica
Inicialmente el cine era mudo el cual se transformo a partir de 1927, donde la primer largometraje que utiliza el sonido es El cantante de jazz, básicamente el sonido consistió en los diálogos. Esta película fue dirigida por Alan Crosland.
El sonido en el cine es un elemento de gran importancia ya que hace al espectador que se sienta en ese lugar y de que viva la película en un sentido más amplio. Se puede decir que el sonido le da vida a las diferentes escenas.
Un punto que es importante destacar es que el sonido es grabado aparte de las escenas, y luego es acoplado a la película. Con esto se logra resaltar gran variedad de sonidos que van desde los muy simples hasta los muy complejos pero que requieren un trabajo para poder tenerlos. Además se puede influir en los sonidos que se quieren en esa escena y agregar o quitar cualquier enfoque que se le quiera dar a las escenas mediante el sonido.
En la película Amélie (Le fabuleax destin d´Amélie Poulain) (2002) dirigida por Jean-Pierre Jeunet el uso del sonido se destaca en casi todas sus escenas. Es impresionante como esta película llama la atención del espectador y lo introducen en el film. Ejemplo de ello se da cuando Amélie mete sus manos en los sacos de los granos de legumbres, y se obtiene un sonido espectacular que hace que se escuche igual como se da en la realidad en un grado de amplificación.
También otro ejemplo de esto se da cuando Amélie se encuentra una caja con unos juguetes de un niño. Se aprecia todos los sonidos como por ejemplo cuando abre la caja y cuando manipula los juguetes entre si. Además se nota en esta película tuvo un gran manejo del sonido desde el rechinado de la puerta hasta cuando se da el corte de una cuerda o cuando escribe Amélie en la pared del café donde trabaja.
Para poder obtener el sonido en una película se trabajan con diferentes técnicas algunas de esta son: grabación del sonido directo, grabación del sonido en el estudio, doblaje, efectos, música, sincronización y montaje,. Además se cuenta con dos sistemas de sonido sistemas analógicos y sistemas digitales.
Por efectos se entiende, los sonidos que son grabados después de que se toma una escena, ejemplo de ello se da en la película Ciudad de Dios (2002) dirigida por Fernando Meirelles y Kátia Lund, donde el sonido de las armas que se utilizan son grabados posteriormente o tomadas de otros lugares e incorporadas en tales escenas.
También la música juega un papel muy importante en las películas, con lo cual las escenas presentan un mayor interés para el público y son mas llamativas, como ejemplo de esto tenemos la película Water (2005) de Deepa Metha que utiliza la música en varias escenas con lo cual la hace mas interesante para los espectadores.
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Parte 1
ResponderEliminarCONCEPTO DE GÉNERO DE CINE:
El género en una película está sumamente relacionado por ejemplo con la familia, ya que es una diferencia o característica que le da un contraste con otra, para lograr su identificación; patrones, formas, estructuras, estilos son varias de estas características singulares, estos géneros son capaces de brillar en varias operaciones simultáneamente. Se toma en cuenta que para realizar una película el director debe tomar un papel de observador de la misma para así visualizar un punto de vista crítico. Los géneros más mencionados se encuentra: la Comedia, Drama, Terror, Suspenso, Pobreza, Drogas, etc.
Se pueden reconocer fácilmente cada tipo de género en películas como Water que se enfoca en sentimientos de la niña Chuyia, ella se tiene que adaptar a condiciones o quizás leyes que rigen en su país cuando las mujeres son viudas, también hay escenas de comedia (cuando la niña brinca sobre la gorda ya que le prohíbe casarse de nuevo a Kalyani).
Película como La Piel que Hábito es un género muy particular ya que es drama psicológico, con escenas de crueldad, violación, amor y temas que están alrededor uniéndose para formar una sola historia e ir tejiendo una secuencia de sucesos hasta llegar a un final casi inesperado cuando el Doctor se enamora de “Vicente”.
La Película ciudad de Dios muestra le realidad de las Favelas en América Latina y principalmente en Brasil, donde se da la pobreza, falta de trabajo que conlleva a juventud perdida en drogas, asaltos y hasta asesinatos, es un género no quizás fuerte pero si muy abierto expresando la realidad sin limitarse a sentimientos o imágenes que no se ven normalmente en el cine (aceptó en películas de acción).
La Scaphandre et le papillon: es una película que se sale de lo normal y de lo que se tiene acostumbrado a ver en el cine, cuesta imaginarse que un tema para una película sea la discapacidad de una persona. Incluir en el cine un tema como la imposibilidad es sumamente difícil pues se debe de estudiar muy bien las condiciones en las que se encuentra un enfermo para que el observador siempre crea en este caso los doctores le están hablando a una persona y no a una cámara como lo es en realidad.
Diferencias entre el cine documental y testimonial:
El cine documental es muy importante ya que es un registro de la realidad con un grado de objetividad o efecto de verdad, muchos de los especialistas clasifican al cine documental como aquellas obras que presentan la realidad y que tienen la capacidad de presentar la vida social de las personas, también las situaciones económicas, políticas, industriales, científicas, etc. Y que esencialmente el observador las pueda entender y analizar, como la película Ciudad de Dios que se muestra la realidad de la pobreza, las drogas y fácilmente los observadores la podemos analizar y entender, que es algo que nos encierra, que está con nosotros y que muchas veces no está en nuestras manos el salir de ese círculo.
Parte 2
ResponderEliminarEl cine testimonial sin embargo es una forma pos ficcional de narrativa con repercusiones culturales y políticas, relatado en primera persona un testigo que expone una experiencia de vida desde la urgencia por denunciar una situación opresiva y que se sitúa a sí mismo en lugar de una serie de sujetos excluidos de la representación autorizada. Este tipo de cine se amarra perfectamente a la película La Scaphandre et le papillon, ya que la persona con la discapacidad está sujeta a las condiciones que otros quieran sin él estar de acuerdo, él narra su propia historia, es narrador y testigo a la vez, incluso expresa mediante sus pensamientos las cosas que no le gustan o la incomodes y desesperación de no poder hacer nada.
CINE NORTEAMERICANO COMERCIAL VRS CINE ARTE:
El cine norteamericano fue uno de los primeros bienes culturales globalizados del planeta, en temas de representación audiovisual es una de las naciones más poderosa e influyente del siglo pasado, razón comercial de un país muy exitoso con corporaciones trasnacionales del mundo y transportador de la propaganda cultural del gobierno estadounidense durante décadas. En este país se dieron interrupciones a otros países para que no lograran avanzar en estos términos relacionados al cine, como en España. Las películas norteamericanas han interrumpido carteleras y preferencias cinematográficas, componiendo uno de los vínculos culturales y comerciales más sólidos, ese tipo de actividades han logrado enfrentar temas políticos, sociales, culturales y económicos que conllevan a una transformación.
El cine norteamericano es una forma de consumo y agrupación de masas, el único fin es simplemente comercial y lograr en los cines solo la acumulación de personas sin importan que tipo de personas la ven, o condiciones que se encuentren. El cine en Norteamérica acostumbro a la sociedad y básicamente Latina a observar siempre lo mismo, se convierte en un circuito. Este representa historias que siempre detallan la misma secuencia, dolor, amor, comedia e incluso hasta uno puede predecir el final de una película. La película antes mencionada como La Piel que Hábito se sale de lo habitual, es una historia que quizás para muchas personas jamás se pensó que podría realizarse sobre ese tema e incluir tantas historias que se van acomodando y tener un final tal diferente y complicado. Para el director el acomodar las escenas de tal forma que se espera el final en ese momento y después se vuelve a narrar más internamente lo que sucede en realidad (la primer parte de la película solo se ve la historia de la mujer en sus condiciones de protección de su piel, ya luego está la parte donde se narra todo como sucedió, desde el momento donde Vicente viola a la hija del doctor hasta convertirse Vicente en una mujer, con órganos sexuales femeninos incluso). Este es cine de arte, debe de haber imaginación, trabajo de ingenieros en fotografía, sonido, escenas y todo un desarrollo tecnológico, capaz de elevar el comercio cinematográfico. El cine americano muestra explícitamente como un tipo de censura encubierta de sus postulantes hacia la democratización de la cultura y conlleva a la homogenización del hecho cultural.
Parte 3
ResponderEliminarUn ejemplo muy importante que se puede dar es que en el cine norteamericano no se ve la verdad así tan abierto y expresivo como el cine de otros países, como la película Ciudad de Dios que revela en carne propia el dolor, la muerte, las drogas, pobreza, este tipo de temas que son muy llamativos para la sociedad y no los vamos a encontrar sino es en este tipo de países como Brasil donde la realidad está a simple vista, sin esconder nada y presentando al mundo como se vive sin la felicidad que se quiere. Entiendo que el cine de Norteamérica quiere vender solo por encima de la realidad, vista desde otro mundo y guiándose solo en la ciencia ficción y al amor de parejas (personas físicamente bonitas)
EFECTOS ESPECIALES
Los efectos especiales son a aquellos artificios en los que se utiliza el rodaje de una película para dar forma de realidad a escenas. Son un grupo de técnicas que permiten modificar la apariencia de la imagen y también el sonido. Estos efectos especiales constituyen una actividad especializada dentro de la industria del cine. A partir de este desarrollo y evolución se fue avanzando hasta la creación de efectos digitales, quiere decir construidos en computadora, a partir de ese momento se da una disminución en la creación de tipo industrial y mayor de tipo digital. Existen varios tipos de efectos especiales, los más conocidos son el pre fílmico que se programan con antelación y los cinematográficos son los que se usan en la misma grabación, por lo general con dobles.
Efectos como el sonido son muy importantes para que una producción sea de alta calidad, ejemplo como en Amelié donde incluso hasta el sonido de la servilleta se escucha muy claramente, en La piel que Hábito me parece que es un poco excesivo pues cuando “Vicente” empieza a escribir sobre todas las paredes del cuarto se escucha el sonido del roce, cuando se abren puertas también, el sonido cuando introduce la llave para encender su motocicleta. También muy claramente en Ciudad de Dios todo lo que es el tema de armas es una secuencia de escenas donde se filma primero y luego se añaden los disparos.
Tenemos efectos de tipo mecánicos como lo es en Water, el efecto de la lluvia, simplemente no se está realmente en condiciones de lluvia sino que artificialmente se crea para la situación que se quiere, también llamadas decoraciones físicas aquellas que normalmente se encuentran de fondo a la imagen principal como el fuego después que le cortan el pelo a Chuyia.
Parte 4
ResponderEliminarPISTA DE SONIDO CINEMATOGRAFICA
El sonido es uno de los efectos más importantes y por ende debe de ser de muy buena calidad y que a simple vista se vea que en realidad la persona está hablando, se sabe que la mayoría de films el sonido es grabado por aparate, este por el alto desarrollo tecnológico es capaz de modificarse de varias maneras como alargarse, comprimirse, se ajusta a un doblaje para que valla en apariencia al movimiento de la vos y todo esto para que se vea con una mayor realidad, lograr esto requiere esfuerzo y tiempo porque es un trabajo de mucho cuidado y observación.
Existen dos tipos de sonidos: los grabados de forma directa, estos se dan durante la rueda de acción de la cámara y los sonidos de estudio que básicamente su importancia es que se pueden controlar. El caso de la película Water es un ejemplo muy importante de mencionar ya que en varias escenas se incorpora la música, en todos los casos fueron signos de felicidad y tranquilidad (cuando la niña corre tras del perro que se escapó), este efecto de la música no está ligado con la escena correspondiente sino que es trabajado con otro tratamiento y esta tiene características distintas a la del sonido cinematográfico. El sonido va montado sobre la definitiva imagen de cada secuencia y la mayor parte de veces esto se hace cuando la película ya este gravada por completo, catalogándolos como sonidos de dialogo, efectos y música. Un efecto de este tipo, es el montaje del dialogo que hay en la película Le Scaphandre et le papillon cuando la mujer que le ayuda al enfermo a escribir su libro, es una continua repetición de las letras más utilizadas del abecedario e incluso hay escenas donde esta repetición se escucha a lo lejos ya que es la misma secuencia. También la inclusión del dialogo de Dominique ya que sabemos que es una cámara la que está haciendo el papel del hombre (la cámara es montada en posición que en realidad parezca un ojo, con pestañas y parpadeo), se debe de colocar con un orden exacto para que las respuestas dadas por el parpado vallan continuas a las preguntas que haga la enfermera
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Parte 1
ResponderEliminarCrítica acerca de la película Le fabuleux destin d'Amélie Poulain y conceptos específicos en cine
En la película Amelie, se nota la utilización efectos especiales que son presentados de manera atinada para enfocar aún más los sentimientos que trasmiten cada personaje y no son los típicos efectos de explosiones, también se implementa el uso de la voz en off que ayuda a presentar a los personajes al inicio de la película, además el uso de varios tipos de planos y la utilización de la música con un sonido que va incluyéndose en cada escena de manera muy atinada.
Adicionalmente se observa la utilización de varios conceptos específicos de cine que se mencionaran a continuación:
El concepto de guión cinematográfico, en Amelie se utilizó un guión original, ya que fue escrito expresamente para la película y en gran parte de las escenas las emociones en los rostros de los personajes indicaban lo que ellos sentían, no eran necesarias las palabras, como en la escena final donde se notaba el amor en el rostro de ambos, mientras van en bicicleta, no fue necesario que hablen ni que la voz en off dijera algo, para que los espectadores notaran esos sentimientos.
Una escena aparte donde se evidencia también un manejo del guión es en la película Water (2005) donde casi al final de la película la pequeña Chuyia sufre un abuso el cual no se ve en la película pero esa parte en el guión está hecha para que la gente deduzca lo que le paso sin si quiera verlo en escena.
Parte 2
ResponderEliminarOtra forma de guión se puede mencionar en la película La piel que habito, ya que la historia está hecha para que los espectadores estén siempre al pendiente de lo que va a suceder, se empieza contando la historia desde el final y después se retrocede para ver el cómo empezó a suceder todo y cuando al inicio vemos a la mujer siendo como víctima de algún tipo de experimento, nunca se esperaba que ese experimento fuera un cambio de género y la historia va uniendo pedazos para que el espectador no sepa toda la historia sino hasta el final.
También se presenta el concepto de Happy End, este término se refiere a un tipo de desenlace donde los espectadores terminan con una sensación de alegría por como finalizó la película, en Amelie ella decide ayudar a las demás personas al inicio de la película, conoce a Nino al cual también trató de ayudarle en su obsesión por las fotografías que tiraban las personas, pero la historia llevará a un romance entre los dos, que se refleja al final cuando recorren en bicicleta la ciudad y se ve la felicidad y amor en el rostro de ambos. Al final todas las buenas acciones que ella realizó por los demás durante la película fueron recompensadas para ella misma sintiendo lo que significa el amor y proyectando la sensación de un final feliz.
En contraste con Amelie, en la película La piel que habito, no se puede decir que existe el concepto de happy end, ya que al final de la película cuando Vicente llega a su casa luego de asesinar al doctor, después de tantos años, no se logra transmitir ese sentimiento de felicidad, ya que no podía dar marcha atrás a lo que ya había vivido en todo ese tiempo.
Parte 3
ResponderEliminarOtro concepto es el género cinematográfico que es reconocido por el espectador según el tipo de temas que se reflejen en la película, el tipo de género que se aprecia en Amelie es el de comedia romántica, ya que suceden escenas divertidas como cuando las fotos le hablan a Nino sobre las intensiones de Amelie, aunado a que durante el film empieza a florecer un amor entre Amelie y Nino, y que por la extraña personalidad de Amelie e inocencia donde se ve que a ella le gusta hacer feliz a los demás pero evade su propia felicidad, no siente lo que es el amor al inicio pero después de pasar varios hechos y superar como ese miedo a su propia felicidad lograrán finalmente quedar juntos.
Entre otros géneros está el de cine documental, que lo que presenta en escena son hechos reales con un carácter informativo y que tiene como fin dar a conocer la realidad sobre algún tema, un ejemplo de este tipo de género se da en la película Cidade de deus, ya que se aleja de la ficción, cuenta una historia real donde los personajes existen antes y después del film, realizan las tomas en el lugar donde sucedieron los hechos, en esta historia se realizan en una favela de Rio de Janeiro, y finalmente se encuentra la encuesta a uno de los implicados en la historia real y que es otro elemento de este género y que también se presenta en Cidade de deus cuando en los créditos finales se presenta una entrevista que se le realizó a Mané Galinha cuando estuvo en el hospital después de ser baleado por la pandilla de Ze Pequeño.
Las tomas y planos es otro concepto que se puede explicar en varias escenas de Amelie, se nota la utilización de varios tipos de planos pero en su mayoría son planos a detalle y primeros planos por la cercanía en que se presentan las expresiones en los rostros de los personajes, por ejemplo cuando ella acudía a la máquina de fotografías, en varias ocasiones se dieron primeros planos y planos a detalle cuando Amelie supo la razón por la cual habían tantas fotografías del hombre sin cabello del cual ella creía que era un muerto, en ese primer plano se mostró claramente la emoción de sorpresa y descubrimiento en el rostro de Amelie, otra escena en primer plano se produjo cuando Amelie se encuentra con Nino al final de la película cuando al abrir la puerta se encuentran frente a frente y terminan besándose todo con una toma en primer plano, otro tipo de plano y toma que se presenta es cuando Nino también descubre el secreto de las fotos del hombre el cual era el técnico de la máquina de fotografía, cuando Amelie iba acercándose a él se le atraviesa un coche con varias cajas y cuando vuelve a ver de nuevo ya no se encuentra Nino ni a nadie alrededor de ella, en esa escena se presenta un plano general donde se nota su alrededor y también se observa como la toma se eleva sobre la cabeza de Amelie, ese tipo de toma se hace con una grúa de grabación donde la cámara está fijada y se tiene también un control para una gran variedad de movimientos. Otro tipo de toma utilizada en la película se realizó con un dolly en la escena final cuando Amelie y Nino montados en bicicleta recorrían la ciudad juntos y la cámara los seguía al mismo tiempo.
ResponderEliminarFinalmente en la película Amelie se ejemplifica también el concepto de sonido, ya que la música es un factor importante en cada escena, porque ayuda a expresar aún mejor los sentimientos que se van presentando durante la película y le da un toque de mayor atracción en las escenas mudas, también se pueden apreciar detalles de sonidos finos como el sonido del agua cuando Amelie lanza piedras en el Canal San Marta, el del pilot al escribir en el vidrio del café donde trabaja, el sonido de cuando mete la mano en un saco de legumbres, las cortinas de maderas al tocarlas cuando Amelie estaba pensando en Nino y también los sonidos en la escena del baño de la cafetería, entre Georgette y Joseph, cuando al iniciar se escucha la luz del rotulo del baño que esta parpadeando, la vibración en las tasas, vasos y como va aumentando hasta llegar al punto final donde se escuchan gritos de placer de Georgette.
Parte 5
ResponderEliminarComo conclusión cabe mencionar que la película Amelie ha sido una película con un tema de fondo donde se logra la atención del espectador y un llamativo final donde se logra transmitir el sentimiento de amor para Amelie como una recompensa de su forma de ser al ayudar a las personas a su alrededor.
Bibliografía
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ResponderEliminarParte 1
ResponderEliminarEl amplio mundo del cine. Conceptos y ejemplos técnicos
Cine es fotografía en 35 mm. Referencia importante a destacar, pues las películas analizadas cuentan con este formato, mas no se ahondará en este tema para dedicar especial atención a cómo logran los guionistas y directores plasmar su visión en un filme, por medio de un guión; el planeamiento previo de cada toma hasta hacer de ellas una narración sutil, dinámica y pospuesto agradable a la vista, manteniendo los efectos especiales en un nivel conveniente.
Básicamente el guión es una secuencia de acciones y diálogos organizados de forma lógica , según desea el director o guionista, se distinguen dos tipos, el literario, compuesto por los diálogos y simples anotaciones sobre las acciones por realizar; y el guión técnico, que a grandes rasgos, es la planificación de los movimientos de cámara . Para este ultimo tipo entran en juego tomas y planos, los cuales se hacen con un sentido especial, no simplemente por que parece lucir bien. Tomando de punto de partida para este y próximos análisis la película La Piel que Habito, del español Pedro Almodóvar, que adapta a su manera el libro la Tarántula de Thierry Jonquet, eligiendo como eje principal la represión, en sus diversos sentidos, la historia no se narra de manera clásica, pues los personajes van viviendo diversas aventuras y transformaciones (tanto emocionales como físicas ), todas ellas de manera perturbada, es decir no lineal, esto es una manera de crear una trama compleja, suficiente para mantener al espectador pendiente de lo que esta ocurriendo, ocurrió y esta por ocurrir. El filme inicia con tomas donde una mujer (Vera)con traje ajustado a su piel practica posiciones de yoga, el reflejo de su cuerpo a contra luz crea sombras que le dan un gran valor estético a la toma, utilizando un plano de secuencia, la cámara se desliza haciendo un seguimiento al personaje, es evidente el uso del principio de fotografía donde se suele dividir la composición en tercios. Y ya la introducción, es en un momento mas adelante de un verdadero orden cronológico en la película, situación de la cual es imposible darnos cuenta aún, así repetidamente los saltos temporales se siguen suscitando y sería redundante enumerar todos; sin embargo tiene cierto contraste con Ciudad de Dios del año 2002, pues se empieza a narrar desde la década de los 60, luego 70’s y principios de los 80, generalmente con no más sobresalto que el paso periódico del tiempo, exceptuando unas escenas, entre ellas la vuelta al pasado cuando dadito (ahora Ze Pequeño) decidió asesinar a las personas que estaban en el motel. Por supuesto Agua, producción india-canadiense con una fotografía de Giles Nuttgens, convirtiendo este film en un portafolio fotográfico de la más alta categoría, gracias a sus conocimientos técnicos del tema (iluminación, encuadre, diagramación de la toma); en cuanto a guión, recurre a un relato completamente ordenado, sin juegos temporales. También con los guiones, los hay originales, o cono en La Piel que Habito y Ciudad de Dios son historias adaptadas, en este caso de libros y Agua es totalmente inédita, claro, inspirada en la vida de las viudas hindúes.
Parte 2
ResponderEliminarEl filme de Almodóvar realmente carece de lo que en cine se conoce como happy end, puesto que cerrar con ese estilo contrastaría con todo el misterio e inseguridad que invaden al espectador, ya que la real intención del director era mantener la expectación, por mas que se le quiera encontrar el final ideal, no se puede, Vera aunque logra escapar de su propio Víctor Frankenstein, revertir su trasformación es prácticamente imposible, en otras palabras, no se puede esperar lo mejor para los protagonistas. Slumdog Millonaire, en contraposición a La Piel que Habito, mantiene la expectativa, mas sin embargo; es claro el Happy End: los protagonistas finalmente entrelazan sus vidas, Jamal gana el premio y el villano muere, ¡Todos felices!. Generalmente la audiencia meta de las grandes productoras de cine, especialmente en Hollywood, esperan este tipo de desenlace, el cual se tiene acostumbrado, al igual que historias superficiales que no ahondan en la verdadera, no idealizada, naturaleza humana, pues en la vida real los finales felices no están doblando la esquina.
Retomando la producción española del 2011, en cuestiones de planos y tomas ,se reconocen principalmente los planos generales , que buscan una vista que informe del lugar y los hechos que acontecen en la escena; también el plano de detalle que enfoca elementos delicados que se necesitan precisar, además del plano sobre el hombro mientras se desarrolla un dialogo que involucra una persona de espaldas a la cámara y otra frente a ella. Escudriñando la película, una escena demostró presentar claramente los tipos de plano empleados, esta inicia cuando Robert Ledgar observa a Vera en una pantalla, posiblemente de una cámara situada en la habitación en que esta reclusa, cuando él la mira la cámara se posa tras su espalda, este es un recurso común, pero usado de manera innovadora pues la protagonista no esta exactamente frente al doctor. Luego toma una cajita (que contiene una pipa y opio) y se dirige al cuarto de la mujer, allí pasa a un plano general que lo sigue hasta que entra al cuarto, la cámara se pone frente a la joven y se convierte en una toma continua por aproximadamente dos minutos, donde se regresa a un plano general, enfocando particularmente de la cintura, luego pecho hasta la cabeza, gracias a un disimulado zoom, finalmente se hace un acercamiento en primer ...
Parte 3
ResponderEliminar... plano, los rostros de los protagonistas, este close-up intensifica la tensión del momento, Robert decide salir y regresa frente a la pantalla, la escena termina ahí con ella mirando directamente a él. Los cortes, con los cuales se cambia el ángulo o perspectiva de visión de la cámara se manejan muy sutil, e inclusive cuando acaba la escena se acostumbra usar un fundido a determinado color, dando a entender que se acaba la secuencia para iniciar una nueva, no obstante para incrementar las dudas sobre la línea temporal se hace uso de una transición directa, sin fundidos, disoluciones ni barridos que añaden una distracción innecesaria cuando se busca determinado objetivo. Todo lo anterior contrasta con la ultima entrega de la trilogía de Deepa Mehta, Agua, pues las transiciones son encadenas, donde una imagen van dando paso a la otra como si se desvaneciera, esto agrega una connotación muy dramática y nostálgica que profundiza el sentido del filme. En la actualidad las transiciones y fundidos se logran a través de medios electrónicos en los procesos de edición, ya que quedaron en el pasado las técnicas en las cuales filtros o cierres de diafragma u obturador de las cámaras permitían cumplir estas tareas. El empleo de estos procedimientos se dejan en manos de profesionales que en trabajo continuo con el director y guionistas, logran dar en el punto exacto, evitando los malos usos que otras producciones hacen, y lo peor de manera excesiva. No se puede ignorar Le Scaphandre et le Papillon la cual sumerge en la impotencia del protagonista al publico, especialmente por el empleo de la cámara subjetiva, donde se permite ver todo desde el limitado punto de vista de Jean-Dominique; al igual que en Slumdog Millionaire se nos introduce en la acción de Jamal, mediante la snorricam, una cámara que se sujeta al actor, que enfoca la cara y da la impresión de que lo que se mueve es el fondo.
Las nuevas herramientas tecnológicas expanden de forma increíble las posibilidades de mentir en una película, y con mentir refiero a los efectos especiales, que si ya de por sí el cine es un agradable engaño, en ocasiones el excesivo uso de ellos acaba con la ilusión creada. Y todo lo anterior pone a pensar: eclipsará esto la creatividad, convirtiéndola en un simple producto comercial?. La respuesta es : parcialmente. Por que parcialmente? ...
Parte 4
ResponderEliminar... pues en producciones con direcciones artísticas de calidad los efectos son un arma poderosa para atraer al espectador. Almodóvar y su film muestran la sutileza del retoque digital aplicado al rostro de Vera, el cual consigue una perdida absoluta de textura haciéndola lucir perfecta, situación de la cual se pasa inadvertido durante la completitud del filme, pues claro esa era la intención del director y de los expertos en efectos Reyes Abades y Eduardo Díaz. Contradictoriamente en Eva del 2011, la temática requiere del uso de bastante ayuda de los software de animación por computadora y maquetas a escala, por ejemplo la creación de robots animales y humanos con gran realismo (el gato que tiene como mascota el protagonista, animatronics) así como las escenas en las que se nos permite observar el mecanismo interno a través del cual se da forma a la personalidad de un robot. Existen variedad de técnicas de efectos especiales, por mencionar algunos la inserción por croma (pantalla azul o verde), stop motion, el maquillaje (puede ser el típico usado en teatro e inclusive prótesis), pirotecnia, tomas enmascaradas, morphing (empleado en la cinta Le fabuleux destin d´Amélie Poulain, en la escena en que la protagonista esta realmente conmocionada y parece derretirse, convirtiéndose en agua, pues la técnica consiste en el paso de una imagen a otra superponiendo delicadamente fotograma por fotograma para que parezca una acción fluida) e innumerables programas de ordenador. El abuso se da a gran escala en la gran mayoría de productoras norteamericanas, puesto que con los efectos no se busca exactamente sorprender, sino mas bien dar a entender una idea que por medios convencionales sea muy difícil o económicamente costosa de lograr, sin embargo no se pueden ignorar los exorbitantes presupuestos de las películas recargadas con efectos especiales, y lamentablemente por otro lado numeradas producciones ven la luz años después de concluidas las grabaciones principalmente por problemas monetarios. También una producción resalta por el vestuario de los actores, para contextualizar a la audiencia ya sea temporalmente, socialmente, emocionalmente, en fin, para definir la personalidad deseada por el director de la película.
El amplio mundo del cine complace a la gran cantidad de audiencias, pues cada producción busca un publico meta, aunque existen películas que reúnen las condiciones para convertirse en obras que transcienden el tiempo y a las personas, esos filmes poseen dotes únicos, ya sea técnicos y argumentales, para finalmente (Citando al M.A Max Soto) logran cambiar una vida.
'La piel que habito', la ley del deseo (s. f.). Recuperado el 07 de Septiembre del 2012, de http://www.blogdecine.com/criticas/la-piel-que-habito-la-ley-del-deseo
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HowStuffWorks "How Steadicams Work" (s. f.). Recuperado el 07 de Septiembre del 2012, de
parte 1:
ResponderEliminarRebotar piedras en el canal de San Martin: uno de los pequeños placeres de Amelie Poulain.
Una escena como la de Amelie y su pequeño gusto de lanzar piedras al canal de San Martin haciendo que estas reboten, aunque se observe sencilla a simple vista en realidad se están utilizando los efectos especiales de la forma mas sutil o mas adecuada, de manera tal que a ojos del espectador esto aparenta ser únicamente por habilidad de la actriz; los efectos especiales son para dar apariencia de realidad a ciertas escenas, pero bien también son utilizadas para lograr atraer la atención del espectador , en Amalie aparte de las piedras que rebotan en el rio, se pueden apreciar algunos otros efectos agregados como lo es la escena de pez al despedirse, por así decirlo de Amelie, estos son algunos de los efectos menos notorios o reconocidos a la hora de ver la película; algunos efectos mas notorios se hacen evidentes pero de una forma que no es exagerada, si no agradable que logran captar la atención, en esta película resaltan algunas escenas más, por ejemplo la copia de la llave que lleva Amelie en el bolsillo, otra similar es al resaltar el corazón latiendo fuertemente cuando ella se encuentra en frente de Nino, en otra escena donde es un poco mas evidente se da cuando Nino parte de la cafetería y ella se “derrite”, en el film completo se usa pero no se da un abuso de los efectos especiales.
Esto distingue, entre muchas otras cosas, el cine comercial entre el cine arte ya que uno como el cine comercial de Hollywood le da demasiada importancia al uso de los efectos visuales por encima de los buenos argumentos. La mitad o más del presupuesto de los grandes proyectos audiovisuales se van directo a este rubro, recurso que a veces lo que busca es que el espectador deje de lado un guión llano y transparente, esto bien no quiere decir que toda película norteamericana abuse de estos, pero a la hora de trasmitir un film mas que pensar en una alta categoría de película con un guion, tomas y planos adecuados, se visualiza como ganancias monetarias.
Para explicar lo anterior con respecto al guion cinematográfico se debe explicar el concepto de este, el guión es el relato escrito de lo que va a suceder en la película. Es algo muy sencillo y con un cierto parecido a una novela. Se desarrolla completamente un argumento teniendo en cuenta que todo hay que filmarlo, grabarlo y montarlo. El guión son los diálogos, las escenas, las secuencias, y una descripción minuciosa y pormenorizada de lo que los actores hacen en escena. El guión es el «montaje en borrador» de una película. Es muy importante que un escritor de guiones sepa de cine, de montaje, de los entresijos del rodaje, de la dificultad de realizar determinados efectos y que tenga idea de lo que cuesta económicamente realizar una película.
parte 2:
ResponderEliminarEn definitiva que sepa lo que se puede y lo que no se puede hacer en el cine, de manera que en la grabación los actores no realizan un solo movimiento que no este previamente planeado, no existe la improvisación por parte de actores u actrices, el guion cinematográfico va seguido o de la mano con el «storyboard» que es el dibujo detallado de todas y cada una de las tomas de la película, es esencialmente una serie grande de viñetas de la película o alguna sección de la película producida de antemano para ayudar a los directores y los cineastas a visualizar las escenas y encontrar problemas potenciales antes de que éstos ocurran. Los storyboards incluyen instrucciones o apuntes necesarios que servirán al equipo de trabajo para que éste se desarrolle dentro de un plan pre-establecido. Gracias a este elemento, el director puede desglosar y segmentar su filmación sin seguir estrictamente el orden lógico de la trama, por lo que las escenas filmadas no san tomadas seguidas ni en orden como uno suele pensar al estar viendo el film esto se logra gracias a la guía de las viñetas con lo cual se sabe como montar cada escena en el rodaje completo.
Un guion cinematográfico no necesariamente debe de tener un happy end como suelen verse en las películas comerciales, en Amelie si termina con el final feliz pero no es tan evidente desde el principio, el “happy end” se da mucho en películas comerciales ya que es todo lo que las personas desean pero en la vida real no sucede de esta forma, por ejemplo las películas Agua y Ciudad de Dios, no cuentan con el final feliz típico de muchas filmaciones ya que estas son apegadas a la realidad.
La realización de un film es muy complejo y debe de contar con minuciosos detalles tanto así como lo es la pista de sonido que se graba aparte de las escenas, por lo que donde alguna escena como el sonido del rebote de las piedras en el agua, en Amelie, el sonido no fue grabado en ese instante, sino que un grupo de expertos recopila los sonidos, voces, y los mas mínimos detalles que concuerden exactamente con las escenas, por cual al ver Amelie una sola escena como las piedras rebotando en el agua posee una complejidad que va desde los efectos especiales hasta el sonido, los cuales son tan curiosamente montados que pareciera todo realizado en un simple instante y por obra única de la actriz, en cambio la mayoría es realizado en una computadora y posteriormente recopilado, aunque también se dan muchas otras formas de agregar sonido al film, entre estos se encuntran las siguientes formas; puede ser sonido directo, tomado sincrónicamente en rodaje para ser utilizado como tal lo que genera en una serie de problemas logísticos pues cualquier sonido extraño obliga a repetir la toma; sin embargo es el modo más natural de recrear el ambiente y la calidad interpretativa. Sonido de referencia, se graban los sonidos y los diálogos pero posteriormente no serán utilizados en la copia sino que servirán como referencia a los actores para doblar y a los técnicos de efectos de sonido para recrear ambientes y sonidos. El más popular y habitualmente combinado con el sonido directo recibe el nombre de wildtrack, pista de sonido que sirve como base para un ambiente dado o como Sonido añadido o mezclas, el conjunto de la banda sonora se compone de sonido directo, wildtracks, doblaje, efectos de sonido y música.
Bibliógrafa:
Media cine (sin fecha). Recuperado el: 01-09-2012 de http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque7/pag5c.html
Martínez E – Sánchez S. (sin fecha). Recuperado el: 01-09-2012 de http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/guionquees.htm
PARTE 1
ResponderEliminarAnálisis especializado de cine.
Los planos son un conjunto de imágenes que componen una misma toma, para poder lograr esto se debe de planificar, la distancia de la cámara, tamaño entre la cámara y el objetivo.
Las tomas se pueden grabar en distintas posiciones y ángulos, se elige dependiendo del interés de la escena, tales como profundidad, enfoque, movimientos entre otras.
En la película Colombian Dream se puede observar gran variedad de tomas, en la escena donde la mama de Rosita se despierta por el ruido (está en un balcón) cuando Enrique, Pepe y Rosita llegan a su casa después de hacer compras con el dinero que les dieron de adelanto, mientras está viendo todo lo que compraron, el plano que se usa es picado, ya que se puede observar con un cierto ángulo y con vista desde arriba.
En muchas partes la película donde el niño fantasma que es hermano de Rosita está viendo lo que las demás personas hacen, se utiliza el plano subjetivo o también llamado punto de vista, el cual da la impresión como si la cámara fuera la vista de la persona de interés en la escena.
Hay tomas que se filman con la cámara en movimiento, el tipo más conocido es llamado travelling esto se logra montando la cámara en un carrito sobre unos rieles y es utilizado para dar la impresión de movimientos sin vibraciones en la cámara, en dicha película se utiliza en la toma del bebe (que se cree que es el hijo del duende) se encuentra en una cama y esta se desplaza desde donde está la pareja y alejándose cada vez más.
Los efectos especiales son una variedad de técnicas que se utilizan para simular ciertas escenas a la realidad, que no se puede o es difícil de lograr de otra manera, también se utilizan para llamar la atención visual. Los efectos se pueden crear de diferentes formas, digitales que son hechos a computadora, también se pueden hacer mecánicamente estos se utilizan la mayoría de veces para crear una ilusión visual de condiciones atmosféricas, como la lluvia, nieve, viento, entre otros.
En la película okuribito cuando Daigo está interpretando en su violonchelo la melodía llamada Memory en un campo abierto, se utilizan pantallas azules para lograr el fondo de la montaña y se utiliza un efecto para el viento, no muy fuerte.
En la película Colombian Dream se hace un abuso de efectos especiales, dentro de tantos, se puede ejemplificar mediante la escena donde John MacClane y Ana van en un auto rojo por una calle y John le dice a Ana que tenga un poco de respeto por el hijo ya que ella estaba consumiendo droga, y se utiliza un efecto en donde el entorno se hace borroso.
PARTE 2
ResponderEliminarLos efectos de sonido son muy importantes en lo que es cine, ya que estos ayudan a comprender mejor lo que está pasando, la melodía en la película okuribito se utiliza para resaltar el dolor que sienten los familiares por las personas que han fallecido, y también por el dolor de Daigo por el abandono de su padre (canción favorita).
El guion es la parte escrita en donde se narran todas las escenas, diálogos que llevará la película, es importante que el que lo haga tenga en cuenta lo que son efectos especiales, montaje, edición, el costo, sonido, grabación, entre otros.
Okuribito muestra un excelente guion en donde Daigo por cuestiones económicas consigue un trabajo en donde se practica una tradición budista llamad Nokanshi, consiste en preparar a los muertos al más allá. En esta película el Director evaluó aspectos muy importantes como color, detalle, características de la cultura japonesa.
El happy end es un término introducido por Hollywood en donde la mayoría de las películas terminan en “vivieron felices para siempre”, si analizamos el guion de La Separacion, se puede notar que el final de la película es muy duro ya que Nader y Simin se divorcian, no como se esperaría según la mentalidad del happy end.
El género es la forma de clasificar una película por sus características, tema, actuación de los personajes (Guion).
Cine documental: Busca la realidad, se plantean situaciones sociales, representa historias particulares y colectivas, el orden del guion es cronológico.
Cine Testimonial: Trata de explicar un tema, Las personas expresan lo que sienten.
Cine Realista: implica las situaciones reales vividas por las personas, y algunas veces dar un mensaje. Colombian dream expresa la forma de vida vivida por muchos colombianos, en un ambiente de drogas y dinero fácil.
Bibliografía:
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¿Qué es género? , Recuperado el 5 de setiembre de 2012 desde http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque4/pag1.html
Tipos de plano. Los movimientos en el cine, Recuperado el 5 de setiembre de 2012 desde http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/tiposdeplano.htm#Cuando se filma con la cámara en ángulo
Historia de los efectos especiales, Recuperado el 8 de setiembre de 2012 desde http://www.profesionalesdigitales.es/profesionales/blogs/node/2585
El guion y sus tipos, Recuperado el 8 de setiembre de 2012 desde http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/guionquees.htm
Crítica cinematográfica
ResponderEliminarPARTE I
35mm Vrs 16 mm
En la industria del cine, existen 3 tipos de formatos, 8mm, 16mm y 35 mm en general. Estos términos corresponden al ancho, en milímetros, de la película que se utiliza en donde entre más ancho, más calidad y definición.
La película de 35 mm es el formato de película más caro pero se obtiene mayor definición de imagen. Se utiliza mucho para cine, cortos con mucho presupuesto y spots de televisión; aunque ya se está empezando a sustituir en muchos casos por cámaras digitales que consiguen una alta definición, como la Red One.
Los 16mm se utilizaban sobre todo en reportajes en los que se debe de trasladar la cámara, fue creada para el hombre común, se utiliza sobre todo para cortos, para las secuencias artísticas en algunas películas, para su uso en muchos programas de televisión porque es fácil de usar y más barata que el 35mm.
Su principal diferencia, se aprecia en la calidad cinematográfica, ya que la de 35mm posee una alta calidad y es más nítida, pero su precio es mayor en comparación a la de 16mm. La película de 16mm es usada principalmente en televisión y cine educativo, mientras que la de 35mm es la más común en la industria del cine por poseer un color superior a la de 16mm.En cuanto al video electrónico, la grabación digital sobre cinta magnética ha mejorado la calidad de las grabaciones, reduciendo los errores en el sistema analógico de la grabación. Sin embargo son equipos muy costosos, que se incrementan por ciertos factores como; la duración del film y sus escenas, la resolución, los frames por segundo, el color y el sonido.
Como ejemplos podemos citar, en el caso de 35mm; Le fabuleux destin d'Amélie Poulain, con efectos especiales, belleza en sus imágenes. La resolución y el contraste de la imagen son muy buenos, durante toda la grabación, cuenta además con buena iluminación que se usa para destacar los detalles, formas y contornos de los objetos más destacados, como en la escena de la lámpara de la mesa, que destaca al cerdito. También para enfatizar colores cálidos como lo son las tonalidades de rojos, naranjas, amarillos para transmitir alegría, felicidad, entusiasmo y amor.
PARTE II
ResponderEliminarConcepto guión cinematográfico y Happy End.
La definición de Syd Field, “el guión cinematográfico es una historia contada en imágenes, a través del diálogo y la descripción, en el contexto de una estructura dramática”, expresa en su totalidad lo que debe de ser un guión literario, ya que debe de ser capaz de transmitir, con todos sus medios la información suficiente que permita la interpretación y la visualización. Como por ejemplo el guión Le Scaphandre et le Papillon, una película dramática, dirigida partir de un guión de Ronald Harwood basado en la novela autobiográfica del propio, Jean-Dominique Bauby, redactor jefe de la revista francesa Elle, cuando sufrió una embolia masiva. Salió del coma tres semanas más tarde y se descubre que es víctima del "síndrome de cautiverio "; está totalmente paralizado, no puede moverse, comer, hablar ni respirar sin asistencia. Su mente funciona con normalidad y sólo es capaz de comunicarse con el exterior mediante el parpadeo de su ojo izquierdo. Forzado a adaptarse a esta única perspectiva, Bauby crea un nuevo mundo a partir de las dos cosas sobre las que conserva el control: su imaginación y su memoria.
El Happy end, proporciona al espectador códigos reconocibles, que aumentan el consumo de los productos cinematográficos, convirtiéndose en un espectáculo de masas, recreando aspiraciones, modelos de conducta, popularizando películas de de bajo contenido a mi parecer, puesto que las películas con “Happy end”, son películas comerciales, las cuales no tienen un contexto real y que son dirigidas a ciertos sectores de población, como los adolescentes.
Como en Le fabuleux destin d'Amélie Poulain muy diferente a, Le Scaphandre et le Papillon, en donde la vivencia del personaje no puede ser predecible, puesto que no sabemos como enfrentará su día a día.
Género en Cine y diferencias entre cine documental, testimonial y realista.
El género, señala los contenidos de un filme, caracteriza los temas, los componentes narrativos de la película, siendo una forma organizativa que detalla los temas e ingredientes narrativos elegidos por el autor. En el medio cinematográfico, nos referimos a las categorías temáticas. Los géneros se clasifican en cuatro clases: Por su estilo o tono; entre los que podemos mencionar el drama, la comedia, acción, aventura, terror, cine romántico, musical, suspenso, entre otros. Por su ambientación; históricos, policíaco, bélico, fantasía, deportivo, entre otros. Por su formato; animación o imagen real. Por su audiencia; infantiles, juvenil, familiar y adulta.
En cuanto al cine documental, testimonial y realista; su diferencia radica en que el documental es informativo, generalmente sin personajes y cuya finalidad es dar a conocer la realidad del tema en forma periodística, refleja acontecimientos reales; como en Ciudad de Deus, (2002) dirigida por Fernando Meirelles y Kátia Lund. En el caso del cine testimonial, es contado por la personas o personas involucradas en alguna vivencia como por ejemplo; en el caso de Le Scaphandre et le Papillon (2007) dirigida por Julian Schnabel y por ultimo en el cine realista muy parecido al testimonial, sin embargo en este género se denuncia alguna situación, como la violencia, la pobreza, la critica social, como por ejemplo, podemos citar la película Water (2005) dirigida por Deepa Metha, en donde se denuncia la realidad de las mujeres de la India y su religión.
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ResponderEliminarParte III
ResponderEliminarTomas y Planos.
Un plano, nos da la perspectiva de los personajes, objetos, elementos de las imágenes, y juntas recrean un contexto, cuentan un significado definido por el comienzo y el final de un proceso de captura, selecciona la realidad espacial mediante la cámara, un plano nos detalla, nos describe el lugar o la situación es como una narración por medio de las imágenes, existen varios planos como, el primer plano, plano entero, plano medio, plano detalle. Como podemos ver en una escena de la película Le fabuleux destin d'Amélie Poulain, encontramos un Plano detalle de una flecha hecha mediante comida para pájaros y en la que unas palomas están comiendo tranquilas pero alzan vuelo asustadas y dejan ver la última flecha del suelo.
La toma, es todo lo que se ha grabado o filmado, cuenta con varios elementos que permiten el concepto como, lo es el encuadre, la angulación, iluminación, el movimiento, podemos citar la toma, compuesta de planos centrales, medios, picado, entre otros; es cuando Nino llega al del "Café des 2 Moulins” (Café de los Dos Molinos). Y Amélie se encuentra detrás de él frente, a la ventana interna del café en donde escribe una frase y él se voltea para preguntarle si conoce a la mujer de la foto.
Bibliografía
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Un recorrido por el gran mundo de Amélie Pouland
ResponderEliminarParte 1
Guión Cinematográfico
Uno de los factores con gran influencia en el éxito de Le fabuleux destin d’Amélie Pouland, se debe a su excelente guión cinematográfico, desarrollado por Jean-Pierre Jeunet y Guillaume Laurant. De manera sencilla se define como guión cinematográfico, al relato escrito de lo que sucederá en la película, incluye los diálogos, las escenas y las secuencias, minuciosamente detallados para lograr que el actor realice una excelente escena según las ideas que el guionista había planteado. Por lo tanto los guiones inician en un punto (la narración de André Dussollier, en la calle St. Vincent) y desarrollan un trayecto que avanza por medio de acciones y conflictos de los personajes para llegar al otro punto determinado final (Amélie y Nino en motocicleta por la ciudad, ella atrás abrazándolo y tratando de besar su cuello). El guión es acompañado por el “storyboard”, el cual es un dibujo detallado de cada uno de las escenas presentes en la película, buscando un mejor entendimiento, para los integrantes del grupo de producción, de los deseos del guionista. Es una herramienta muy útil ya que además incluye apuntes e instrucciones necesarias durante el rodaje.
Un buen guión no asegura una buena película, pero una buena película si asegura un buen guión. Por las características de la película Amélie, queda en completa evidencia el gran trabajo realizado por los guionistas anteriormente mencionados, Jean-Pierre Jeunet y Guillaume Laurant. Ambos trabajaron para lograr diseñar la historia, la secuencia y sus narraciones. La labor de ser guionista no es tan sencilla como suena el de decir simplemente: el guionista hace el guión. Deben desarrollar de su creatividad, la idea propia o la adaptación que pretenden producir, dándole una trama con sentido, tomando muy en cuentas sus alcances y limitaciones. Los guionistas desarrollan la trama en los estudios de producción y se mantienen en el set de rodaje, ya que comúnmente pasan situaciones imprevistas que necesitan de un cambio de guión.
Parte 2
ResponderEliminarLa creación de un guión debe de seguir una serie de pasos, o fases para su entendimiento:
1. Sinopsis: se le denomina sinopsis a un resumen, sin dialogo, de una o dos páginas donde se especifican los personajes, las acciones principales e intenciones. En esta fase del guión, se presenta quien va a ser Amélie Pouland, como va a ser su intervención, que situaciones deberá sobrellevar, que efectos secundarios tendrán sus acciones, dentro del resumen también se exponen los personajes secundario, el entorno en que se desarrolla, entre muchas más características que dejan clara la historia, sin entrar en grandes detalles.
2. Tratamiento, el cual es una descripción detallada de la película, generalmente abarca entre cuarenta y sesenta páginas.
3. Guión literario: son las secuencias y escenas, en los que se detalla cuáles serán los diálogos con sus respectivos lugares y tiempos. Este guión de cumplir con un formato el cual sea interpretado por todo el elenco de la misma manera. Al minuto veintitrés con veinte segundo aproximadamente, inicia la escena donde Amélie llega a visitar a su padre, Raphaël Poulain, y él se encuentra restaurando un “nuevo amigo”, un gnomo. El guión debe llevar: un encabezado en el cual se indique que es una escena dentro, esto con la abreviatura INT. por lo tanto se está en un espacio cerrado, lugar concreto donde ocurre la escena, la casa de Amélie y que es una acción de día. La descripción de la acción, debe de estar redactada de forma concisa y con los verbos en presente, resaltando los nombres y sonidos en mayúscula, se podría ejemplificar de la siguiente manera: RAPHAËL está limpiando la rodilla izquierda del gnomo, suena la PUERTA DE AFUERA ABRIENDOSE, luego entra AMÉLIE. El diálogo debe ir alineado ala izquierda y el nombre del personaje debe de ir antes que el habla y en mayúscula, AMÉLIE: Hola, papá. Se estima que un guión con un buen formato, cada página es aproximadamente un minuto de toda la película.
También se tiene el conocido guión técnico, el cuales se basa en el propiamente en el Guión Literario pero le añade la planificación de los movimientos de cámara.
Como toda historia, el guión avanza en el relato hasta que logra enlazar todas las secuencias y escenas hacia una única solución de todos los problemas planteados durante toda la trama. Muchas otras producciones plantean problemas y situaciones muy concretas, que hacen que el espectador, logre percibir cual será conclusión de manera rápida y sencilla, además de que hace un fin completo hacia la historia, sin embargo, Jean-Pierre Jeunet propone otra clase de final. Lo que pretende es interrumpir una historia (la vida de Amélie), únicamente, dejando un gran espacio para que cada espectador, cree cuales pueden ser los destinos de todos los personajes presentes, es por ellos que al final de la película no sale el cartel “FIN”.
Edición Cinematográfica
La edición cinematográfica también es conocida como montaje, la cual es la última de las etapas para la producción de películas. Edición cinematográfica, se refiere a ordenar todos los elementos, auditivos, gráficos y visuales, de acuerdo a un guión. La edición busca dentro de todas las escenas filmadas, cuales son los planos que proceden y los que anteceden, según las necesidades y eliminando todo aquello que no agregue información a la idea narrativa propuesta en el guión. Son gran cantidad de aspectos que se deben de tomar en cuenta para lograr editar de la mejor, evitando situaciones que reflejan como cada escena no tenía su continuación. Aspectos como cuando se dará un cambio de lugar, cambio de ángulo de la cámara, cambio de objeto, cambio de plano, acciones paralelas, metáforas, entre otros.
Parte 3
ResponderEliminarExisten cuatro normas básicas, que se pueden dejar por fuera en ningún momento si se desea una buena edición: escala, los cortes de escena no pueden ser arbitrarios, ya que un cambio pequeño, puede causar una mala imagen. Angulación, como en el caso de la escala se debe de tener cuidado ya que si se da mal el salto de imagen, se muy falso la continuidad de la imagen. Montaje en movimiento, las figuras únicamente cambian tamaño y posición. Velocidad, debe ir de acuerdo al desarrollo de la escena y por ultimo distancia focal, mantenerla sin variar. La ilustración de estas normas básicas se da en toda la película, Amélie caminando rápido con el señor ciego, la velocidad va de acuerdo con lo que se desea exponer de la escena, donde ella decide ayudar a las personas, dando a entender que anda por todos los al redores, rápido, ayudando. El simple de la escena cuando en su baño, encuentra la caja con las fotos, el cambio de observa a Amélie de frente y luego dar un giro y ver la caja por delante ya tiene una gran juego de mediciones y cortes que une escala, angulación y montaje de movimiento, en solo diez segundos.
Los tres factores que se modifican al editar todas las escenas es el montaje y el tiempo. La historia de Amélie, inicia con montaje lineal condesado, ya que en su niñez, sigue una narración continua, pero únicamente expresa los acontecimientos importantes que se dieron. Se presenta su relación con su padre, luego su amigo el pez Cachalote, continua la historia narrando que fue lo que paso con su pez, su cámara fotográfica y luego la muerte de su madre, no cuenta su niñez de forma continua, si no, únicamente los momentos que marcaron su vida. Por otro lado el montaje conceptual también se hace presente, cuando se describen las personalidades de su padre (Raphaël Poulain), su madre (Amandine Poulain) y los miembros de la cafetería, Suzanne, Georgette, Gina, Hipolito y Joseph, recurren a un montaje conceptual, ya que lo único que desean determinar cuáles son las personalidad de cada uno, darle un “concepto” a cada personaje. Pero en general se podría analizar como una película con un montaje lineal continua, poco a poco va siguiendo como la vida de Amélie cambia desde encontrar el tesoro, hasta encontrar a Nino. El tiempo en el cine, a diferencia de la realidad, se puede acelerar, retardar, invertir o retroceder. El recorrido de la historia, transcurre en un tiempo normal, continuo, sin tener visiones hacia el futuro, o recuerdos, por lo tanto teniendo un tiempo de condensación.
Efectos especiales
Se define efectos especiales un grupo de técnicas que modifican la apariencia de la imagen o sonidos. Amélie presenta gran cantidad de efectos especiales, que muchos de los cuales no son percibidos de manera sencilla. Por ejemplo, al inicio de la película el pez se despide, en el rio, de Amélie, la llave del apartamento de Mr. Collignon, los deseos de Amélie con Nino, cocinando en su apartamento o las piedras en el agua.
Existen varios tipos de efectos especiales presentes en la película, la mayor parte digitales, el corazón palpitando en el pecho de Amélie y las nubes con formas de animales son algunos de los más ilustrativos. Dentro de esos efectos digitales se encuentran los de tipo morphing, los cuales ha sido uno de los efectos especiales que más han maravillado e impresionado a los espectadores del cine. Se basan en alterar y manipular la imagen para transformarla de forma gradual a otra imagen. Un tipo de morphing es el de 2 dimensiones, el cual es la técnica que se encarga de modelar y transformar, humanos y animales. Una de las escenas que mejor representa este tipo, es la escena en el tiempo a una hora y treinta y ocho minutos, donde la protagonista Amélie, cambia de su forma física y se convierte en agua, esparciendo por todo el suelo, por el sentimiento hacia Nino, ilustrando la metáfora de que se “derrite” por él. En la cuales se da la trasformación completa de una imagen con técnicas de desvanecimiento, que a su vez es conocido como tweening.
Parte 4
ResponderEliminarLos dos elementos principales que participan en la transformación, el elemento de origen, Audrey Tautou (actriz principal) se encuentra acomodando una mesa en el fondo del café “Deux Moulins” y vuelve su cuerpo hacia la puerta de entrada observando a Nino salir, con facciones de nervios y temor. El elemento final, es una gran cantidad de agua, cayendo hacia el suelo, dispersándose hasta que desaparezca completamente del piso del café. Se da una metamorfosis completa, ya que ninguna de las caracterizas físicas del elemento de origen (la actriz), continúan de forma constante hacia el elemento final. Ambos elementos son filmados, cuando Amélie vuelve su cuerpo y por otro lado, gran cantidad de agua cayendo. Es aquí donde inicia, la técnica de morphing. Mediante la computadora, generalmente programas como Cinemoprh y Morp Plus, se digitaliza cada una de las escenas y se inicia la transformación de las dos imágenes. Se seleccionan puntos y líneas, los cuales se les conoce como marcadores, que serán los que se utilicen como base para unir ciertos de ellos y definir cuáles serán los deformados y transformados. A mayor cantidad de puntos, mejor será el proceso de transformación. Entre el agua y Amélie, se deben marcar gran cantidad de puntos, que ayuden a que se dé un mejor cálculo de las transformaciones geométricas que realiza el algoritmo, debido a la gran modificación que se tiene que hacer, siendo el cuerpo por obviedad totalmente distinto al agua. Se crean distintas etapas intermedias que poco a poco, por medio de cambios mínimos, transforman, el punto del rostro en un punto con definición de agua. Al final de la escena, desaparece completamente el efecto, ya que es solo una metáfora por lo tanto, solo está ilustrando un sentimiento y no debe de quedar rastro de ello en el entorno.
Yves Domenjoud, fue el encargado, de realizar toda esta gran tarea de los efectos especiales presente es la película. Anteriormente había trabajado con el director, Jean-Pierre Jeunet, en lo que fue La ciudad de los niños perdidos (1995). Sus mejores producciones como técnico de efectos especiales se resumen en cuatro: Days of Glory (2006), Astérix et Obélix: Mission Cléopatre (2002), Amélie (2001) y Astérix et Obélix contre César.
Pista Cinemátografica
Aunque todos los componentes que forman parte del desarrollo de una película tiene una papel clave, el audio, es uno de los más importantes, ya que su mala calidad puede ser interpretada por lo espectadores de una manera más clara que otros componentes. Cuando se habla de audio, se refieren tanto a los efectos de sonido como a los diálogos.
DTS y Dolby Digital, son los dos sistemas de sonido, utilizados dentro de la producción de Amélie, encargados de sonido, mezcladores de sonido, especialistas en efectos sonoros, trabajaron en conjunto para lograr crear un ambiente que atrape a la audiencia. Obviamente todos los integrantes de la producción trabajan juntos, pero los anteriores nombrados son los que están directamente relacionados con este tema.
Critica cinematográfica
ResponderEliminarParte 1
Guión cinematográfico
El guión cinematográfico es la parte clave de un rodaje; ya que sin el no se tendría claro que y como se llevara a cabo la escenas del film.
En la película dirigida por Fernando Meirelles y Kátia Lund en el 2002 llamada Cidade de Deus, se muestra un excelente trabajo por parte del guionista Braulio Mantovani; en esta film se muestra las características fundamentales de un guión cinematográfico de primera, donde se cuenta con una historia y se le da personalidad a los personajes, mostrando las situaciones y lugares donde se desarrollan.
Un ejemplo claro se da lo largo de toda la película donde se va narrando y mostrando lo vivido por cada personaje iniciando con la historia del “Trío tierno” y por cada uno de sus miembros, hasta llegar a finalizar con la historia del narrador en este caso “cohete”.
Un caso en particular de la calidad del guión es la escena donde los policías liberan a “Zé Pequeño”, el tira la caja al suelo y pasa un perro chillando; es una muestra de complejidad del guión donde se planifico exactamente donde y en que momento debía aparecer el animal,se dio una excelente planificación de rodaje gracias al guión.
Concepto de género en cine
Partiendo de la película Cidade de Deus (2002), se pueden observar varias características para colocar este film dentro un genero cinematográfico.
Se podría colocar dentro del genero del cine testimonial ya que se basa en un tema en especifico en este caso las fabelas en Rio de Janeiro, y narra la historia de los personajes, también cuenta con otras características por ejemplo el tener un objetivo social y narra las vivencias de un personaje central “cohete”; claramente no puede incluirse dentro del genero documental ya que no cuenta con algunas características de este genero, por ejemplo incumplí con lo de no poseer personajes puesto en escena que es una característica del genero documental, básicamente el cine documental incluye testimonios, entrevistas, cámaras ocultas, material de archivo; y claramente en esta película no se da. También podría entrar dentro del genero realista donde se adapta mejor a las característica por ejemplo se muestra en si la realidad vivida en las fabelas.
Parte 2
ResponderEliminarPista de sonido cinematográfica
El sonido a sido de los puntos cinematográfica que mas han evolucionado en los últimos años gracias a la llegada de los sistemas digitales; el sonido en los film cinematográficos son grabados en un estudio diferente de donde se graba las escenas; luego de la grabación del sonido los editores lo insertan al film gracias a la aparición de los sistemas digitales ahora el sonido puede alargarse, acortarse, comprimirse para ajustarlo con los movimientos de la boca del actor. Gracias a que el sonido se graba en estudio permite un mejor control de las condiciones en que se producen las ondas sonoras, también durante la grabación de las escenas se da una grabación de sonido directo que se puede o no utilizar en la película ya que no se pueden discriminar los elementos incluidos en el registro sonoro por lo que en algunos casos el sonido no que da de la forma deseada; así que lo mas utilizado es la grabación en salas donde se pueden aplicar efectos de sala para mejorar del sonido, los efectos sonoros son mas que todo utilizados para atraer al espectador y mantenerlo interesado por ejemplo en la película Cidade de Deus, cuando presentaban a cada uno de los personajes, otra buena aplicación es el sonido de los disparos, durante la grabación de la película nunca se disparo un arma de verdad en realidad fue el uso de pistas de disparos ya echas que se insertaron a la pista de sonido de la película.
Algo muy importante en una film es la música por lo que un buen trabajo del editor musical es fundamental,donde debe tener cuidado en que la música tenga la duración adecuada para cada momento en que deba aparecer, para que cuando se lleve a cabo la sincronización y el montaje la banda de sonido corresponda al montaje visual. En la actualidad el sistema digital mas utilizado por los ingenieros a la hora de codificar las pistas de sonido es Digital Dolby.
Parte 3
ResponderEliminarTomas y planos
El plano esta compuesto por una de fotografías sin movimiento y es la reproducción de una acción continua filmada sin interrupciones, en un film se pueden realizar varias tomas de un plano lo que define toma como cada una de las diferentes versiones que se pueden hacer de un mismo plano.
Hay diferentes planos: los planos abiertos que este plano describe perfectamente el lugar donde se lleva a cabo la escena, se trata de una imagen completamente abierta donde se da prioridad al escenario. El plano general aquí se toma todo en cuenta en el escenario tanto ambiente, objetos y la gente. El plano completo toma al personaje de cuerpo completo, los planos medios en cambio toman al personaje de medio cuerpo donde las expresiones faciales y los movimientos corporales inician a tomarse perfectamente y por ultimo los planos cerrados nos muestra las expresiones totales del personaje,donde se describe una parte especifica del cuerpo del actor.
En la película Cidade de Deus se muestra todos los tipos de planos por ejemplo el plano abierto se muestra cuando “cohete” esta en la playa con sus compañeros de clase, la toma inicia lejos para mostrar el lugar donde se lleva a cabo y luego se acerca mostrando un plano general donde aparecen tanto el ambiente(la playa) como la gente y los objetos. El plano completo, los planos medios y los planos cerrados también se aprecian en esta escena.
Referencias:
Jimenez.I.(s.f.).Capitulo 1:Definición de guión cinematográfico.Recuperado el 08 de setiembre en:http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lco/poucel_s_p/capitulo1.pdf
Sagüés.A.F.(2006).Cine documental:aprender, hacer, enseñar a hacer y volver a aprender.Recuperado el 08 de setiembre en:http://www.doredin.mec.es/documentos/00620073000101.pdf
Domínguez.J.J.(s.f.).La técnica del sonido cinematográfico.Recuperado el 07 de setiembre en:http://www.felinorama.com/univ/tv/campus/temas/Sonido_cine.pdf
Jimenez.I.(s.f.).Capitulo 1:Cinematografía y sus composiciones. Recuperado el 06 de setiembre en:http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lco/jimenez_l_ma/capitulo1.pdf
Parte 1
ResponderEliminarDiferencias entre 35mm y 16mm
La diferencia entre estos es la calidad y el precio obviamente entre más calidad mayor el precio. Lo que marca el filmar con una cámara de 16mm o 35mm es el tamaño del ancho, tomando en cuenta que entre mayor ancho mejor definición obtenemos, menor cantidad de grano cinematográfico. El grano cinematográfico es literalmente el grano que le sale en la imagen, como cuando tomamos una foto a poca luz solo que esta es mas agradable a la vista que el grano digital. Cuando se utiliza 16mm es por lo general para grabar cortos, también es muy utilizada por periodistas esto debido a que es mas económico que hacerlo con la 35mm que es mucho más cara y es utiliza en películas dado que se obtiene mejor definición. En la película cinema paradiso es muy evidente el uso de lente de 35mm por ejemplo en la escena cuando Totó va en el tren se puede ver le perfección en la toma, tomando en cuenta la excelente definición que se ofrece para apreciar cada detalle de la despedida y las acciones que ocurren.
Referenciado de
Diferencias de 35mm y 16mm (2012).cine de cartelera.es Recuperado de http://www.cinedecartelera.es/cultura-cinematografica/diferencias-entre-8-16-y-35mm/
Parte 2
ResponderEliminarTomas y planos
El plano en el cine, una tira continúa de tiras cinematográficas, creado a partir de fotogramas. Estos corren en periodos de tiempo interrumpidos. Los planos pueden variar en su duración y por lo general son filmados con un simple cámara. Los fotogramas, planos, clips, escenas y secuencias forman una jerarquía de unidades fundamentales para varias tareas en la creación de material visual. Los planos y las tomas se acomodan según la necesidad que se tenga por ejemplo cuando se esta filmando con la cámara en movimiento, “movimientos en la cámara misma” son capaces de reproducir los movimientos de los sujetos filmados. “Movimientos de la cámara sobre si misma” estos se dan colocando la cámara sobre una plataforma esférica, logrando de esta manera panorámicas horizontales, verticales, y diagonales. “Movimiento externo de la cámara” cuando la cámara es la que se desplaza, ya sea por travelling, con una grúa o montándola en un helicóptero.La cámara en ángulo, hay varios tipos de tomas según el tipo de ángulo que necesite. Esta la toma en picado, la cámara es colocada por encima de objeto a grabar, la toma en contrapicado que es lo contrario la cámara es colocada debajo del objeto. La toma o plano aéreo cuando es tomada desde bastante altura. La toma frontal, es cuando se toma desde el frente y la toma cenital la cámara se encuentra en vertical respecto al suelo. En la película cinema paradiso se hacen evites muchos tipos de tomas y planos como ejemplo la escena de la reprimenda de la madre a la salida del cine: “cuando tiene lugar vemos picados en Totó y contrapicados en su madre, y cuando llega Alfredo a calmar la situación todos son planos” otra escena es cuando están todos en la plaza y después le dan un enfoque de cámara y sonido al señor que grita que la plaza es de él.
Martínez, E. &Sánchez,S. (2011). Tipos de plano Los movimientos en el cine Recuperado de http://www.uhu.es/cine.educacion/cieyeducacion /tipos de plano.htm
Parte 3
ResponderEliminarPista de sonido cinematográfica
El sonido en una película es muy importante, en algunos casos esencial en el mundo cinematográfico especialmente el diálogo, facilita enormemente saber lo que está pasando, pero también provee de un contexto y unas emociones a lo que está pasando. Existen dos sistemas de sonido en el cine, que son el analógico y el digital, y dentro de los sistemas digitales tenemos tres principales, que son los DTS (sistemas de cine digitales), el sistema dolby digital, y el SDDS (Sonido Digital Dinámico Sony). En la película de cinema paradiso el sonido posee un papel relevante, por ejemplo los diálogos conchaban excelentemente respecto al guion, los efectos de sonoros resaltantes ya que logran hacer que la persona que ve la película capture todo para esto los ponen de una forma más fuerte en en la realidad por ejemplo en el cine cuando despiertan al tipo como entres ocasiones los ruidos que hacen son realmente penetrantes, o cuando el niño no se sabe la tabla del 5 y lo golpea contra la pizarra se puede escucha cada detalle, también en la plaza el loco todo se corta solo para escuchar lo que este dice. En esta película también es muy relevante la música utilizada con fines emocionales como en el incendio y al final cuando Totó observa lo que Alfredo le tenía guardado.
Electronica-basica.com (2012). Recuperado de http://www.electronica-basica.com/sonido-peliculas.html
Parte 4
ResponderEliminarLos efectos especiales
Los efectos especiales se refieren a detalles que son introducidos en el film para hacerlo ver más verdadero “Se definen, también, como el grupo de técnicas que permiten modificar la apariencia de la imagen o el sonido”. Esto clarifica y delimita un poco más el concepto, y es debido a esta concepción que se pueden clasificar en efectos de sonido y en efectos visuales. Generalmente el público hace referencia a la idea de “truco”, cuando se refiere a ambos. Actualmente los efectos especiales constituyen una actividad especializada dentro de la poderosa industria del cine, que se nutre de la ciencia y desarrolla a la par de los avances tecnológicos. Los efecto especiales pueden clasificarse de muchas maneras, para algunos autores de libro sobre el cine solo hay dos tipos, los pre fílmicos y los cinematográficos. Siendo los primeros los que se programan con anticipación y los segundos son los que se usan durante la películas. Según la Academia de Arte y Ciencias cinematográficas se encuentran diversas clasificaciones para los efectos especiales como el caso de los efectos mecánicos, que se refiere a cualquier creación fí¬sica en el decorado o localización del rodaje, como las explocines y el fuego entre otros. Los efectos ópticos, aplicable a cualquier distorsión de la filmación directa hecha con la misma cámara con la que se rueda. los efectos de montaje, son las técnicas utilizadas para hacer aparecer objetos y que desaparezcan también. En la película de Le fabuleux destin d'Amélie Poulain (2002) cuando la pequeña Amélie se despide del pez es una escena que cautiva y hace parecer como si en realidad el pez se despide. En esta película el uso de efectos especiales es muy evidente.
Claqueta (2012). Efectos especiales Recuperado de http://www.claqueta.es/ artículos /efectos-especiales-en-el-cine.html
Critica cinematografica
ResponderEliminarparte 1
Cuando hablamos de cine es una palabra que abarca muchos aspectos, muchos ligados a lo que estamos acostumbrados a ver en la salas de cine comerciales, el cine norteamricano comercial, este tipo de filmes se miden por otro tipo de parametros a los que se mediria el cine conocido como cine arte. El septimo arte o cine es todo un trabajo de un grupo de personas bastante grande y profesionales que plasman una idea o historia en una secuencia de fotografias, a pesar de ser uno de los artes de mayor impacto su elaboracion es bastante complicada, la cual no apreciamos debido a la "mala costumbre" de escuchar los lineamientos para determinar el exito de una pelicula norteamericana comercial, su taquilla, dinero gastado y dinero conseguido, cantidad de semanas en cartelera. Si bien esto es importante dentro del cine, no determinan el exito o la calidad de una pelicula, sino que el cine abarca mucho mas que eso. El cine arte como su nombre lo dice, es un arte que como cualquier otro, su simple elaboracion ya es un exito por si mismo. El impacto que pueda tener el arte no depende de su dinero, su produccion es mas importante, su profundidad en el guion, planos y tomas, calidad de produccion y otros aspectos son las diferencias tecnicas entre estos. Un ejemplo de esto lo podemos ver en la pelicula " Le fabuleux destin d'Amélie Poulain (2002)" en la cual vemos su profundidad en el guion el cual nos hace estar conectados a una serie de historias dentro de la misma que podemos ver como al final del film se unen todas, podemos ver que en una pelicula como estas cada una de sus tomas estan perfectamente planificadas y nos damos cuenta de que nada es casualidad y toda toma tiene un fin. En el cine norteamericano comercial por el contrario tenemos historias con poca profundidad y a veces hasta sin un sentido logico ya que su objetivo simplemente es generar dinero.
parte 2
ResponderEliminarUno de los mayores recursos utilizados en la industria del cine mundial son, sin duda alguna, los efectos especiales. Los efectos especiales no son solo esas explosiones o erupciones donde los edificios salen volando, sino es mucho mas que eso, los efectos especiales son un conjunto de tecnicas especializadas para crear ilusiones visuales que no pueden ser hechas normalmente. El exito del efecto especial no esta en que tan grande sea la explosion o que tanta lluvia caiga, sino que el efecto especial tiene exito cuando el o las personas que lo observan no lo perciben o lo toman como "normal" ya que cuando esto ocurre el efecto especial cumplio con su objetivo. Por ejemplo en "Le fabuleux destin d'Amélie Poulain (2002)" la escena de el la despedida entre el pez y la niña es un efecto especial el cual lo vemos como algo normal o lo pasamos por alto asi tambien en "Le scaphandre et le papillon (2007)" en el momento que le cosen el ojo al paciente nos olvidamos que no es un ojo sino que es una camara al momento de hacer el efecto. El uso de los efectos especiales es un recurso muy util para los directores de cine pero tambien puede llegar a ocurrir un abuso de el cuando se usa en demasia, por esa razon los cineastas deben tener cuidado a la hora de utilizarlo.
parte 3
ResponderEliminarEl cine documental es un genero cinematografico caracterizado por tomar imagenes de la realidad. Mientras unas veces lo confundimos con los reportajes tenemos que saber que hay una gran diferencia entre estos, empezando con que el primero es un genero de cine y el segundo de television, otra confusion comun es con el "cine de la realidad" pero este es un genero que no se preocupa por explicar realmente lo que sucede simplemente son escenas que fueron grabadas pero no necesariamente conuna historia de trasfondo. En "Cidade de Deus (2002)" vemos un cine documental ya que este guion fue basado en una historia real y el cine es tan exacto que a veces durante el transcurso de la pelicula se nos "olvida" el hecho de que son actores y pensamos que realmente ellos son miembros de una pandilla en este caso y que las muertes no son reales durantela pelicula. El cine documental busca plasmar en sus filmes imagenes de la realidad.
parte 4
ResponderEliminarUna de las cosas que nos hace disfrutar de una pelicula es su sonido y su audio, lapista de sonido de las peliculas lleva un arduo trabajo detras de lo que escuchamos, es todo un grupo de personas grabando uno a uno los sonidos expuestos en la pista, ademas de ser una pista aparte a la de video, el sonido "acompaña la imagen" dicen algunos pero la verdad es que son todo un complemento, el sonido no solo nos transmite la musica o audio sino que muchas veces nos revela el sentimiento que se quiere dar a entender con la escena o toma en la pelicula. Un ejemplo de esto lo vemos en "Cidade de Deus (2002)" donde podemos escuchar los sonidos y su calidad por ejemplo en la escena donde "el trio tierno" esta subido en un arbol y a uno de ellos se le cae una gota de sudor, aqui no solo esuchamos alos policias buscandolos sino que tambien escuchamos los latidos del corazon y la gota cayendo a la vez y podemos diferenciar cada uno de los sonidos, esto refleja la calidad de la pista sonido en esta pelicula.
Bibliografia: 6 de junio del 2012
Efectos especiales,Recuperado de: http://www.actiweb.es/fotocine/como_se_hacen_los_efectos_especiales.html
Cine Documental, recuperado de:
http://www.cinedocumental.com.ar/sitio/
Pista de sonido, recuperado de:
http://es.wikipedia.org/wiki/Sonido_%C3%B3ptico
http://es.wikipedia.org/wiki/Sonido_cinematogr%C3%A1fico
Ciudad de Dios, recuperado de:
http://www.slideshare.net/mpsanchez/anlisis-pelcula-ciudad-de-dios
Cine arte, recuperado de:
http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/arte_cine.htm
http://cinartec.blogspot.com/2011/03/cine-arte-o-industria.html
PARTE 1
ResponderEliminarAnálisis Cinematográfico: El Colombian Dream
..::Concepto de guion cinematográfico y “happy ending”::..
El Colombian Dream nos lleva a través de la historia de tres jóvenes colombianos que se ven seducidos por el negocio de las "pepas" (droga alucinógena empacada en pastillas de colores) y el dinero fácil.
Elementos centrales como el trio amoroso entre Enrique, Pepe y Rosita, de igual forma el trio amoroso entre John McClaine, El Duende y Ana son tan importantes como elementos secundarios de guion que le dan personalidad tanto a la película como a los personajes. Por ejemplo historias como la de Jesús Elvis, que ostentaba convertirse en un poeta; sin embargo, es víctima de la necesidad y de la sociedad y termina por convertirse en un "asesino" a sueldo como lo era su padre. Es importante recalcar que a pesar de los eventos ajenos a la trama central que se dan, la película tiene el mérito de nunca perder el hilo principal en torno al mundo del tráfico de drogas en Colombia (que de todas formas, se ve una perspectiva muy diferente a lo que nos tiene acostumbrados el cine de Hollywood).
Esta producción nos lleva por una historia compleja, acelerada y realmente impredecible, el "happy ending", como se conoce en inglés, hace referencia a la situación donde el o los protagonistas atraviesan una situación complicada y al desenlace de la película, logran solucionar sus problemas y se concluye de la mejor manera para ellos (se casaron y vivieron felices por el resto de sus vidas...). En El Colombian Dream es difícil determinar si se da un happy ending, en primer lugar, Rosita se da cuenta que con quien está compartiendo su momento de intimidad no es Enrique sino más bien su hermano (el cual no es su novio) Pepe y sin embargo, decide continuar, es esto un final feliz para los gemelos?, en cuento al Duende, muere asesinado por los comerciantes de drogas extranjeros, ¿realmente quería Ana a John McClain y no al Duende? o ¿solo lo dejo a la suerte al no darle el número del recipiente correcto a John McClain? Probablemente sea un final feliz para algunos protagonistas más no para otros (Jesús Elvis encarcelado por un crimen que no cometió).
Ahora, como referencia a un happy ending muy claro, se tiene el desenlace de la historia de Amelie (Le fabuleux destin d'Amélie Poulain), en el cual, tras la falta de confianza de Amelie para conquistar a Nino, se da por vencida, sin embargo, Nino aparece tras la puerta de su departamento, ella abre, lo observa y sin decirse una sola palabra se besan con pasión. Al final de la película, se muestran ambos viajando en la motocicleta de Nino y dejando ver es sus rostros una expresión de felicidad y satisfacción.
PARTE 2
ResponderEliminar..::Concepto de planos y tomas cinematográficas::..
Es realmente amplio el uso de planos y tomas poco comunes en esta producción, desde una enorme variedad de travelling, hasta incluso el uso de “cámara en mano”, sin trípodes ni estructuras que den apoyo fijo a la cámara. A continuación se analizaran algunos de ellos.
Primer Plano:
En la escena donde la madre del Sagaz vende “pepas” a los jóvenes se da un "primer plano" para enfatizar los detalles de su rostro y su risa morbosa. Este tipo de plano se repite con frecuencia, por ejemplo en la escena donde se presenta Jesús Elvis por primera vez y cuando habla El Duende con Jesús Elvis en el momento que lo contrata.
Plano Subjetivo:
También llamado "plano PDV", muestra lo que ve un personaje, como si la cámara estuviera en sus ojos. Este recurso es ampliamente utilizado en El Colombian Dream, escenas como en la que El Duende contrata a Jesús Elvis por ejemplo. Además, se mezcla este tipo de plano con el "ojo de pez", que brinda una distorsión angular asemejando una imagen reflejada en una esfera. Esta combinación de elementos permite reflejar con mayor precisión el efecto de la vista subjetiva, y da a entender inmediatamente que en la escena se observa la perspectiva desde un sujeto.
Plano Objetual:
La escena en la que los jóvenes buscan en internet artículos para comprar con el dinero del Sagaz, muestra la perspectiva desde la pantalla del computador, en la cual incluso se logran observar detalles de los artículos que los jóvenes buscan. Este efecto da la sensación de que la cámara es un objeto (mirando desde dentro del objeto hacia afuera).
Otro ejemplo es la escena donde El Duende y Jesús Elvis amenazan a la mujer del Sagaz, la cual se encuentra dentro del baúl del automóvil; la imagen da la sensación de ver a través de los ojos de la mujer desde dentro del baúl , combinando el elemento subjetivo con un plano conceptual.
Plano Múltiple:
Se da en varias ocasiones el uso del plano múltiple, por ejemplo en la escena donde El Duende llama por celular a Jesús Elvis. Este tipo de plano se da con la intención de mostrar acciones múltiples y en este caso, enfatizar los contrastes existentes entre ambas acciones. Incluso, cuando la madre del Sagaz advierte a Enrique que debe aceptar el negocio de las "pepas", se da un plano múltiple donde en ambas ventanas se muestra la misma imagen.
PARTE 3
ResponderEliminar..::Cine Norteamericano Comercial vrs Cine Arte::..
Es necesario dejar claro que todo tipo de cine tiene una finalidad bien delimitada. Detalles como el rango de edad hasta el tipo sociocultural de personas son previamente seleccionados como receptores de determinada producción.
El cine comercial norteamericano tiene como finalidad la de entretener y no la de trascender, de ahí el detalle de que muchas de estas producciones obtengan un apogeo temporal sin embargo no son recordadas con importancia tiempo después. Es importante aclarar que existen excepciones, pues algunas producciones comerciales han logrado trascender, sin embargo, la cantidad es mínima en comparación con la cantidad de producciones que han visto la luz.
En contraste al consumo masivo y de taquilla, se tiene el cine arte se caracteriza por mostrar temas más controvertidos y creativos. Es usual conocer este tipo de cine por el nombre propio del director ya que la libertad de producción permite que el director ponga su sello personal en cada uno de sus películas. Un ejemplo en la actualidad es el director Pedro Almodóvar, con producciones únicas y controvertidas como La Piel que Habito. Estas tramas pueden llegar a ser complicadas para el público que esta adiestrado al cine comercial, deben ser observadas con frialdad y aceptar escenarios muy reales que ocurren en la vida diaria pero que no se muestran en el cine comercial.
Interesante del cine arte es que no necesita de exagerados y poco creíbles efectos especiales para lograr gran interés por parte de sus receptores, como es el caso de El Colombian Dream, cuyo guion y uso de planos y tomas sobresale por su originalidad y dinamismo. Ahora, en el caso de que se utilicen, se puede analizar un referente en el arte de efectos especiales, Amelie (Le fabuleux destin d'Amélie Poulain). En esta producción, el uso de efectos es tan sutil que para inexpertos, algunos de ellos pueden pasar desapercibidos, pero se dan en los momentos más apropiados y sin abusar de ellos. Son realizados por ingenieros expertos en el tema.
PARTE 4
ResponderEliminar..::Concepto de 35mm vs concepto de 16mm y cine digital::..
El film reta y destruye muchos de los conceptos más tradicionales del cine, utilizando una amplia cantidad de formatos de película fotográfica, mas allá de los clásicos 35mm y 16mm utilizados en la mayoría de producciones cinematográficas. Recordemos que el uso de los 35mm es tan extendido debido a su excelente relación entre el costo del material fotográfico y la calidad de la imagen capturada, y se ha mantenido como la medida estándar aun después de amenazas de calibres más pequeños y más grandes y formatos que a pesar de novedosos, no logran una mejor relación calidad-precio que la de los 35mm.
Incluso, en el Colombian Dream escenas grabadas en 16mm fueron luego digitalizadas en alta definición y de allí trasladadas a 35mm.
Es tan amplio el uso de herramientas poco comunes, que la escena donde Enrique tiene sexo con una mujer en la finca de John McClain se grabó utilizando una cámara infrarroja, generando un efecto muy original en comparación con el cine comercial.
..::Bibliografia::..
(2011) Tipos de planos cinematográficos. Recuperado el 06 de Setiembre de 2012 de http://www.solosequenosenada.com/2011/02/14/tipos-de-planos-cinematograficos-ejemplos-con-fragmentos-de-peliculas/
David D. Griffith (2002) El Guion Cinematográfico. Recuperado el 07 de Setiembre de 2012 de http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lco/peralta_f_a/capitulo1.pdf
Película de 35mm. Recuperado el 06 de Setiembre de 2012 de http://es.wikipedia.org/wiki/Pel%C3%ADcula_de_35_mm
Crítica cinematográfica
ResponderEliminarEn la película La Piel Que Habito, la escena final al igual que el resto de la película es filmada en un formato de 35 mm ya que se pueden observar tomas donde se incluyen sonidos y hay captura del color, además que el ancho del film es el optimo para una buena calidad de imagen y obtener así una buena proyección cinematográfica.
Hasta en la escena final se nos muestra de una manera oral quién es realmente Vera ya que hasta en ese momento se lo menciona a su madre. Y según escenas anteriores todos asumimos que es Vicente por lo que el guión nos había mostrado. En esta misma escena se observa que no es necesario agregar música de fondo para crear un drama o expresar los sentimientos tanto de Vera como los de su madre. Gracias al guión de esta película, sin que sea necesario utilizar el habla por parte de los actores, nos damos cuenta de las razones que tenía Vera para matar a Robert. En esta escena analizada se descarta por completo el happy end debido a que suceden cosas completamente inesperadas. En la trama nos hacen salir un poco del pensamiento o de la idea de lo lógico a suceder para luego de un momento a otro sorprendernos con acciones totalmente diferentes a lo que realmente estamos acostumbrados a ver. Se observa como Vera ya se veía feliz y estaba junto a Robert, pero de un momento a otro tomó rencor y mató a Robert.
En la película y en específico en la escena final nos mantiene en un suspenso acerca de lo que va a suceder con los protagonistas, a pesar de que algunas de las acciones tomadas por los actores en el film, son muy parecidas a las que muchas personas tomarían en la vida real estás nos causan sorpresa. Además de esto se muestran a todas las personas del film como personas normales (inteligentes, tristes, felices, locas, entre otras) y muestran a todos los actores con todas sus características además de que nos muestran sus pensamientos. Esto hace que este film sea de categoría realista y la diferencia de otras como documental y testimonial.
En la escena final se muestra como en el cine de arte se realiza una película sin propósitos principalmente económicos, como lo es el cine norteamericano comercial. Además que el cine arte además de preocuparse por el cómo se ve, se preocupa también por el cómo se siente. Se preocupa por crear una buena historia y no por lo ebonita que sea esta, ya que no les importa la vida o felicidad de los protagonistas dentro del film como si es el caso del cine norteamericano comercial.
DIFERENCIA EN 35mm VS 16mm VS DIGITAL:
ResponderEliminarEmpecemos a hablar sobre los formatos de cámara al grabar una escena en una película este es un aspecto importante ya que dependiendo de lo que el director quiera se usan diferentes formatos. Entre ellos el formato de 16 y 35 mm y el formato digital.
Empecemos por el formato digital en la escena al inicio de Slumdog Millionaire cuando se da una secuencia de persecuciones el director de fotografía Anthony Dod Mantle,recomendó el uso de una cámara digital en vez de una tradicional de 35mm esto debido al espacio porque era muy concurrido y si se utilizabauna cámara de 35mm no daría la toma esperada. Los puntos altos del formato digital es su tamaño que es mas pequeña ,mas ligera y versátil , ideal como para grabar en las estrechas callejuelas que hay en Bombay.Recordando que esta escena fue grabada en una calle real y no en un estudio al grupo le costo mucho trabajo grabarla ya que no podían alterar la vida cotidiana de los habitantes.
Además también explico que al llegar a la India quedo tan impactado del caos que se genera con toda la gente que no le bastaba “quedarse mirando” con esto se refiere al uso de una cámara convecional de 35mm en la que no se puede “sumergir en el caos” ,explico Boyle director de la película, por eso prefirió el uso de cámaras digitales en las escenas de ciudad para poder captar todo ese caos y poder ensenarlo al publico.
Las cámaras que opto por usar fueron las SI-2K, que son muy versátiles y pequeñas permitiendo al camarógrafo lograr tomas muy buenas en espacios reducidos o de difícil acceso.
Las cámaras de 35mm sin duda alguna son las que dan la mejor calidad de imagen mas resolución y menos grano.
En la película Amelie se aprecia muy bien el uso de estas cámaras de 35mm como en la escena donde se describe el café donde ella trabaja, Les deux Moulins, se hace una toma donde se va mostrando todo el local y a la vez describiendo a cada personaje que esta en el , es una toma q se hace en la puerta del local y abarca en detalle cada espacio del café,esta es una de las características que tiene esta cámara da un marco muy ancho lo que permite este tipo de imágenes.
En esta misma película me llamo mucho la atención una escena , los créditos que hay al principio de la película , donde esta Amelie de nina comiendo fresas y jugando con goma en sus dedos , estas tomas fueron hechas con una cámara de 35mm pero en la edición fueron tratadas digitalmente para hacerlas parecer que fueron grabadas con una cámara super 8, que es un tipo de formato de 8mm que era ultilizado mas que todo por las familias en sus casas.
Por ultimo me queda hablar de el formato de 16mm este da una calidad un poco mas baja que el de 35mm pero es mas económico y es ultilizado por películas que no cuentan con mucho presupuesto, La Ciudad de Dios esta película posee muchas escenas que fueron grabadas en formato de 16mm , escenas como la del bosque cuando Neghinho y Alicate son perseguidos por la policía al bosque es una escena que no tiene mucha calidad de imagen ni mucha resolución ya que fue grabada con una cámara de 16mm, otra escena que utilizo este formato fue cuando Dadinho va a hablar con el chaman que hace voodoo y le llama Ze Pequeño es una escena muy parecida a la anteriormente descrita no es una imagen con mucha resolución mas bien es un poco dificil de apreciar algunos detalles ya que la calidad de la imagen no es muy alta.
PARTE 2
ResponderEliminarOtro aspecto muy importante en lo que se refiere a una película son los efectos especiales, que le dan un gran aporte a una escena y pueden hacer la diferencia entre una película excelente y una película pésima ,ya que hay efectos muy sutiles y otros mas bien hacen que se vea muy exagerado o irreal.
Por ejemplo en la película Amelie que esta llena de efectos especiales que muchos son casi irreconocibles tales como el pez suicida que ella tiene, es una animación no es un pez real,este mismo pez cuando es liberado el se devuelve y se despide de Amelie , un detalle que cuesta visualizar y es un gran efecto especial que pasa casi inadvertido , otro gran efecto especial es cuando ella esta lanzado piedras y estas dan brinquitos en el agua, muchos vemos eso como algo normal en el que no hubo nada especial , sin embargo este efecto llevo muchísimo tiempo ya que tenia que ser tan sutil que fuera casi imperceptible por los espectadores , claro que en esta película habían otros efectos que si eran muy fáciles de observar como los cuadros en el cuarto de Amelie que hablaban pero este efecto aunque fuera muy fácil de observar no afectaba ,pero cuando es uso de los efectos especiales se pasan de mano y son muy exagerados se cae en el abuso de estos .
Al caer en el abuso de efectos especiales una película pierde el tono realista de esta misma , como las películas de cine de acción de Hollywood donde se dan muchísimas explosiones , destrucción de la propiedad privada,entre otros.
Me gustaría poner el ejemplo de Mission Impossible donde el actor Tom Cruise sale caminando de un edficio a punto de explotar este explota a centímetros de el , ni se despeina ni se cae,o el dispara y explotan dos carros y destruyen una casa, estos efectos hacen que una película se vea completamente falso.
A pesar de todo esto el cine de Hollywood sigue produciendo películas asi por que les deja cuantiosas sumas de dinero , ya que van dirigidas a un publico joven que disfruta de estos “gradiosos efectos”.
En una conclusión se llega a que los efectos especiales son buenos ayudan muchismo al cine pero siempre y cuando sean usados en una forma racional , sin grandes exageraciones que parescan escenas de la vida real y no un actor con una gran pantalla azul . también se sabe que entre mas delicados y finos sean los efectos especiales , mas difíciles de lograr hacer.
Muchos críticos de cine dicen que el éxito de una película muchas veces se encuentra en este tema ya que los efectos especiales hacen la diferencia entre una película muy buena y una muy mala, ya que aunque se tenga el mejor elenco de actores el mal uso de efectos especiales puede arruinar una muy buena producción. Por lo general las películas que abusan de estos efectos especiales son del tipo de cine comercial que tratan de llamar mucho la atención del publico.
PARTE 3
ResponderEliminarLuego de haber hecho la diferenciación entre los efectos especiales y el tipo de cine que en general lo usa podemos especificar la diferencia entre el cine comercial y el cine arte.
Para ejemplificar mejor lo que es cine arte tomare como referencia La Piel que Habito de el director Pedro Almodovar,esta película se caracteriza por una guion muy complejo donde hasta después de la mitad de la película se puede comprender bien que es lo que sucede, ultiza los flashbacks de una forma muy buena, al principio de la película uno no puede entender muy bien lo que esta pasando hasta que se hace el flashback que lo explica.
Otro aspecto es que el guion no baja su intensidad en ningún momento , lo mantiene a uno a la expectativa de que va a pasar después , además de ser un guion completamente original no es un tema que abarca cualquier película,además de muy controversial por tocar temas como experimentos con humanos y cambio de genero que son dos temas que la sociedad ve como malo,Almodovar logra realizar una mezcla de estos dos y exponernolos dejandos a todos pensando un buen rato sobre este film.
Aunque fue una producción de muy alto presupuesto ,con actores de primer nivel , el cine arte , no se basa en la recaudación hecha en los cines , ellos tienen otras prioridades antes que esa , esta es una d las mas grandes diferencias ya que una película de cine arte es buena gracias a el uso de sus cámaras, guion original o fotografía y no por su recaudación.
Otra cosa que se ve muy bien en la película de la Piel que Habito es la escenografía son escenarios muy bien montados casi se pueden decir que completamente reales ,una diferencia muy grande con el cine comercial que mas que todo se basa en las pantallas azules para recrear todo lo que quieren.
En otro aspecto que se caracteriza es en utilizar actores que tuvieron que pasar por un casting muy riguroso,para asegurarse de que será el actor que mejor se acople al personaje que se quiere , como la selección de Antonio Banderas como el persona principal , teniendo las cualidades y el carácter que tendría un doctor asi de exitoso.
Luego un aspecto que tiene el cine de Hollywood es que ellos clasifican al cine que no es de ellos como cine independiente de baja calidad, con mala actuación ,cosa que aleja a mucha gente, además ellos eligen países poco desarrollados donde es muy dificil tener acceso a un cine arte de calidad, y amaestran a el publico a los efectos especiales exagerados y a que los actores siempre sean muy guapos y adinerados.
Otro aspecto que varia entre estos dos tipos de cine esta en la clasificación de los generos de películas. Este tema es controversial dependiendo del gusto de cada persona pero las personas que ven cine artístico se dan cuenta del mal cine que veian antes
PARTE 4
ResponderEliminarEn lo que consta de cine existen varios generos que pueden ser fácilmente confundidos estos son el cine realista,el cine documental y testimonial ahora serán explicados para poder entender cada uno:
El cine documental fue un genero que se derivo del cine de observación, cuando algunos cineastas con fines antropológicos y de estudio buscan una manera de filmar, sin que se interfiera en la realidad de lo sucedido.
Este tipo de cine documental propone la filmación con una cámara estatica para afectar lo menos posible en los acontecimientos.
El cine realista lo que hace es recrear en un estudio con un elenco de actores una problemática tal es el caso de la película Ciudad de Dios, donde se tienen referencias de que esos personajes no son ficticios si no que en la realidad si existieron , lo que hace la película es recrear esto.
Por ultimo se habla del testimonial, en este genero se tiene una historia que es narrada por el personaje principal,desde su punto de vista en cada aspecto, no necesariamente tiene que ser basada en hechos reales ya que pueden ser ficticios. Un ejemplo claro de este tipo es la película Slumdog Millionaire donde el cuenta toda su historia y de cómo sus experiencias en la calle le ayudan para poder responder cada pregunta del programa.
Detalles de amelie. Recuperado el 4 de setiembre de 2012
http://todoscontraelarte.blogspot.com/2012/07/solo-para-muy-fans-anecdotario-de.html
Pelicula agua.Recuperdado el 4 de setiembre de 2012
http://www.labutaca.net/films/36/water.htm
Detalles técnicos Amelie. Recuperado el 6 de setiembre de 2012
http://www.imdb.com/title/tt0211915/technical
Filmes arruinados por efectos especiales. Recuperado el 6 de setiembre 2012
http://de10.com.mx/8807.html
Diferencias entre cine arte y cine comercial.Recuperado el 6 de setiembre 2012
http://publicalpha.com/cine-de-arte-o-cine-comercial/
Cine Documental. Recuperado el 6 de setiembre de 2012
http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/documentrealidad.htm
Parte 1
ResponderEliminarTOMAS Y PLANOS
Las tomas y planos utilizados en cualquier película cumplen un papel sumamente importante, tal como lo veremos en películas como Le fabuleux destin d'Amélie Poulain (2002) del director Jean- Pierre Jeunet en la cual se hace un trabajo de cámaras utilizando diversos dispositivos entre los cuales se citaran los más importantes.
En primer lugar se hace gran uso de las conocidas grúas con el fin de realizar tomas en picada con las cuales se busca transmitir en muchas ocasiones sentimientos de insignificancia, desolación, fracaso o en muchos casos busca cubrir un gran espacio de grabación en la que los actores o actrices se están moviendo, tomas de este tipo las observamos en Amelie en la estación del tren con el fin de cubrir gran cantidad de espacio y de esta manera enfocar.
De la misma manera se encuentran tomas en contrapicado las cuales son realizadas con las mismas grúa y que buscan transmitir sentimientos de grandeza así como también momentos de triunfo o de exaltación tanto como se requiera transmitir a lo largo de toda la película como en la escena de Amelie en la cual poco después de haber cumplido con la entrega de la cajita de juguetes a “Brodoteau” se transmite mediante el uso de contrapicados un sentimiento de felicidad, en esta escena se puede notar la forma en la que se trabaja el movimiento de la cámara de una forma delicada deslizando la grúa hacia atrás con un movimiento giratorio logrando a la vez otro tipo de toma como lo es una toma panorámica en la que se puede no solo seguir a la actriz sino también muestra el río y edificios de fondo y por supuesto sin dejar de producir un buen enfoque de la sensación buscada, iniciando en plano medio y con un alejamiento concluyendo en un plano americano.
Son este tipo de tomas en las que realmente se logra apreciar el sentido de la técnica y la manera en que se hace uso de la grúa en plena coordinación con la cámara que ésta porta.
Sin duda alguna Amelie esta plagada de distintas técnicas para realizar tomas y en distintos planos, otra técnica utilizada en Amelie es el uso del trávelin o también conocido como dolly que básicamente consiste en el desplazamiento de la cámara la cual se coloca sobre un carro de ruedas que posteriormente se moverá sin alterar la grabación. Mediante esta técnica se logran distintos objetivos como pueden ser acercamientos o alejamientos de la misma forma puede ir alguien en el trávelin. Con respecto a esta técnica podremos notar que nuevamente la película Le fabuleux destin d'Amélie Poulain (2002) está repleta de tomas con base a esta técnica entre ellas está la utilizada en la escena en la cual Amelie se topa por primera vez con Nino Quincampoix que tiene lugar en la estación del tren, en esta escena se hace uso del trávelin para dar un enfoque en primer instancia a los pies de Amelie y de ahí parte y enfoca a Nino al cual se trabaja con un primer plano con el fin de transmitir un sentimiento deseado por el mismo director.
En la escena descrita anteriormente se puede agregar que se hace uso de otra técnica conocida como close-up, la cual como se puede ver es un acercamiento directo al rostro del actor, mediante el uso de esta técnica se pueden destacar aspectos importantes como sentimientos de felicidad, dolor, miedo, entre otros, en el caso particular de esta escena se desea producir algún sentimiento de encuentro el cual vendrá seguido de un movimiento nuevamente de trávelin y algunas grúas hacia la parte de las gradas este acercamiento puede venir desde abajo o desde arriba según el propósito deseado.
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ResponderEliminarAnálisis Técnico Colombian Dream
Esta producción colombiana tiene un lema que da a entender de qué se trata la película: “Véala antes de que la prohíban”, es una película que expone la realidad colombiana y con su ritmo acelerado de contar las diferentes historias, muestra muchos aspectos de la vida en Colombia.
Tomas y planos
En la primera escena donde se presenta a Lucho, el narrador de la de la historia, se utilizan muchos planos cinematográficos, la toma empieza con un plano general donde se muestra la habitación que representa el útero de muertos, luego cambian a un plano americano, plano medio y la escena termina con un primer plano de Lucho para hacer énfasis que es un niño de 14 años el que va a narrar la historia y también que el tema del dinero va a ser el tema principal de la narración que el niño está por comenzar.
En la siguiente escena presentan a los personajes de la historia con tomas de primer plano con una cámara que se desplaza libremente por el Colombian Dream, luego de presentar a los 3 personajes principales con tomas de primer plano y pasan a plano americano para presentar a la mamá y al novio de turno de la mamá.
También se presenta el plano múltiple en muchas escenas de la película entre ellas, cuando los 3 jóvenes están negociando con Lucas para el traslado de las cajas de pepas, cuando el duende le dice a Johnny que él fue por el Enrique Arango que encontró en el celular del sagaz y en la escena cuando el duende llama a Jesús Elvis pero ya la policía lo había agarrado.
En la película predominan los distintos tipos de cámara móvil, en la escena cuando la Belfa llega al Colombian Dream a decirles que al día siguiente va a llegar el hijo a decirles que hacer con las pepas se utiliza la cámara en mano.
En la escena cuando el sucio Arango va caminando por la carretera se presenta el tipo de travelling llamado retro, que es cuando la cámara se sitúa delante del rostro del sujeto, mientras la cámara retrocede a medida que el sujeto avanza.
En la escena cuando Rosita le llega a decir a la mamá que necesita las pepas por que secuestraron a Enriquito y a Pepe se utiliza el plano de travelling circular.
También el las tomas cuando muestran la finca de los traficantes, las tomas del árbol y de la casa son hechas con el plano de travelling aéreo.
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ResponderEliminarEfectos especiales
Esta película utiliza gran variedad de efectos especiales, por ejemplo la cámara térmica cuando a Pepe lo encierran en el cuarto oscuro en la casa de la finca de Maclein.
También cuando los jóvenes están viendo las motos y las cámaras, que insertan una imagen de un teclado como si la cámara viniera de adentro de una portátil y este mismo efecto lo utilizan cuando Jesús Elvis entra a pedir un baño a un restaurante, la cámara simula estar dentro de una televisión donde en ese momento están pasando la noticia del secuestre del sucio Arango.
El efecto de volar también lo utilizan cuando el sucio Arango anda caminando drogado sin un destino por la carretera que por un momento cree que es un pájaro y el efecto de la cigüeña que les lleva él bebe a John Maclein, a su mujer y al duende.
Hay un efecto que ponen una escena en segundo plano y le insertan la misma escena en primer plano y es cuando John Maclein le llega a decir al duende que se consiga a alguien que sepa matar, porque las cosas se van a poner feas. Cuando el sucio Arango está en el maletero del carro del duende y llama a Nicole y aparece su celular y se oye lo que él dice y lo que está pasando en la casa.
Concepto de guion cinematográfico y happy end
El guion de esta película está hecho para hacer que el espectador se empiece a meter en la película pero que entienda que trata dos historias principales, el triángulo de Enrique, Pepe y Rosita y el triángulo del duende, John Maclein y Ana.
Las dos historias se unen cuando los jóvenes por ir a buscar “pepas” y por cosas del destino se ven enredados en un problema donde la Belfa los tiene que esconder en la casa cuando llegan los hijos y luego se da cuenta que le robaron unas “pepas” y se va en busca de los jóvenes para que le hagan el favor es esconderle una pepas del hijo, ellos van con el hijo y hacen el negocio, a cambio de mucho dinero. Luego la historia cambia a los jóvenes que se dan cuenta de que se metieron en un gran problema y tratan de devolver o deshacerse de la droga. John Maclein va a cerrar un gran trato con unos clientes y para eso necesita la droga que tienen los 3 jóvenes y para eso manda al duende a buscar a toda costa esa droga, con esta oportunidad el duende idea un plan para quedarse con Ana, él bebe y toda la fortuna de Maclein.
Al final el plan del duende sale mal porque Ana dejo el éxito del plan el destino y Maclein se da cuenta del plan y hace que maten al duende y les devuelve el dinero a los clientes y se va del lugar con su mujer y con el bebé. El termino estadounidense “Happy End” es que el personaje o personajes principales pasan por un gran problema, de alguna manera lo resuelven y viven felices para siempre.
En esta película no hay un happy end explicito pero en parte cada uno de los personajes exceptuando al duende tiene un final incierto, John Maclein sigue con su vida tal y como era antes, no se sabe si a Enriquito le fue bien o mal con las “pepas” en Bogotá y a Pepe haciéndose pasar por su hermano, es descubierto por Rosita pero no le importa y hace como si no supiera y se queda con él.
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ResponderEliminarPista de sonido cinematográfica
En cine el video y el audio se graban por aparte, lo que convierte a los encargados del sonido de una película en verdaderos artistas, luego de grabar ambos, se unen y así queda lista la película. La pista de sonido de la película Colombian Dream tiene muchos detalles, entre todas las canciones que se adaptan perfectamente al tema que trata la película.
Al principio de la película se escucha como la canción que le cantaría una madre a un hijo recién nacido y se cuenta la historia de Lucho, el niño abortado. Como a la mitad representan la ida de compras de los 3 jóvenes con una canción donde ejemplifica la reacción de los vendedores de un centro comercial al ver a los 3 jóvenes con mucho efectivo y comprado de todo, al principio de esta canción se muestran como los principios de las personas y conforme va avanzando la canción se muestra como ceden las personas ante el dinero y al final ya no les importa y reciben el dinero sin importar de donde viene. Al final ponen una canción que habla que hace una crítica al país que dice que le van a regalar al país a un extranjero para que arregle todos los problemas pero que al final los dejan peor de cómo estaban.
Durante ciertas escenas de la película hacen que el audio no coincida con el video y le dan un efecto interesante a la toma ya que dejan que se entienda lo que dicen y luego se escucha la voz de los actores, o lo silencian del todo pero en el video es claro lo que está diciendo la persona, también los sonidos de ciertas cosas los aumentan para darle un énfasis a que eso está sucediendo o para que no pase desapercibido ese evento.
Bibliografía
Tipos de plano. Los movimientos en el cine. Recuperado el 4 Setiembre de 2012 de: http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/tiposdeplano.htm
Tipos de planos cinematográficos. Recuperado el 5 de Setiembre de 2012 de http://www.solosequenosenada.com/2011/02/14/tipos-de-planos-cinematograficos-ejemplos-con-fragmentos-de-peliculas/
Parte 2
ResponderEliminarEDICION CINEMATOGRÁFICA
En cuanto a la edición cinematográfica se tiene que es un proceso arduo y delicado en el que se necesita un amplio conocimiento del guión de la película y de las ideas, sentimientos, pensamientos y demás situaciones que el guionista y el director quieran destacar o hacer sentir a los espectadores de la película, con base en el rumbo que estas ideas señalen se podrá tener una visión clara de lo que se busca y se podrá dar comienzo a la edición.
En la mayoría de las películas se hacen entre 5 y 30 tomas distintas con el fin de tener una basta cantidad de tomas de donde escoger a la hora de la edición. A manera de ejemplo se tiene la película de Cidade de Deus (Ciudad de Dios) en la cual se aprecia el sentido de hacer la edición de una película específicamente al final de la misma puesto que resultaría muy difícil estar trasladando todo el equipo de filmación de un lugar a otro, especialmente en una producción como esta en la cual se maneja gran cantidad de lugares (la playa, la ciudad, pueblos aledaños, etc.).
Poniendo a prueba lo antes descrito se puede utilizar la escena en la cual “Ze pequeño” se apodera del negocio de venta de droga que se tenía en Ciudad de Dios, podremos notar el amplio uso de tomas en distintos planos que se realiza en esta escena puesto que con el objetivo de aclarar las ideas se repite la escena varias veces desde distintos ángulos, esta escena fue editada de esta manera con el objetivo de cumplir de cierta forma con lo que establece el guión y con base en el enfoque que el director de la película deseaba dar. De aquí la importancia del uso de tantas tomas (5 a 30).
Un buen ejemplo de lo antes mencionado es la escena de la película Ciudad de Dios en la que “Daditos” mata a su propio hermano “Pato” con una pistola, si notamos es una escena dividida en dos partes, en la primera se utiliza una toma normal pero el editor con el fin de mantener podría llamarse la intriga que establece el guión decide editar la escena con un simple cambio de “metrajes” o duración con lo cual en la primera parte de la escena no se muestra todo lo que acontece en el momento sino hasta bien avanzada la película, en la parte dos de la escena el editor decide realizar lo que se conoce como flash back (recurso sumamente utilizado para contar situaciones que sucedieron en un pasado y así armar una historia) y en esta ocasión alargar el metraje de la toma para así mostrar algo todavía desconocido.
Entre algunas cosas mas que se pueden añadir al tema de la edición es que aunque no lo notemos la edición no solo cumple su papel en el ordenamiento de las escenas y de todas las tomas seleccionadas sino también se encarga de agregar los diálogos de los personajes de la obra y muy importante: los efectos sonoros los cuales en pocas palabras, le dan vida al filme, a modo de ejemplo, una película de suspenso no sería lo mismo sin todos los sonidos macabros que se le agregan a la pista de sonido con el fin de complementar esa sensación de miedo que causa la imagen.
De la misma manera en películas como Water del director Deepa Mehta se puede encontrar el peso real de los efectos de sonido sobre lo que se está buscando, a lo largo de toda esta película se utilizan sonidos propios de la naturaleza o de instrumentos tradicionales con el fin de transmitir alegría y en ocasiones tristeza.
Múltiples escenas describirían distintos sonidos utilizados, entre ellas: La escena donde Amelie decide robarle el nomo de jardín a su padre. En esta escena claro está que el sonido no es natural sino obviamente fue editado y con un propósito especial que probablemente esté dirigido a generar algún sentimiento de incertidumbre de lo que se tiene entre manos, este sonido no está por casualidad ni fue un error del editor, claramente fue escogido con un propósito en particular y de la misma forma se manipulan las grabaciones en diversos filmes.
Parte 3
ResponderEliminarPISTA CINEMATOGRÁFICA
Como todos los conceptos vistos la edición cinematográfica forma parte importante de todo filme pues por mejor imagen que se tenga y sin importar la calidad de la grabación y los efectos visuales, un filme adquiere su verdadero valor a la hora en la que se le agrega la pista sonora la cual incluirá tres elementos de suma importancia los cuales serán analizados con base en algunas filmaciones.
Diálogos: probablemente es el elemento más perceptible de la banda sonora puesto que asociamos los diálogos a la imagen. Por ejemplo en escenas en las que se tiene gran cantidad de viento o sonidos es necesario el uso de zeppelín con el fin de obtener una mayor captación de la voz del actor. En la película “Cidade de Deus” se recurre al uso de zeppelín para filtrar el sonido deseado en escenas como la del baile en el cual es acecinado “Bené”, es esta escena es necesario enfocar el sonido de los personajes, para ello se necesitó de un grupo de expertos de sonido en acústica los cuales deben calcular la cantidad de reverberaciones.
Con base en la información proporcionada se podrá recurrir a la elección del tipo de micrófono (En el caso de esta escena se utiliza lo que se conoce como micrófono electret, utilizado para captar la voz de varios personajes en un mismo plano).
Volviendo a la escena del baile en Cidade de Deus anterior se puede agregar que gracias a una buena escogencia de micrófono las conversaciones entre los personajes durante el baile mantiene los sonidos graves de los mismos y no distorsiona sus voces.
Efectos: El uso de efectos aunque son menos perceptibles que los diálogos forman parte importante de la pista cinematográfica, para comprender mejor su uso se utilizara la escena de la película “Le Fabuleux Destin d'Amelie Poulain” la cual está repleta de este tipo de efectos, entre los más importantes está el sonido de electricidad al pasar por las líneas eléctricas en la estación del tren que a la hora de ver la película si se presta atención nos daremos cuenta de que es un sonido agregado por el editor de sonido con el fin de aumentar el detalle de la escena.
Otro ejemplo es el del sonido de los cuervos a lo largo de la película, cuervos que probablemente nunca estuvieron durante la filmación de la escena pero que quizá por petición del director o por mismo señalamiento del guión se agregó este sonido.
De esto se entiende que en la edición de sonido se busca más la veracidad que el realismo. En este sentido se puede comprender la importancia de grabar el sonido de las escenas aparte de la imagen (directo o en estudio) para poder editar el sonido, el cual en muchos casos se podrá reemplazar por secciones de sonido más adecuadas para obtener mayor credibilidad.
La música: es otro factor importante que compone la pista sonora, esta será debidamente seleccionada con el fin de transmitir los sentimientos o pensamientos que pasan por la cabeza del personaje, entre ellos: miedo, incertidumbre, entusiasmo, emoción, amor, entre otros. Con la música el editor tiene que velar porque la música se ajuste a la duración deseada así como también a la velocidad de los hechos y demás aspectos.
Para analizar el efecto de la música y su uso se recurrirá a la película “Le scaphandre et le papillon” en la escena en la que le entra neumonía a “Jean-Do” luego de venir construyendo sentimientos de esperanza. En esta escena es claro el objetivo y el uso de la música, están orientados a despertar un sentimiento de dolor en el espectador, es en este tipo de escenas donde si se analiza lo suficiente se entiende el verdadero objetivo de la música y el cuidado que el editor de sonido debe de tener al momento de escogerla.
Parte 4
ResponderEliminarEFECTOS ESPECIALES
En términos generales los efectos especiales son todos aquellos artificios a los cuales se recurre durante la post producción de la película con los cuales se pretende dar apariencia de realidad a ciertas escenas que así lo requieran. Básicamente pueden ser divididos en dos tipos de efectos los cuales serán analizados con la ayuda de la película Le Fabuleux Destin d'Amelie Poulain del director Jean- Pierre Jeunet.
Esta película ha sido premiada de gran manera pero quizá uno de los factores más importantes que han apoyado a su prestigio han sido los efectos especiales y la forma de emplearlos. En primer lugar presenta un tipo de efecto conocido como efecto visual o animación digital que en el caso de esta película lo que se realiza en la animación digital, es tratar de modelar e iluminar diferentes sectores de la escena con el fin de darle la visión requerida.
De los efectos más interesantes tenemos el de la escena en la que la madre de Amelie, “Amandine Fouet-Poulain” decide deshacerse de un pez el cual luego de ser tirado en el río se vuelve y observa a Amelie, en este caso mediante una gran manipulación de sectores, la iluminación y la ayuda de herramientas digitales poderosas se logra realizar este efecto visual que si no se razona podría incluso pensarse que es verdadero debido al gran parecido a la realidad que posee.
Es necesario aclarar que estos trabajos de postproducción no son estrictamente necesarios pero como ya se ha visto forman parte en muchos filmes y un buen efecto puede causar un gran efecto positivo en las personas.
Entre algunos otros efectos que se podrían mencionar es la manipulación cuidadosa de muchas de las imágenes con el fin de que las calles de parís luzcan impecables, este tipo de efecto y el anterior mencionado son un poco difíciles de percibir por lo que se dice que Amelie tiene estupendos efectos especiales, ya que se considera que el mejor efecto es el que se asemeja a la realidad sin parecer haber sido editado o trabajado mediante herramientas digitales
De la misma forma la película trabaja mucho los otros tipos de efectos especiales, los efectos de sonido son quizá más perceptibles a la hora de ver la película, entre ellos se destacan los sonidos de múltiples escenas:
Las escenas en la cafetería son tratadas con edición de sonido para conseguir coordinar situaciones que se están llevando a cabo con sonidos particulares que aumentan la creatividad de la película, entre algunos de los sonidos más destacados estás los realizados por una máquina de expresos y a la hora de poner una copa sobre una superficie, estos son solo algunos de los muchos que se podrían citar.
Bibliografías:
Freer, C. (2000). In Cortés Lourdes M. (Ed.), Lucer, cámara, acción (primera ed.) Editorial UCR.
Rodriguez, R. (2006). Mentor cinematográfico (primera ed.) Editorial UCR.
Zappeilli Cerri, G. (2006). Imágen escénica
Zappeilli Cerri, G. (2003). Guión: Escritura activa (Primera ed.) Editorial de la Universidad de Costa Rica.
Conceptos Básicos Y Ejemplos Para La Apreciación Del Cine [PARTE 1]
ResponderEliminar<< 35mm vs 16mm vs Digital >>
Algunas personas suelen decir que el cine es la suma de todas las artes previas a su nacimiento, y en realidad tienen razón ya que investigando un poco se puede llegar a la conclusión de que el cine involucra la arquitectura, la escultura, la pintura, la literatura, la danza y la música… lo que conlleva, según los analistas, una afirmación.
Claro está que el cine es fotografía en 35mm, pero para comprender mejor este término se debe tener presente que hay varios tipos de película, entre los que destacan actualmente los formatos de 16mm, 35mm y el formato digital, cada uno con características y fines completamente diferentes.
Cabe señalar que la película de 35mm, es el formato más aceptado por la industria, ya que posee una muy buena calidad de imagen (la cual se puede apreciar claramente en algunas películas como lo es “La Piel Que Habito” (2011) de Pedro Almodóvar), con amplia profundidad de campo (la que se distingue perfectamente en algunas tomas de “Water” (2005) del director Deepa Mehta, como por ejemplo la toma inicial de la película y las tomas que se hacen en el río), con buena disponibilidad y un costo considerable.
La película de 16mm, resulta ser una alternativa económica al formato de 35mm, no posee las mismas características que el formato de 35mm con respecto a la profundidad de campo, por lo que se ha utilizado principalmente para la fabricación de películas caseras, aunque fue muy utilizada durante la segunda guerra mundial, por lo que se extendió su uso en los años 50 y 60. Posteriormente fue muy utilizada para el uso televisivo, en la producción de documentales y cortos.
El formato digital cambia completamente el esquema, ya que generalmente no utiliza película para su elaboración, sino que todo se hace por métodos digitales, por lo que posee menos resolución e información en el fotograma que el cine celuloide. Para muchos el hecho de no usar película significa la pérdida de la esencia de la mirada fílmica ya que no consigue la misma sensación en el público, que la que se consigue por ejemplo, con una película de 35mm.
A pesar de todo esto, con el formato digital la post-producción resulta ser mucho más flexible y con una infinidad de posibilidades. En la película “Le fabuleux destin d'Amélie Poulain” (2002) del director Jean-Pierre Jeunet, el uso de técnicas digitales, permitió la incorporación de gran cantidad efectos especiales que en la realidad o en una filmación de 35mm no podría ser posible, algunos de ellos casi imperceptibles y otros realmente notorios, entre los que destacan, la escena donde devuelven el pez al río y éste se devuelve a dar las gracias, la escena donde Amélie fotografía las nubes (en la cual todas las nubes poseían forma), las escenas donde Amélie lanza piedras al río y éstas rebotan, o escenas en donde las personas en las fotos, y animales en los cuadros hablan.
Por lo que se puede concluir que a pesar de ser la película de 35mm la más aceptada mundialmente, existen otros formatos que se pueden adaptar a las necesidades del productor.
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ResponderEliminar[PARTE 2]
ResponderEliminar*Pista de Sonido*
Desde un principio los cineastas se propusieron que el cine, tan precario en sus comienzos, se pareciera en lo posible al mundo real. Entre los primeros y principales objetivos de los pioneros, estuvo siempre el de conseguir el sonido y el color, por lo que la música en un principio era interpretada en directo ante la pantalla. Personas especializadas, entre ellas “el explicador”, contaban lo que sucedía y mediante artilugios hacían los ruidos, viento, tempestades, trinos de pájaros y otros, que eran utilizados para una mejor comprensión del lenguaje de las imágenes mudas.
El sonido aumenta la impresión de realidad, siendo capaz de crear un modo distinto de percibir la imagen, lo que puede condicionar su interpretación, por ejemplo, centrando la atención del espectador en un punto específico y guiándolo a través de la imagen. Desde la aparición del cine sonoro, éste va de la mano con la imagen de una manera tan estrecha, que si se elimina uno de estos elementos, la película cambia completamente de sentido.
Uno de los usos más frecuentes del sonido es el diálogo, en el que hay aplicaciones como la "voz en off", discurso en tercera persona y sin presencia del narrador en la imagen que, sobre todo, se usa en la estructura temporal del "flash back" utilizada en la primera escena de la película “Le fabuleux destin d'Amélie Poulain” (2002) del director Jean-Pierre Jeunet, en la cual una voz cuenta lo que pasa, en distintas partes de Francia el 3 de setiembre de 1973, en la película “Le Scaphandre Et Le Papillon” (2007) de Julian Schnabel, en la mayoría de escenas de la película y donde el personaje recita sus poemas y presente también en “Ciudade de Deus” (2002) del director Fernando Meirelles, a la hora de describir la historia de algún personaje.
Para lograr los resultados audiovisuales buscados por el productor, se necesita un arsenal de ingenieros y técnicos detrás de cámaras que se encargan del más mínimo detalle, entre los que destacan el técnico de sonido y los microfonistas, en la post-producción se suman el editor de sonido, el compositor de la música incidental y los artistas de efectos sonoros y de doblaje, para generar la banda sonora original.
Generalmente las personas tienen la sensación de que los actores u objetos que aparecen en las películas producen el ruido adecuado en el momento adecuado, pero lo que ignoran es que la banda sonora de una película se construye separada de la banda de imagen y de manera independiente.
Existen dos sistemas de sonido en el cine, que son el analógico y el digital y dentro de los sistemas digitales tenemos tres principales, que son los DTS (Sistemas de Cine Digitales), el sistema Dolby Digital, y el SDDS (Sonido Digital Dinámico Sony)
[PARTE 3]
ResponderEliminar*Tomas y Planos*
Otro aspecto realmente importante en una producción cinematográfica, es la producción tomas y planos, ya que éstos lograrán hacer a la película más interesante y dinámica, guiando al espectador mediante tomas, hacia el mensaje que realmente se desea transmitir, sin dejar nada de lado. En esta ocasión se tomará como ejemplo la película “Ciudade de Deus” (2002) del director Fernando Meirelles, por la gran variedad de tomas y planos presentes.
Los planos que destacan en la película son el frontal (más común) y el plano de perfil, (donde la cámara está a un lado del sujeto) que aparecen cuando los personajes dialogan entre sí, y el plano dorsal, que nos explica lo que ve el protagonista pero incluyéndolo, nos confirma nuestro rol de espectadores, pero no de posibles protagonistas, como por ejemplo en la escena donde están sentados en la playa viendo hacia el mar. Pero además se presentan otros tipos de planos que en otras películas no se han utilizado por ejemplo el plano nadir, en el que la cámara se sitúa totalmente por debajo del sujeto, con ángulo perpendicular al suelo, este plano se utilizó a la hora de grabar la escena donde la gallina salta y sale volando. Asimismo se utiliza el plano holandés en las escenas donde juegan futbol, en el que la cámara está inclinada unos 45 grados y comunica al espectador un efecto de inestabilidad, a la vez que sirve para dar dinamismo a la escena. Para presentar el entorno en que se desarrolló la película, se utilizó un plano general, en donde se mostraba con detalle, la Ciudad de Dios.
De la misma manera se utilizaron hábilmente distintos tipos de tomas, para lograr diferentes reacciones en el espectador, como por ejemplo las tomas con cámara en mano donde se filma con la cámara en la mano, sin trípodes lo que produce una sensación de verismo, de vídeo doméstico, y hace más creíble la escena, como cuando todos los muchachos persiguen a la gallina que se escapó. También hubieron presentes en esta película diversas tomas con travelling, entre las que destaca el travelling de seguimiento donde la cámara sigue al sujeto, justo detrás de él, descubriendo el entorno al mismo tiempo que lo hace el sujeto, y el travelling circular, visto en la escena donde presentan al protagonista de la película describiendo un movimiento circular en torno al él. También hay presentes diversas tomas en las que se utilizan grúas.
[PARTE 4]
ResponderEliminar*Edición*
Si bien es cierto, todos los aspectos mencionados anteriormente han resultado ser de gran importancia a la hora de realizar una película, hace falta mencionar uno de los aspectos básicos en una producción cinematográfica que es la edición. La edición cinematográfica consiste en la unión de varios elementos, entre ellos es obligatorio mencionar el montaje y la post-producción.
La manera de colocar los diversos planos puede cambiar completamente el sentido, y por lo tanto el mensaje de una película, por lo que el montaje es el proceso que se utiliza para ordenar los planos y secuencias de una película, de forma que el espectador los vea tal y como quiere el director. Para lograrlo el montaje tiene una serie de etapas que se irán desarrollando conforme la película, y que sin ellos, la película no se podría desarrollar, entre ellos están el guión técnico, el storyboard y la planta.
El guión técnico es un documento que contiene la información necesaria para ejecutar cada uno de los planos que la obra audiovisual requiere, en él se ajusta el encuadre, posición de cámara, decoración, sonido, play-back, efectos especiales e iluminación. Mientras que el storyboard es un conjunto de ilustraciones mostradas en secuencia con el objetivo de servir de guía para entender una historia, previsualizar una animación o seguir la estructura de una película antes de realizarse o filmarse, por lo que es una herramienta de vital importancia para la planificación previa a la filmación, ya que en él pueden determinar el tipo de encuadre y el ángulo de visión que se va a utilizar. Por ejemplo en la película “Le Scaphandre Et Le Papillon” (2007) en la que debido a la complejidad del guión, el director Julian Schnabel, hizo uso del storyboard. Por último, la planta es una imagen cenital donde trascurre la acción, que sirve para diagramar posiciones de cámara, personajes y/o objetos, por lo que resulta ser indispensable tanto para el director de fotografía y el director de arte como para el cameraman al momento del rodaje. También la planta resulta ser útil para el sonidista, para saber cuáles serán sus posibilidades de posición a la hora de realizar la toma de sonido.
La post-producción por su parte se divide en tres etapas, que posteriormente darán forma a la película en sí, las cuales son el corte del editor (el cual es la primer etapa de edición, normalmente es la idea básica de lo que la película será cuando se finalice la post-producción), el corte del director, (cuando se acaba de filmar, el director colabora con el editor en el perfeccionamiento de la película, revisando minuciosamente, reordenando, removiendo, cortando o ajustando las escenas) y el corte final, (en donde los productores que representan la compañía de producción o un estudio cinematográfico revisan los cortes aprobados por el director). Siendo ejemplo de películas en las que se ha invertido tiempo y esfuerzo, las mencionadas anteriormente pueden defenderse con las críticas favorables y gran cantidad de premios recibidos.
Se puede concluir así, que el cine lleva involucrado mucho más trabajo que únicamente lo que vemos en las salas de cine. Conocer aspectos básicos del cine, crea personas críticas y conscientes de lo que una buena producción cinematográfica significa, al mismo tiempo que le permite comprender y apreciar como se debe, una de las mas íntegras expresiones del arte.
Parte 1
ResponderEliminarAspectos Críticos del Arte Cinematográfico
El cine se refiere a la técnica de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento o cinética, mostrando algún tipo de vídeo o película. El cine se basa en el principio de secuencias de fotografías continuas, es decir, que trata de representar la fotografía en una secuencia continua para mostrar movimiento sin interrupciones.
El cine desde sus inicios ha experimentado una serie de cambios drásticos en varios sentidos hasta la actualidad. Con el paso del tiempo se han desarrollado cambios en múltiples aspectos cinematográficos; como ejemplo las evoluciones y combinaciones del concepto de género y temáticas, el establecimiento de diversos formatos cinematográficos de película, la creación de nuevas tecnologías que permiten distintos tipos de tomas y planos, además de un diversificado y paralelo desarrollo de cine según su país de origen y objetivo artístico o comercial, entre otros aspectos.
Un aspecto importante del cine corresponde al género cinematográfico, el cual se refiere al tema o subtemas que abarca de manera general una película. Dicho aspecto es utilizado para la clasificación de las películas, ya sea por su ambientación, por su formato, por el sentimiento que intenta marcar en el público, entre otros.
Con el paso del tiempo los géneros en cine se han ido diversificando ampliamente, además de crearse variadas mezclas con múltiples temáticas. Entre los principales géneros, subgéneros y mezclas, se encuentran las películas de drama, de comedia, de terror, de acción, de suspenso, de fantasía, de ciencia ficción, y muchos otros.
También existen los géneros que buscan retratar la realidad, entre los que se encuentra el cine documental, el cine testimonial y el cine realista, además de la mezcla de éstos.
El cine documental busca mostrar aspectos y escenas de la realidad con un objetivo informativo, científico, histórico, educacional o de conciencia social. El cine testimonial corresponde a una forma de narrativa con repercusiones culturales y políticas, relatado en primera persona por un testigo que expone una experiencia de vida pero se encuentra sujeto a lo descrito por el narrador, el cual puede tergiversar los hechos y alejarse de la realidad transcurrida. El cine realista busca mostrar la realidad tal cual es y no posee una narrativa establecida, por cual pueden mostrarse situaciones donde lo que pasa no siempre tiene un mensaje o propósito claro con la narrativa y simplemente corresponde a un hecho más de lo real; tiene un carácter subjetivo, por lo que su interpretación puede en ocasiones ser confusa y propia de cada espectador.
Parte 2
ResponderEliminarLa película brasileña Ciudad de Dios, dirigida por Fernando Meirelles corresponde a un guión adaptado por Braulio Mantovani de una novela basada en hechos reales. Dicha cinta puede clasificarse en los géneros de cine testimonial de acción, drama y crimen, esto evidenciado por la constante narración de los hechos transcurridos en la historia vividos por el personaje Buscapé como forma de crónica contra el crimen desarrollado en su lugar de nacimiento.
La cinta francesa Le Scaphandre et le Papillon, del director Julian Schnabel es un guión adaptado por Ronald Harwood de una novela autobiográfica escrita por Jean-Dominique Bauby. Clasificada en el género de cine testimonial de drama, corresponde a la narración del autor del libro de su experiencia de vida, en la cual padece un extraño síndrome que lo deja totalmente paralizado, donde no puede moverse, comer, hablar, ni respirar por sí mismo, pero su imaginación funciona como herramienta para continuar adelante, por lo que decide describir en su libro toda su experiencia, dictándoselo a las personas cercanas, letra por letra, con un sistema de comunicación al parpadear. La narrativa del testimonio y el juego de formatos, planos y ángulos de cámara logran sumergir al espectador en su mundo de imposibilidad física creando conciencia social y comprensión.
Desde un punto de vista de avances técnicos, en la actualidad existen varios formatos de negativo o película fotográfica destinados para la industria cinematográfica, entre los principalmente utilizados se encuentran el formato de 16 mm y el de 35 mm. Dichos milímetros hacen referencia a la magnitud del ancho que tiene el negativo de la película.
A medida que se aumenta el tamaño de película se consigue una mayor definición, menor cantidad de grano cinematográfico y mayor duración de la misma, además de una mejor calidad en el detalle. Aunque cuanto mayor es el formato de la película, mayor es el tamaño de los recipientes que la contienen y su colocación en la cámara se hace más compleja, haciendo que su costo también aumenta considerablemente.
Al utilizar distintos formatos se notan significativas diferencias en los resultados obtenidos, tanto en calidad cinematográfica como en costo. La película de 35 mm se utiliza sobre todo para las películas de cine, mientras que la de 16 mm es reservado para la televisión y el cine educativo.
El formato de 16 mm se ha utilizado sobre todo en reportajes en los que se debía transportar la cámara de forma fácil y rápida de un lugar a otro; hoy en día se utiliza mayormente para la realización de cortometrajes, documentales y televisión por su uso sencillo y económico con respecto al de 35 mm.
La película de 35 mm se ha mantenido como el formato de película dominante, debido a que por su tamaño permite una buena relación entre el costo del material fotográfico y la calidad de la imagen capturada.
Parte 3
ResponderEliminarTambién existe el cine en formato digital, donde se utiliza la tecnología digital para grabar, distribuir y proyectar las películas. Generalmente, se caracteriza por una alta resolución de imagen, debido a que prescinde de algunos aspectos asociados a la proyección mecánica de las películas y por las sobresalientes posibilidades de edición por medios informáticos. El cine digital se graba utilizando una representación digital del brillo y el color en cada píxel de la imagen, en lugar de quedar fijada por emulsión química como en un filme en formato de 35 mm.
La película Agua, escrita y dirigida por Deepa Mehta y fotografía realizada por Giles Nuttgens, se encuentra ambientada en la ciudad de Varanasi, India; por medio de la fotografía y formato utilizados, la cinta sumerge al espectador completamente en la ambientación de dicha ciudad a las orillas de río Ganges. En la realización de la película se hace evidente una elevada calidad de imagen, atención al detalle y cuidado con el color, ilustrado por secuencias que muestran diversos paisajes naturales y rurales hindúes.
Un curioso ejemplo del uso de distintos formatos corresponde a la película colombiana El Colombian Dream, dirigida por Felipe Aljure y fotografía por Carlos Sánchez, en la cual se hace uso de variados formatos, principalmente el de 16 mm y el digital, lentes de cámara y efectos especiales que buscan añadirle grado de realismo y surrealismo al mismo tiempo y meter de lleno al espectador en una atmósfera de incertidumbre constante.
En cinematografía las secuencias de tomas y la escogencia de planos y ángulos de cámaras corresponden a un aspecto de suma importancia debido a que influye directamente en la intención y el objetivo de la película a realizar. En cine una toma es el fragmento de película que se imprime o graba desde que la cámara comienza a registrar imágenes hasta el corte. La importancia y los detalles de una sola toma podrían llegar a definir la intención de una película, de ahí la importancia de la elección de los planos, ángulos y movimientos de cámara, además de otros detalles como el desempeño de los actores que participan o las condiciones ambientales de luz o clima.
Un plano en cine es la vista o campo de visión de la cámara, y se encuentra definido por factores como el recuadro del plano o límite, el tamaño o relación de los que aparecen en la imagen con respecto al cuadro, el tipo de plano o relación entre la cámara con respecto a lo que se quiere grabar y el ángulo del plano, que se refiere al ángulo en que se encuentra la cámara con respecto al objetivo a filmar.
Parte 4
ResponderEliminarAlgunos tipos de planos corresponden al plano general, el cual ofrece una vista general descriptiva e informa acerca del lugar y las condiciones en que se desarrollan los hechos además suele incluir muchos elementos en recuadro; el plano medio donde se muestra la figura humana de la cintura hacia arriba; el primer plano donde el rostro del personaje es el que llena el recuadro; entre otros tipos de planos.
Los ángulos de cámara pueden ser: normal, donde la cámara está paralela al suelo; en picado en el cual la cámara mira desde arriba el objetivo orientada ligeramente hacia el suelo; en contrapicado donde se mira desde abajo con la cámara orientada ligeramente hacia arriba; y otros.
La película Le Scaphandre et le Papillon, fotografía de Janusz Kaminski, explota en múltiples tomas el plano subjetivo, en el cual la imagen que se muestra al público es directamente el punto de vista del personaje principal, es decir, los hechos transcurridos y los acontecimientos se observan en primera persona, como si se fuese el personaje mismo dentro de la película. Esto se da desde la primera escena, en la que se muestra el despertar del personaje en el cuarto de hospital, él y el espectador miran a los doctores, la cámara se mueve como su cabeza confundida al no saber qué pasa ni por qué se encuentra allí. Su intención es la de introducir al espectador en el cuerpo de Jean-Dominique Bauby, y lograr así comprender desde su punto de vista personal toda la problemática e imposibilidad que su enfermedad le produce.
Desde sus orígenes y conforme a su continuo desarrollo, a nivel mundial existen diversos y paralelos tipos de cine según su país de origen y objetivo artístico o comercial. Ejemplo evidente de esto es la diferencia que existe entre el cine comercial estadounidense con respecto al cine de los demás países del mundo donde se desarrolla de una manera más artística.
Estados Unidos es el mayor productor de películas comerciales, cuyo objetivo principal es alcanzar la mejor recaudación económica en taquilla, sobreponiendo eso a la calidad técnica o profundidad de la narrativa. El cine comercial es caracterizado por temáticas simples, de gusto popular, someras y superficiales, poco profundas, que apelan a las emociones ligeras como lo romántico, lo cómico o la acción para entretener. Para dicho fin, en ocasiones se hace uso excesivo de efectos especiales digitales o de sonido para recrear ambientes irreales y fantasiosos que atraen a las masas, grabado en formato y con técnicas digitales.
Parte 5
ResponderEliminarEn ciertos países, el cine artístico surge como forma de representación cultural, y con el objetivo de oponerse a la cultura estadounidense. Por esta causa, se hace uso de leves efectos especiales sin abusar de estos, son filmadas en formatos que le dan prioridad a la calidad de imagen y el color, se utilizan pistas de sonido que realzan los aspectos culturales del país de origen y tratan temáticas de crítica social y política, relaciones humanas, estados psicológicos, históricos, defensa de los derechos humanos, entre otros.
Claro ejemplo de esto, corresponde a las películas desarrolladas en países latinoamericanos o asiáticos, como la cinta brasileña Ciudad de Dios o la película indo-canadiense Agua, cuyo objetivos principales van relacionados a la concientización y a la divulgación sobre las diversas problemáticas vividas en los lugares y época donde transcurren las historias mostradas. La primera película mencionada recreando hechos de crimen, violencia y corrupción durante una guerra civil dentro de una favela, y la segunda ambientada en las orillas del río Ganges, en una cultura de opresión contra el género femenino. Ambas se apoyan en temáticas de crítica social, política y religiosa, con leves efectos especiales casi invisibles para el espectador, con música y efectos de sonido que trasladan al público al Río de Janeiro de los años 60’s-80’s y a la India de los años 30’s.
Referencias:
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Winston Dixon, W., & Audrey Foster, G. (2009). Breve Historia del Cine. Barcelona: Ediciones Robinbook.
Mauricio Beatriz Santamaría.
ResponderEliminarGr 01
Parte 1
- Concepto de género en cine y específico diferencias entre cine documental, testimonial y realista.
Este temas es muy diverso ya que las películas se pueden clasificar de muchas maneras como al publico que se dirige, niños, adolecentes, adultos, en cine no por solo decir apto para todo público no es decir que va dirigida para todas las personas se refiere a sus escenas, los temas que trata, vocabulario y tomas las pueden ver los niños como adolecentes, clases sociales bajas, medias y altas. Las reacciones que tienen sobre los que ven la película las emociones en especial son muy importantes ya que eso es lo que buscan los productores de las películas que el espectador sienta los sentimientos que interpretan en la película. Además del cine ‘‘real’’ también está el cine creado por dibujos o digitalmente.
Cine documental es la forma de cine en que se trata alguna realidad ya sea común o especifica puede ser sobre algún problema mundial así como de cierto tipo de población o de un lugar en especifico o cultural, no necesaria mente tiene que ser un problema puede ser alguna otra causa que quiera que los espectadores sientan y vean lo que pasa o vuelvan a recordar esos momentos y que los lleve al pasado.
El cine testimonial trata de una persona que narra la película a como puede ser el mismo actor, algún personaje que hable sobre los demás actores o externo que sabe los sentimientos pensamientos como en el caso de El colombian Dream, que narra un niño que se encuentra muerto y habla sobre los problemas, sentimientos y pensamientos de todos los personajes de la película
Cine realista: este tipo de cine también llamado cine de realidad trata de problemas sociales que viven diferentes tipos de población puede ser de temas muy generales que abarquen mucha población o cine que hable de algún lugar en especifico, puede ser objetivo como subjetivo como es el caso de ‘Cidade de Deus’ aunque esta película solo trate de las favelas de Brasil también puede hacer que en otras poblaciones que pasen situaciones iguales o parecidas se identifiquen con la película que es lo que buscan los productores.
Parte 1
ResponderEliminarGuion cinematográfico y happy end
Al referirnos al guion cinematográfico, hablamos del escrito sobre los hechos sucederán en el film; es decir, es la base de la película, con un cierto parecido a la novela. El guion, se realiza tomando en cuenta, que cada idea implícita y explicita será grabada; contrariamente, a lo que sucede cuando se lee una novela o cualquier libro. Asimismo, es de vital importancia, que el director reconozca los recursos con los cuales cuenta para realizar la película.
De igual manera, el guion, al igual que los demás escritos, se encuentra dividido en secuencias; estas se dividen en escenas. Cada secuencia cuenta con un encabezamiento, que indica el lugar y el momento en el cual se va a desarrollar la secuencia.
Es común observar en las películas comerciales, las escenas predecibles, a las cuales, todos estamos acostumbrados a ver en cada una de estas películas; por ejemplo, cuando a ultimo minuto el malo es atrapado, la protagonista (una mujer bella) después de muchísimas tragedias se casa con el apuesto protagonista y tiene un famoso final feliz. Al igual que este final, existen gran variedad de finales predecibles, que de forma técnica es llamada “happy end”.
Sin embargo, no todos los finales cumplen con esta característica, se evidencia de manera clara, en la película española interpretada por Antonio Banderas “La piel que habito”. En la cual, el joven que fue transformado en una mujer llega al final de la película donde su madre y le revela que la joven que está viendo es su hijo. No obstante, el “happy end” es muy subjetivo, pues muchos podrían decir que es un final feliz, ya que el joven secuestrado al principio de la película logra salir y volver al lado de su madre. Como contraparte, muchos podrían asegurar, que no es un final feliz, que el joven tuviera que transformarse en mujer para poder reunirse con su madre, a pesar de que jamás podrá ser el mismo.
Parte 2
ResponderEliminar- Tomas y planos:
En cine existen muchos tipos de tomas y depende de lo que el productor desea que el espectador tome atención y note los detalles de la escena esto es obtenido a los diferentes tipo de lentes que hay, además del enfoque la distancia, luz, colores y el tipo de toma que se desee para obtener estos tipos de tomas se usan diversos equipos que ayudan a que la imagen como puede ser la cámara que utilicen si es de 16 mm, 35mm… además el ángulo pueden ser normal que es el que está a la altura del objeto, picado que se encuentra arriba del objeto o contrapicado que es cuando se encuentra debajo del objetivo a tomar, los planos el cuadrante que se quiera tomar la distancia profundidad, el Travelling es cuando se quiere obtener una toma de un objeto en movimiento el camarógrafo se encuentra en una plataforma que se mueve en unos rieles y asi consigue la velocidad deseada sin q la toma se mueva y otros factores que afectan a la hora de escoger el tipo de plano que se llega a utilizar por ejemplo en ‘El Colombian Dream’ la escena cuando llegan a buscar a Enrique Arango padre, hay varios planos como cuando le está quitando la ropa interior ahí hay un plano invertido ya que la toma se encuentra al revés, también un plano nadir que se realiza cuando entran a secuestrarlo además un plano subjetivo cuando le están pegando a la novia de el padre Enrique. Además en esta película se usa en varias ocasiones el uso de del Travelling.
- Pista de sonido cinematográfica
El sonido en una película tiene un papel muy importante que realizan ingenieros especializados en sonido para que la imagen este coordinada con el sonido y así que el espectador pueda sentir todos los sentimientos además el sonido ayuda a que se concentre mas el publico.
El sonido no siempre se graba con las imágenes y eso lleva a un gran trabajo de los ingenieros al tener que buscar o replicar los sonidos de forma analógica o digital para que este sea lo q se desea con la imagen, el sonido siempre está presente en una película con sonidos aunque no se percibe tanto como los sonidos de fondos de olas, viento, lluvia, suspenso… y están los sonidos que se perciben con mas detalles como el sonido de un choque de autos, un disparo etc.
En El Colombian Dream se escuchan diversas pistas de sonido esto ayuda a que el público se concentre mas en lo que ve, la escena en que revisan los galones de agua donde deberían haber pepas y hay bolinchas, el sonido de las bolinchas y en el momento que abren las tapas el sonido es muy alto esto ayuda a la visualización de la imagen.
Parte 2
ResponderEliminarCine norteamericano comercial vrs cine arte
A diario somos “bombardeados” por el cine norteamericano, y dejamos de lado una gran gama de cine, realizado en diversas partes del mundo, que nos ofrece amplias alternativas y nos muestra la vida desde diferentes perspectivas y con diferentes opiniones.
Igualmente, las diferencias son indiscutibles a la hora de reconocer el tipo de cine que se está observando. Las características esenciales de la película norteamericana, son la exageración de las escenas, la destrucción masiva de cosas y la invasión a lo ajeno cuando se trata de una película de acción. Por otra parte, la imperante diferencia del cine arte, se presentan en esos detalles, donde nos reflejan situaciones que se basan en la realidad, mientras que en una norteamericana hay superhéroes ficticios, edificios cayéndose sobre una gran ciudad, entre otras.
Otra característica técnica que hace la diferencia, es la trama de la película, que como se ha presentado en el cine arte, todo se encuentra muy bien pensado, su historia es interesante, hasta puede llegar a reflejar nuestra propia vida, logrando así atrapar la atención del espectador, un ejemplo muy claro de atención por parte del espectador es en “Le fabuleux destin d'Amélie” la cual mantiene al espectador concentrado pues la dificultad de concluir un final es muy alta. Sin embargo, esto no suele pasar en el cine norteamericano, pues su trama se basa en una misma secuencia de escenas en las cuales de película en película no varía en casi ningún aspecto, es como si existiera un manual para realizar una película, dando como resultado que el espectador desde el inicio logre concluir un final.
Por otro lado, en las películas norteamericanas comerciales el enfoque de la película se basa en unos cuantos personajes, que comúnmente son apuestos y exitosos, en contra parte, las películas cine arte se pueden encontrar múltiples personajes, dependiendo de la trama del film y el espectador incluso es informado atreves de la película de ciertas características de estos mismos; la diferencia está en la forma en la que lo hacen, reitero el caso de “Le fabuleux destin d'Amélie” en la cual, la cantidad de personajes son bastantes en comparación a la clásica norteamericana e incluso el tipo de personaje que aparece no cumple siempre que debe de ser apuesto y exitoso, se basa más en la sociedad y sus parámetros normales.
Parte 3
ResponderEliminar- Efectos especiales:
Los efectos especiales son grupos de técnicas que utilizan los ingenieros encargados para lograr crear alguna escena que no se puede dar normalmente o por un presupuesto limitado no se puede recrear, para que los actores no corran peligro haciendo una toma.
Los principales afectos especiales son:
Efectos ópticos: son los efectos que no se pueden llevar a cabo entonces digitalmente logran crear escenarios que deseen un ejemplo es cuando usan un fondo azul y después lo editan para que el actor salga donde quiera el director.
Efectos mecánicos: son los efectos que crean una ilusión en el público por ejemplo los disparos o la destrucción de un edificio.
Efectos digitales: es la forma que crean lugares irreales o de un acceso muy difícil a ese lugar, crear un personaje ficticio.
Los efectos especiales siempre han estado en el cine ya que el cine siempre quiere llevar y hacer sentir la gente que se encuentra en distintos lugares alejados de la realidad, ahí es donde entra el uso y el abuso de los efectos especiales esto puede contribuir a que una película sea catalogada como buena o mala por el mal uso de los efectos y/o el abuso de estos.
Siempre van haber efectos especiales en las películas para crear ilusiones, mucho también depende sobre los temas que trata la película sin embargo debería haber un balance con los efectos especiales. En esto Hollywood se ha caracterizado por un abuso más que todo en efectos mecánicos y esto afecta a que sea poco creíble.
- Bibliografía:
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Enrique Martínez-Salanova Sánchez. Tipos de plano. Los movimientos en el cine. Recuperado 07 de setiembre del 2012 de http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/tiposdeplano.htm
Montenegro, I. Efectos especiales. Recuperado el 5 de setiembre de 2012 desde http://www.monografias.com/trabajos15/efect-cine/efect-cine.shtml
Wikipedia. Cine documental. Recuperado el 06 de Setiembre del 2012, de http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_documental
Parte 3
ResponderEliminarEfectos especiales uso y abuso
Los efectos especiales son efectos ópticos y/o sonoros, ya que también se encuentran los efectos especiales de sonido, los cuales provienen del uso de varias manipulaciones técnicas de ingeniería y tecnología, son hechos para desaparecer la barrera que hay entre la realidad y la fantasía.
Cuando se habla de efectos especiales, no es necesariamente que deben haber bombas, destrucción, gente que vuela, entre muchos otros efectos que vemos en el cine norteamericano comercial, y hablamos del abuso que estas mismas generan en sus películas, como ejemplo particular y muy notable por cierto es la película “Transformer” en la cual desde un inicio el carro del protagonista habla y se transforma en un robot, y sin hablar de la exagerada destrucción de edificios que se da en la película, o el resto de automóviles que además de que vuelan también son robots. Caso contrario y vuelvo a considerar la película francesa “Le fabuleux destin d'Amélie” en la cual a través de toda la película se da el uso moderado y considerado de efectos especiales , un ejemplo bastante claro, es el momento en el que la protagonista de la película se convierte en agua y cae al suelo del restaurante en el cual ella trabaja, incluso la escena en la cual las fotografías hablan con el hombre que día a día va a la máquina de fotografías a colectar las fotos perdidas por la gente; sin embargo, se encuentran otros efectos especiales tal vez no tan fáciles de visualizar como lo es cuando Amelie llega al puente en el parque con su madre y deja en libertad a su pequeño pez y este a la vez se vuelve y la mira dando a entender una despedida.
*Bibliografía*
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• Guion cinematográfico - Wikipedia, la enciclopedia libre. Recuperado de http://es.wikipedia.org/wiki/Guion_cinematogr%C3%A1fico
• Storyboard - Wikipedia, la enciclopedia libre. Recuperado de http://es.wikipedia.org/wiki/Storyboard
• Guion técnico - Wikipedia, la enciclopedia libre. Recuperado de http://es.wikipedia.org/wiki/Guion_t%C3%A9cnico
• Lenguaje del cine: el montaje. Recuperado de http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/montajecine.htm
• Montaje - Wikipedia, la enciclopedia libre. Recuperado de http://es.wikipedia.org/wiki/Montaje
• Comentarios cinematográficos: La escafandra y la mariposa. Recuperado de http://apreciaciondelcineasj.blogspot.com/2010/08/la-escafandra-y-la-mariposa.html
Parte 1
ResponderEliminarCrítica cinematográfica
El Guion en Le fabuleux destin d'Amélie Poulain
En la película Amelie una serie de historias se desarrollan en forma paralela entorno al personaje principal, aquí se muestra la importancia del guion donde el desarrollo de una idea, el argumento de la historia y el tratamiento que el director da a la misma se confabulan para guiar al espectador de manera coherente a través del filme. El guion es una herramienta para estructurar las escenas y secuencias que darán progreso a la acción dramática y juega un papel importante en películas como estas donde todas las situaciones, diferentes unas de otras y que a primera impresión no tienen relación, están formando un entramado complejo en favor de la premisa general de la misma.
En esta película varias historias, entre estas la de una mujer que perdió a su esposo años atrás y no supo nunca más de él; la del ayudante del verdulero que se ve sometido a los maltratos de su patrón; la mujer del bar a la que no le es fácil encontrar el amor; la del padre de Amelie que se niega a hacer realidad sus sueños de viajar; la caja en el apartamento que es devuelta a su antiguo dueño y la del joven que colecciona fotografías; todos personajes desesperanzados y envueltos en el trajín del mundo cotidiano, encuentran esperanza en Amelie un personaje que hila la historia de todos ayudándoles y al mismo tiempo devolviéndoles sentido a sus vidas. Todo esto pasa para entender y llegar al desenlace de que incluso ella necesita un sentido para su vida dentro de su realidad monótona; que es encontrado al mismo tiempo que ayuda al joven del cual se enamora y que resignifica su vida.
Esto no se podría lograr con un guion poco estructurado y difuso ya que la idea principal se disiparía en medio de todas estas historias las cuales serían como pequeños relatos sin cohesión. Por otro lado, Amelie es un ejemplo de firmeza en el guion manteniendo un discurso siempre conciso donde el espectador encuentra una relación entre todas las historias; una profundidad en los personajes que desde el guion nos lleva a su mundo individual con certeza y un despliegue del conflicto que no se confunde y que se posiciona con fuerza en medio de todos los relatos llegando a un desenlace comprensible.
Happy end
Es un término utilizado en el cine para referirse a una tendencia aplicada por algunos cineastas donde todos los conflictos o temáticas llegan a una resolución generalmente positiva o en favor a lo que el espectador espera, sin embargo, su uso ha sido acuñado en su mayoría en películas comerciales y de poca profundidad, desacreditando su utilización.
No obstante bien utilizado y sin la finalidad comercial no siempre este recurso es negativo, como ejemplo tenemos Amelie en donde todos los ejes temáticos se solucionan de una manera inesperada y aunque genera la empatía con los espectadores esta tras un objetivo discursivo y estético.
Parte 2
ResponderEliminarGénero en cine (documental, testimonial y realista)
El Género cinematográfico es el eje general de una película que permite clasificarla dentro de una serie de parámetros en común con una o más películas, para saber sus similitudes y diferencias según criterios formales como ritmo, estilo, emoción que deseen provocar, etc. También se precisan por su formato o su estética. Entre estos encontramos el cine documental, testimonial y realista.
Ciudad de Dios y Water, el cine realista
El género realista se propone mostrar la realidad tal y como es, concibiéndose casi como un estilo sin estilo, entendiendo por esto no una ausencia del mismo sino más bien una condición que trata de mimetizar la realidad, de emularla con cierto grado de fidelidad, basando su estética y contenido en base a hechos reales, a actuaciones realistas y que asemejan el contexto de un lugar o situación definida fundamentándose en la investigación de una sociedad o hecho determinado. En los filmes Ciudad de Dios y Water se nos presentan situaciones que muestran una ficción grabada en un espacio y un tiempo distintos a los reales en los que sucedieron los hechos, ejercida por actores que dan vida a las historias y no por las personas que pasaron por dichas situaciones. En Ciudad de Dios se muestran las favelas brasileñas donde los niños crecen en un ambiente de delincuencia, narcotráfico, pobreza, desamparo y ambición envolviéndolos en un círculo que se repite constantemente. Todo lo anterior se basó en la investigación de comunidades reales de Brasil y en su problemática y por medio del filme realista se buscó contar de manera verosímil las situaciones ocurrentes.
Water por otra parte muestra la historia de las mujeres viudas en la India, donde su condición dictamina su rol social en la vida, encapsulándolas en un estilo de vida que ellas no eligieron y al cual están obligadas a seguir. A pesar de que el espectador no tenga conocimiento de la sociedad India, la película se presenta de tal modo que deja evidenciado el tratamiento de una situación real vivida por muchas mujeres en este contexto social.
La escafandra y la mariposa, cine testimonial
El género testimonial encuentra sus bases en las vivencias de un individuo, experiencias que de una u otra forma han sido compartidas y han generado un interés o marcado una pauta a nivel social. Se sirve del realismo pero no lo sigue totalmente ya que en el cine testimonial la historia es contada a través de la visión subjetiva tanto del director como del individuo real que está prestando el testimonio que se narra en la historia. La estética, los planos, la música entre otras cosas van en función de fortalecer las experiencias internas, las sensaciones y sentimientos del narrador. En la escafandra y la mariposa vemos la historia de un hombre que lleva una vida normal hasta que sufre de Locked in Syndrom (encerrado en sí mismo) y su vida cambia al quedar paralizado totalmente. El filme se nos presenta desde la perspectiva de esta persona para contarnos la sensación de pasar por un problema como este.
Cine documental
A diferencia de los anteriores géneros, el cine documental se estructura en ejes temáticos que se desarrollan mostrando los contextos reales, las personas reales y las situaciones reales en su tiempo y espacio, tratando la manera más objetiva de contar la historia.
Parte 3
ResponderEliminarCine comercial contra cine arte
Dentro del ámbito del cine podemos encontrar distintas corrientes que buscan conseguir finalidades opuestas, según para lo que hayan sido concebidas. Unas en busca de conseguir un perfeccionamiento estético, discursivo y artístico donde importe más trascender a un nivel ideológico, social o personal y donde no necesariamente haya un interés primordial en la comercialización sino en mantenerse en el tiempo, en encontrar formas novedosas y creativas de contar las historias; otras buscan entretener al espectador, tener éxito comercial sin tener como premisa principal la difusión de una idea o concepto sino más bien la difusión de un producto.
En películas como Colombiam Dream, las decisiones estéticas, los planos, la selección musical, no están propuestas solo con la finalidad de atrapar al público, atienden a una necesidad de apoyar la temática y su desarrollo, no están planteados de manera efectista solo para lograr una toma agradable que encante al espectador, sino a través de ellas fortalecer el objetivo ideológico que busca plantear el director en una sociedad determinada.
Tomas y planos
Los planos son las unidades básicas de la narrativa del cine, que al unirlos conforman secuencias y escenas para lograr un producto final. Los planos son capturados en tomas que se han planificado previamente con un inicio y un final definidos. Cuentan una parte de la historia y dan al espectador una noción de lugar, tiempo, emoción, ritmo, dramatismo entre otras características. El plano muestra una parte de la realidad, la más importante de conocer para el espectador y con la cual podrá realizar un ordenamiento lógico y secuencial de la historia contada. Es por eso que hay una gran diversidad de planos que nos permiten enfoques, de una u otra manera, de una situación dada.
En la Piel que Habito, la utilización de “planos detalle” de las diferentes partes del cuerpo y los procedimientos quirúrgicos permiten seguir paso a paso la transformación del joven a lo largo de la película hasta verlo finalmente convertido en una mujer. Por otra parte los primeros planos muestran la gestualidad de los personajes y su transitar por diversos momentos emocionales propuestos en las situaciones del filme. La utilización de planos picados y contrapicados evidencia firmemente los personajes que tienen el poder y los que no, esto se observa a lo largo de la película donde el personaje de Vicente siempre está en las tomas por debajo de su captor, tanto cuando está en la mesa de operaciones como cuando trata de escapar y debe bajar al primer piso para salir mientras que quien lo retiene está en el piso superior a él.
http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/realismos.htm
http://perio.unlp.edu.ar/question/numeros_anteriores/numero_anterior9/Templates/camila_bejarano_petersen_9.dwt
http://bloguionistas.wordpress.com/tag/cine-comercial/
http://www.labutaca.net
http://labutacadecine.blogspot.com/2012/04/los-generos-cinematograficos_07.html?utm_source=BP_recent
http://www.slideshare.net/kazyel/conceptos-bsicos-de-la-narrativa-audiovisual
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ResponderEliminarParte 4
ResponderEliminarEdición cinematográfica
En la parte final de la producción de la película, se manipulan las imágenes y el sonido, para poder darle uniformidad a las escenas para lograr relatar de forma completa la historia impregnada en el papel, en forma de guion cinematográfico.
Generalmente, las películas se rodaban en 35mm, luego se montaban, se añadía el sonido, créditos, títulos, entre otros más complementos y exhibía, sin embargo con el paso de los tiempos el sistema ha variado, como por ejemplo el uso de las animaciones en 3D, pues la demanda y el uso de la informática ha hecho que atreves del tiempo las variaciones sean más significativas.
Para la edición se parte de la imagen impresionada durante el rodaje de la película, que luego es revelada en un laboratorio para dicho fin, posteriormente, el sonido que en veces es grabado desde la grabación o añadido después de esta misma, esta última da mejor calidad de la película.
La edición de la película se divide en tres, el corte del editor que consiste en perfeccionar el corte mientras la filmación continua, de segundo se encuentra el corte del director, que básicamente es que cuando la filmación ha terminado la atención del director se dirige en ayudar al editor con la perfección del corte de la película, y por ultimo está el corte final el cual consiste en que después de que el corte fue revisado por el director, son revisados por productores los cuales representan a la compañía de la producción
Cuando hablamos de edición nos referimos también al sonido, el cual se refleja de manera clara en “Le fabuleux destin d'Amélie”, factor que mantiene al espectador involucrado durante el curso de la cinta, pues el sonido en la misma fue montado posterior a la grabación, dando a su vez un mejor ajuste de sonido que siendo grabado al mismo tiempo que el film.
Bibliografía
claqueta. (2005). Recuperado el 05 de septiembre de 2012, de http://www.claqueta.es/articulos/efectos-especiales-en-el-cine.html
Griffith, D. W. (2006). espacio cine. Recuperado el 6 de septiembre de 2012, de http://ecine.blogcindario.com/usuarios/1873830-maf-1.html
Sánchez, E. M.-S. (s.f.). el guion y sus tipos. Recuperado el 6 de septiembre de 2012, de http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/guionquees.htm#Las etapas para escribir un guión
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ResponderEliminarCritica cinematografica
ResponderEliminarParte 2
“Water” a su vez es una más clara expresión de cine en 35mm, empezando con una escena de un lago cubierto de lirios o bien concluyendo el filme donde el tren se empieza alejarse mientras se despide a Chuyia; en ambos casos la profundidad de campo es indiscutible y claramente alcanzada solamente con fotografía en 35mm (Forero, 2010). Asimismo, en el filme es empleada la fotografía en 16mm la cual da una menor capacidad de campo; sin embargo, permite escenas, a un menor costo, donde no es tan necesaria una gran profundidad; como es el caso de la mayoría de escenas llevadas a cabo dentro de la “institución de viudas”. La utilización del formato digital no es muy considerable en “Water” respecto a las dos anteriores. Puesto que, a pesar de dar aun una menor capacidad de campo su principal utilidad es la flexibilidad a la hora de la edición y la generación de efectos especiales; y en caso de “Water”, los efectos especiales son pocos y muy sutiles, siendo más evidentes en la pista de audio ejemplificado en la escena donde se realiza una danza en la “Institución de viudas” donde la mezcla de sonidos ambiente y conversación generan una “armonia” o bien en “Le fabuleux destin d'Amélie Poulain” en la escena donde el pez gira asemejando una despedida. En caso opuesto, en cine comercial se explota esta facilidad que da el formato digital en la realización de efectos especiales cayendo en el abuso de los mismos, punto que Forero (2010) resalta. De manera que, el efecto especial como escena donde lo imposible se hace ver como posible de manera muy sutil, se pierde y se convierte en una forma de llamar la atención de las masas con el fin de mover dinero. Finalmente, podemos evidenciar en “Water” el cine documental, en el cual es característico el dar a conocer al espectador una situación ya acontecida, procurando desarrollar el filme lo más semejante a la situación original. No obstante, en “Water” no se presenta la recreación de una situación concreta, objetivo del cine documental, evidenciándose de mejor manera en el caso de las Favelas Brasileñas recreadas en “Ciudad de Dios”. Y como caso opuesto “La escafandra y la mariposa” muestra el cine testimonial en donde básicamente se personifica la cámara y permite al espectador interpretar la película siendo parte de la escena (Peralta, 2006).
Fernandez, F. 2005. El libro del guion. España: Fundación Universitaria Iberoamericana. ISBN: 84-7978-714-7
Forero, C. 2010. Microdocumental: Cercanias y distancias entre el cine arte y el cine comercial en Bogotá. Bogotá, Colombia: Corporación Nacional para el Desarrollo Educativo. Recuperado el 5 de setiembre del 2012 de: http://www.scribd.com/doc/80808768/El-Cine-Arte-y-El-Cine-Comercial
Peralta, A. 2006. Soy el análisis de adaptación de Fight club: De Chuck Palahniuk a David Fincher. Puebla, México: Universidad de las Américas. Recuperado el 5 de setiembre del 2012 de: http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lco/peralta_f_a/
Crítica cinematográfica
ResponderEliminarParte 1
Basándome en lo establecido por Forero (2010), cuando se hace referencia al cine comercial no hay mejor ejemplo que el cine “hollywoodense”, es decir aquel que si bien puede implicar altos costos en su elaboración, la mentalidad del mismo es recuperar una cantidad por ventas muy superior a lo invertida; basándose para ellos en producciones superfluas dirigidas hacia afinidades de las masas. Tomando como base la película “Water” dirigida por Deepa Mehta, se puede evidenciar completamente lo apuesto a lo anteriormente descrito y para ellos haré un análisis del guión cinematográfico, la fotografía y efectos especiales. Iniciando con el guion cinematográfico, desde que se idealiza hasta que se lleva a cabo la última corrección del mismo se pasa a través de una serie de procesos lógicos los cuales determinan la complejidad de historia (Fernandez, 2005). Podemos aquí entonces delimitar un punto muy importante en cuanto a diferencia del cine comercial al cine arte. En el guion de “Water” se desarrolla una historia que obviamente no va dirigida a un pensamiento común de masas, un primer plano de una niña que por tradición hindú es enviada a una “institución para viudas”, lo cual según Peralta (2005) lo podemos determinar como la sinopsis o idea sobre la cual el autor se amplía. En caso de una producción comercial esta ampliación de la idea es mínima siendo muy lineal y de fácil comprensión, siguiendo en su trasfondo la repetitiva trama “hollywoodense” que concluye en “happy endding”. En “Water” la sipnosis en si ya es de difícil comprensión (no dirigida a un pensamiento masivo) y sin embargo, sobre esta se desarrolla una serie de historias paralelas que concluyen refutando por completo el “Happy endding” estadounidense: La niña simplemente es enviada a un sitio donde llevase la vida de forma diferente, mas no se garantiza que así sea. Siendo un mejor ejemplo de la complejidad de guion “Le fabuleux destin d'Amélie Poulain” de Jean-Pierre Jeunet, en donde a raíz de la sinopsis de la película (una mujer que se plantea como razón de existir, el poder trasformar la vida de los demás), surgen un sin número de historias paralelas; poniendo en manifiesto la ampliación de la idea que Peralta (2005) hace referencia, y dejando muy claro la diferencia entre cine comercial y cine arte.
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ResponderEliminarParte I
ResponderEliminarConcepto de guión cinematográfico y concepto de happy end.
Un guión es sobre lo que el director deberá trabajar para poder llevar a cabo la película o cortometraje, por lo que debe describir que es lo que aparecerá y se oirá en la película, es una historia relatada en imágenes osea debe explicar como una acción le sucede a un personaje en un lugar específico. El guión se divide en secuencias y en escenas,las escenas deben ser numeradas y llevan relación con las secuencias. Las escenas deben ser explicadas detalladamente, esto quiere decir que debir explicar donde y como es que sucede una acción. Dentro del guión se desarrollan dos grandes tipos de textos, los diálogos y la descripción. El diálogo es lo que los personajes dicen, muchas veces mediante el diálogo los personajes logran explicar algo que está sucediendo y no es necesario que mencionen sus sentimientos debido a que con sus expresiones el expectador entenderá como se siente el personaje. En la descripción es en donde se describe todas las acciones que el personaje llevará a cabo y también todo el entorno. El guión técnico es la obra del director a partir del guión literario en la cual está descrita y planificada cada escena, también estan descritas cosas técnicas como el ángulo que utilizará la cámara y si se estará o no moviendo. Además se incluyen los diálogos y el resto de sonidos de la escena. En el guión a una columna va todo seguido, los diálogos, la descripción y todos los sonidos. Si es un guión a dos columnas se utiliza la columnia de la izquiera para las descripciones y la de la derecha para lo sonoro.
El "happy end" se refiere a que la película concluya con lo mejor para los protagonistas, que concluya en lo que los personas a lo largo de toda la película buscaron y lucharon por. En la película analizada "Slumdog Millionaire" dirigida por Danny Boyley y Loveleen Tandan, interpretada por Dev Patel como Jamal Y Freida Pinto como Latika estos dos personajes, Jamal y Latika, durante la película mencionan reiteradas veces su deseo de poder irse juntos a algún lugar sin ser perseguidos y al final de la película después de que Jamal gana el concurso de ¿Quién quiere ser Millonario? lo logran, logran poder estar juntos sin ser perseguidos.
Edición cinematográfica, concepto general.
La edición, también llamada montaje es la última fase de la creación de las películas, es donde construyen la película a partir del guión que a originado la película.
Inicialmente la edición cinematográfica era muy sencilla comparada con la actual debido a que antes el cine era mudo entonces solo se tenía que montar la dramatización de los actores y a algunas películas que no era a todas que se le agregaba música para poder lograr el ambiente deseado. La edición ahora se complica mucho debido a que contiene una gran cantidad de capas visuales y de sonido. Las películas durante décadas han sido realizadas en estos pasos: se roda la película, se monta, se añade el sonido y finalmente se insertan los créditos y los títulos.
La edición contiene una gran importancia en cómo la película se vaya a ver y escuchar ya que son los editores quienes le van a agredar o quitar color a las escenas cuando lo crean necesario, son los que le van a agregar toda la banda sonora y un pequeño error al introducirle esta puede arruinar completamente la producción a la hora de ser vista en los cines o televisores. Son los editores los encargados de velar por que el producto final quede lo mejor que se pueda, no solo agregan las pistas, efectos de sonido, efectos especiales, los subtítulos o los que unen todas las escenas de la película, sino que son los encargados de que la película quede cómo debe ser y sin tener fallo alguno, son los encargados de llamar al director de la película si notan algo extraño en el desarrollo de la película para que este logre corregirla a tiempo.
Parte II
ResponderEliminarEl montaje es un oficio artístico que permite al montador trabajar de manera similar a cómo trabajaron los escritores, el montador puede crear en los espectadores muchas emociones o dar a entender las cosas como se debe. El montador debe ser flexible para lograr enfocar la narración de cada escena como debe ser y así lograr en el espectador la mejor impresión posible. En muchas escenas podemos notar la edición cinematográfica, como en la parte que Jamal está hablando con su hermano desde el call center, solamente podríamos oír lo que Salim le dice a Jamal si fuera una toma en la que uno, la cámara, es Jamal pero lo que utilizan es una toma de frente a Jamal por lo que nadie más podría estar escuchando lo que Jamal escucha debido a que utiliza unos audífonos.
Efectos Especiales.
Los efectos especiales han sido utilizados desde el inicio del cine. Los efectos son aquellas técnicas utilizadas durante las películas para dar un efecto real a ciertas escenas, son utilizados para conseguir efectos en las escenas que por medios normales no se puede lograr, como para crear acontecimiento históricos o futuristas, o para lo que se utilizar en gran parte ahora, crear explosiones o destrucción de edificaciones. Con forme la tecnología aumenta los efectos especiales aumentan también ya que esta permite crear un efecto más verdadero. Hay tres tipos de efectos especiales, los digitales o visuales, los mecánicos y los de sonido. Los mecánicos son los que se utilizan mientras la película está siendo rodada, como la creación de lugares o espacios en los que los personajes se encuentra. Los de sonido son los que se incluyen gracias a sonidos que han sido grabados anteriormentes y son añadidos a la película en el montaje principalmente y los efectos visuales que son los que llaman mayormente la atención de los espectadores y son los creados por un computador con imágenes y acciones que son imposibles o muy peligrosas de realizar por una persona.
Muchas veces el uso de los efectos especiales en las películas es demasiado y hace ver que escenas se vean mal o poco probables. Las buenas películas utilizan los efectos especiales visuales pocas veces, o un efecto similar constante para no abusar de estos, en muchas películas se utiliza el efecto especial visual en cosas que parecen poco significativas pero le dan un gran impresión al espectador que está concentrado en la película y logra apreciarlo. En la película "Cidade de Deus" el efecto especial de ver como son disparadas las pistolas o ver donde las balas chocan es un efecto especial constante pero no abusivo debido a que no provocan grandes catástrofes como botar una edificación o algo similar, tan sólo permite ver como se va desarrollando la guerra.
Pista de sonido cinematográfica.
La utlización del sonido en las películas si ha hecho más complejo conforme transcurría el tiempo, en sus inicios el sonido se grababa al mismo tiempo que se grababa la imagen,lo que hacía imposible realizar modificaciones en la banda sonora. Al inicio el cine era mudo y sólo se utilizaban pistas para dar al espectador el ambiente que se deseaba.El sonido y la imagen ahora son procesados de forma separada ahora, lo que permite realizar cambios en el sonido o en la imagen sin afectar el otro. Hay dos tipos de grabaciones, la grabación de sonido en directo y la grabación de sonido en estudio. La grabación en directo se puede utilizar o no en el montaje, pero no se pueden eliminar las otras fuentes de sonido que son utilizadas durante la grabación. La grabación en estudio permite obtener un sonido más claro y mejor principalmente en los dialogos y permite modificarlos, a diferencia de la grabación en directo que no se puede modificar.
Parte III
ResponderEliminarLas personas encargadas de el sonido en las películas son ingenieros realmente preparados para llevar a cabo este trabajo de la mejor manera posible ya que la banda sonora en las películas es de suma importancia, ya sea por los diálogos que logran explicar muchas cosas o por el resto de la banda sonora que permite crear el ambiente deseado y perfecto para la escena. Para el sonido también existen efectos especiales que permiten dar a la escena el efecto justo y exacto de cómo debe ser, aunque no se note tan claramente sin el efecto especial en el sonido las películas no serían tan buenas como son en la actualidad. Son una gran cantidad de personas muy preparadas las encargadas del sonido en las películas o cortometrajes para lograr que estas queden exactamente a donde debe ser y que suenen como tiene que ser. En la película "Slumdog Millionaire" se utiliza efectos especiales en el sonido en repetidas acciones como cuando Jamal llama al celular de su hermano Salim y este se encuentra en un auto que está cerrado, en esta escena se logra apreciar el sonido que emite el celular al recibir la llamada y se olle más bajo el sonido que está afuera en la calle.
Bibliografía
Guión Cinematográfico. Recuperado el 8 de setiembre de 2012 desde http://www.slideshare.net/fredbuster/guin-cinematogrfico
Guión Cinematográfico. Recuperado el 8 de setiembre de 2012 desde http://filmosofiatv.blogspot.com/2009/06/guion-cinematografico.html
Espacio Cine. Recuperado el 9 de setiembre de 2012 desde http://ecine.blogcindario.com/2006/11/00010-la-edicion.html
Historia de los efectos especiales. Recuperado el 9 de setiembre de 2012 desde http://www.profesionalesdigitales.es/profesionales/blogs/node/2585
Efectos especiales en cine. Recuperado el 9 de setiembre de 2012 desde http://www.claqueta.es/articulos/efectos-especiales-en-el-cine.html
La técnica del sonido cinematográfico. Recuperado el 9 de setiembre de 2012 desde http://www.felinorama.com/univ/tv/campus/temas/Sonido_cine.pdf
Parte I:
ResponderEliminarGuion Cinematográfico: Documento que contiene el contenido de la obra cinematográfica, con lo detalles necesarios para que esta se lleve a cabo.
El contenido de la obra se divide en escenas, acciones y el diálogo entre personajes, descripciones del entorno y acotaciones breves sobre la emoción que interpretara el actor. Un guion bien escrito debe transmitir la información suficiente para que el actor imagine la escena en que se va a desarrollar.
Boy meets girl se le conoce como a, el chico conoce a la chica, el chico pierde a la chica, el chico recupera a la chica); y el happy end (final feliz) presente en la mayoría de las películas de Cine norteamericano (“Hollywood”).
Pero esto no tan solo sucede en las películas tradicionales de los Estados Unidos, sino también lo podemos ver en obras cinematográficas de muy alto nivel como lo es en “Quien quiere ser millonario”.
Al principio de la película vemos como el chico actor principal de la obra “Jamal”, conoce a la niña “Latika”, y en la escena en que ella está en medio de la lluvia a pesar de que su hermano le pidió que no podía llamarla para que fuera donde ellos, Jamal la llamo y comenzó a conversar con la niña, así es como comienza esta historia. Luego los hermanos Jamal y Salim junto con Latika son llevados a un lugar donde les ofrecen alimento y techo pero estos son engañados y resulta que ahí son maltratados por el hombre que parecía ser bueno. A los días de estar en el lugar a Jamal lo iban a dejar ciego, Salim lo sabía ya que se había aliado con el malvado hombre, estos huyen del lugar junto a Latika y en el momento de la huida Latika se quedo atrás y el hombre del lugar se queda con ella. Pasa el tiempo y Jamal siempre le comenta a su hermano de que tiene la esperanza de regresar al lugar por el amor de su vida.
Al tiempo Jamal decide regresar junto a su hermano por Latika, resulta que en lugar se encuentra con ella pero a la vez con el hombre malvado, luego de que Salim con su arma mató al hombre huyen del lugar y se van hacia un Hotel. Salim se toma unos tragos y saca de la habitación a su hermano y lo hecha del hotel alejándose una vez más de Latika. Al paso del tiempo Jamal se encuentra de nuevo con la chica, nada más que en una casa donde ella esta en poder de un hombre malo con el que trabaja su hermano Salim, al entrar al lugar Latika está viendo el programa “Quien quiere ser millonario” y resulta que ella le comenta que siempre lo ve, en el momento que estaban conversando Jamal le propone a ella que escape, ella se niega y el le dice que siempre la va a esperar en la estación de tren a las 5 p.m además de que muestra su interés por ella diciéndole que la ama, él se va del lugar.
Luego de contarle toda la historia al general de la policía, él ha confirmado su libertad, pero Jamal le dice que no sabe donde se han llevado al amor de su vida y que él fue al programa porqué sabía que ella lo estaría viendo. En el momento de la pregunta final del programa Latika está viéndolo, pero ella se encuentra en poder de un hombre malo, en ese mismo está Salim y el decide ayudarle a huir a Latika dándole las llaves de un auto y su teléfono celular, Latika huye del lugar en busca de llegar al programa.
Jamal se encuentra en la última pregunta del concurso al no saber su respuesta decide llamar a un amigo(su hermano Salim), pero en el momento el se encuentra con la gran sorpresa de que es Latika, luego del tiempo transcurrido de la llamada no obtuvo ninguna respuesta de ella, pero el decide responder una opción ganando una fortuna de dinero y ser el nuevo millonario. Ya luego del programa él se va hacia al estación de tren y se encuentra con el amor de su vida, le dice que sabía que ella estaría viendo el programa, ella le responde pensé que solo en la muerte te vería de nuevo, el la mira dándole un beso sobre la cortada que ella tiene en su rostro y luego le dice “este es nuestro destino”, y la película termina donde ellos se besan.
Parte II
ResponderEliminarCine norteamericano vs cine arte
El cine comercial norteamericano o mas conocido como el que se da en “Hollywood”, es aquel tipo de cine en el que antes de pensar en arte piensan en la cantidad de dinero que obtendrán al hacer la película. Se caracteriza por ser un cine donde los actores muchas veces son seleccionados por su belleza e imagen tal como Angelina Jolie, Adam Sandler, Will Smith en los cuáles para ellos es mas importante su fama, además este tipo de cine se dan escenas donde busca atraer la atención de las personas como: La chica sexi donde muestra la punta de sus nalgas, o el chico con el cuerpo marcado y perfecto, además donde en ella se den escenas un poco intimas (sexuales). Este tipo de escenas las desarrollan ante grandes estudios en donde encuentran así “el éxito de su película” o más bien lo podemos decir como buscar engañar a los espectadores y mostrar todo lo contrario ante el engaño de la gente de lo que no es saber sobre lo que es buen cine.
Cine arte
Es aquel tipo de cine en donde el éxito de la película se da a través de la calidad de la actuación de sus personajes y así de como logran transmitir e introducir al espectador en la película. Para hacer del cine un arte, el éxito de la película no debe depender de factores como la belleza de los actores, radica en la calidad y pureza de la manera en que transmiten los actores el mensaje, en el caso de la película “Quien quiere ser millonario” la manera de manejar el guion y en que se desarrolla la historia, además de que no hace falta efectos especiales espectaculares que exageren las escenas sino más bien con los diferentes tipos de efectos en el manejo de cámaras.
Parte III:
ResponderEliminarPista de sonido cinematográfica.
Esto consiste en introducir a la escena de la película un sonido a la imagen de manera que logre transmitir o meter más al espectador en la película. Es incorrecto decir que la imagen y el sonido se graban juntos a la misma vez, es totalmente aparte. El sonido se monta sobre la imagen separadamente, esto lleva un increíble trabajo en manos de profesionales en el área.
Como lo vemos en la película “Quien quiere ser millonario”, las diferentes maneras en que el sonido es un aspecto fundamental. Algunas escenas son las siguientes:
-Cuando a Jamal se lo llevan a la cárcel en el momento que el policía le esta preguntando quien es él, y el policía lo maltrata y le mete su cara sobre un tazón de agua, escuchamos como suena el agua.
-En el momento al inicio de la película que los niños están jugando y Salim batea una bola es tan perfecto el momento en que le pega a la bola y se escucha como si le pegara.
-Cuando los niños huyen de la policía cuando ellos brincan y se escucha en el preciso momento cuando caen, además de cuando pasan por una parte y hay como un chorro de agua se escucha como el agua cae.
-Cuando el niño Jamal esta en un servicio sanitario y se escucha el helicóptero volando, el niño quiere salir de ahí desesperado por ir a ver a Amitabh y el comienza a pegarle a la puerta.
-La parte donde están lavando ropa, que ellos están jugando en el agua con una bola, y su mama esta lavando la ropa, es impresionante como suena cuando lavan y el agua cae.
-En esa misma escena el sonido de fondo que comienza a sonar transmite susto, y en el momento que matan a la mamá, es exactamente cuando le pegan y el sonido del golpe se produce y luego cuando cae sobre el agua.
-Cuando Jamal y Salim regresan por Latika al lugar de donde habían huido, y comienza a comenzar una canción transmite mucho el tipo de ambiente que se da, además de los niños que están llorando cuando una de las mujeres del lugar llega a tomar el teléfono, luego cuando Salim tiene amenazado al hombre de ese lugar y el le pide dinero cuando suenan las monedas caer, además de cuando Salim le dispara.
-En los momento finales que Jamal se encuentra en el programa y él está dudoso el sonido que se escucha de fondo, produciendo en el espectador un tipo de emoción a la que vive el personaje.
-Ya al final de la película cuando Jamal ve a Latika esperando su rencuentro, hay un sonido de fondo que transmite un sentimiento de nostalgia, amor lo que hace el momento más acogedor.
Parte IV:
ResponderEliminarGenero de cine: Es la manera en que se clasifica una película, basándose en elementos como tono, ritmo, estilo, y más que todo el sentimiento que logra transmitir al autor.
Cine documental:
El cine documental indaga la realidad, plantea discursos sociales, representa historias particulares y colectivas, se constituye en archivo y memoria de las culturas pero tiene infinitas formas de hacerlo
Es aquel tipo de cine que refleja la realidad, el tipo de vida social que se da en el lugar, las historias que se dan son casos particulares, y también la cultura del pueblo.
Como lo vemos en “Cuidad de Dios”, una película que refleja mucho la realidad que se da en las favelas en Brasil, el tipo de vida social que desde niños las personas viven el contacto con las armas, drogas, delincuencia. Además la cultura de sus familias, la pobreza.
Cine Testimonial:
Es aquel tipo de cine que da testimonio de la realidad vivida y de lo que sucede en un entorno. Es una forma pos-ficcional de narraciones con hechos culturales y políticos, lo cuenta en primera persona un testigo que expone su experiencia de vida con la urgencia por mostrar su difícil situación. En este genero se dan efectos muy similares a como se vive en la realidad y además de que provoca la sensación de experimentar lo real.
Este genero lo vemos en la película “Quien quiere ser millonario”, ya que su actor principal Jamal el gran millonario, tiene que contar toda su realidad en una cárcel frente a un general, en donde no creían en que él pudo llegar de manera legar hasta la penúltima pregunta ya que era un trabajador-camarero. Luego de contar toda su realidad y el motivo del porqué pudo contestar todas las preguntas obtiene su libertad y va de regreso al programa.
Cine realista: Genero que busca mostrar la realidad de la manera mas natural posible, además de situaciones que suceden en la vida cotidiana, tratando de dejar fuera del plano elementos como efectos o escenas que queden en un rango fuera de lo real.
Por ejemplo en la película “Le scaphandre et le papillon” se muestra la realidad de un hombre que está enfermo, y es un film difícil ya que tiene que estar en un constante trabajo por mantener la atención y hacerle creer al espectador la realidad que el vive. Cabe destacar que es un gran trabajo desde la parte de como manejan la cámara hasta la actuación del hombre enfermo.
Referencias:
-El cine testimonial, la literatura y la realidad. Minotauro Digital. La revista de arte y literatura (2012, 10 de Septiembre). Recuperado el 10 de Septiembre del 2012, de http://www.minotaurodigital.net/textos.asp?art=86&seccion=Cine&subseccion=articulos
-Cine Documental (s. f.). Recuperado el 10 de Septiembre del 2012, de http://www.cinedocumental.com.ar/sitio/
- Género cinematográfico - Wikipedia, la enciclopedia libre (s. f.). Recuperado el 10 de Septiembre del 2012, de http://es.wikipedia.org/wiki/G%C3%A9nero_cinematogr%C3%A1fico
- Pista de sonido cinematográfica (s. f.). Recuperado el 10 de Septiembre del 2012, de http://www.felinorama.com/univ/tv/campus/temas/Sonido_cine.pdf
- Cine Norteamericano (s. f.). Recuperado el 10 de Septiembre del 2012, de http://es.wikipedia.org/wiki/Nuevo_cine_estadounidense
El colombian Dream cuenta la historia de los gemelos, unos jóvenes que se encuentran de vacaciones en un balneario cercano a Bogotá, que en su afán de conseguir dinero fácil empiezan a vender pastillas alucinógenas entre los clientes de "El colombian dream", el bar de su familia. Uno de sus proveedores les da a guardar una gran cantidad de “mercancía” que ha robado a sus socios, pero muere producto de una sobredosis después de la entrega… Los traficantes empiezan a buscar desesperadamente sus pastillas involucrando a los gemelos, su familia y amigos en una desenfrenada persecución.
ResponderEliminarPista de Sonido cinematográfica
La pista de sonido de la película Colombian Dream como se puede apreciar a través de toda la película fue compuesta por grupos nacionales colombianos como por ejemplo la banda paisa, con su canción Coffee Makers, trae uno de los temas principales que identifican la película. También existe música tropical electrónica compuesta por Camilo Montilla y Matías Lorusso, que se intitula El Colombian Dub; al igual que la controvertida y contravercial melodía de Carlos Posada tildada Así quedamos cuando predica algo así como “voy a regalarle mi país a un extranjero para que se encargue de arreglar este mierda.”, con la cual termina la película sutilmente.
En cuanto al concepto de pista de sonido en el cine se puede decir que este es muy amplio ya que existen varios tipos y estos se subdividen. Los dos sistemas de sonido en el cine, que son el analógico y el digital, y dentro de los sistemas digitales tenemos tres principales, que son los DTS (sistemas de cine digitales), el sistema dolby digital, y el SDDS (Sonido Digital Dinámico Sony). Lo cierto es que el sonido en las películas viene ya de largo. Podemos decir que todo empezó cuando un científico llamado Edison y sus socios estaban experimentando con la sincronización del sonido en las películas.
El mecanismo para dar sonido en los primeros días del cine era increíblemente sencillo. Lo que se utilizaba el Vitaphone, que consistía en un reproductor grabador que operaba con un disco de cera. Esto se conocía como sonido en disco, y normalmente se grababa el sonido después de que la película fuera filmada. Lo interesante de este sistema es que el sonido está a varias tramas de distancia de las imágenes correspondientes. Esto es porque el lector de audio estaba localizado en la parte superior o inferior de las lentes del proyector. Esto genera que las pistas sean de mejor calidad omo se visualiza en la película, además que en la mayoría de las escenas pero especialmente la escena final donde se muestran imágenes de lo que sucede con los personajes es donde se escuela la canción ya anteriormente mencionada: como “voy a regalarle mi país a un extranjero para que se encargue de arreglar este mierda.” De Carlos Posada la cual va muy ligada al contexto de la película.
Parte II
ResponderEliminarConcepto de 16 mm contra concepto de 35mm.
Existen dos formatos de cine muy utilizados actualmente y estos son el concepto de 16 mm y el concepto de 35mm. En cuanto a la película de 16 milímetros fue lanzada por Kodak en 1923 como una forma barata y alternativa al convencional 35 mm. Este formato fue considerado como un "sub-estándar" por la industria cinematográfica profesional. El formato de 16 mm mudo se concibió como formato doméstico, pero en los años '30 comenzó a penetrar en el ámbito educativo. La introducción de las pistas de audio y sobretodo de la película de color Kodachrome en 1935 relanzó enormemente el mercado de los 16 milímetros.
La llegada de la televisión todavía contribuyó más a difundir este sistema como medio de captación de imágenes, imponiéndose este sobre el formato de 35 mm. Ya que contaba con distintas características: la ligereza de las cámaras y menor costo, con calidad de sobra para ser emitido por TV, llegando a ser adoptado durante muchos años como formato de captación de noticias, ya que el formato de 35 mm. resultaba excesivamente caro y sus equipos nada portátiles.
La película fotográfica de 35 mm. en cuanto a anchura es la más extendida tanto para la fotografía fija como para la industria del cine, y permanece prácticamente idéntica desde su introducción en 1892 por William Dickson y Thomas Edison. La inmensa mayoría de las películas comerciales están rodadas utilizando este formato de película, en sus distintas variantes según el formato de pantalla final. La película “Colombian Dream” se grabó en el formato de 35 mm generando que esta se una a un grupo de películas comerciales, ya que la mayoría de su tipo son grabadas en este formato. Este formato genera más costos en comparación al de 16mm pero en cierta forma le da a las imágenes cierta profundidad y mejor percepción de las escenas.
III Parte
ResponderEliminarDiferencias entre Cine documental y realista
El cine, a pesar de ser cine este posee tipos y diferentes perspectivas. Se puede decir que existen más de 20 tipos sin embargo para muchos el cine no se divide sino que estos tipos se ligan con otros como por ejemplo: Cine documental y el Cine Realista.
El cine documental indaga la realidad, plantea discursos sociales, representa historias particulares y colectivas, se constituye en archivo y memoria de las culturas pero tiene infinitas formas de hacerlo. Con estas características se podría decir que la Película “Colombian Dream” es un film del cine documental sin embargo este también presenta características del cine realista como por ejemplo Se caracteriza como cine realista ya que está compuesta por elementos dramáticos o autodestructivos, a partir del botín desaparecido de “pepas tricolores” (drogas) que circulan para aumentar su adrenalina y produce un efecto que el tiempo transcurre muy rápido. Entre las principales manifestaciones del realismo en la historia del cine mundial figuran tendencias tan importantes como la del socialismo soviético, el naturalismo escandinavo, el movimiento poético francés, el neorrealismo italiano de posguerra, el nuevo cine latinoamericano (Brasil-Colombia-Cuba-México) y los grupos independientes americanos.
IV Parte
ResponderEliminarEfectos especiales. Uso y abuso
Actualmente los efectos especiales constituyen una actividad especializada dentro de la poderosa industria del cine, que se nutre de la ciencia y desarrolla a la par de los avances tecnológicos.
Los efectos especiales que vemos en el cine son, en realidad, la mezcla de varias técnicas. Estas surgieron con el propósito de crear una fábrica de sueños fí¬lmicos que hagan desaparecer la frontera entre la realidad y la fantasí¬a.
Los efectos especiales se refieren a aquellos “conceptos artificiales “a los que se recurre en el rodaje de una pelí¬cula para dar apariencia de realidad a ciertas escenas. Se definen, también, como el grupo de técnicas que permiten modificar la apariencia de la imagen o el sonido. Esto explica un poco más el concepto, sin embargo estos efectos se pueden clasificar en diferentes tipos: en efectos de sonido y en efectos visuales.
Los efectos de sonido son todos los que tienen que ver con pista de sonido, muchos de estos son insertados después de haber grabado las escenas.
La película Colombian Dream posee varios de estos tipos de efectos ya que al tener una pista de sonido se podría decir que tiene efectos de sonido ya que muchas veces las pistas de sonido no son iguales a como estas fueron grabadas originalmente. Tambien se puede caracterizar por poseer efectos visuales como por ejemplo cuando los personajes se drogaban, se podía observar varias escenas en donde se muestra un mundo de fantasía, generando capacidades que son imposibles para el ser humano. Los efectos visuales se subdividen en dos tipos: los prefí¬lmicos y los cinematográficos. Los primeros son los que se programan con antelación y los cinematográficos son los que se usan, en la misma grabación, por lo general con dobles.
Otra clasificación se puede establecer con: Los efectos especiales de toma de planos; los efectos de laboratorio y los efectos especiales mixtos, es decir, parte realizados durante las tomas, parte en el laboratorio.
El cine, desde sus inicios, ha recurrido a los efectos especiales para crear mundos de fantasía que sorprendan al espectador. Hoy en día, las películas son filmadas con la tecnología CGI, la cual es capaz de crear escenarios totalmente digitales, a pesar de estos adelantos, no siempre se alcanzan los resultados deseados y el abuso o mal uso del CGI termina siendo un problema para las producciones como por ejemplo: Godzilla. Dirigida por Robert Emerich y protagonizada por Matthew Broderick, Jean Reno entre otros, esta producción de 1998 dejó con un "mal sabor de boca" a los expertos, indica el sitio cinemanía. Los efectos usados en la cinta quedaron por debajo de la misma; a pesar de ello, recaudó 379 millones de dólares en todo el mundo.X-Men Origins: Wolverine. Las películas de los X men fueron muy bien recibidas por el público; así que los estudios encargados de su distribución optaron por hacer una continuación, teniendo como personaje principal a "Wolverine".En el 2009, se estrenó X-Men Origins, dirigida por Gavin Hood y protagonizada por Hugh Jackman, Liev Schreiber y el rapero Will.i.am. el recibimiento por parte del público fue aceptable, pero sus efectos especiales eran tan poco creíbles, como aquella escena de la persecución de un helicóptero.
.Bibliografía:
Martínez, E. (sf). uhu.es. Recuperado de http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/tiposdeplano.htm, el 8 de setiembre de 2012.
Texas Instruments. (2011). dlp.com. Recuperado de http://www.dlp.com/es/cinema/dlp-cinema/, el 28 de julio de 2012.
Torres, R. (noviembre de 2004). minotaurodigital.net. Recuperado de http://www.minotaurodigital.net/textos.asp?art=86&seccion=Cine&subseccion=articulos, el 8 de setiembre de 2012.
PARTE I
ResponderEliminarEFECTOS ESPECIALES, CINE ARTE, EDICIÓN Y SONIDO EN CINE
EVA – EFECTOS ESPECIALES
El filme Eva se estreno en 2011 bajo la dirección de Kike Maíllo. Dado que ha sido catalogada en el género de drama y ciencia ficción es obvia la utilización de cierta tecnología con el fin de crear efectos especiales que favorezcan la ejecución de la película, principalmente debido a que la trama gira en torno a un tema como la robótica.
El uso de los efectos especiales en este caso se debe considerar desde la creación de dos tipos de robots en el guión, la primera clasificación son los robots de servicio, los cuales lucen realmente como maquinas y que esencialmente han sido creados bajo animación digital. Se destaca la escena en la que aparece el “hand up” (dedicado a la creación del cerebro de los robot), en este caso se necesito hacer uso de un test, en el que se investigo como las personas visualizaban el “hand up”. Basados en los resultados los encargados decidieron utilizar cristales, petancas, canicas y bombillas, los cuales fueron colgados a través de hilos y varillas de cromo que permitieran su movimiento, manipulación y sensibilidad de manera que fue retocado computacionalmente para ambientarlo con el fin de no perder la simplicidad y realidad del cristal, pero al mismo tiempo tuviera el acabado de la animación mediante la manipulación de la luz, brillo y sombra en los software especializados.
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ResponderEliminarPARTE II
ResponderEliminarLa característica de sensibilidad también es percibida mediante el efecto del sonido, el cual completa el efecto especial. En esta escena donde Alex utiliza el “hand up” se puede escuchar un sonido cuando manipula el robot y arrastra los diferentes componentes del carácter, también es percibido en la escena cuando el androide empieza a funcionar y la memoria se va desarrollando mediante el robot “hand up”. Este sonido fue creado mediante el barrido de los cristales y ciertos sonidos que producían al ser golpeados.
Es notorio que el objetivo del equipo era hacer que el robot luciera simple dentro de la habitación, la cual no tiene una ambientación de tipo futurista, sino es un estilo más hacia el estilo retro. Es por ello que el efecto especial se creó a través de elementos simples que únicamente fueron retocados digitalmente.
El otro tipo de robot eran los androides, para este caso se requirió un experto en expresión y movimiento que pudiera enseñar los actores a realizar los movimientos indicados al ser colocados en trajes y luego ser superpuestos sobre la pantalla verde o azul técnica para finalmente realizar retoques que facilitan la perspectiva buscada entre lo futurista y retro, pero principalmente realista.
OKURIBITO-PISTA SONIDO
La película Okuribito (おくりびと) fue desarrollada por el director Yojiro Takita, basada en la historia de un hombre que vuelve a su ciudad natal después de haber tenido una decepción con orquesta en la que labora y comienza a trabajar en el negocio del Nokanshi, considerado indigno por algunos de sus allegados.
Para empezar el sonido fue una de las revoluciones más importantes en la historia del cine, ya que introdujo un nuevo concepto y permitió la influencia de las bandas sonoras. La música a utilizar en las producciones cinematográficas cuentan con diferentes medios para ser grabadas, en el caso de Okuribito se utiliza una grabación de multipista donde se graban todos los instrumentos simultáneamente, por lo general se utiliza en el caso de orquestas de jazz o clásicas. Para este tipo se realizan grabaciones de cada sección por separado, ya que es mucho más fácil efectuar modificaciones y compensaciones en el proceso de mezcla, lo que ha consecuencia brinda una mejor calidad al sonido. Sin embargo este proceso no da la versatilidad que daría poder grabar cada instrumento sucesivamente.
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ResponderEliminarPARTE III
ResponderEliminarEn la consideración de la pista de sonido se destaca la figura del editor musical, el cual se encarga de la duración adecuada en los momentos adecuados. Sin duda, las tareas en cuanto a la producción musical cinematográfica se ha visto enriquecida y mejorada con la utilización de la digitalización, con la cual se realizan cortes y fusiones buscando la manipulación de la frecuencia y altura de la música según, es decir más control sobre la pista.
En esta historia la música es parte fundamental ya que adquiere un simbolismo, principalmente utilizando el chelo (sueño frustrado del protagonista). En cuanto a la banda sonora utilizada es de corte clásico, sinfónico, suave, relajante, de tonos lentos que se logra adecuar perfectamente a las escenas y brindando una mayor emotividad, cumpliendo el propósito del compositor (Joe Hisaishi) logra el objetivo de complementar y acompañar el desarrollo de la escena. Dada la importancia del chelo dentro de la historia, se presentan diversas escenas en donde el protagonista toca el instrumento y las mismas piezas musicales tienen una referencia mas directa a la historia, dejando de ser un simple acompañamiento.
Una de las escenas que se puede tomar como referente es en la que aparece el protagonista interpretando una de las piezas en el chelo y al mismo tiempo se van intercambiando pasajes en los que se presentan varios actos funerarios, conforme se van presentando estas imágenes la música va alcanzando cierta intensidad, intensificando las emociones de cada episodio, ya sea que presente una escena muy triste como el funeral católico de un niño, donde el chelo lidera la banda a manera de un acompañamiento suave o bien la escena donde se presenta el acto fúnebre de un padre donde se da un encuentro de emociones (llanto y risa) y se produce un aumento en la intensidad y velocidad de las notas.
UNA SEPARACIÓN – CINE NORTEAMERICANO COMERCIAL VS CINE ARTE
El filme una separación es de origen iraní producida en el 2011 por Asghar Farhadi, quien ya había sido reconocido por “About Elly” del 2009. Esta se puede clasificar dentro del cine arte, el cual se ha estereotipado como un tipo de cine elitista que se encarga de generar conflictos por ser controvertido o dramático, en muchas ocasiones incomprensible y de muy bajo presupuesto. El objetivo de estas producciones no es contar con taquilla y consumo masivo. Se caracteriza por contar con mayor libertad creativa y utilizar recursos narrativos y cinematográficos de difícil compresión y poco comunes, hasta llegar a trabajos de un corte mas experimental.
PARTE IV
ResponderEliminarCaso contrario pasa con el cine norteamericano comercial que se ha distinguido por tener producciones de alto presupuesto, pero llena de excesos y absurdos que tienen el objetivo de atraer a la mayor cantidad de público y llenar las taquillas, es decir, básicamente su éxito se mide por la cantidad de dinero que logra recaudar. Los temas no son muy discutidos, ni profundos y el guion no suele ser elaborado, sino que cuenta una historia simple con muchos adornos, por lo general fantásticos.
Sin embargo estos conceptos caen en el estereotipo y olvidan algunas producciones que rompen con ese protocolo, ya que existen obras en las que se ha contado con un presupuesto considerable y con temáticas que buscan más hacia la realidad y no tienen excesos en cuanto al uso de efectos absurdos innecesarios y que cumple con las demás condiciones que caracterizan el cine arte.
En el caso de Una Separación se cuenta con un presupuesto de $500 000, el cual es considerablemente bajo en comparación con las películas taquilleras hollywoodenses, además la trama se basa en hechos realistas, cotidianos y que pueden generar polémica, principalmente en torno a lo moral, dada la red de mentiras y encubrimientos entre los personajes.
Una de las escenas que muestran su categorización dentro del cine arte y que además es comparable al cine norteamericano comercial es cuando Nader se encuentra esperando a Razieh después de que ella había dejado a su padre solo en la casa. En este momento se produce un altercado y se acusa a Razieh de haber tomando un dinero extraviado, lo cual lleva a Nader a expulsarla del apartamento, Razieh cae por la escalera y sale del edificio. En esta escena no se muestra una discusión demasiado escandalosa o llena de golpes y acciones innecesarias, ya que si se considera la situación en la que se desarrolla, la situación es mucho mas realista.
En casos de altercados, en películas bajo el comercialismo norteamericano, una escena de este tipo hubiera sido manipulada en el guion de manera que requeriría de mayor violencia (peleas sangrientas y heridos) y detalles incongruentes (explosiones) pero que sin duda por su naturaleza atraerían al público.
PARTE V
ResponderEliminarEL COLOMBIAN DREAM – EDICION CINEMATOGRAFICA
Esta película latinoamericana fue estrenada en el año 2006, dirigida por el colombiano Felipe Aljure. El filme se basa en la historia de Rosita, Pepe y Enrique alrededor del uso y venta de alucinógenos, esta trama es narrada por un abortado (Lucho) hermano de Rosita.
La edición se refiere al montaje o a la etapa de post producción, en la que se espera atender aspectos como el rodaje, montaje y sonido. En el caso del rodaje existen diferentes formatos, la variación depende del presupuesto y del acabado que se desee lograr en la toma, es por ello que existe gran variedad como las cintas grabadas en 16mm, digital y 35mm, las que son mas comunes. Se caracteriza por tener 4 perforaciones por fotograma y en su etapa final requiere del montaje en conjunto de la imagen y sonido lo que exige cierta sincronización mediante la utilización y alineación de marcan de referencia en imagen y sonido.
En el montaje el proyecto ya ha pasado por el rodaje o bien se realiza de manera simultanea. Se encuentra a libertad del montador el orden en el que esta se puede realizar, pero se acostumbra a hacer un montaje en bruto, algunos otros montadores toman las escenas a conveniencia. El trabajo es laborioso, pero flexible y permite reordenar una escena las veces que sea necesaria, sin embargo el tiempo invertido para copiar y pegar los fotogramas si es de consideración. En este paso no se realizan las adiciones en cuanto a efectos especiales, sin embargo las transiciones deben ser indicadas por el montador. En esta etapa es donde se consigue la primera versión de la película completa.
Como último paso se realizan los procesos finales del trabajo, esto involucra esencialmente la composición del sonido, lo que incluye los efectos sonoros, la creación de la banda sonora, y la sonorización de los diálogos, hasta poder completar la mezcla final del sonido. Esta etapa también relaciona los efectos ópticos, sobre todo aquellos en los que debe haber una corrección de color por escena y poder igualar el ajuste del color en los diferentes planos y tomas, sin embargo al ser un trabajo tan exhaustivo requiere de varias fases de elaboración.
PARTE VI
ResponderEliminarEn el Colombian Dream se utilizo el formato de super 16 (alternativa económica de 35mm), este formato se paso al digital para facilitar el trabajo de efectos visuales de post producción. Gracias a esto es posible agregar efectos digitales y animaciones requeridas en el desarrollo del guión. Sin embargo también se da la utilización de formatos que son poco utilizados en el cine, entre ellos la utilización de cámaras presentes en teléfonos celulares inclusive el uso de cámaras que detectan el calor y con ellas crear imágenes que solamente brinden una especie de reflejo colorido. En la edición también podemos notar la utilización de una compleja, variada y extensa variedad de recursos, entre ellos la alta velocidad mientras se produce la narración de Lucho y la cámara lenta en los diálogos superpuestos. Además hay cierto juego con la pantalla al realizar particiones de la misma, mediante la cual se puede observar la misma escena, pero desde dos ángulos distintos.
Referencia bibliográfica
Revista Vanity Fair. (2011). Making of Eva. Retrieved 09/05, 2012, from http://www.revistavanityfair.es/videos/eva-la-historia/1394
Chaves, C. (2011). Cine comercial versus cien arte. Retrieved 09/05, 2012, from http://labutacadecine.blogspot.com/2009/06/cine-comercial-versus-cine-arte.html#
Snyder J. Cine de arte vs cine comercial. http://www.revistacomala.com/cineartevscinecomercial.html. Updated 2011. Accessed 09/05, 2012.
Domínguez J. La técnica del sonido cinematrográfico. http://www.felinorama.com/univ/tv/campus/temas/Sonido_cine.pdf. Updated 2012. Accessed 09/05, 2012.
Universia. Cine de arte. http://noticias.universia.net.mx/tiempo-libre/noticia/2007/12/13/27892/cine-arte.html. Updated 2007. Accessed 09/05, 2012.
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. http://www.rtve.es/noticias/20110922/pelicula-irani-nader-simin-separacion-premio-tve-otra-mirada-2011/463438.shtml. Updated 2011. Accessed 09/05, 2012.
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Parte I
ResponderEliminarAmélie
Estrenado el año 2001, el cuarto largometraje de Jean-Pierre Jeunet (después de Delicatessen, La Ciudad de los Niños Perdidos y la norteamericana Alien: Resurrección), nos introduce en un cuento de hadas ambientado dentro de una idílica visión del París contemporáneo.
Con la genial interpretación de Audrey Tatou (como Amélie Poulain) y contando en el reparto con Mathieu Kassovitz (Nino Quincampoix) y con Dominique Pinon (presente en todos los trabajos de Jeunet), esta película despliega una gran belleza visual y sonora, además de unos detalles de ingenio ("gnomo de jardín viajero", "fantasma del fotomatón"…).
Pista de sonido cinematográfica
En el mundo de los filmes, se abre una posibilidad y gama de variaciones en el sonido, por su diversidad de formatos. En la actualidad existen alrededor de nueve o más formatos que varían tanto en su forma de calidad como apreciación o para realizar un toque artístico en el desenlace de la historia, un ejemplo de un formato de sonido es el sonido analógico.
Sonido analógico
Sonido estéreo presente en la mayoría de películas, se desarrolla en un celuloide sobre una línea continua ubicada a la izquierda de los cuadros de imagen. Cuando la película se reproduce, l cinta pasa a través del proyector ara generar la proyección en la pantalla y simultáneamente otro haz de luz pasa a través de la pista óptica de audio para ser recogida por una fotocélula que convierte las diferencias en la intensidad de luz en señal de audio estéreo.
A pesar de todo, este sistema se utilizo en las primeras películas clásicas. Hoy en día, se utiliza pero no frecuentemente ya que puede presentar desincronización, pausas o retrasos momentáneos del sonido.
DTS (Digital Theater System)
Sus características generales, se aproximan al sistema Dolby Digital, se utilizan hasta 5.1 canales de audio distribuidos de la misma forma que el sistema Dolby. Pero siempre se encontraran diferencias realmente importantes entre este sistema y el Dolby. El DTS posee características de 20 bits y un 5.1 en canales a 48 KHz, a esto le agregamos la compresión de apenas 4.1 y almacenamiento de 100 minutos de audio con 51 canales. Sin embargo es un sistema de calidad muy superior, además no presenta la presencia de la impresión de la cinta con la información de audio e incrementa la sincronización de a imagen con el audio en tiempo real.
Una desventaja presente es su instalación, a pesar de estar instalado en más de 40.000 salas alrededor del mundo, la cantidad es muy inferior en comparación con los sistemas de Dolby Digital, por cuestiones de marca hay más títulos presentes y disponibles en Dolby que en DTS.
Cada formato esta llena de variaciones presentes en todo momento tanto de cortometrajes a largometrajes, como el caso de Amélie.
Amélie se compone de cuatro pistas en audio multicanal, dos en V.O. francesa (Dolby Digital a 448 kbps y DTS a 768 kbps) y dos en su versión castellana (también una Dolby Digital y la otra en DTS). Diseñada por su multitud de banda sonora, penaliza la calidad visual. En una audición comparativa, de las cuatro pistas principales, sobresale el DTS (Digital Theater Surround), con mucho mayor volumen, mayor relieve y mayor espacialidad del sonido entre los diferentes altavoces, al punto de sobre pasar el Dolby Digital.
Todos los canales se utilizan correctamente, lo que confirma el excelente nivel del sonido de la película. Sobre el tema, la pista DTS en francés tiene un grave defecto al final (desde 1h 52', antes de los créditos) hace que suene entrecortada. Claro que siempre podemos conmutar a la pista Dolby Digital.
El sonido en francés Dolby Digital y DTS, y subtítulos únicamente en francés para sordos en la película. La edición lleva tan sólo el sonido Dolby Digital francés (pero no el DTS) y la película está subtitulada en español. Todos los análisis alaban la calidad de imagen y de sonido (DTS y Dolby Digital) por lo que mucho nos tememos que los defectos que hemos encontrado son exclusivos de la edición española.
Parte II
ResponderEliminarConcepto de género en cine y específico diferencias entre cine documental, testimonial y realista.
En el realismo, testimonio y documental, se define en que forma se afecta y culales son las consecuencias que se dan de forma mutua, en primer paso se debe de definir cada una a un concepto base que se simple, eficaz y sencillo para su comprensión. Uno de los obstáculos, es el de su descripción previo a cada uno, ya que se relativismo con los que se tratan van con la diferencia propia de la naturaleza propia.
Documental
En primera parte, tenemos a la parte documental, es aquel que inspecciona la realidad de su naturaleza, plantea los discursos sociales, representa historias tanto colectivas como particulares, se constituye en un archivo y crea una memoria tanto de culturas pero con infinitas formas de construcción, presenta un amplio abanico de filmes documentados que permite un pesquisa completa histórica de sus aptitudes en lo rodado, brindando así una visión futura.
El cine documental no es un género. Es producto de una consecuencia preconcebida, una forma de estructura y consecuencia de un modelo preexistente con cimientos de un prototipo. A pesar de que por poseer un tipo sustancial, es dado como un film con género, aunque se difiera algún aspecto de diseño general al cual suele dar repetición sin concertar algún valor.
Testimonial
Aunque no tiene aspiraciones literarias, el testimonio exhibe una intencionalidad muy precisa, de donde se deriva el peligro de representación tergiversada, alentada por la agencia del narrador. A este escollo habría que sumar además la propia dificultad de registrar la historia, por muy buena intención que se tenga de ser objetivo, lo que hace necesaria la voluntad de tener fe en el discurso del narrador por parte del receptor. Una vez que el espectador acepta este requisito, convencido por la idea de que el testimonio conlleva ante todo preocupación por la sinceridad y de que ser testigo implica responsabilizarse por la verdad, el género testimonial puede producir un notable efecto de realidad y provocar la sensación de experimentar lo real. No se trataría de una interpretación de la realidad (codificada, de hecho, por lo Simbólico) sino de una auténtica, aunque insuficiente, huella de lo real, de lo inaprensible e inexpresable, que se logra vislumbrar. Su esbozo de la verdad permite al testigo encontrar la suya propia, conocerse a sí mismo, refrendar su autenticidad, hallarla o incluso reajustarse, si es necesario, a la realidad fenomenológica,
Realista
El cine testimonial, domina sobre la realidad del momento, se da con hechos poco materializado pero con extrema humanidad sobre los problemas y conflictos de varios individuos.
Parte III
ResponderEliminarEl cine es probablemente el espectáculo que mayor sensación de realidad que hace que provoque en el publico, así en un momento se cree que parece idóneo en su expresión para su denuncia de algún afán de una situación opresiva verídica a causa de una suposición estribada que de forma fílmica, pone en general, practica su estilo realista.
Esta idea de semejanza, no concluye en la representación o definición única, sino que va más allá de la percepción real, a su vez hay una identificación profunda entre representación y significación. Por lo tanto, pretender que un significado corresponda a un objeto real responde a una actitud ingenua. Además, el mundo del contenido es un universo cultural, lo que implica que la semiosis es capaz de explicarse por sí sola, pues una unidad cultural se refiere a otras culturales. El concepto de Realismo se prueba igualmente relativo, puesto que depende de cuán estereotipado está un modo de representación y lo determina el sistema estándar propio de una cultura o época determinada. A pesar de ello, el realismo se ofrece para definir todo un sistema de representación. Se tiende a pensar que una representación es realista si se adhiere al modo tradicional (europeo), ya que se suele tomar el sistema convencional como el estándar y la norma realista como la habitual. De todo ello se deriva que la representación realista depende de la inculcación y que la medida en que una imagen es correcta bajo un sistema es directamente proporcional a cuán precisa es la información sobre el objeto que se obtiene leyendo la imagen de acuerdo con tal sistema; la representación es una cuestión de elección; la corrección, de información, y el realismo, de hábito. De todas formas, en beneficio de los conceptos de testimonio y de realidad, habría que añadir que, a pesar de tal ambigüedad, los signos codificados culturalmente (convencionalmente), no son totalmente arbitrarios.
ParteIV
ResponderEliminarA pesar de dichas limitaciones al plasmar la realidad objetiva, ofrece dos formas distintas de tratarla: ficción y documental. Los límites entre ambos conceptos se solapan, ya que todo film de ficción documenta su propio relato (a través del acto analógico de la filmación o de los elementos materiales que lo hacen posible -actores, decorados, etc.-) y todo documental ficcionario una realidad pre-existente por la elección del punto de vista. Tanto un género como el otro son actos de hacer parecer verdad, mediante mecanismos persuasivos, que solicitan, al igual que en el caso del testimonio, que el espectador crea a partir de una especie de contrato de verificación, establecido implícitamente entre entre el autor y espectador sobre la base de la verosimilitud de la propuesta.
Amélie, presenta un poco de surrealismo, que ella expresa en una realidad amorfa de forma desordena y cronológica en momentos que el autor expresa, empleando símbolos, señales y metáforas para su desenlace.
Este largometraje surrealista, la audiencia se inicia en una realidad subjetiva sobre el personaje principal, tanto que demuestra y transmite sus sentimientos, emociones y confusiones para que se mantenga una perspectiva en los actos para que se establezca una trama que contribuya a la obra. Sobre Amélie, muestra importancia y significado hacia la valoración de los pequeños detalles las cuales son totalmente simples sin complejidad, abstractas y un sinfín de conceptos de gustos e insipidez propios.
El realismo del cine no está en su presunta capacidad para captar la realidad tal como ella es, sino en su capacidad para revelar, a través de asociaciones y relaciones de diversos aspectos de la realidad, es decir, a través de la creación de una nueva realidad, capas más profundas y esenciales de la realidad misma…
Referencia Bibliográfica
Formatos de Sonido para Cine (s. f.). Recuperado el 06 de Septiembre del 2012, de http://www.elforolatino.com/f23/formatos-de-sonido-para-cine-8178/
Metodología. El cine en la escuela (s. f.). Recuperado el 04 de Septiembre del 2012, de http://www.emagister.com/curso-cine-educacion-1-2/metodologia-cine-escuela
CINEMANIACOS: Curso de creación cinematográfica (s. f.). Recuperado el 05 de Septiembre del 2012, de http://membres.multimania.fr/cinemaniacos/creacion_cine_10a.htm
La edición - ESPACIO CINE (s. f.). Recuperado el 06 de Septiembre del 2012, de http://ecine.blogcindario.com/2006/11/00010-la-edicion.html
Efectos especiales - Historia de los efectos especiales (s. f).Recuperado el 06 de Septiembre del 2012, de http://www.profesionalesdigitales.es/profesionales/blogs/node/2585
Apreciación Cine: Amélie (2001) (s. f.). Recuperado el 05 de Septiembre del 2012, de http://apreciacioncinetec.blogspot.com/2011/03/amelie-2001.html
Escena final Amélie. - YouTube (s. f.). Recuperado el 07 de Septiembre del 2012, de http://www.youtube.com/watch?v=lKbeNyojjNs
El cine testimonial, la literatura y la realidad. Minotauro Digital. La revista de arte y literatura (s. f.). Recuperado el 07 de Septiembre del 2012, de http://www.minotaurodigital.net/textos.asp?art=86&seccion=Cine&subseccion=articulos
Parte 1 Concepto de género en cine:
ResponderEliminarUn género se refiere a categorías temáticas estables que respetan los responsables de las películas y que conocen sus espectadores. Los géneros mas conocidos son los siguientes: Cine cómico: Junto al documental, el cine cómico es el género más antiguo de toda la historia del cinematógrafo ya que al inicio el objetivo del cine fue ofrecer al público una película divertida, festiva y atrayente. El cine cómico propicia situaciones divertidas mediante acrobacias y escenas visuales, y la comedia lo consigue por medio de un juego de palabras. En ambos casos, el cine practica el humor que causa varias risas.
Cine del Oeste: Como su nombre indica es el género cinematográfico que relata historias relacionadas con la conquista y colonización de los territorios occidentales de Estados Unidos. Este tipo de género sirvió para exaltar las virtudes de pistoleros al servicio de la ley y de militares del cuerpo de caballería ya que eran garantía de seguridad en un momento histórico sometido a muy violentas tensiones.
Cine negro: El cine negro, o cine policiaco, establece sus argumentos en torno a la lucha contra el crimen. Entre las características más frecuentadas por el cine negro están el detective sagaz pero de vida desordenada, los mafiosos que amenazan el orden legal, el policía sometido a las tensiones de una sociedad corrupta, y la mujer fatal, atractiva y seductora aunque peligrosamente cercana al lado más turbio de la vida. Por su ambientación fotográfica y escenográfica, el cine negro delata su vinculación al expresionismo alemán, del cual tomó los toques de estilización tenebrosa, los contraluces y el tono sombrío de sus decorados. El musical: Se refiere a todas aquellas producciones cinematográficas que incluyen canciones o temas bailables en una parte fundamental de su desarrollo. Por sus características el musical se convirtió en sinónimo de elegancia y grandiosidad escénica.
Terror: El género de terror o de horror engloba todas aquellas producciones cinematográficas cuya finalidad es formular dramas efectistas, truculentos o misteriosos, capaces de inducir sensaciones de inquietud, temor y sobresalto en el espectador así como momentos de muerte, amor y dolor. Ciencia-Ficción: Este género propone una versión fantasiosa de la realidad, relacionada con todas las probables o desorbitadas consecuencias de la ciencia. Un ejemplo es el del sabio loco o los monstruos prehistóricos que sobreviven a la extinción. Melodrama: Este género se basa en los giros súbitos de la acción, el juego simplificado de connotaciones morales y el resorte sentimental y apasionado que mueve a los personajes.
Parte 2
ResponderEliminarHistórico: Una película ofrece un punto de vista ideológico en torno a la realidad reflejada en su guion. El género histórico no es otra cosa que un producto imaginativo, derivado del folletín, donde se da forma al pasado hasta componer el telón de fondo de una aventura o de un melodrama.
Aventuras: El género de aventuras tiene como características sucesos protagonizados por un héroe o conjunto de héroes. Puede tener inspiración policíaca, histórica o bélica.
Animación: Este género define una técnica que sustituye la filmación de actores y escenarios por el uso de ilustraciones, muñecos articulados o planos infográficos o computarizados, animados, toma a toma, hasta lograr la sensación de movimiento. Entre otros géneros sin embargo voy a diferenciar tres tipos de cine en específico: el realista, el documental y el testimonial. El cine documental es el que se aleja de la ficción y refleja acontecimientos reales. El guion de los documentales dramatiza los hechos esenciales que rodean a la especie en cuestión, e incluso es probable que los técnicos encargados del rodaje hayan trucado con toda meticulosidad situaciones que, de otro modo, no hubiera sido posible captar con la cámara. Otro subgénero que se deriva de esa mezcla es el docudrama, donde los protagonistas de un determinado hecho lo reconstruyen ante la cámara, recreando así su propia realidad, el cine realista se refiere a la capacidad de representar las “cosas tal y como son”, según se ven, y no según los criterios establecidos por la tradición académica y el cine testimonial cobra una importancia suprema, debido básicamente al impacto visual-emocional que provoca en los espectadores. Es muy probable ver estos tres cines en una misma película o solo dos unidos ya que lo que hace u largometraje mas interesante es la manera de editarse, debido a esto varia la calidad de los cortes y hace que la película tenga una definición estética mucho mas detallada. Un documental normalmente se basa en un hecho histórico, un cine realista en un evento que le haya sucedido a una persona pero es probable que quede como anónima y uno testimonial expone una experiencia de vida con repercusiones culturales y políticas. En síntesis la diferencia de estos tres tipos de cine es que en el testimonial el testigo tiene tanto afán de la verdad que permite al testigo encontrar la suya propia, conocerse a sí mismo, hallarla o incluso reajustarse, el documental juega con imágenes de televisión, fotos, sonido, etc colocando en un contexto histórico mediante el enriquecedor uso de imágenes documentales de hechos pasados y actuales mientras el realista se enfrasca por mostrar la realidad de la vida.
Parte 3
ResponderEliminarEdición cinematográfica
Algunos términos importantes cuando se habla de edición son las siguientes:
Academia líder: es un líder colocado a la cabeza de copias de exhibición con información para el proyeccionista y con números que son de color negro sobre un fondo claro, contando con 11 a 3 a los 16 intervalos de cuadro. Gran Close-up: es una foto tomada muy cerca del sujeto (más cerca de lo que sería necesario para un primer plano), revelando detalles extremos. Superar disparo: es un corte que se utiliza para cubrir una pausa en el tiempo, u otra abertura en la continuidad. Clapper: son los palos que están juntos en la vista de la cámara con el propósito de sonido de la película de sincronización. Estos son por lo general, aunque no siempre, adscrito a la pizarra y aparecen a la cabeza o la cola de un sonido sincronizado. Close-up: es una foto tomada muy cerca del sujeto (o con el sujeto de la toma muy grande en el cuadro), que revela un detalle único. Codificación: método que una vez que la copia de trabajo y el caldo de sonido (mag) se han colocado en la sincronización, los rollos se codifican con números que coinciden borde amarillo para que pueda coincidir más tarde, una vez que se han cortado en pedazos. Conforming: es el corte de la OCN para que coincida con el corte final de una película. Contacto de impresión: es una impresión hecha en una impresora de contacto donde el elemento original y el duplicado del elemento en realidad se presionan entre sí en el punto de exponer (sin lente involucrado). La continuidad de movimiento: es el flujo de la acción de una toma a la siguiente, ya que se coloca en la pantalla en el punto de corte. La colocación de la acción significativa en el extremo de un disparo en la misma zona de la pantalla donde la acción significativa se iniciará en la siguiente toma. Cross-cut: es la intercutting de disparos de dos o más escenas de modo que los fragmentos de cada escena se presentará a la atención de los espectadores alternativamente. Cut: es una sola tira continua de película. Disolver: es una fusión gradual de la final de un solo disparo y comienzo de otro producido por la superposición de un fundido de salida en un fundido de entrada de igual longitud. Dolly shot: es una foto tomada con la cámara en movimiento sobre una plataforma rodante. Dupe negativo: es un elemento negativo impreso a partir de una impresión positiva o copias de exhibición que se imprimen desde un duplicado negativo. El establecimiento de un disparo: es un tiro utilizado cerca del comienzo de una escena para establecer la relación entre los detalles que se muestran posteriormente en estrechar la toma. Fade-in: un tiro que comienza en la oscuridad total y poco a poco ilumina con un brillo intenso o para llevar poco a poco el sonido al volumen deseado. Fade-out: lo contrario de un fundido de entrada. Inter-positivo de impresión: es una impresión de grano fino hecho a partir del negativo original de conformado que conserva los matices anaranjados de la OCN. El IP se utiliza para producir negativos subsiguientes duplicados.
Parte 4
ResponderEliminarIr cortar: es un corte que rompe la continuidad del tiempo por saltar hacia delante de una parte de una acción a otra. KeyKode: es una extensión de los números del borde latentes mediante el cual se otorga cada cuadro un número. Estos números son registrados como un código de barras en la negativa y puede ser leído por un lector especial en la casa de laboratorio o de transferencia. Lab roll: son rollos de OCN compilado por el laboratorio para la impresión, que puede consistir de varios rollos de cámara. Números latentes de borde: son números que se imprimen en el borde de forma negativa por el fabricante. Estos números a imprimir a través de la copia de trabajo y son utilizados por los comparadores negativos (confórmeros) para que coincida con la OCN para el corte final de la imagen. Efectos jurídicos: son las longitudes para fundidos y encadenados que pueden ser ejecutadas por la mayoría de impresoras (16, 24, 32, 48, 64 y 96 cuadros). Biblioteca de disparo: es un tiro utilizado en una película, pero no se tomó inicialmente para esa película. Long shot: es una foto tomada desde una distancia considerable. A menudo, el LS sirve como un plano general. Mag: son acciones magnéticas de grabación de sonido que tiene perforaciones de vanguardia que responden a las perforaciones. En el stock de imagen, con lo que podrá ser tirado junto con la imagen a la misma velocidad y la posición relativa. Maestro de disparo: es un disparo que abarca toda una pieza de la acción dramática. Medium close-up: es un tiro entre un Estado miembro y un CU. (Es decir, una figura humana tomada de la cara hasta el pecho) Plano medio: es un tiro entre un LS y un MCU (es decir, una figura humana tomada de la cintura para arriba.) Impresión Casado: es una impresión positiva que lleva la imagen y el sonido en él. Mute impresión: es una impresión positiva que lleva a la única imagen (impresión silenciosa). Montaje: es la yuxtaposición de tomas o escenas aparentemente inconexas que, al combinarse, logran sentido o una serie de tomas relacionadas que conducen al espectador a una conclusión deseada. Óptico: es cualquier dispositivo llevado a cabo por el departamento de óptica de un laboratorio usando una impresora óptica. Optical impresora: se utiliza en la impresión de la imagen de una pieza de película sobre otro por medio de una lente. Negativo de cámara original (OCN): es el negativo original que pasa a través de la cámara. Pan: se usa para rotar la cámara alrededor de su eje vertical. Acción paralelo: es un dispositivo de construcción narrativa en la que se presentan el desarrollo de dos piezas de acción de forma simultánea. Pitch (de película): es el espacio entre las perforaciones. Edición Relacional: es la edición de fotografías que sugieren la asociación de ideas entre ellos.
Parte 5
ResponderEliminarRough cut: es el primer montaje de una película que prepara el editor de una selección de tomas, con el fin de tener el guión, dejando los puntos más finos de la oportunidad y de edición para una etapa posterior. Rushes: son impresiones realizadas inmediatamente después de un día de rodaje para que puedan ser vistos al día siguiente. Escena: es la acción que se produce en un solo lugar al mismo tiempo. Secuencia: es una serie de tomas o escenas que tiene un principio, un medio y un final. Pizarra: es un tablero sobre el que se muestra la información clave acerca de un corte. Esta placa se lleva a cabo a la vista de la cámara, ya sea en la cabeza o la cola de un disparo a identificar al laboratorio y al editor. Si aparece en la cola de un disparo, se llevará a cabo al revés. Shot: es una grabación de una sola toma. SMPTE líder: es un líder colocado a la cabeza de copias de exhibición con información para el proyeccionista y con números que son de color negro sobre un fondo de densidad media. Sync pop: es un tono único fotograma colocado en la pista de sonido de manera que corresponda con el "2" en el marco líder SMPTE. Sincronización: es para poner sonido y la imagen en su relación correcta. Take: es una grabación de un solo tiro. Tilt: es para activar o girar la cámara hacia arriba o hacia abajo en el disparo. Tiempo: es el proceso de ajustar el balance de color para la impresión de cada escena una vez que la negativa ha sido conformada. Todos los términos nombrados anteriormente logran entender varias tiempos, cortes y tomas que se dan durante el transcurso de la película como por ejemplo en la película El Colombian Dream (2006) donde se aplican estos conceptos para enfocar solo partes del cuerpo como para diferenciar a los dos gemelos con el dedo de mas que tenía uno, otra escena es cuando los niños están tomando pepitas les enfocan del pecho hacia la cabeza para expresar la sensación que producen las pepas, o la utilización de colores, el juego que tienen repasando momentos anteriores de la película o el uso del audio con la canción del final para dejar al espectador pensando. Otro ejemplo es en la película Okuribitu (2008) donde el autor le gusta expresar cada momento el acto del ritual tratando de visualizar todo mínimo detalle.
Parte 6
ResponderEliminarConcepto de 35 milímetros vrs concepto de 16 milímetros vrs concepto de video electronico
Hay varios tipos de película pero la más usada es la de 35 mm con cuatro perforaciones por fotograma. Cada bobina que se carga en la cámara tiene por lo general 10 minutos de duración. La banda de sonido que se incorporará a la película se graba por separado en una cinta magnetofónica abierta de 1/4". El NAGRA es el grabador de cinta para audio más común, aunque en los últimos años se ha extendido el DAT (cinta de audio digital). El método de filmado se denomina sistema dual debido a la utilización de dos sistemas de grabación: uno para la imagen y otro para el sonido. La película de 35 mm requiere que en su etapa final la imagen y el sonido se monten conjuntamente. Para ello, el sonido de las tomas válidas de audio se transfiere a la banda magnética de una película de 35 mm anotándose en el parte de sonido. Después se hará una marca en esa pista magnética en el sonido del golpe de la claqueta que indica el comienzo de cada toma. Cuando llega la copia positivada del rodaje del día, se marca también el fotograma que tiene grabada la imagen del golpe de la claqueta. El siguiente paso implica la sincronización de la imagen con su correspondiente sonido, alineando las marcas de referencia de la imagen y sonido, la película de 35 mm y la pista magnética en 35 mm estarán entonces en sincronía.
Las cintas de 35 mm tienen un código identificativo único para cada intervalo específico. Este consiste en unos números que hay en el borde de la película, los cuales van a determinar los fotogramas que se utilizan en el proyecto. Si se usan sólo unos pocos metros de la copia del negativo de la cámara, habrá que tener luego una manera de asociar cada trozo de la copia con el correspondiente trozo del negativo original. Para eso sirven los números del borde o números de pie (pietaje). Los conceptos de 35mm y 16mm hacen referencia al ancho de la película con que se toma la fotografía, lo cual resulta en diferencias importantes tanto en calidad como en costo. En 1909 el film de 35mm se estableció como el estándar internacional para la elaboración de película con fotografía en movimiento. Sin embargo, existen otras medidas como el 16mm, 8 mm y 70mm, mas 35mm ha mostrado la mejor relación calidad-costo (dado que el precio del film está directamente relacionado con su tamaño) (Ferland, 2010).
Los film de 35mm son los más utilizados para la fotografía en movimiento, mientras que el film de 16mm se reserva para la televisión y filmes educacionales. En 1965 surge una variación del tradicional film en 16mm, el súper 16mm. Este fue creado en Suecia por Rune Ericson. Su principal característica es que aumenta el área del negativo expuesto (la imagen), al extenderla al espacio reservado para la banda de sonido. Este formato presenta perforaciones solo en un lado del film y permite aumentar el tamaño del área de la imagen expuesta a ser proyectada (Díaz-Amador, 2006). Una video cámara o cámara de video es un dispositivo portátil que permite registrar imágenes y sonidos, convirtiéndolos en señales eléctricas que pueden ser reproducidos por un aparato determinado. En un principio, las video cámaras utilizaban tubos electrónicos como captadores. De esta manera, estaban compuestas por válvulas termoiónicas que, a través del barrido por un haz de electrones, permitían formar las imágenes con un sistema de lentes. En la década del ’80, se desarrollaron los dispositivos de cargas interconectadas, que posibilitaron una reducción en el peso y el tamaño de las cámaras y una mayor calidad de imagen y sonido. El proceso de funcionamiento de las video cámaras comienza con la descomposición de la luz entre tres componentes (rojo, verde y azul) mediante un prisma de espejos dicroicos. Del otro lado del prisma se encuentran los captadores, que reconstruyen la imagen y la reenvían a los circuitos preamplificadores.
Parte 7
ResponderEliminarTomas y planos
El montaje puede clasificarse según la totalidad del relato en:
Montaje lineal continuo: Donde la acción se desarrolla con una unidad de tiempo y lugar. Los cortes solo establecen una selección de momentos significativos.
Montaje lineal condensado: La narración es continuada y lineal, pero comprende distintas etapas de una anécdota o proceso que se suceden en diferentes épocas y lugares.
Montaje de tiempos alternados: Está basado en la yuxtaposición de dos o más acciones entre las que existe una correspondencia temporal estricta y suelen unirse en un mismo hecho al final del film o de la secuencia. El transcurso del tiempo (continuo, condensado, o paralelo) es quebrado introduciendo escenas del pasado llamadas flashback; escenas premonitorias, proyecciones o imaginaciones del futuro; y también con alteraciones del tiempo real por medio de la cámara rápida, cámara lenta o inversiones en el que el tiempo retrocede (personas y vehículos marchan hacia atrás). Debemos mencionar también la llamada “elipsis”, una omisión temporal que establece una especie de vacío en la misma línea narrativa, cosa que permite enfatizar psicológicamente esa ausencia.
Montaje Conceptual: Se trata de una estructura liberada de las circunstancias de tiempo y lugar. Sucesivas tomas y escenas no pretenden desarrollar una estructura lógica de los hechos, sino de los conceptos. Las imágenes más dispares van orquestando una sucesión que conforma una totalidad coherente -psicológica e ideológica- en el espectador. Suelen utilizarse a partir de una banda de sonido previa, que establece un punto de apoyo por analogías o contrapuntos con la edición de las imágenes.
Montaje rítmico: Es un concepto que engloba diversas significaciones. En función tanto de la longitud de los planos como de la composición de los encuadres. Intenta subrayar el impacto psicológico con una segunda sensación confiada al ritmo; en la que se deforma la realidad de alguna manera, ocasionando que el ritmo real de un suceso se retrase o acelere según lo que el autor quiere provocar. Se supone que todo tipo de montaje debe tener un ritmo adecuado. Repeticiones, cámara rápida, cámara lenta, destiempo y otras características de ese género, hacen posible una edición que no es narrativa, ni conceptual, sino rítmica.
Parte 8
ResponderEliminarMontaje Paralelo: Se unen dos o más líneas narrativas, independientes cronológicamente. Normalmente se trata de sucesos que transcurren y se desarrollan a un mismo tiempo, pero en distintos lugares, creando una asociación de ideas en el espectador. El montaje permite observar uno y otro como señalando “mientras en A ocurre tal cosa, en B ocurre tal otra”.
Según la escala y la duración del plano el montaje se clasifica en:
Analítico: Se realiza a base de encuadres que contienen numerosos planos cortos de corta duración; se analiza la realidad estudiándola por partes y creando un ritmo rápido en la sucesión; lo que se presta más a lo expresivo y psicológico.
Sintético: Se lleva a cabo a base de encuadres que contienen planos largos o planos-secuencias y con frecuencia uso de la profundidad de campo; se da una visión más completa de la realidad, sin intentar un análisis. Como aparecen más objetos y más hechos, exige encuadres de mayor duración para poder tener suficiente tiempo de lectura. En la película Colombian Dream (2006) se puede observar muy bien el montaje de tiempos alternados ya que mediante la cámara rápida o retrocesos se introducen escenas del pasado o proyecciones del futuro. Además también se observa el montaje rítmico que se intenta subrayar el impacto psicológico con una segunda sensación confiada al ritmo. Tambien se puede ver un montaje analítico donde los planos son de corta duración lo que presta mas a lo expresivo y psicológico por lo que se analiza un poco mas las escenas.
Referencias
Espacio Cine. (2006). La Edición. Recuperado de: http://ecine.blogcindario.com/2006/11/00010-la-edicion.html
Martinez, E., y Sanchez, S. (S.A). Tipos de plano. Los movimientos en el cine. Recuperado de: http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/tiposdeplano.htm
Códigos Visuales. (S.A). Montaje y Edición. Recuperado de: http://codigosvisules7.blogspot.com/
Mas Cine. (S.A). Géneros del cine. Recuperado de: http://mas-cine.buscamix.com/content/view/90/139/
Especialista en el estudio 2. (2011). Estilos cinematográficos y genero. Recuperado de: http://translate.google.co.cr/translate?hl=es&langpair=en%7Ces&u=http://specialiststudy2.blogspot.com/2011/01/cinematic-styles-and-genres.html
Parte 1
ResponderEliminarAnálisis de técnico de cine.
En el cine es bastante común el formato de 35mm, sin embargo no por esto las cámaras usadas para la filmación son las mismas. Cuando se realiza una toma en HD el tamaño de la imagen es reducido considerablemente, es por esto que dependiendo del tamaño del escenario que se desea filmar así será la cámara a utilizar también.
El formato de 16mm a pesar de no conseguir una imagen de tanta calidad como el de 35mm, tiene ciertas ventajas que son dignas de considerar al hacer una producción cinematográfica, entre ellas destacan una reducción en los costos de producción y la utilización de un equipo más ligero.
Los efectos especiales en el cine es el medio por el cual se puede lograr obtener ciertas escenas que por medios normales no se pueda recrear o esto resulte peligroso o muy costoso. La mayoría de los efectos especiales se realizan postproducción, existen varios tipos de ellos de los cuales podemos destacar:
Efectos digitales: Estos consisten en la manipulación de las imágenes por medio de una computadora, dentro de esta categoría podemos mencionar el uso de una pantalla azul en una toma, la cual luego por medio de una computadora es modificada para cambiar el fondo en la escena. También podemos mencionar la creación de personajes por medio de computadora.
Efectos mecánicos: Los efectos mecánicos tienen que ver con la creación física del decorado y se utilizan en tiempo de filmación por ejemplo la lluvia.
Efectos de sonido: Contrario a lo que hacer las personas ordinarias al realizar una grabación, en el cine el video y el sonido son grabados por separado y luego son juntados, a este es necesario agregar sonidos pregrabados para conseguir ciertos efectos en una escena.
Podemos mencionar la película “EVA” (2011) en la cual se utilizó un formato de 35mm para ejemplificar de manera más efectiva los efectos especiales y responder así a la interrogante de cuando se da un uso y cuando el abuso. Para esto hay que tener muy claro el concepto ya mencionado de los efectos especiales que contrario a la creencia popular no se dan solo en las típicas películas de acción creadas en los estudios de Hollywood . En esta película podemos destacar efectos tan sutiles como el clima en el que se desenvuelve la película que es de invierno el cual es creado de manera artificial con una maquinaria especial, el cual el público podría pensar que las escenas fueron grabadas en un lugar con esas condiciones climáticas.
Las pistas de sonido forman parte fundamental en una película, esto se refleja al comparar una película vista en el cine que una vista en el televisor, ahora siendo el sonido algo tan importante para una película es normal que se le de cuidado especial al incorporarla al filme.
Parte 2
ResponderEliminarRetomando un poco la película “EVA” se puede observar que se le dio mucha importancia a la pista de sonido, se puede poner de ejemplo la escena en la que Eva se da cuenta de que no es humana y corre a la montaña, la incorporación del sonido cuando se pisa sobre la nieve. Son este tipo de detalles los que logran que el público se involucre más con la película.
Es importante también mencionar el gran efecto que brinda el sonido en películas como “El Colombian Dream” (2006) en la cual se liga directamente con la película, por ejemplo en esta se incorporan canciones de grupos colombianos como mensajes a la audiencia.
Un plano es el espacio de filmación que se toma en relación con la figura humano, algunos planos son: el plano general, plano general medio, plano medio, primer plano medio. El plano general es cuando además del personaje principal también se enfoca sus alrededores, por ejemplo en la escena de la película “EVA” en la que Eva lleva a Alex a la montaña a enseñarle donde viven sus padres, se pueden observar ambos de lejos subidos en la montaña. También se puede ver en la escena de la película Okuribitu (2008) en la que el protagonista toca una canción navideña para su jefe. En el plano medio se muestra al personaje de la cintura hacia arriba, este tipo de toma es bastante común, la podemos ver por ejemplo en la película Una separación (2011) en la escena en la que se da la discusión cuando llegó Nader a la casa y encontró a su padre en el suelo amarrado en la cama. El plano general medio muestra al personaje de los pies a la cabeza, por ejemplo en la película EVA cuando Alex ve a Eva por primera vez, esa escena muestra una toma de plano general medio de Eva. El primer plano medio muestra al personaje arriba de los hombros por ejemplo la escena en Okuribitu en la que el protagonista va a unos baños públicos y se encuentra con un señor que también los está utilizando
Bibliografía:
Formatos de cine, Recuperado el 7 de setiembre del 2012 desde http://blog.abelcine.com/2010/08/18/35mm-digital-sensor-comparison-chart
Efectos especiales, Recuperado el 9 de setiembre del 2012 desde http://www.claqueta.es/articulos/efectos-especiales-en-el-cine.html
Movimiento de cámara y Técnicas cinematográficas, Recuperado el 10 de setiembre del 2012 desde http://www.slideshare.net/rmad/planos-y-mov-camara
prueba
ResponderEliminarprimera parte. Tipos de formato en el Colombian dream
ResponderEliminarConcepto de 35mm vs 16mm vs electrónico.
El formato es un concepto que viene determinado por el ancho de las imágenes tomadas, la relación entre el ancho y el alto y el numero de perforaciones de la película, ya que esta compuesta por una seria de imágenes consecutivas que son mostradas a una frecuencia determinada y que por la persistencia retiniana se crea un efecto de secuencia un ejemplo de esto es en la película de quien quiere millonario en la escena donde Jamal y su hermano se encuentran al dios rama después de haber perdido a su madre, en esta escena se encuentra un recurso técnico que elimina el efecto de secuencia en este caso no hay disminución en la frecuencia con la que se presentan las imágenes ya que la frecuencia no cambia. Existen diferentes formatos según la capacidad de profundidad de la imagen están los de 16mm, 35mm, 8mm, electrónicos y alta definición. El de 35 milimetros ha sido muy usado en los años 90 y ahora es considerado un formato de producción por lo que no necesita reservar una banda óptica de sonido. El formato de 16 milimetros es muy usado en cine para tomas panorámicas como podemos ver en la película El Colombian Dream en la escena donde la voz en off (narrador) presenta el bar llamado de la misma forma de la película, durante esta escena vemos una vista panorámica de las personas y escenografía y el campo de visión es reducido, también el costo fue menor que la mayoría de películas de 35 milimetros por lo que se sobre entiende que fue grabada en 16 milimetros, durante esta escena se utiliza un recurso técnico conocido como ojo de buey, el cual muestra la escena en forma oblicua sin embargo este recurso no altera su formato, incluso cuando se pasa del ambiente del colombian dream al techo donde están los personajes principales con las pepas se sigue viendo de forma panorámica, con este formato se permite disminuir la cantidad de luz en alguna escena especifica. Es necesario entender que aunque la escena cambie las tomas o utilice recursos técnicos no se esta cambiando el formato del mismo. Por otra parte el formato electrónico aunque actualmente llamado Digital consiste en convertir esa secuencia de imágenes (película) en unos y ceros (digitalización) esto ayuda a que las películas duren mucho mas tiempo sin dañarse que a diferencia de los otros formatos se dañaban dependiendo del uso o frecuencia con la que se veían.
segunda parte.Cine Norteamericano comercial vs cine arte
ResponderEliminarDespués de haber definido la forma en la que están compuestas las películas y sus diferentes formatos podemos pasar a entender lo que se define como Cine Norteamericano que son aquellas escenas donde usa ciertas marcas o comidas para hacer propaganda en ocasiones el espectador logra notarlo pero a veces es sutil un ejemplo de esto es en la película quien quiere ser millonario en la escena donde maman se encuentra a jamal y a su hermano, al principio se muestra un día caluroso y maman se les acerca con una bebida carbonatada de vidrio con una etiqueta roja, aunque no se muestra la marca de la bebida se sobre entiende de que marca se esta comercializando la escena, ya que puedo haber usado una comida o bebida que no hiciera alusión a alguna marca en especifico, sin embargo esta película es una combinación de los ambos cines, porque el cine arte trata de mostrar una realidad basada en la historia y no usar marcas ni escenas propiamente comerciales un ejemplo de esto es en la escena donde Jamal y su hermano pierden a su madre en una batalla entre hindúes y musulmanes, también es mostrada la pobreza de ciertas partes de la india, en otra escena se observa a maman sacando provecho de los niños porque los manda a pedir plata y si cantan bien los deja ciegos para que obtengan mas plata. Todas estas escenas son un claro reflejo de cine arte donde no se usa ningún recurso comercial
Efectos especiales. Uso y abuso (concepto general)
Los efectos especiales pueden ser auditivos o visuales y consisten en una extensión de la escena combinado con elementos reales como personas o escenografía, existen dos tipos el sobresaliente que son los efectos especiales delicados y el burdo en el que no se tiene contenido de fondo sino que solo se busca llamar la atención del espectador. Un ejemplo de esto es en la película de eva donde el actor principal le enseña a la niña el procesador del robot el cual es el cerebro donde cada elemento conforma el carácter, se presenta un uso no exagerado de los efectos especiales ya que no hay sonidos demasiado altos e innecesarios ni mucho menos la aparición de naves voladoras gigantescas, sino que se da una estrecha relación entre lo real que es el personaje y este efecto especial en forma de holograma es usado de forma sutil cuidando los detalles y no exagerando nada. Otro ejemplo de efecto especial sutil es usado en la parte interna de los carros de la película de eva, el cual hace el contraste entre los autos de forma antigua (vistos desde afuera) pero con elementos digitales, sofisticados y elevados (vistos desde adentro del carro)
Pista de sonido cinematográfica
En el cine primero se graban las imágenes y después el sonido y en la edición se hace calzar, en la pista de sonido cinematográfica se incluyen los efectos especiales sonoros ya que es aquí donde se modifican los sonidos altos y bajos, normalmente lleva una estrecha relación con las escenas y logra producir que el espectador se enfoque en ciertos detalles de la escena, los primero cines no usaban sonido, pero en la actualidad es uno de los recursos mas usados de forma obvia o sutil, se puede usar canciones o solo sonidos de ambiente un ejemplo de esto es el la película el colombian dream donde el narrador presenta el bar con el mismo nombre de la película, en esta escena notamos que se usa una música alegre y fuertemente relacionado con la
tercera parte.escena rápida del momento, también se puede notar una vos de fondo o también llamada vos en off que se escucha mucho mas fuerte que la música alegre y en este caso no existe uso de elementos como el viento o parecidos.
ResponderEliminarUna Separación: las características para crear un buen filme.
ResponderEliminarEl guión cinematográfico es la parte de la producción que permite al director, a los actores y al staff la interpretación del texto, de tal manera que al aparecer en la pantalla, esta interpretación aparezca lo más lúcida posible. El guión posee elementos tales como: las acciones, los lugares donde suceden, la descripción de las acciones y el diálogo de cada uno de los personajes, pausas e introducciones a cada diálogo. El guión y el escritor en el cine son clave del éxito del producto final, o sea el filme; que este sea de calidad, que logre transmitir el mensaje que se tiene propuesto y que sea capaz de crear sensaciones o sentimientos en los receptores. Una escena en la cual se muestra el trabajo de calidad de un guionista es en la parte final de la película “Una separación” en donde Nuri espera en un pasillo de pie, frente a su esposo sentado, sólo separados por un vidrio, la decisión de Termeh de con quién quedarse, después de que la pareja haya traído su divorcio realidad. Siendo una película más que rompe con el paradigma del happy end –donde la película siempre termina con una prosperidad encontrada de los personajes y transmitiendo una felicidad emocional al público–, la última escena de Una Separación, fue escrita para que el final de la película y que la emoción transmitida fueran distintos. Ya que esta genera duda, expectativa, sospecha y sobre todo las ganas de parte del espectador en saber el veredicto final de Termeh, quien tiene la última palabra, es el último personaje que interfiere. Sin embargo todo queda a la expectativa y este veredicto final, pasa a manos del público, quien puede ser el encargado de imaginar un supuesto final para la película, sumido en las ganas de encontrar respuesta a la pregunta de si Termeh se quedaría con su madre o su padre. A diferencia de la escena final en “Slumdog Millionaire”, donde a pesar de que durante toda la película se cuentan historias dramáticas, al final a dos de los personajes les sucede el final de la película como a ellos les hubiera gustado que pasara, el personaje principal se queda con el amor de su vida.
Parte 2
ResponderEliminarEste último “happy end”, característica del cine norteamericano. El cine norteamericano consta de producciones en donde la mayoría de los objetivos que tiene el filme, es una ganancia taquillera grande, que sea una película que tenga éxito en masa, que las personas hablen de ella y paguen sus tiquetes en los cines. Esto se da porque, en las casas norteamericanas de producciones cinematográficas, el concepto de éxito es la ganancia que tengan del público, por lo tanto entre más taquillera sea una película, se supone que fue porque es una buena producción. Pero no sólo se trata de la trama, género o estilo del filme, sino también de que en este cine influyen mucho los actores y actrices, los cuales en su mayoría son personas con atractivo físico o con carisma popular. Además el cine norteamericano tiende mucho a vender y promocionar marcas, así si un sector el público tiene cierta preferencia por una marca de autos o comidas, es muy seguro que vaya a observar una película de estas. También sus tramas tienden a ser fáciles de entender para el público, ejemplo de ello son las comedias o historias sobre los súper héroes. A diferencia del cine arte en donde sus objetivos son muy distintos, sus compañías productoras son distintas, algunas poseen menos recursos y otras si tienen suficiente presupuesto tanto económico como material para poder realizar cine que suele ser de mayor calidad que el norteamericano. Los actores y actrices que participan en estos filmes poseen mayor habilidad y talento, no son el tipo de estrellas de cine o TV que la gente compra por su sonrisa, ojos o atractivo. Los hechos que se manejan que el cine arte requieren de más atención, pues este cine posee más libertad de contenido, rompe muchas reglas de cine habituales. Esto hace que reciban el nombre de arte, pues el arte permite romper con paradigmas, reglas y con las mismas formas de representar y decir las cosas. Una separación es un buen ejemplo del cine arte, posee las características mencionadas y sumerge al público a lo diferente y sensacional.
Para un buen filme, lo que los receptores ven, también es importante, porque puede generar sentimientos o conexión. Las tomas y planos, requieren de un buen esfuerzo por parte del actor o la actriz y de todo el equipo en cámaras. Puesto que una escena puede hacer la diferencia dentro de una película. Realizar la toma perfecta consiste en captar una imagen durante un tiempo determinado a conveniencia por parte del director y staff, en la cual los personajes tienen que hacer alguna intervención, o se va a mostrar algún paisaje, o lo que sea que el director necesite dentro de una toma. Para lograr crear una toma realista, que interactúe con el observador, que resalte los momentos claves de una película y también los mejores puntos de expresión y actuación de los artistas participantes, se llevan a cabo los planos. Los planos es cómo el espectador mira lo que sucede en el filme a través de la pantalla, consta del movimiento de las cámaras, presenta los acontecimientos y el entorno. Resalta puntos clave de una toma y disimula los no tanto. En la escena final de Una Separación se observa una toma desde un plano fijo. La pareja recién divorciada, acomodados de frente en un pasillo. La toma permite ver todo lo que pasa a su alrededor, como ellos se hacen los indiferentes, personas que caminan, abriendo puertas… Además se deja escuchar el ambiente, las personas hablando y el choque de las mismas puertas cuando se abren y cierran. Todo esto desde un mismo plano, pues la cámara esta de frente a estas situaciones con Nuri y Sahin de perfil y de allí pareciera no moverse porque la toma es la misma hasta la aparición de los créditos.
Parte 3
ResponderEliminarUn aspecto importante para la elaboración de un filme de calidad es la edición cinematográfica. La edición ordena las tomas y planos en busca de acomodarlas de la mejor manera para que la narración y la representación del tema de la película sea entendible y con sentido. Se remueven, cortan o ajustan escenas. Es el último paso en el cine, el responsable del producto final. Si se ordenan los planos de manera incorrecta, es posible que el mensaje que se quería dar o rescatar no sea visible o como resultado sea algo totalmente mente inesperado o contrario a lo que se quería dar. La edición cinematográfica consta de varias partes en la cuales se trabajan aspectos tales como sonido, decoración, iluminación ente otros. En Una Separación (2011), algo muy notorio es que no se hizo uso de pistas de sonido por ejemplo, pero el resto de la edición fue sencillamente genial, porque permite a quien ve la película ir más allá de la pantalla, su historia permitía que muchos la vieran como si fuera de la vida real, lo cual quiere decir que el filme impresionó y logró sus objetivos a la hora de captar el público.
Bibliografía:
Taller de Escritores (sin fecha).Recuperado el 02 de setiembre del 2012, de http://www.tallerdeescritores.com/el-formato-del-guion-literario.php
Salanova S Enrique. El guión y sus tipos (sin fecha). Recuperado el 02 de setiembre del 2012, de http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/guionquees.htm
cuarta parte.Referencia bibliográfica
ResponderEliminarFernández, M. Teoria del cine. Lecciones al Portal. Consultado en : http://jornalismocontemporaneo.files.wordpress.com/2011/02/2008-teorias-do-cinema.pdf
Putnam, D. Siete recetas para salvar el cine. Consultado en: http://www.mgar.net/cine/var/industri.htm
Enciclopedia Microsoft ® Encarta. Consultado en : http://cine.astalaweb.net/Documentos/El%20cine%20estadounidense.asp
Parte 4
ResponderEliminarGarcía, R Virginia. La documentación del guión cinematográfico, (sin fecha).Recuperado el 02 de setiembre del 2012, desde http://www.ucm.es/info/multidoc/multidoc/revista/cuad6-7/anexo/guion/guion.htm
Sánchez, S Enrique. Tipos de plano. Los movimientos en el cine, (sin fecha). Recuperado el 11 de setiembre del 2012 desde http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/tiposdeplano.htm
El periódico más breve (2010) Recuperado el 11 de setiembre del 2012, desde http://elperiodicomasbreve.blogspot.com/2011/06/las-diferencias-entre-toma-escena-y.html
Salanova, S Enrique El Glosario de cine, (sin fecha) Recuperado el 12 de setiembre del 2012, desde http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/glosariocine.htm
Espacio Cine (11 de Octubre del 2006) Recuperado el 11 de setiembre del 2012 desde http://ecine.blogcindario.com/2006/11/00010-la-edicion.html
quinta parte. continuacionde referencia bibliografica.
ResponderEliminarHiche, B. cine arte. Consultado en: http://casanovacinco.tripod.com/debate/CINE_ARTE.pdf
Montero, M. Persistencia retiniana y nacimiento del cine. Consultado en: http://www.oftalmo.com/studium/studium2010/stud10-2/10b-11.htm
Bermúdez, N. El cine y el video: recursos didácticos para el estudio y enseñanza de la historia.Revista de Teoría y Didáctica de las Ciencias Sociales. Consultado en: http://www.saber.ula.ve/bitstream/123456789/26457/1/articulo5.pdf
Elementos y critica cinematografica.
ResponderEliminarparte 1
Géneros cinematográficos: Documental, testimonial, realista.
Muchas veces el concepto de género cinematográfico se toma como una prolongación a los géneros literarios, ya que se dice estos fueron o son sus antecesores.
Pero sin embargo existen unas series de diferencias muy notables, entre lo que es un género literario y un género cinematográfico. Los géneros cinematográficos empezaron a proliferar en los años 70 y se ha logrado apartar del estudio de los géneros literarios, en consecuencia ha logrado crear sus propios postulados y sus propios objetivos de estudio, abriéndose paso entre los estudiosos y críticos del cine.
El termino género cinematográfico, no es un genero descriptivo, sino más bien un conjunto de de conceptos con múltiples significados que en cierta forma se complementan entre sí. Estos conceptos de género los podemos identificar como, un esquema básico, que precede, programa y configura la producción industrial cinematográfica, como una estructura sobre lo que se construyen las películas y como una etiqueta de una categoría fundamental para los comunicados y decisiones de los distribuidores de las películas. Gracias a esto los géneros se pueden definir como patrones, formas y estilos que trascienden las películas y su estructura y verifican su construcción por parte del productor y su lectura por parte del espectador.
Género documental:
Según los teóricos de los medios audiovisuales, el documental es aquel que se aleja de la ficción y por su parte refleja acontecimientos reales. Eso no es del todo cierto, ya que, si bien es cierto el documental refleja hechos reales, desde la mirada del creador (el cineasta) este modela un relato, los guiones de un documental sobre el estilo de vida de una persona, un animal, o la creación de un objeto entre otros, van a dramatizar los hechos que rodena a este y es muy posible que los encargados de la producción, por ejemplo los camarógrafos, hayan tomado una serie de situaciones de las cuales solo incluirán en la película aquellas que dramaticen lo que diga el dialogo y incluso puede suceder que para ciertas escenas incluyan actores (sin darle una protagonización a ninguno)
El género documental muchas veces se de cómo una forma de presentar temas de aprendizaje e informativos, otra veces se usa como denuncia de las situaciones sociales y políticas entre otros. Un ejemplo de esto es el documental “Ciudad de Dios” (2002) donde hace una crítica y una denuncia a las situaciones de drogadicción, narcotráfico y delincuencia vividas en Brasil, en las favelas.
Genero testimonial:
El cine testimonial es aquel cine en donde el protagonista es el que cuenta su propia historia y expresa lo que siente, es un cine donde a pesar de la buena intención que tiene el narrador, tiene que ser convincente en su discurso y por otra parte el público tiene que tiene que relacionarse de cierta manera con este discurso para poder disfrutarlo, ese es el ejemplo de la película: quien quiere ser millonario, donde Jamal cuenta su propia historia de cómo llego hasta el final del concurso y cómo fue que a lo largo de su vida, fue aprendiendo las repuestas que lo llevaron hasta el final.
Genero realista:
En el género de cine realista lo que se busca expresar son aquellos temas y que suceden en el mudo real, por ejemplo las condiciones en las que viven las sociedades, lo que esta pasando con la economía en cierto tiempo determinado o las circunstancias políticas que está sufriendo, cierto país o el mundo.
Este tipo de género se ve inspirado por las noticias y por los sucesos de la realidad cotidiana. Un ejemplo de esta película es wáter (2005) donde se muestra la situación en la que viven las mujeres en la india y lo que se les impone por su religión.
parte 2
ResponderEliminarGuion cinematográfico y concepto de happy ending:
El guion es un relato escrito de los acontecimientos que van suceder en la película, en este se desarrolla por completo un argumento y diálogos donde es indispensable tener en cuenta que hay que filmarlos, grabarlos y montarlos.
En este se debe incluir el dialogo de los personajes, las escenas del montaje con sus respectivas secuencias y una descripción de lo que va a suceder en cada escena junto con lo que deben realizar los actores, en donde lo deben realizar y a la hora en la se deben realizar.
Hay ciertas etapas en la construcción de un guion en las que el guionista se puede apoyar para tener un libreto mejor estructurado y de una mejor calidad, entre los que podemos citar una sinopsis, es un pequeño resumen del relato donde el guionista se puede dar una idea de cómo va a construir la historia, también podemos mencionar la redacción o tratamiento, es una redacción de la película en la cual el guionista construye la historia y que es lo que esta le va dar, después viene lo que es el guion literario y aparecen los diálogos que va a decir cada personaje y en la secuencia que lo va decir, y por último, el guion técnico, donde en este aparecen los acontecimiento de forma minuciosa, la hora en la que ocurren y la utilería y los lugares paisajes que van incluidos en esa escena.
Un buen ejemplo de un guion bien construido es el que vemos en la película okirubito (2008), donde se presenta un dialogo llamativo y además, se presenta a los personaje haciendo otras acciones o ejecutando otras cosas complementarias mientras estos dicen sus líneas.
Podemos mencionar el concepto de happy ending, aquel final feliz que se presentan en las películas (comerciales principalmente) en donde los protagonistas después de enfrentar todas las situaciones difíciles y retos que se le pusieron en el camino, logran tener un final feliz y vivieron felices por siempre, un ejemplo de el happy ending es la película Quien Quiere ser millonario, donde el protagonista después de superar todos los problemas y contratiempos, logra tener un final donde consigue el dinero y se queda con la mujer que el ama y lograron vivir felices por siempre.
parte 3
ResponderEliminarGuion cinematográfico y concepto de happy ending:
El guion es un relato escrito de los acontecimientos que van suceder en la película, en este se desarrolla por completo un argumento y diálogos donde es indispensable tener en cuenta que hay que filmarlos, grabarlos y montarlos.
En este se debe incluir el dialogo de los personajes, las escenas del montaje con sus respectivas secuencias y una descripción de lo que va a suceder en cada escena junto con lo que deben realizar los actores, en donde lo deben realizar y a la hora en la se deben realizar.
Hay ciertas etapas en la construcción de un guion en las que el guionista se puede apoyar para tener un libreto mejor estructurado y de una mejor calidad, entre los que podemos citar una sinopsis, es un pequeño resumen del relato donde el guionista se puede dar una idea de cómo va a construir la historia, también podemos mencionar la redacción o tratamiento, es una redacción de la película en la cual el guionista construye la historia y que es lo que esta le va dar, después viene lo que es el guion literario y aparecen los diálogos que va a decir cada personaje y en la secuencia que lo va decir, y por último, el guion técnico, donde en este aparecen los acontecimiento de forma minuciosa, la hora en la que ocurren y la utilería y los lugares paisajes que van incluidos en esa escena.
Un buen ejemplo de un guion bien construido es el que vemos en la película okirubito (2008), donde se presenta un dialogo llamativo y además, se presenta a los personaje haciendo otras acciones o ejecutando otras cosas complementarias mientras estos dicen sus líneas.
Podemos mencionar el concepto de happy ending, aquel final feliz que se presentan en las películas (comerciales principalmente) en donde los protagonistas después de enfrentar todas las situaciones difíciles y retos que se le pusieron en el camino, logran tener un final feliz y vivieron felices por siempre, un ejemplo de el happy ending es la película Quien Quiere ser millonario, donde el protagonista después de superar todos los problemas y contratiempos, logra tener un final donde consigue el dinero y se queda con la mujer que el ama y lograron vivir felices por siempre.
parte 4
ResponderEliminarLos efectos especiales:
Los efectos especiales son efectos, ópticos, sonoros y digitales, que permiten crear ilusiones y percepciones al público para poder captar la atención de este y dar apariencia de lugares y situaciones que en realidad no están ahí, un excelente ejemplo es filmar una escena que muestre un hombre caminado por la luna y avanzando a los pasoso de la gravedad de esta. Esto se logra mediante efectos especiales, ya que en realidad no se está grabando la película en la luna, si no en un set donde se ambienta para que este parezca el espacio y la luna donde se utilizan imágenes y sonidos para ambientarlo y muy posiblemente el actor este sostenido de un cable que a la hora de caminar lo suspenda un poco en el aire para dar el efecto de que esta en una atracción de gravedad muy baja, a esto es lo que se le llama como efectos especiales.
Hay diferentes técnicas y tipos de efectos especiales, entre ellos se encuentra los ópticos, que consisten en manipulación de imágenes, los mecánicos, estos se realizan durante un rodaje, los de sonido que se realizan en estudios de post producción, los de maquillaje, estos se usan mayoritariamente para crea personajes ficticios con apariencias no humanas como por ejemplo el hombre lobo, y los efectos digitales.
En la película “El Colombian Drems”, se puede apreciar un buen efecto especial hecho con cámaras que es cuando hacen parecer al niño que narra la historia, lo hace desde el vientre de su madre. También en la película “Eva”, donde la madre de Eva cae al precipicio, este se ve realmente como si callera desde un precipicio.
parte 5
ResponderEliminarBibliografía:
Gobierno de España, ministerio de educación (2012). Media cine. Recuperado de http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque4/pag12.html .
Rick Altman (2012). Los géneros cinematográficos, Recuperado de http://www.fba.unlp.edu.ar/medios/biblio/Altman-Los-Generos-Cinematograficos.pdf
Rosario Torres (2012). El cine testimonial, la literatura y la realidad, Recuperado de http://www.minotaurodigital.net/textos.asp?art=86&seccion=Cine&subseccion=articulos
Enrique Martínez –Salanova Sánchez (2012). En busca del realismo cinematográfico, Recuperado de http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/realismos.htm
Enrique Martínez –Salanova Sánchez (2012). El guion y sus tipos, Recuperado de http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/guionquees.htm
Juan José Domínguez López (2012). La técnica del sonido cinematográfico, Recuperado de http://www.felinorama.com/univ/tv/campus/temas/Sonido_cine.pdf
Claqueta (2012). Efectos especiales en cine, Recuperado de http://www.claqueta.es/articulos/efectos-especiales-en-el-cine.html
Critica cinematográfica (conceptos básicos del cine aplicados a diferentes películas)
ResponderEliminarParte 1
• Guión cinematográfico:
El concepto guión cinematográfico según Syd Field (una de la mas grandes autoridades en el ámbito de la escritura de guiones) es una historia contada en imágenes, a través del dialogo y la descripción, y en el contexto de una estructura dramática. Tal como Field lo plantea el guión cinematográfico es una historia creada desde la imaginación de cualquiera, este narra la historia de uno o mas personajes principales; a los cuales les ocurren diferentes situaciones, estas pueden transcurrir dentro de un mismo lugar o este puede ir cambiando según sea necesario. Todo guión tiene un objetivo ya se el de transmitir un mensaje claro u oculto en la película, o simplemente mostrase una historia para entretener y enseñar. El guión se basa en el sistema del dialogo, ya que esta es la manera mas común la que podemos comunicarnos de manera mas eficaz( cabe recalcar que no es la única manera las películas pueden ser mudas donde los diferentes gestos, movimientos o expresiones con el cuerpo toman el lugar que le corresponde a las palabras en el dialogo). El guión también consta de la descripción esta es la parte en donde se le cuenta la espectador que es lo esta viendo se describe el lugar o la situación a la cual es sometido el personaje o personajes, esta es de vital importancia ya que permite una mayor compresión de los hechos y permite desarrollar con mayor facilidad la historia. El guión esta constituido por diferentes escenas en las cuales se van formando diferentes planos y en las cuales no solo se trata de enfatizar una parte sino que también busca dar continuidad a la película. Para ejemplificar los conceptos se tomaran en cuenta: la película Slumdog Millionare (2008)esta se basa en la historia de Jamal un joven hindú el cual busca recuperar el amor de su vida y ganar al mismo tiempo el concurso de quien quiere ser millonario; además también la película Ciudad de Dios (2002) la cuál se sitúa en Brasil y narra la vida en la favelas así como la historia de Budapest y sus encuentros con el narcotráfico y guerra entre pandillas y para finalizar Okuribito (2008) la cual narra la historia de Daiko quien al perder su trabajo en la sinfónica decide volver a su tierra natal y reencontrarse con su pasada así como encontrar una profesión que le enseñara sobre la belleza e importancia de la vida y la muerte. Esto se puede ver en la película Slumdog Millionare (2008) ya que esta sigue un orden de tres partes así como el ordenamiento de diálogos, descripción de situaciones, etcétera ; no es muy diferente de la mayoría de la películas en este sentido, otro buen ejemplo de la utilización de un buen guión cinematográfico pero esta vez variando un poco el estilo que se utiliza es el que se uso en Ciudad de Dios (2002) se puede tomar como ejemplo la primera escena de la playa en la que se conoce el grupo de amigos del narrador ya que en esta se puede ver como un guión nos muestra las interacciones entre los personajes así como las partes en las que Buscape (el narrador) interactúa narrador y personaje, todo esto hace parte el guión y esto nos facilita sobre todo en esta escena a entender con mayor facilidad que esta sucediendo sobre todo en la mente de Buscape, esto hace que la película tome un curso natural de sucesos esta escena muestra la importancia del guión porque se muestra tanto la interacción entre los personajes como la participación del narrador entonces se aprecia como se desenvuelve un guión en su totalidad, las diferencias entre Ciudad de Dios (2002) y Slumdog Millionare (2008) con este es la utilización de un narrador en primera persona es decir alguien narra los hechos y esto lo mezclan con los diálogos; además de mantenerse alrededor de un mismo lugar el cual se va describiendo y desarrollando durante toda la película.
Parte 2
ResponderEliminarLa mayoría de los guiones buscan una conclusión o final del llamado “happy ending”, esto porque es el final que las persona en su mayoría buscan recibir luego de ver pasar por tantas situaciones difíciles al personaje principal. En el ámbito general del cine se mantiene la premisa de que siempre va a ser mejor un final feliz a uno triste además que siempre va a ser mejor una mala historia con un buen final, que lo contrario. Para ejemplificar el guión y el happy ending se puede tomar como referencia la película Slumdog Millionare (2008), la escena final de la película contiene perfectamente el happy ending ya que el personaje principal Jamal logra ganar el concurso además de conseguir reunirse, esta para siempre, con su “amor” de toda la vida Latika este es un ejemplo perfecto de los finales de “happy ending”, los cuales son los mas buscados en las películas en especia en el tipo de cine burgués-capitalista de Estados Unidos. El happy ending busca dar un final alegre a todas las situaciones difíciles tristes por las que pudo a ver pasado el o los personajes. De nuevo en la película Slumdog Millionare (2008) Jamal atraviesa por diferente situaciones durante toda la película por lo que se considera como un buen final el hecho de que sea recompensado por todo su sufrimiento.
Las películas también cuentan con diferente recursos para atraer y entretener de mejor manera a la audiencia esto con el objetivo de contar una historia de la mejor manera y de la forma mas eficiente, entre ellos están los efecto espaciales y los efectos de sonido. Los efectos especiales son aquellos elementos que se utilizan en el cine para generar situaciones, personajes, hechos o realidades diferentes a la verdadera.
• Efectos especiales
Los efectos especiales tienen sus inicios desde los inicios del cine mudo, estos se han desarrollado en gran parte por el interés humano hacia nuevas fronteras o diferentes realidades, así como el interés por criaturas o espectros que son inventos de nuestra imaginación pero nos producen intriga y nos incitan a buscarlos y tratar de conocerlos. Los efectos especiales han tenido cierto grado de abuso conforme el tiempo ha transcurrido, películas que se ha centrado solamente en estos elementos han hecho historia en el cine pero también han puesto en sobrevaloración a estos efectos. Los efectos especiales que la mayoría se limitan a conocer son las grandes explosiones, las animaciones de alienígenas, grandes robots, entre otros; son efectos pocos sutiles los cuales solo tiene el propósito de ser vistos y sorprender mas no juegan un papel importante a la hora de desarrollar en si la película, esto por supuesto tiene sus excepciones ya que todo es relativos a la historia y al guión. El uso de los efectos especiales es el de ayudar a la ambientación de una escena, parte o toda la película. Los efectos especiales pueden presentarse de diferentes maneras ya sea de una manera sutil con cortadas o algo por este estilo, o llegar a tener mas complejidad los cuales van desde creación de mundos hasta animación digital. Si tomamos como ejemplo a Eva (2011), específicamente la escena en la cual el gato robot pelea contra el robot sirviente nos podemos dar cuenta de como un efectos de animación se puede usar con tal sutileza que no solamente no cansa y no se usa solo para entretener, si no que además este presenta un papel en la historia que se esta contando y además también toma un rol en la historia y permite que esta se lleve a cabo con mayor fluidez. Podemos tomar como ejemplo (en Eva (2011)) la escena de las pruebas paral a creación del niño robot, esta es un gran ejemplo de los efectos especiales ya que por medio de la animación digital se ven como las partes del “cerebro” de este niño futuro además de que los efectos especiales también juegan un papel importante a la hora del manejo del niño robot, se debe recalcar la labor del actor en muchos de estos casos ya que no siempre el esta consciente de a quien le esta dirigiendo la palabra; es decir no siempre el acto esta en el mismo plano que los efectos.
Parte 3
ResponderEliminar• Pista de sonido
Estos efectos no son los únicos que se pueden encontrar, cabe retomar como ya mencionamos anteriormente otros efectos estos son los del sonido, ya que estos son el equivalente auditivos de los efectos especiales. Los efectos de sonido tienen como principal labor la de ambientar una escena, tanto con el dialogo que se esta dando como con sonidos pregrabados reales o música y diferentes ruidos. En estos efectos se encuentra la pista de sonido de la película, la cual es la que no solo se encarga de llevar toda esta gama de sonidos, sino que además busca una conexión adecuada entre la imagen y lo que suena. La pista de sonido tiene diferentes etapas antes de poder ser llevada a la imagen, algunos de estos son la grabación, masterización , edición, etc. Las pistas de sonido pueden ser grabadas en diferentes formatos dependiendo de lo que se requiera; así como los sistemas que se utilizan para su grabación y presentación. Las pistas de sonido son de gran importancia en las películas ya que sin ellas es probable que lo que se busca transmitir no se logre de manera completa ( a menos que este sea el objetivo desde el inicio del creador), podemos tomar como referencia Okuribito (2008), si detallamos la película nos daremos cuenta de la importancia de la música en esta película; se puede tomar la escena cuando Daigo toca de nuevo el violonchelo que tenia de niño la pista de sonido que se presenta ayuda a mostrar parte de lo que siente el personaje en este momento estas pistas de sonido buscan que profundicemos en lo que esta sintiendo en ese momento el personaje, las pistas buscan enseñarnos mas sobre el personaje así como mostrar o ambientar la escena en la que transcurre esto, la pista que se escucha en esta escena muestra su relación con su familia; esto se sabe por la relación música-imagen que se va viendo. También podemos ver en la escena del funeral de la señora de los baño la pista es de tipo fúnebre con sonidos de llanto por parte de los familiares, pero de la misma manera se usa para expresar parte de lo que no se dice, además la pista conforme avanza comienza a tornarse en una pista mas alegre, esto conforme Daiko prepara el cadáver de la señora, esto con la intención de mostrar el mensaje de esta escena; la pista se relaciona con la imagen e interactúan entre ellas buscando ampliar el conocimiento parcial que se tiene sobre lo que esta sucediendo.
• Diferencias cine arte y cine nortemaricano
Se menciono la definición de guión, se hablo sobre los efectos especiales así como de la pista de sonido y como se muestran en diferentes películas, todos estos son elementos que componen al cine mundial, entonces porque se da una mayor importancia al cine norteamericano sobre el resto o sobre el cine arte. El cine norteamericano desde sus inicios se ha basado bajo la ideología burguesa de la maximización de las ventas por esta razón es que las películas norteamericanas se enfocan hacia temas que se han de agrado permanente par alas personas es decir, buscan temas que nunca dejen de vender como es el caso de una película de terror o de aventura o una comedia, lo especial sobre estas películas es la relación constante con el happy ending y así con un desarrollo tecnológico.
Parte 4
ResponderEliminarEl cine arte por otro lado se ha enfocado no solo a la venta sino al progreso y este busca conforme el tiempo innovar y mostrar nuevas tendencias cinematográficas; el cine arte se enfoca en mostrar una historia, al igual que el norteamericano, pero de tal manera que esta adentra al espectador al mundo que es narrado en ella. La toma de planos, la edición y la pista de sonido en el cine arte se hacen con extrema delicadeza ya que cada parte es esencial para mantener el enfoque que la película requiere; a diferencia de las películas norteamericanas donde no son de gran importancia ya que el objetivo primordial es vender por lo que si se denota muchas de estas como pistas de sonido llevan canciones “populares” o diálogos simples. Podemos también observar las diferencias entre los efectos especiales que se usan en una película arte y una norteamericana, la norteamericana se enfoca a las explosiones y al exceso de efectos para llamar la atención de la audiencia por le contrario del cine arte el cual utiliza de manera sutil y moderada estos efectos para no llenar la película solo con estos, sino que permita que la historia gire entorno a los personajes y sus historias. Estas diferencias también llegan al guión el cual en el cine arte es escrito de tal manera que entretenga pero de una manera distinta ya que en el cine arte el objetivo es el de introducir al espectador en la película, es decir hacerlo sentir parte de la historia para atraparlo con la trama y de esta manera mostrar la historia en toda su amplitud; esto no esta presente en el cine norteamericano el cual normalmente mantiene una historia sencilla y básica que tiene como objetivo principal el de únicamente entretener pero no impulsa alguna otra reacción con la película, simplemente el guión es hecho para vender y los demás objetivos que se podrían buscar explotar pasan a un tercer plano esto porque estos “objetivos” no podrían ser explotados de la misma manera. Estas diferencias se pueden apreciar aun mas en películas como Ciudad de Dios (2002), por ejemplo la escena de la ultima batalla entre Zanahoria, Manuel y Ze Pequeño en esta escena se ve como se busca dar un objetivo a la historia además muestra como no es de gran importancia un “happy ending”, esto se ve porque el final es mas trágico que feliz para la mayoría del os personajes porque en esta escena capturan tanto a Zanahoria como a Ze y muere Manuel, además de mostrar la realidad de la corrupción que se vive en la favelas; en esta escena las pistas de sonido que hay son de diálogos y sonidos de “guerra” entre ambos bandos y se ven los efectos esenciales de las muerte y los disparos todo esto en una gran elaboración y cuidado, para transmitir el objetivo de la película, en esta escena, así como durante toda la película se puede observar como no el objetivo principal no es el monetario si no el desarrollo y creación de una película de alto nivel y presentación.
Bibliografía
martinez salanova, E. (n.d.). El guión cinematográfico. Adquirido de http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/guionquees.htm
Cine comercial vs. cine independiente. (n.d.). THE CULT - Ciencia, Arte, Tercera Cultura. Adquirido Septiembre 5, 2012, del sitio http://www.thecult.es/Peliculas/cine-comercial-vs-cine-independiente.html
Presentación efectos especiales en el cine. Upload & Share PowerPoint
presentations and documents. Adquirido Septiembre 5, 2012, de http://www.slideshare.net/ari27arias/presentacion-efectos-especiales-en-el-cine
Filmosofía: Guión Cinematográfico.. (n.d.). Filmosofia. Adquirido Septiembre 5, 2012, de http://filmosofiatv.blogspot.com/2009/06/guion-cinematografico.ht
• Páginas consultadas adicionalmente:
http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque9/pag10.html
http://www.elespectadorimaginario.com/pages/abril-2009/investigamos/efectos-especiales.php
http://efectosespecialescinespaniol.blogspot.com/
http://www.felinorama.com/univ/tv/campus/temas/Sonido_cine.pdf
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ResponderEliminarParte I
ResponderEliminarCrítica técnica: Eva (2011)
1. Pista de sonido cinematográfica
En un inicio el cine era mudo, es decir, no tenía diálogos, y en caso de que fuera necesario un diálogo para la compresión del tema, este se incluía de forma escrita. Esto se debía la ausencia de recursos para realizar una grabación de audio. Sin embargo, muchos de estás obras de cine eran acompañadas por una serie de músicos que tocaban mientras se transmitía la película. Las primeras películas que se lograron transmitir con sonido (grabado anteriormente y siendo reproducido en ese momento) fue la película “Don Juan” y “El cantante de Jazz” que utilizaron tecnología impulsada por Edison.
Una pista de sonido cinematográfica se compone de todos los sonidos (ruidos, voz, silencio, música, efectos) que forman parte de una obra de cine, desde el sonido más simple que represente un movimiento, hasta el más complejo como el de una explosión o un sonido musical añadido con el fin de facilitar la comprensión de lo que está sucediendo o de capturar a el observador y envolverlo en lo que se proyecta en las imágenes.
Los sonidos pueden ser grabados de forma directa, es decir, se captan todos los sonidos que estén en el ambiente en el momento de la grabación. El problema en este tipo de captura de sonido, es que en muchas ocasiones se obtienen ruidos que no deberían existir en la grabación o que no tienen relación con el objetivo de la escena.
También el sonido se puede grabar separado a la captura del video, es muy usado ya que se eliminan las interferencias o sonidos no deseados y se abre la posibilidad de jugar con lo que se quiere transmitir finalmente. La tecnología actualmente permite que este mecanismo funcione de una manera óptima, ya que se pueden alargar los sonidos y manipularlos de modo tal que se vean sincronizados a la perfección con lo que se proyecta en la imagen y que de igual manera sean realistas.
En la película Eva, en la escena en la que Alex y su hermano David tienen una pelea después de la fiesta de graduados, se logra apreciar auditivamente el momento en el que caen en la nieve, los golpes, los movimientos e incluso sus respiraciones, haciendo la escena mas realista, inclusive cuando la cámara se aleja y el sonido se escucha lejano. Además se omite cualquier tipo de interferencia para envolver más al espectador.
Igualmente cuando Alex le muestra a Eva como se hace el cerebro del robot y como se crea la memoria del mismo. En esta escena se incluye además de las voces de los personajes, una pista musical de fondo y de efectos como el del procesador y el sonido de cuando Alex le envía el cerebro al robot que está en la silla y este empieza a funcionar. Estos sonidos funcionan todos paralelamente pero sin causar distorsiones o sonidos molestos, todo gracias al trabajo de ingenieros especializados en sonido que lo editan y lo hacen funcionar en sincronía con lo que muestran las imágenes.
Parte II
ResponderEliminar2. Guion cinematográfico, “happy end”.
Para la correcta realización de una producción cinematográfica, es necesaria la elaboración de un manual para poder fijar un rumbo. Para esto existen los guiones cinematográficos. Estos son documentos escritos que incluyen detalles de que se quiere lograr en las diferentes escenas.
La información que incluyen los guiones es para uso de actores, productores e ingenieros, ya que incluye detalles de la ambientación que debe tener una escena, las emociones que debe contener, los diálogos y todo lo necesario para que se logre entender el mensaje por todas las partes.
El concepto de “happy end” es muy conocido ya que en la mayoría de películas de Hollywood (principalmente) el guion está enfocado a esto. El happy end consiste en la típica pareja que se conoce, se enamora, se separa y termina de nuevo como pareja y felices por siempre.
Un ejemplo claro del conocido happy end, aunque fuera de Hollywood, es en la película de “Quien quiere ser millonario”. La pareja se conoce después de que tienen que salir huyendo del pueblo donde vivían y Latika estaba en medio de la lluvia, por lo que Jamal decide invitarla a que se quede junto a él y a su hermano en un lugar con techo a pesar de la negación de Salim, posterior a esto, se enamoran con todo lo que les sucede y con lo que van pasando. Los 3 niños luego son recogidos de un basurero y son llevados a un lugar donde los explotan a cambio de comida y techo, y cuando Salim y Jamal huyen, dejan sin querer a Latika, y aquí es donde se da la separación. Al final, Jamal encuentra de nuevo a Latika y a su hermano (del cual se había separado anteriormente) y empieza a luchar por liberar a Latika de un hombre malvado con el que ella está casada. En su primer intento falla y se llevan a Latika a un lugar desconocido por Jamal, por lo que decide participar en el concurso de Quien quiere ser millonario, ya que Latika siempre veía el programa; Salim cuando ve el programa junto con Latika la ayuda a escapar para que ella pueda reunirse con Jamal y finalmente, después de que Jamal ganó el premio mayor en el concurso, se rencontró con su amada de la infancia.
Por lo contrario, en la película Eva no se da este final feliz esperado, probablemente si se buscara tener el final feliz sería así: Alex se hubiera quedado con Eva y con Lana ya que era su proyecto inicial sobre la inteligencia artificial y su enamorada, o al menos se hubiera quedad con Eva al final de la muerte de Lana, pero opuesto a esto, después de una pelea entre Eva y Lana, Lana termina cayendo de una montaña y muere en el accidente; esto hizo que la encargada del proyecto de Eva fuera hasta Alex a decirle que era necesario descontinuar a Eva porque no cumplía con las medidas de seguridad. Esto hizo que Alex tuviera que apagar a Eva, quedando su hermano sin esposa y sin hija, y el sin su enamorada y sin el proyecto.
Parte III
ResponderEliminar3. Cine comercial norteamericano, diferencia técnica con cine como séptimo arte.
El cine es considerado séptimo arte (partiendo de las 6 bellas artes antiguas). Este involucra mucho trabajo para poder brindar comunicar un mensaje artístico, sin importar el margen de utilidad que haya entre las ventas de la película y los costos de producción, que debido a la calidad buscada, son elevados. En este tipo de cine se trabaja con mejores guiones, ediciones, actores y demás aspectos importantes a tomar en cuenta en la realización de una producción cinematográfica.
Sin embargo, al igual que las otras artes, el cine ha caído en la búsqueda de lucro por parte de los productores. Estos realizan producciones menos elaboradas, con menor trabajo técnico y de menor calidad y esto con el fin de minimizar los gastos y lograr obtener una utilidad más elevada. Este tipo de cine enfocado más en el comercio que en la expresión artística, es justamente el cine por el que estamos siendo bombardeados, especialmente por las casas productoras de los Estados Unidos que generalmente nos ofrecen las mismas historias sin fundamentos y exageradas que no aportan nada a la sociedad, o el típico happy end, variando por muy poco el guion entre una película y otra.
Ejemplificando un poco el cine comercial y el cine arte, podríamos comparar una película que ha dado a sus productores grandes cantidades de ingresos, “Twilight”, esta película es una burla al séptimo arte. Es enfocada totalmente a capturar un publico femenino adolescente e inflar las ventas, sin embargo, el guion es absurdo, los efectos especiales, la ambientación, la pista de sonido y en general, la producción, le da a su publico meta justamente lo que quieren ver, un felices por siempre. Por todo lo contrario la producción española, “Eva”, da un giro inesperado, no es la típica historia del happy end, tiene un trabajo técnico muy delicado, cada efecto y cada sonido están estratégicamente colocados, de manera casi armónica y es claramente notorio que no busca un enfoque únicamente comercial, sino más bien artístico.
Parte IV
ResponderEliminar4. Efectos especiales: uso y abuso.
Los efectos especiales se pueden definir como la manipulación que se le da a la imagen o al sonido de una producción con el fin de darle una apariencia más realista y creíble al espectador, y con el fin de ser mas atrayente. Este trabajo es posible gracias a la tecnología y al trabajo de ingenieros especializados en imagen o en sonido.
Actualmente, se podría decir que no hay producción de cine existente sin efectos especiales, ya que son utilizados para poder realizar escenas que son imposibles de lograr sin ellos o que producirlo sin los efectos, tendrían un costo muy elevado; o bien, para mejorar una escena existente para hacerla de la mejor calidad posible.
En la película “Eva” se encuentran notoriamente efectos especiales como los de los robots, sus movimientos y los sonidos que producen, por ejemplo, en la escena en la que Eva llega por primera vez a la casa de Alex y se encuentra al gato creado por Alex, los sonidos robóticos que produce el gato y los movimientos que realiza; también se ve más adelante cuando le muestra la creación de la inteligencia artificial del robot y los factores del carácter del mismo, estos objetos que aparecen de color dorado suspendidos en el aire, que Alex comprime y envía a el robot sentado en una silla y la reacción del robot al recibir el cerebro artificial, incluyendo los sonidos que se producen por estos factores, son efectos claros efectos especiales.
Bibliografía
Chaves, C. (2011). Cine comercial versus cine arte. Retrieved 08/09, 2012, Consultado en http://labutacadecine.blogspot.com/2009/06/cine-comercial-versus-cine-arte.html
Domínguez López, J. J. (2011). Tecnología del sonido cinematográfico. España: Dykinson.
Efectos especiales en cine. (2005). Retrieved 08/09, 2012, consultado en http://www.claqueta.es/articulos/efectos-especiales-en-el-cine.html
Gobierno de España, Ministerio de Educación. (2008). Media - cine. Retrieved 08/09, 2012, consultado en http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/
Martínez, E. y Sánchez, S.El guion y sus tipos. Retrieved 10/09, 2012, consultado en http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/guionquees.htm
Snyder, J. (2009). Cine de arte vs cine comercial. Retrieved 07/09, 2012, consultado en http://www.revistacomala.com/cineartevscinecomercial.html
Parte I
ResponderEliminarCritica Cinematográfica
1.Efectos especiales. Uso y abuso
Los efectos especiales con muy comunes hoy en día en la industria cinematográfica, de hecho se usa un personal humano altamente calificado para tener los resultados que vemos en la actualidad.
En general los efectos especiales son un conjunto de técnicas con las cuales se busca darnos una visión fantástica de la realidad, haciendo que por unos minutos podamos vivir en un mundo lleno de fantasía.
Pero la mayoría pensaría al escuchar dicho concepto como algo que solo los ojos captaran, ósea un efecto meramente visual, pues lo cierto es que no es así, los efectos visuales también se presentan como la acción de sonidos fantásticos, y como fue dicho anteriormente las personas encargadas de dicho trabajo son especialistas en esa área, tanto la ciencia como los avances tecnológicos respaldan las horas para crear los efectos, con esto se busca desvanecer la frase “eso es un truco” que es dicha por los espectadores menos informados.
A lo largo de los años se pueden nombrar muchas películas cuyos efectos especiales fueron pioneros y antecesores de lo que es hoy el cine, tal es el caso de “King Kong” (1993) o para algunos mas reciente el caso de “La Guerra de las Galaxias” (1977) la cual causa toda una moda entre los fans, y el publico en general.
Por otro lado también podemos ver la contraparte del uso de dichos efectos, y esto es el abuso en la utilización de éstos, para muchos críticos de cine un caso de abuso se dio en la película Transformers (2007) ya que por momentos durante las escenas de lucha ni siquiera se entendía lo que estaba pasando, muy distinto los robots diseñados para la película Eva (2011).
Parte II
ResponderEliminar2.Concepto de guión cinematográfico y en específico concepto de happy end
El guión cinematográfico es en esencia el relato escrito que luego se vera en imágenes durante la película. Se podría decir que es el borrador de lo que será la película, pero claro no se puede perder de vista que cada escena escrita será montada, filmada y fotografiada para ser vista como un producto final.
Un dato curioso es que un buen guión no indica que al trasladarlo a la película se obtendrá algo del mismo valor, por lo tanto un buen guión no implica una buena película; pero sin un buen guión no puede haber una buena película.
Entre las características del guión cinematográfico esta el hecho que éste tiene que ser directo, y con un lenguaje sencillo, por lo tampoco no es necesario la utilización de un lenguaje técnico ni literario, en este tipo de trabajos predominan las acciones de los personajes y los diálogos.
Es interesante el uso de flashbacks en las películas esto nos dice que el guión no necesariamente debe de ser escrito en una secuencia lineal de tiempo, un ejemplo claro de esto se da con los recuerdos que tienen los personajes en las películas, tal es el caso de Slumdog Millionaire (2008) en el cual casi toda la secuencia se da con recuerdos del pasado.
Ahora bien un concepto muy conocido en el cine es el “Happy end”, esto se refiere al final feliz en una película, para muchos, comportamiento típico del cine comercial estadounidense. Hace falta aclarar que no todos los finales de este tipo se refieren a una mala película, tal es el caso nuevamente de Slumdog Millionaire con un happy end magnifico, pero talvez el mal uso de esta técnica se debe a que siempre hemos sido bombardeados con los finales feliz de películas tales como Superman, o cualquier otro rodaje de superhéroes en los cuales el “bueno” mata al “malo” y vive con la actriz principal, siempre buscando tener ese final que le deje un sabor dulce a la película.
Claro no es necesario un buen final para una buena película, como fue dicho antes el guión de final feliz no hace una película grandiosa, talvez aquí se podría citar la película Okuribitu (2008) en la cual el padre del protagonista muere y ahí se da un termino al filme.
Parte III
ResponderEliminar3.Concepto de género en cine y específico diferencias entre cine documental, testimonial y realista.
El concepto de género en cine se refiere a las categorías temáticas con las cuales se clasifica una película, un ejemplo de hecho es el cine, romántico, cómico, etc. Pero en resumen el género sirve para etiquetar los contenidos de un filme.
Para clasificar el genero de una película se deben analizar los patrones del guión, la historia, y de hecho la selección de los actores y actrices, tal cual sucede en la actualidad, ya que muchos actores profesionales ya tienen bien definido en cual genero se acoplan mejor, por otro lado el publico también tiene una gran influencia en los roles que desarrollan dichos profesionales del cine.
Ahora bien, tenemos 3 géneros de cine en particular, el cine documental, testimonial y realista, primeramente del cine documental podemos decir que se basa en historia, narrativas de particulares o colectivas, además éste contiene un sentido de objetividad muy algo ya que en el caso de historias colectivas se puede mantener un “filtro de verdad” con el cual se mantiene un digno y fiel archivo de importancia cultural e histórica. También se dice que este tipo de cine es meramente didáctico lo cual tiene mucho sentido ya que lo que se busca es un medio informativo de cada una de las historias que las películas de este género nos transmiten.
En segundo lugar se tiene el cine testimonial, su mismo nombre lo dice, se basa en experiencias vividas por particulares, a diferencia del cine documental, el cine testimonial es mas subjetivo ya que al basarse en testimonios se depende mucho del punto de vista del locutor. Pero de igual manera es un medio informativo importante.
Un punto importante de cine testimonial es que relata la vida tal y como la viven las personas, desde su propia vida, de hecho es de gran importancia para la difusión de quejas, un ejemplo claro y común en la actualidad son los problemas políticos y como el cine da paso a la libre expresión.
También se tiene el genero de cine realista, en este se trata de expresar la realidad que se vive en el mundo, en la vida cotidiana de las personas, la cruda realidad del mundo, tal es el caso de la escena del lugar donde vive la familia de Jamal en Slumdog Millionaire(2008).
Parte IV
ResponderEliminar4.Cine norteamericano comercial vrs cine arte
Es interesante ver como Hollywood comercializo el cine estadounidense de una manera increíble, ahora muchas de las marcas de ropa, comidas y otros productos son patrocinadas en las películas, talvez de una manera sutil o tan simple como un gran letrero de comidas rápidas, pero se dice que a medida que este cine comercial creció también lo hizo el cine arte, ese otro cine que cautiva pero que para los países tercermundistas sigue siendo “bueno” mientras que películas como Spiderman son “excelentes” para ellos.
Y es que esta presión que ejerce el cine de Hollywood es tan fuerte que nos transforma de pies de a cabeza, desde lo que comemos hasta como vestimos e incluso la forma de hablar, no cabe duda que es un gran negocio producir una película no tan técnica pero con un boom comercial tremendo. El problema quizás radica en que se nos enseña desde pequeños a que Estados unidos debe de ser respetado y que todo lo que venga de ellos es bueno, claro con el tiempo algunos ven la realidad detrás de esa mentira.
Pero talvez cualquier persona notaria las grandes diferencias entre el cine comercial del norte del continente y el resto, el otro 90% de cine mundial. Y es que a pesar de que los presupuestos del cine arte son relativamente bajos en comparación con cualquier otra película de Hollywood no cabe duda que realizan un trabajo técnico muy por encima de este segundo. De hecho hay cortometrajes con una calidad técnica infinidad de veces mejor que cualquier película comercial estadounidense. Por ejemplo en la película Eva(2011) en la cual se armaban las emociones y en general la forma de ser de los robots, se puede notar un trabajo técnico con una calidad tremenda, sin necesidad de hacer como antes fue mencionado un abuso de los efectos especiales, o por otro lado en la película Okuribitu (2008) la intensidad de los actores con la cual celebraban el rito de despedida de los muertos, uno simplemente se queda pensando en una escena tan fuerte emocionalmente en alguna de las típicas películas estadounidenses enfocadas en ganar dinero y dejando muy de lado la intensidad y los detalles técnicos que finalmente crean la gran diferencia entre el comercio y el arte.
Referencias Bibliográficas
Gobierno de España, (2008). Guión cinematográfico. Extraído el 10 de septiembre de 2012 desde http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque9/pag1.html
Javier Campo, Cine documental. Extraído el 10 de septiembre de 2012 desde http://www.cinedocumental.com.ar/sitio/
Mgar. Cine estadounidense comercial vrs cine arte. Extraído el 11 de septiembre de 2012 desde http://www.mgar.net/cine/var/industri.htm
La butaca de cine, (2009). Cine comercial vrs cine arte. Extraído el 11 de septiembre de 2012 desde http://labutacadecine.blogspot.com/2009/06/cine-comercial-versus-cine-arte.html
Enrique Martínez-Salanova Sánchez. Guión cinematográfico. Extraído el 11 de septiembre de 2012 desde http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/guionquees.htm
Gobierno de España, (2008).Genero de cine. Extraído el 12 de septiembre de 2012 desde
http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque4/pag1.html
Profesionales digitales (2012). Efectos especiales. Extraído el 12 de septiembre de 2012 desde http://www.profesionalesdigitales.es/profesionales/blogs/node/2585
Parte I
ResponderEliminarEfectos especiales: ¿Cuando son especiales?
Los efectos especiales pueden ser definidos como el grupo de técnicas que se utilizan para darle apariencia realista a algo que no está presente en la grabación y se clasifican principalmente en efectos visuales y efectos de sonido. Ellos han tenido una estrecha relación con la tecnología disponible para realizarlos, donde se aprovecha cada innovación para crear algo nuevo.
La película “El Colombian Dream” (2006) es una producción ejemplar con personajes realistas y buenas actuaciones, pero también posee buenos efectos especiales, los cuales van a ser el enfoque de este análisis. Hay una escena en que Rosita, Enriquito y Pepe se incorporan oficialmente en el negocio de las “pepitas”, les dan la paga adelantada y se van de compras. Además de ir acompañada de una buena canción, parte de una gran banda sonora, el efecto óptico que hacen con los colores hace a la escena memorable. Aquí la escena es grabada en 16 mm, por lo que hay menos nitidez, pero esto permite un mejor efecto al introducir o modificar enormemente los colores para darle la apariencia que hace referencia al negocio de las drogas alucinógenas en que se metieron los protagonistas. Disminuyen muchos colores y resaltan colores como rojo, amarillo y azul, los cuales representan la bandera colombiana. En general la película da un buen uso de los efectos y logran sorprender. Aquí son utilizados para dar realismo, pero también logran transmitir la emoción de la película. En general en este film se utilizan muchos tipos distintos de efectos especiales, donde parece que la razón de utilizarlos es simplemente porque se puede.
Hay un abuso de efectos especiales cuando dichos efectos son lo único que la película ofrece al espectador. Muchos de los ejemplos son películas comerciales recientes, donde se puede mencionar Transformers.
La trilogía de películas de Transformers fue una gran expectativa para los seguidores de las series animadas (al menos inicialmente), con animaciones impresionantes pero tenía una actuación que sólo estaba para abrir paso a las explosiones e hizo que el recurso de efecto especial fuera tedioso. El director de estas películas, Michael Bay, incluso es parodiado por su uso frecuente de explosiones, aludiendo al abuso de efectos especiales.
Parte 2
ResponderEliminarGuión cinematográfico y concepto de happy ending
El guión es el relato de la historia que se quiere expresar en la película. En él salen los diálogos de los personajes, las acciones, secuencias, partes que deben ser agregadas en post-grabación, entre otros. Debe tener una descripción completa de lo que sucede en el filme. El guión puede ser una adaptación de una obra, novela o un evento de la vida real, al igual que ser creado para la película.
Se conoce como “happy end” (final feliz) a la estructura usual de las películas, donde primero se introducen los personajes, luego o simultáneamente la trama de la película y se llega al desenlace de la donde el o los protagonistas logran resolver el conflicto que se desarrolla desde el inicio de la película. Es prácticamente indispensable en el cine comercial hollywoodense, al ser el tipo de final que la audiencia espera. Incluso cuando la situación no se resuelve en la película, o los malos “ganan”, la película continúa con una secuela, trilogía o saga (Guerra de las Galaxias, Harry Potter, Señor de los Anillos, entre muchos), donde la crisis finalmente culmina y todos viven en paz. En el cine arte también ocurre, pero usualmente se trata de evitar un final predecible, como en Slumdog Millionaire (2008), donde se mantiene incierto el destino que tendrán el protagonista Jamal (Dev Patel) y Latika (Freida Pinto). Este final puede ser representado por la frase “el bien triunfa sobre el mal”. Además, si es un protagonista, este conoce a alguien que será la pareja al final de la película donde vivirán juntos y felices.
En el cine arte es más común la ruptura del happy end, como en la película “Una Separación” (2011), donde se puede decir que el final es inconcluso y la audiencia se queda con las ganas de saber cómo se resuelven los problemas legales entre las dos familias.
Parte 3
ResponderEliminarPista de sonido Cinematográfica
La pista de sonido es el conjunto de los tipos de sonidos presentes en una película. Existen 4 tipos principales de sonidos cinematográficos: La palabra, proveniente del diálogo entre los intérpretes que lo hablan. La música, que usualmente acompaña las imágenes. Puede ser el tema musical de un personaje, música de fondo, como por ejemplo en Trainspotting (1996) donde es un reflejo de la cultura representada en la película. El silencio también es un elemento de la pista de sonido, ya que puede condicionar una determinada situación, posiblemente dramática.
El sonido real es el compuesto por todos los sonidos producidos por aquellos objetos y personas que son capturados en la pantalla. El sonido real puede ser sincrónico cuando a la vez que vemos una imagen oímos los sonidos que produce. También puede ser asincrónico, donde puede provenir de algo fuera de cámara. Este efecto de sonido es notable en “El Colombian Dream”, donde se oye diálogo que no está en sincronización con la vocalización del personaje. Este es un efecto discreto pero que logra llamar la atención del espectador.
La película Okuribitu (2008) es una en la cual la música es protagonista de la banda sonora, junto con el diálogo. Esto es por la historia del protagonista Daigo, que es un hombre que pierde su trabajo de tocar el violoncelo en una orquesta. La música creada con este instrumento aparece a través de todo el film, donde las canciones ayudan a transmitir el tono y las emociones de las escenas, donde se recurre menos al diálogo.
Crítica Cinematográfica
ResponderEliminarParte I
Concepto de género en cine
Funciona para comunicarle al público una expectativa de la película. Tomando en consideración el tratamiento que se le da ósea la estructura, según la edad del público para la cual es dirigida, el guión entre otros. “Cada cinematografía se ha servido de los géneros que mejor la representan” (Costa, 1986, p.115). Según esto aun así existen producciones cinematográficas que por su falta de secuencia lógica no se pueden agrupar con cierto tipo. Algunas clasificaciones pueden ser la epopeya, el film de guerra, el “Western”, la tragedia (drama y melodrama), la comedia, lo burlesco, el documental, el poema y el dibujo animado tomando como eje el contenido implícito y el estilo según Henri y Genevière donde excluyen a la película de historia o biográfica y la de tesis como géneros autónomos; la primera porque cuenta algo pasado y al ser traicionada por ser interpretada con actores contemporáneos a esta y la segunda ya que es utilizada para reproducir un hecho científico restándole creatividad (1965). El documental toma su atención en las imágenes y sonidos que tienen un nacimiento de la realidad. En la creación de estos los estudios y un alto presupuesto no juegan un papel importante sino la forma en que el documentalista expone su idea al público ligado a una realidad. El testimonial es creado a base valga la redundancia de testimonios pero no en forma directa sino como una interpretación de estos por parte del director. Los testimonios no son objetivos por el contrario interfiere el sujeto fue para este el suceso donde son verdaderos entendiéndose en este, como menciona Carvajal citando a Bayón son relatos individuales que varían de forma y contenido (2008). A pesar de esto cuando se termina la producción esta tiene características universales. El realista presenta los acontecimientos de índole social que parten de una situación verdadera.
Concepto de Guión cinematográfico
El guión literario es donde se narra se forma organizada la historia de la película con diálogos y acción, se utiliza un lenguaje cinematográfico pero no técnico. Cuando el guionista está realizando este debe tomar en cuenta que no puede poner acciones que no se van a realizar en la producción, debe omitir expresiones como por ejemplo “La llegada de Amelia causo mucha felicidad” y cambiarlas por una acción que de este sentimiento. Se parte del punto de la imagen para crear la narración, donde todo debidamente justificado. Esta demás anotaciones como exclama, como este personaje dice, entre otras. Con una rápida introducción de los personajes, aumentando el interés de los espectadores conforme avance la trama. El ritmo de la acción se debe mantener en todo tiempo no puede decaer para evitar que la atención del público se pierda en los lapsos si se disminuyera. En algunas ocasiones se utiliza un final no esperado pero este no resulta muy conveniente puesto que en la trama se va desenvolviendo de tal forma para llegar a un punto de concordancia de cierre. El tiempo con respecto al guión se debe marcar de tal forma que sea percibido por medio de la imagen nunca se debe marcar mediante letreros, relojes o en algunos casos el uso de calendarios se considera un método simple y sencillo. El sistema que se usa para presentar un guión es el de dos columnas verticales donde en la izquierda se describe la acción o la imagen visual y en la derecha la imagen sonora (Gutiérrez, 1978). El guión técnico es el cual el director escribe con todas las especificaciones de para el editor, camarógrafo, escenógrafo, jefe de producción y director musical. Es como un plano de los aspectos técnicos de la película.
El concepto de “happy ending” mayormente utilizado en producciones de propaganda donde el objetivo es hacer que el público se identifique, que adopte cierta ideología por ejemplo en el final de la película Slumdog Millionaire donde en la escena final se cierra con un beso de los protagonistas en contraste con EVA producción donde se cierra cuando Álex desconecta a la pequeña robot.
Parte II
ResponderEliminarPista de sonido cinematográfica
El sonido puede presentar se con sincronismo ya sea objeto directo (con la fuente sonara fuera del campo pero dentro del cuadro por contacto) o subjetivo (cuando es requerido por un elemento de la imagen que no está presenta materialmente solo recordada) donde es necesitado por elementos que están en la imagen visual o asincronismo puede ser objetivo (cuando se necesita por una acción y no por el elemento) y subjetivo ( cuando no tiene una relación directa o indirecta con alguna acción pero se encuentra relacionada con este) el cual es ocupado por elementos no presentes. (Gutiérrez, 1978). Los sistemas de sonido pueden ser de dos clases analógicos y digitales. Dentro de los digitales podemos encontrar tres sistemas diferentes: DTS, dolby digital y SDDS. Los analógicos se encuentran de abajo del lente al contrario de los digitales. Se basa en principios de óptica y magnética. La más fácil de encontrar es la primera donde una línea es gravada a un lado de la producción cinematográfica, el grosor de esta se encuentra en relación directa con el sonido. El sistema dolby digital utilizado en “Okuribito” muy utilizadas las pistas de sonido en todo la producción desde donde toca el instrumento hasta donde están escuchando la música favorita de su padre así sucede hasta el final, forma parte fundamental de esta; como punto de partida toma las señales de audio con cuatro bandas donde cuando llega el sonido se amplifica para que supere el ruido ambiental. El DTS conlleva un código esencial óptico de tiempo con la producción.
Parte III
ResponderEliminarTomas y planos
Se entiende como plano al tamaño de espacio que necesita un objeto o un personaje encuadrado de la cámara. Según Gutiérrez depende de tres factores: el tamaño real de figura, distancia real entre figuras y cámara y de la longitud focal del objetivo que se utiliza. Se distinguen diferentes campos y planos: C.L.L. (campo larguísimo) que son fondos con exteriores con una visión lejana, C.L. (campo largo) donde la figura de la persona está a más de treinta metros de la cámara, C.T. (campo total) es el plano con más cercanía conteniendo la totalidad de personas, C.M. o M.C.L. (campo medio o campo medio largo) el personaje no se encuentra a más de treinta metros de la cámara pero sin que se le vean los pies y la cabeza tocar con los márgenes superiores e inferiores del encuadre, F.E. (figura entera) la figura toca con los pies la parte inferior del cuadro con una distancia donde están las rodillas, P.M.,M.P.P., M.F. (plano medio, medio primer plano o media figura) el actor es cortado hasta el busto, P.P. (primer plano) cortando la figura a la distancia del pecho, P.P.P. (primerísimo plano) solo aparece la cabeza del actor. DET. (detalle) se agranda un objeto o parte del ser humano para que utilice toda la pantalla, PART. (particular) igual que la anterior aplicada a una acción (1978). Por ejemplo cuando al principio de la película EVA, Álex va en el carro con su hermano por primera vez es un plano medio. Luego cuando esta con Julia viendo el cuerpo del pequeño robot y ella le dice para que lo ha llamado, él le pregunta porque yo y ella le contesta que no le va a mentir hacen una plano primerísimo. En la escena cuando Álex se encuentra bailando con Lana hacen una toma detalle cuando agrandan la imagen proyectada del toca discos. Luego cuando salen a buscar a David y Lana sale corriendo se logra una toma de campo total (de Álex y Lana). Cuando Álex se encuentra sentado en el sofá de su casa empezando a fumar después de enterarse de la realidad de Eva se hace un plano de este de figura entera.
Bibliografía:
Carvajal, A. (2008). El cine como memoria y representación. Comentario al film “La tienda de la calle mayor”. Recuperado de http://scholar.googleusercontent.com/scholar?q=cache:Y6dbumjcY3QJ:scholar.google.com/+Cine+testimonial&hl=es&as_sdt=1,5&as_vis=1
Costa, A. (1986). Saber ver el cine. Editorial Paidós. Barcelona, España.
Gutiérrez, L. (1978). Narrativa fílmica, teoría y técnica del guión cinematográfico. Editorial Piramides. Madrid, España.
Henri, Geneviene, A. (1958). Manual de iniciación cinematográfica. Editorial Rialp. Madrid, España.
Los sistemas de sonido digital en los cines. (s.f.) recuperado de http://www.electronica-basica.com/sonido-peliculas.html
Parte I
ResponderEliminarEdición cinematográfica, concepto general y ejemplos.
La edición o montaje forma parte de la última fase en la fabricación de películas y programas de tv, en la fase de postproducción. Montar una película es construirla a partir de un material, el celuloide en que ha sido rodada, para un público de espectadores en los que se persigue una serie de efectos determinados: interés, risa, miedo, emoción etc. Generalmente las películas y las series de televisión se hacen de la siguiente manera: se rodaban las secuencias (generalmente en 35 mm.) se montaba la película, se añade el sonido, se insertaban los títulos y créditos y finalmente se exhiben.
Existen varias películas con un gran trabajo de edición. Un ejemplo que podemos citar es el de la película japonesa Okuribito, más específicamente la escena en la que el personaje Daigo Kobayashi (interpretado por el actor Masahiro Motoki) toca el chelo en el campo dando a la escena mucha fuerza por el momento de la película y en la forma en que la presentan. No se trata únicamente de ponerlas en orden sino de colocar la escena en el momento correcto para lograr un efecto en el espectador, ya sea miedo, acción, suspenso, incertidumbre o simplemente conmovernos. Claro ejemplo es la escena descrita anteriormente, no nos muestra a un tipo cualquiera que toca el chelo en medio del campo, sino una persona que a pesar de las fuertes dificultades y cambios que venían ocurriendo en su vida, logra superarlas y alcanza un punto en su vida donde se auto descubre, revive el cariño que le tenía al instrumento que tocaba desde niño y aprende a amar su trabajo. Como se puede ver la complejidad e intensidad de una escena puede ser abrumadora simplemente por el momento en que es colocada la escena.
Parte 1
ResponderEliminarPista de sonido cinematográfica (concepto técnico) y ejemplos.
-El sonido es de los conceptos más importantes en cine ya que este brinda en alguna forma emoción al film. El sonido se graba después de que se graba la película, lo cual hace de este un trabajo difícil. Hay varios tipos de sonidos, entre los cuales tenemos: el sistema analógico, los sistemas digitales (entre ellos está el dolby digital), el sistema DTS y el sistema SDDS. Además tiene varias características tales como: ruidos, voz, silencio, música y efectos. En la película El Columbian Dream podemos ver como se posee de una banda colombiana que interpreta toda la música de la cinta, esto le da más emoción a la película si se da un trabajo bueno tal como el de dicha película. Además la música puede insinuar emociones en la película, por ejemplo en una escena de una película de terror pueden poner música tenebrosa para insinuar a la persona que mira el filme que algo está a punto de pasar o en una película de acción o romance la música puede poner un toque de excitación lo cual hace a la película más llamativa.
Parte 2
ResponderEliminarConcepto de guión cinematográfico y en específico concepto de happy end (ejemplificar)
- El guion cinematográfico es un documento de producción, en el que se expone el contenido de una obra cinematográfica con los detalles necesarios para su realización.
Un guion cinematográfico posee separación por escenas, acciones y diálogos entre personajes, acciones, descripciones del entorno y acotaciones breves para los actores con lo que interpretará. Un guion bien tiene que dar la información suficiente para que el lector ve la película en su propia imaginación: cómo transcurre el diálogo, cómo actúan los personajes y con qué objetos interactúan, sin especificar todavía los pormenores de la producción ni el trabajo de cámara. El guion es sumamente importante en la película claramente, ya que este le da vida y además es lo que más mete a la persona que está mirando en la película, es decir, si la película tiene un buen guion la persona se interesara por la película, ya que el guion es atractivo y llamativo, mientras que si el guion es malo, la persona se va a aburrir mucho durante la película aunque esta tenga muy buenos actores y escenas. Por ejemplo podemos ver que en la película Una Separación se posee de un excelente guion, que mantiene el interés de las personas a lo largo de toda la película, ya que este genera intriga y emoción, el concepto del happy end es un modo muy comercial del cine de Hollywood, ya que se ha comprobado que dentro de lo que la gente le gusta ir a ver se encuentra este concepto. El happy end se refiere a cuando en las películas el actor principal ha superado todos los obstáculos y logra terminar bien, ya sea con la mujer que ama, con dinero, o simplemente con lo que quería.
Parte 3
ResponderEliminarEfectos especiales. Uso y abuso (concepto general).
-Los efectos especiales en cine es la forma en que se hacen las cosas sobrenaturales de las películas, como los viajes al espacio y otras cosas que no podrían realizarse mediante recursos normales. Los efectos especiales pueden ser visibles o no visibles, visibles como en el caso de cuando hay magia en las películas o autos voladores y no visibles como cuando en las películas donde se usan ciudades antiguas estas son recreadas en un estudio mediante efectos especiales. Los efectos especiales pueden ser: ópticos, mecánicos, de sonido, de maquillaje o digitales, entre muchos otros que son muy utilizados en la industria del cine. Normalmente en las películas de Hollywood se ve un gran abuso de este medio, como en las películas futuristas, se ve que usan efectos especiales para prácticamente todo, mientras que en otras películas usan el mínimo de efectos especiales, como en la película Una Separación o Quien quiere ser millonario. En la película Eva se ve un uso muy sutil de estos efectos, ya que es una película futurista, pero no sobresalen robots muy avanzados o ciudades futuristas, al contrario se ve muy cercano a la realidad, exceptuando a los robots.
Parte 4
ResponderEliminarConcepto de 35 milímetros vs. Concepto de 16 milímetros vs. Concepto de video electrónico:
-En cuanto a el concepto de 35mm contra el digital se ve que en 35mm se obtiene una imagen más grande y de mejor calidad. Mientras que en digital la imagen tiene que comprimirse y pasar a ser datos, ósea 1s y 0s, en este proceso pierde un poco de su calidad, claro que esto es a hoy día, probablemente en unos años el digital supere al viejo 35mm. Ahora las ventajas que posee el digital con respecto al 35 mm es que es más barato de producir y más fácil de manejar en post producción. Debido a su bajo costo de producción y a su posibilidad de mejoramiento, es posible que el digital llegue a reemplazar al 35mm. En cuanto al 16mm, este es usado más que todo en programas de televisión ya que es más pequeño que el estándar de 35mm. Un ejemplo de la gran definición del 35mm se puede apreciar en la película Eva, donde se puede notar una claridad y nitidez muy fina además de las sombras.
Referencias:
Alvort, P. (2002). La artesanía del guion, técnica y arte de escribir un buen guion para el cineManuscrito no publicado.
Bordwell, D. (1995). El Arte Cinematografico Manuscrito no publicado.
Dominguez , J. (s. f.). La Tecnica del Sonido Cinematografico Recuperado de http://www.felinorama.com/univ/tv/campus/temas/Sonido_cine.pdf
Efectos Especiales en el cine (s. f.). Recuperado de http://www.claqueta.es/articulos/efectos-especiales-en-el-cine.html
Ferland, M. (s. f.). 16mm vs. 35mm Film | eHow.com Recuperado de http://www.ehow.com/about_6635136_16mm-vs_-35mm-film.html
Parte II
ResponderEliminarTomas y planos (concepto general), ejemplo
Toma: La toma comienza cuando el director da la orden de acción, entonces la cámara empieza a registrar imágenes, se coloca la claqueta frente al aparato por unos instantes y, antes desaparecer de escena, se abren y chocan las tablas. La toma termina cuando el director dice "corten", ordenando detener la grabación. Así, la toma puede estar formada por cuantos planos tome la cámara.
Plano: Un plano es una tira continua de película cinematográfica, creada a partir de una serie de fotogramas, que corre por un período interrumpido de tiempo. Los planos son generalmente filmados con una simple cámara y puede ser de cualquier duración. Un plano en una producción, definido por el comienzo y el final de un proceso de captura, es equivalente a un clip en una edición, descrito como un metraje continuo entre dos ediciones. Los fotogramas, planos, clips, escenas y secuencias forman una jerarquía de unidades fundamentales para varias tareas en la creación de material visual.
Es posible hacer varios tipos de tomas en diferentes planos para una unica escena, por ejemplo podemos ver la película de Agua del director Deepa Mehta. En esta grandiosa producción vemos en varias ocaciones unas tomas muy interesantes, una escena que llama la atención es en la que los dos enamorados se encuentran bajo el árbol, aunque se ven varios planos resulta curioso notar que el árbol siempre aparece en cada toma, de cierta forma dando algo de “privacidad” en la reunión de los personajes.
Parte III
ResponderEliminarConcepto de guión cinematográfico y en específico concepto de happy end
Un guión se divide en secuencias, que son como los actos de una obra de teatro. Cada secuencia lleva un encabezamiento que indica el lugar y el momento en que se va a desarrollar. La secuencia se subdivide en escenas. Cada escena comprende uno o varios planos, rodados en el mismo ambiente y con los mismos personajes.
Un guión puede comenzar así:
«Secuencia 1ª' Entrada del Colombian dream (alquileres de videos). Exterior. Noche». Eso quiere decir que hay que rodar la primera secuencia en el exterior de un edificio que en la pelicula será conocido como el Colombian dream durante la noche.
A continuación se describe la acción de la secuencia. Cuando hablan los personajes que intervienen en la acción, se destacan de manera clara sus diálogos.
Cada vez que cambia el lugar donde se vaya a rodar la escena, o el tiempo -día o noche-, se pasa a otra secuencia.
Podemos ejemplificar lo anterior con las dos primeras escenas del colombian dream, en la primera el chico que entra en una casa mientras se va desarrollando la hiatoria con una narración, cuando esta escena acaba, se cambia por una completamente distinta, se cambia de secuencia, y empieza a contar la historia del colombian dream y empieza la introducción de los personajes uno a uno.
“Happy end” es un concepto incorporado al séptimo arte debido al predominio de películas cuyo desarrollo esta basado en una trama y que tiene como conclusión un final que se desenvuelve a favor de los “buenos de la película”, sin embargo, muchos productores de cine han dejado esa tendencia que genera en los expectadores la predicción del final. Algunos ejemplos son agua, ciudad de Dios, y el colombian dream, que contienen una fuerte critica social, y una exposición de una cruda realidad (dependiendo del país de procedencia)
Parte IV
ResponderEliminarConcepto de 35 milímetros vrs concepto de 16 milímetros vrs concepto de video electrónico
Existen tres formatos de película de cine principales: 8mm, 16mm y 35mm. Los milímetros se refieren al tamaño de ancho que tiene cada una de las películas. A medida que vamos avanzando de tamaño de película conseguimos mayor definición, menor cantidad de grano cinematográfico y mayor duración de cada lata. Aunque cuanto mayor es la película, mayor es la lata y es más complicado de cargar en la cámara.
La película de 8mm se destinó principalmente al ámbito doméstico y era, por tanto, de un coste menor que el resto y más sencilla de cargar en la cámara. De hecho se presentó la película “super8″ que permitía una mejor definición de imagen y cartuchos de quita y pon sin necesidad de tener que ir a un cuarto oscuro para cambiarlo.
Los 16mm se utilizaban sobre todo en reportajes en los que el periodista debía transportar la cámara, hoy en día se utiliza sobre todo para cortos, porque resulta más sencilla de utilizar y más económica que el 35mm. Existen dos tipos de película de 16mm: con doble agujereado, y con uno solo; ésta última al tener un hueco, deja espacio para la banda de sonido. Por último, el de 35mm es la película más cara, pero también con la que se consigue mayor definición. Se utiliza sobre todo para cine, cortos con mucho presupuesto y spots de televisión, ya que tiene una calidad superior.
Generalmente se cumple que en las películas de alto presupuesto usen el formato de 35mm, aunque dependiendo de la escena y del efecto que se le quiera dar podría considerarse también el formato de 16mm, pero esto no es una regla preestablecida y mucho menos inquebrantable pues en películas como el colombian dream vemos varios tipos de formatos de película (es importante aclarar que esta producción se rompe con muchos de los esquemas del cine), se ven formatos como el 35mm, 16mm, electrónico, una escena con cámara térmica, e incluso hay escenas grabadas con la cámara de un celular.
Bibliografía
Enrique Martínez-Salanova Sánchez (2011) Tomas y planos (concepto general) consultado en http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/tiposdeplano.htm
Enrique Martínez-Salanova Sánchez (2011) Concepto de guión cinematográfico y en específico concepto de happy end consultado en
http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/guionquees.htm
Laura Amante (2009) Concepto de 35 milímetros vrs concepto de 16 milímetros vrs concepto de video electrónico consultado en
http://www.cinedecartelera.es/cultura-cinematografica/diferencias-entre-8-16-y-35mm/
Jonathan Griffith (2006) Edición cinematográfica, concepto general consultado en http://ecine.blogcindario.com/2006/11/00010-la-edicion.html
Parte 1
ResponderEliminarGuión cinematográfico
Una de las partes más importantes detrás de una producción cinematográfica es el guión. A continuación se empezará por analizar las diferencias entre este tipo de texto y las obras literarias que se acostumbran leer. Seguidamente se definirá claramente el concepto de un guión cinematográfico. Finalmente se explicara por que los finales felices son los más comunes en las películas.
Es claro que el guión cinematográfico esta lejos de ser una obra literaria diseñada para el disfrute de cualquier lector como lo son las novelas o los ensayos. Por lo general una obra literaria cuenta con un estilo narrativo dominante; en el guión cinematográfico no se maneja una narración que explique lo que va sucediendo en el transcurso de la historia, para esto se utilizan las acciones de los actores. En la mayoría de los géneros literarios las descripciones le permiten al lector crear una imagen muy subjetiva de los escenarios y las acciones. Por su parte, el guión cinematográfico no intenta estimular la creatividad del lector para la escenificación, ya que los abundantes detalles en las acotaciones dejan bastante claro como es el ambiente y la forma como suceden las acciones. Otra aspecto que diferencia al guión cinematográfico es que en este escrito nunca se toman perspectivas omniscientes. Con la excepción de los monólogos, no se sabe que es lo que un personaje piense o siente con seguridad, para esto se utilizan las acciones y expresiones que los actores deben seguir a la perfección. Es por esto que en este tipo de textos no se suelen utilizar frases que involucren reflexiones internas del personaje, sino que se recurre a las acciones o gestos que denotan el estas reflexiones.
El guión cinematográfico tiende más a ser de índole audio visual que literal, pese a que es en si texto. Esto se debe a que el guión conforma una base, o un punto de partida si se desea ver de esa manera, para la estructura audiovisual. El uso de los elementos audiovisuales se ajusta a lo definido en el guión. Los actores, la iluminación, la escenografía y los demás elementos deben basarse en lo establecido en el guión. La similitud entre lo definido en el guión y lo montado durante el rodaje es analizada meticulosamente para evitar contradicciones. Sin embargo, una vez terminada la producción cinematográfica, el guión deja de ser útil pues a cumplido su propósito. Es por esto que al guión se le conoce como un elemento perecedero.
La gran mayoría de los filmes terminar con finales felices, también conocidos por su equivalente en inglés ‘happy endings’. No hay reglas que dicten que un guión deba terminar con un final feliz, pero si hay razones por las que este final tiende a ser conveniente. Los productores cinematográfica buscan obtener grandes ganancias con las películas, lo que es normal, pero el problema nace cuando para obtener estas ganancias sacrificar o ponen en juego el valor artístico de un filme. Los productores saben que las películas con finales felices y cerrados son las que más atraen al público, es por esto que los finales tristes y ambiguos son por lo general rechazados o adaptados. Por cuestiones económicas es mejor asegurar un asiento en una sala de cine que intentar impulsar un película diferente a las que se presentan comúnmente.
Un ejemplo de un gran guión sin un final feliz es el de la película Eva. El guión esta lleno de momentos fascinantes y giros inesperados. Pero al final el personaje principal termina desactivando a Eva, y aunque se presenta una alusión de que Eva está en un lugar mejor, se ve claramente que no es un final feliz.
Parte 2
ResponderEliminarTomas y planos
Todo es relativo en este mundo. Nuestras definiciones de bien, por ejemplo, son producto de comparaciones con ejemplos que se nos han dado como punto de referencia. Los grandes cineastas saben esto y deciden toma ventaja de esta realidad relativa para obtener resultados asombrosos.
Al apreciar una película, la audiencia analiza todos los hechos desde la perspectiva que les es presentada. Los cineastas manipulan los perspectivas para lograr efectos en la audiencia. Esta selección del punto de vista que se desea mostrar se conoce como encuadre. Entre los tipos de planos más famosos se destacan: gran plano general, general, conjunto, entero, americano, medio, medio corto, primer, primerísimo primer plano y detalle.
El gran plano general muestra el entorno del personaje pero desde un punto muy general, de tal forma que no se logra distinguir en personaje ni ningún detalle o figura. Un ejemplo de este plano se presenta en el filme Slumdog Millionaire cuando al inicio de la película los dos hermanos son perseguidos por los agentes de seguridad del aeropuerto. Entre los planos que se muestran uno es una vista general del lugar donde se encuentran, esto se muestra para que la audiencia entienda el contexto de las acciones.
El plano general muestra el entorno del personaje pero sin dar una vista tan alejada como la del gran plano general. El plano conjunto muestra una vista muy cercana al personaje y lo que le rodea. El plano entero muestra toda la figura del personaje. El plano americano muestra de la cabeza hasta las rodillas. El plano medio muestra de la cabeza hasta la cintura. El plano medio muestra de la cabeza hasta la mitad del torso. El primer plano plano se acerca bastante al personaje y muestra la cabeza y los hombros. El primerísimo primer plano se utiliza para enfocarse en una parte del cuerpo del personaje. Finalmente el plano detalle muestra secciones o vistas muy específicas que en otros planos pasarían inadvertidas.
Cada toma utiliza un único plano. Posteriormente, en la fase de edición, estas tomas se agrupan. La selección del plano de cada toma es crucial ya que define en que se centrará la atención de la audiencia, y por ende, lo que entenderá de la toma.
Parte 3
ResponderEliminarEdición cinematográfica
En una producción cinematográfica, el filme esta compuesto por muchas escenas. Las escenas a su vez están compuestas por diversas tomas. El proceso mediante el cual se ajustan y agrupan tomas se conoce como edición cinematográfica.
La edición se se efectúa al final de la producción. En esta labor se debe prestar suma atención a la armonía de la película. Por su cuenta, cada toma no tiene un significado importante; las tomas son simples piezas de algo mayor. La forma en la que se unen las tomas define el efecto que tiene la escena en la audiencia, la unión que se decida hacer define la realidad en el filme. El editor debe elegir un tipo de unión que enfatice la relación entre las tomas para que genere en la audiencia la respuesta emotiva deseada.
En el filme Slumdog Millionaire se presenta un gran ejemplo de edición en la escena cuando el personaje principal, Jamal, ve a Latika llegar a la estación después de escapar de la casa del mafioso. En esta escena se intercambian continuamente la vista de Jamal y de Latika hasta que en un momento repentino y sin aviso se muestran unos hombres que vienen a buscar a Latika. Es este cambio inesperado lo que produce una emoción de sorpresa en la audiencia.
Efectos especiales
Por lo general los efectos especiales que se conocen son los que involucran grandes explosiones, rayos lasers o transformaciones exageradas. Pero lo que debe preguntarse un cineasta es ¿cuándo es correcto usar un efecto especial?
Los efectos especiales atraen la atención del público, pero usarlos por el simple hecho de usarlos distrae de lo que esta sucediendo en la película. El filme no tiene el propósito de mostrar los efectos, al contrario, los efecto deben realzar las acciones y el ambiente del que el filme presenta. Una buena regla es que si el efecto no necesario para la presentación de las acciones o si no concuerda con la armonía del filme o el entorno no se debe utilizar.
Un gran ejemplo es la escena en la película Eva donde aparece por primera vez el gato del personaje principal. Se nota claramente que es un robot y no se busca realzar eso con sonido digitales o metálicos, al contrario, los efectos son usados para que el robot suene y se mueva como un gato. Este efecto realza el entorno del filme, en parte introduce el mundo que se va a presentar, y no choca con la armonía del mismo.
Parte 4
ResponderEliminarReferencias
Jiménez, M. (2004). Presentación de significados diferentes de un audiovisual, mediante el proceso y técnica del montaje cinematográfico. Capítulo 2. Extraído de
http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lco/jimenez_l_ma/capitulo_2.html
Poucel, P. (2010). Del cine a la literatura: guía para la adaptación de cuenta a guión de cortometraje. Capítulo 1.Extraído de
http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lco/poucel_s_p/capitulo_1.html
Tipos de planos. Extraído de
http://www.solosequenosenada.com/misc/tipos-de-planos-cine/
Crítica Cinematográfica: Conceptos aplicados al análisis de películas vistas en el curso
ResponderEliminar(Parte 1)
• Concepto de guión cinematográfico y en específico concepto de “happy end” (ejemplificar)
El guión cinematográfico es el relato escrito de lo que va a suceder en la película. Esto contempla una gran parte de los aspectos pre-producción que se verán directamente en la narrativa del film: los escenarios, actuaciones, o más generalmente todo lo que los guionistas decidan es importante para entregar correctamente lo que se quiere decir en la película. Es algo parecido a una novela, y se desarrolla completamente un argumento para ser posteriormente filmado y editado en una película. El guión es el “montaje en borrador” de una película. En la actualidad, los dos estilos más utilizados por los guionistas son dos: el literario y el técnico. El primero ofrece únicamente la narrativa de la historia, sin tomar en cuenta aspectos de cámara, tomas y planos. El segundo es más completo, ya que contempla los pormenores fotográficos que conlleva filmar diferentes escenas (planos, escenas, secuencias y tomas). Es muy importante que un escritor de guiones sepa de cine, de edición y montaje, de la dificultad de realizar determinados efectos, y que tenga idea de lo que cuesta económicamente realizar una película.
En la película “Una Separación” del guionista y director Asghar Farhadi se denota un estilo muy claro en lo que a guión se refiere. Esto en el sentido de que está construido de una manera muy atrapante, con una calidad de build-up impresionante. Desemboca en un final inesperado para cualquiera, que puede bien enojar a los que gustan de una película en la que toda la información de la narrativa se les entrega en bandeja de plata, ó los que gustan del conocido “happy ending” hecho famoso por Hollywood a nivel masivo. Nótese que carece de un final con un cierre definido de la historia, que es en lugar dado al espectador para que escoja de alguna forma como cree que se desarrollan los hechos después de terminado el film. Además, esto se complementa a la forma en que Farhadi toma cada escena, de manera muy subjetiva y cuidadosa, que junto con una sólida pero sutil interpretación actuarial asegura ese efecto que sumerge al espectador en la trama y que es en definitiva lo que debe hacer todo buen guión.
(Parte 2)
ResponderEliminar• Efectos especiales. Uso y abuso (concepto general).
Los efectos especiales son todos los elementos utilizados para dar apariencia de realidad a escenas específicas en una película. Son el grupo de técnicas que permiten modificar la apariencia de la imagen o el sonido. Esta última definición permite clasificarlos en dos grupos generales para el espectador: efectos de sonido y efectos visuales. De hecho, en la actualidad el cine no sería lo que es sin los efectos especiales, ya que el propio montaje de una película cuenta como tal. Por otro lado, hay quienes los dividen en pre-fílmicos y cinematográficos. Los primeros son los que se programan con antelación y los cinematográficos son los que se usan, en la misma grabación, por lo general con dobles. Existen también una cantidad infinita de subcategorías de efectos que se han creado a través del tiempo según la necesidad de la producción. Ejemplos de esto son: mecánicos, ópticos, tomas enmascaradas, incrustaciones en movimiento, etc. Actualmente, los efectos especiales constituyen una de las actividades claves a la hora de hacer cine, que se alimenta de la tecnología y va de la mano con ella, de forma que ambas mejoran con el tiempo creado “ilusiones” cada vez más creíbles que presentan una mejor experiencia para el espectador.
Lastimosamente, el avance tecnológico utilizado para dar vida o credibilidad a ciertas escenas en una película muchas veces desemboca en el abuso del mismo. Se olvida que es un recurso para producir un filme y por lo tanto requiere moderación y sutileza para no cansar al espectador. En el caso de la película “Eva” es todo lo contrario, los efectos especiales utilizados nunca son indecorosos o exagerados, sino sutilmente puestos en un paisaje que mezcla la realidad con lo ficticio impresionantemente bien. De hecho, el efecto especial es clave al final del film para explicar una de las interrogantes importantes durante el clímax, y a pesar de que esa escena tiene tanto peso en la trama, es sutil y “creíble” hasta cierto punto.
(Parte 3)
ResponderEliminar• Pista de sonido cinematográfica (concepto técnico) y ejemplos.
La pista de sonido que conocemos en la actualidad es probablemente uno de los elementos que ha evolucionado más en el cine a través de la historia. Técnicamente, desde la implementación de sonido en películas, la pista de sonido se graba por aparte de la fotografía, y cada escena cuenta con su propio equipo para grabar directamente desde el set. A la hora de producir una película hay dos formas básicas de crear la pista de sonido: Directa, que sugiere a lo tomado desde el set, ó de estudio. La primera es utilizada primordialmente para grabar la voz de los actores o crear wildtracks que serán utilizados durante la edición de estudio. La segunda es de donde provienen la mayoría de los sonidos durante una película, ya que es la forma más eficiente de colocar un sonido en un momento exacto durante la película, además de que al ser colocado en un estudio tiene mayor versatilidad ya que el sonido puede ser cambiado acorde a lo que se necesite. En lo que se refiere al sonido en la sala de cine, actualmente hay dos formatos predominantes de reproducción: el analógico y el Dolby Stereo, siendo el primero impreso en la cinta a los costados que deja pasar una intensidad de luz específica recogida por una fotocélula que convierte las diferencias en la intensidad de luz en señal de audio estéreo. La segunda revoluciona al cine casi tanto como la aparición del sonido en el cine en primer lugar. La tecnología Dolby divide el sonido de la sala en cuatro canales para intensificar la experiencia dando una ilusión de inmersión en lo que se esté proyectando. A pesar de ser el formato utilizado en mayoría de las salas de cine, todavía se acostumbra que los filmes lleven impresos el sonido analógico en caso de algún fallo con el sonido digital.
En la película “Despedidas” (Okuribito) la pista de sonido es clave para que el espectador desarrolle emociones en escenas específicas del filme. Era lógico pensar de que jugaría un gran papel, tomando en cuenta que el personaje principal está fuertemente relacionado con la música. Por otro lado “Una Separación” propone una pista de sonido casi inalterada de lo que se graba en set, aspecto que le da valor agregado al realismo que intenta proyectar el film.
(Parte 4)
ResponderEliminar• Edición cinematográfica, concepto general y ejemplos.
La edición o montaje forma una de las últimas partes de la creación de un film. Esta fase se conoce también como post-producción, y consiste en la utilización del material rodado para terminar la película agregando efectos sonoros ó visuales y hacer cortes de edición. Clásicamente, durante la edición de una película con sonido se tenía el material inicial rodado en set, una máquina de montaje (moviola) y un montador para editar las partes que no se utilizarían en el film. Con el tiempo, la moviola básica fue cambiada y mejorada para facilitar el proceso de edición.
Un ejemplo claro de un laborioso trabajo de edición es la película “El Colombian Dream”. En esta película todas las escenas son cuidadosamente elaboradas en múltiples aspectos: la selección del soundtrack, la ralentización de las imágenes mientras el sonido permanecía a tiempo real para algunas escenas, etc.
Bibliografía:
Formatos de Sonido para Cine (2008). Recuperado de http://www.elforolatino.com/f23/formatos-de-sonido-para-cine-8178/
Eva, Goya a la excelencia en los Mejores Efectos Especiales (2012). Recuperado de http://www.panoramaaudiovisual.com/es/2012/02/20/eva-goya-a-la-excelencia-en-los-mejores-efectos-especiales/
Domínguez Löpez, J. (s. f.). La técnica del sonido cinematográfico Recuperado de http://www.felinorama.com/univ/tv/campus/temas/Sonido_cine.pdf
Efectos Especiales en el cine (2005). Recuperado de http://www.claqueta.es/articulos/efectos-especiales-en-el-cine.html
La edición - ESPACIO CINE (2006). Recuperado de http://ecine.blogcindario.com/2006/11/00010-la-edicion.html
Martínez, E. (s. f.). El guión y sus tipos Recuperado de http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/guionquees.htm
Nader y Simin, una separación (2011) - FilmAffinity (2011). Recuperado de http://www.filmaffinity.com/es/film291694.html
Parte I:
ResponderEliminarConcepto de género en cine y específico diferencias entre cine documental, testimonial y realista.
Un genero, tanto en la literatura como en medio audiovisuales(Cine) es una forma organizativa que caracteriza los temas e ingredientes narrativos escogidos por el autor. Cuando se habla de género en el área cinematográfica, se está hablando de temáticas ya estables, las cuales están sometidas a una codificación la cual es respetada por los responsables de la película. Pero con el paso de los años cada género ha experimentado cambios, por ejemplo, al hablar de una película romántica de los años 30's, a una de los años 80's.
El Cine Documental es aquel cine que se aleja de la ficción y refleja acontecimientos reales. En otras palabras el cine documental es aquel que plantea discursos sociales, indaga en la realidad, muestra o representa historias particulares o colectivas. La cual proviene de archivos o memorias, y tiene muchas formas de realizarla.. Este género en particular es mas educativo.
El documental es cine realizado sobre la base de materiales tomados de la realidad. La secuencia cronológica de los materiales, el tratamiento de la figura del narrador, la naturaleza de los materiales, dan a lugar una variedad amplia de formatos en la actualidad. El film documental cuenta hechos que han sucedido o que están sucediendo independientemente de que con ellos se haga o no una película. Sus personajes existen también fuera del film, antes y después del film. Un documental que cuenta algo que ha pasado, trabaja con los restos de eso que ha sucedido hace (mucho o poco) tiempo. Trabaja, en consecuencia, con material de archivo: tomas, fotos o sonidos que pertenecen a esa época pasada. Puede trabajar, también, con imágenes filmadas, ahora, de los lugares en los que sucedieron esos hechos.
El cine Testimonial, definir lo testimonial va contra la propia natura de este tipo de narrativa. Se trataría de una forma pos-ficcional de narrativa con repercusiones culturales y políticas; lo relata en primera persona un testigo que expone una experiencia de vida desde la urgencia por denunciar una situación opresiva y que se sitúa a sí mismo en lugar de una serie de sujetos excluidos de la representación autorizada. Aunque no tiene aspiraciones literarias, el testimonio sí exhibe una intencionalidad muy precisa, de donde se deriva el peligro de representación tergiversada, alentada por la agencia del narrador. A este escollo habría que sumar además la propia dificultad de registrar la historia, por muy buena intención que se tenga de ser objetivo, lo que hace necesaria la voluntad de tener fe en el discurso del narrador por parte del receptor.
El cine realista es un estilo de cine que comenzó como una reacción europea hacia el sistema clásico de hacer películas. El cine de realidad suministra similares tipos de ilusión cinematográfica que se encuentran en los clásicos de Hollywood, pero que a causa de un relajamiento de las ataduras entre su estilo y los aspectos narrativos permite un realismo subjetivo aumentado y expresividad autoral.
La diferencia entre estos tres géneros son muy escasas, pero su diferencia más notoria es en la temática en la que se enfocan, el cine documental se basa mas en temas educativos, o historia mundial. El cine testimonial se basa más en historias o cuentos basados desde la perspectiva de un sujeto. Y el cine se enfoca mas en historia o acontecimientos vividos en el pasado.
Parte II:
ResponderEliminarTomas y planos (concepto general)
¿Que es un plano? Se le llama así al espacio que recoge la filmación en relación con la figura humana. Ejemplos: plano general, plano entero, plano americano, plano medio, primer plano o plano detalle.
En el cine, un plano es una tira continua de película cinematográfica, creado a partir de una serie de fotogramas, que corre por un período interrumpido de tiempo. Los planos son generalmente filmados con un simple cámara y puede ser de cualquier duración. Un plano en una producción, definido por el comienzo y el final de un proceso de captura, es equivalente a un clip en una edición, descrito como un metraje continuo entre dos ediciones.
Hay diferentes tipos de tomas, muchos ya mencionados anteriormente en el ejemplo. Por ejemplo el plano general se usa para mostrar todo un paisaje, con eso se refiere a todo el entorno que rodea al actor en ese momento, la cual es usada para describir a las personas en el entorno que los rodea. Un ejemplo de esta toma se puede notar en la película EVA, cuando Eva sube con Álex a una montaña nevada desde donde podían apreciar toda la ciudad donde Vivian.
Otro ejemplo de toma es el plano americano, el cual ya la cámara se enfoca en el sujeto, pero muestra desde la cabeza hasta las rodillas, su nombre nace de la tendencia en las películas de vaqueros para así poder mostrar al sujeto junto con sus armas. El plano detalle también es muy usado para seguir la trama de la película, ya que este se utiliza para destacar un elemento que desde otro plano podría pasar desapercibido. Un ejemplo típico donde se usa este plano es en la películas de detectives, o un ejemplo más apegado a las películas vistas en el curso seria Colombian Dreams, cuando muestran las "pepas" en las manos de las personas.
¿Que una toma? Se le dice así a la acción de filmar, interviene el elemento tiempo.
La toma es el fragmento de película que se imprime o graba desde que la cámara comienza a registrar hasta el corte. Es en cada caso uno de los fragmentos en los que se fracciona el diálogo de una película o serie para que los actores de doblaje puedan realizar su trabajo con mayor facilidad. Estos visualizan cada uno de ellos por separado para memorizar y/o anotar las pausas, intenciones y gestos sonoros que se produzcan en la misma utilizando un texto que ha pasado un proceso de traducción y ajuste.
Parte III:
ResponderEliminarCine norteamericano comercial vs. cine arte (diferencias técnicas).
En los últimos años el cine norteamericano se ha enfocado mas en un cine comercial. Este cine se caracteriza porque es elaborado para hacer taquilla. Creando guiones que llamen la atención del espectador de manera rápida. En pocas palabras, crean lo que la gente quiere. Otras de las características que tiene este cine es que cuando van a sacar una producción grandes compañías de marketing se encargan de meter en la mente de las personas que la película es un éxito y dejar de lado su criterio propio sobre ella. También usan actores famosos para así generar mas expectativas sobre la película. Otro punto que aprovechan es la publicidad de corporaciones, de allí que generan más capital para la creación de la película.
Por otro lado el cine artístico, por su naturaleza no entra entre las características de ser un cine comercial, ya que este cine enfoca su drama en problemas sociales, criticas, temas conflictivos (Aborto, Eutanasia, etc.) entre otros temas las cuales no son favorables para los gobiernos, corporación, o la Iglesia. Este cine por otro lado no dispone de mucho capital así que su publicidad es muy limitada, pero aun así los guiones y actuaciones que se realizan son de primera, inclusive mucho mejores que las de cine comercial.
Parte IV:
ResponderEliminarEdición cinematográfica, concepto general y ejemplos
Esta es la parte final de la película. Luego de grabar todas las escenas, la película es preparada para hacer su edición y sacarla al mercado.
El cine y el vídeo confluyen actualmente en el uso de la informática. Durante mucho tiempo el montaje de películas ha requerido poco equipamiento y ha sido reticente al uso de nuevas tecnologías, pero esto ya no es así, dada la necesidad que los usuarios de cine y vídeo tenían de una forma de trabajo que integra a los dos sistemas reuniendo lo mejor de cada uno.
Esta etapa se puede realizar una vez ya concluido el rodaje o grabación de escenas, pero en algunas ocasiones ambas etapas pueden ir en paralelo. Aunque ciertas tareas técnicas requieren especialización, el proceso de edición de una película es un oficio artístico que, sobre todo, permite al editor trabajar de manera parecida a la que utilizan los escritores para crear una pieza literaria. Ahora con los avances en la tecnología la edición se convierte en un trabajo con mucha mayor calidad. Un ejemplo interesante seria la película Colombian Dream, ya que esta película sale de estándares normales de grabación, siendo una película peculiar por esa estrategia de usar diferentes cámaras para grabar, 35mm, 16mm e inclusive 8mm. Otra película interesante en la elaboración de su edición fue Eva, ya que los efectos especiales que trae son de alta complejidad y calidad.
Bibliografía
Cine Comercial y la Industria (s. f.). Recuperado de http://www.mgar.net/cine/var/industri.htm
Cine Documental (s. f.). Recuperado de http://www.cinedocumental.com.ar/sitio/
Cine comercial vs. cine independiente (s. f.). Recuperado de http://www.thecult.es/Peliculas/cine-comercial-vs-cine-independiente.html
Cine y Educacion (s. f.). Recuperado de http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/cinedocumental.htm
El cine testimonial, la literatura y la realidad (s. f.). Recuperado de http://www.minotaurodigital.net/textos.asp?art=86&seccion=Cine&subseccion=articulos
La edicion - ESPACIO CINE (s. f.). Recuperado de http://ecine.blogcindario.com/2006/11/00010-la-edicion.html
Lenguaje del cine: tipos de plano (s. f.). Recuperado de http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/tiposdeplano.htm
Pérez, B. (2012). TuPera (Versión Alnitak) [Software]. San José, Costa Rica.
Planos Y Mov. Camara (s. f.). Recuperado de http://www.slideshare.net/rmad/planos-y-mov-camara
Recursos Cine (s. f.). Recuperado de http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque4/pag12.html
Tipos de planos cinematográficos: Encuadre (s. f.). Recuperado de http://www.solosequenosenada.com/misc/tipos-de-planos-cine/1_encuadre.php
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EliminarParte1
ResponderEliminarConcepto de genero cinematrografico
Las publicaciones sobre géneros cinematográficos comenzaron a mostrarse a finales de los setenta donde intelectuales, estudiosos y críticos del cine se respondían unos a otros sobre los géneros dejando a un lado aquellos críticos literarios que especulaban sobre los géneros. Al igual que los misteriosos aparatos que se ven en las películas. Series, animaciones capaces de realizar diversas tareas, con esa misma capacidad los géneros resisten dentro de la teoría cinematográfica. Según la mayoría de intelectuales sobre el cine los géneros: aportan las formulas que rigen la producción, constituyen las estructuras que definen a cada uno de los textos, define las decisiones que rigen la producción, todo esto antes mencionado es abarcado por el término genero. El termino genero se podría identificar como un esquema básico o formula que precede, programa y configura la producción de la industria, o como estructura sobre la que se construye las películas, o como etiqueta de una categoría fundamental para las decisiones y comunicados de distribuidores y exhibidores, o como posición espectatorial que toda película de género exige a su público. Por supuesto esta capacidad de cumplir múltiples funciones otorga al género la capacidad de brindar relaciones únicas entre los distintos componentes del cine. En síntesis el género es una estructura y también un conducto por el que fluye el material desde los productores a los directores y desde la industria a los distribuidores, exhibidores y espectadores. Cabe señalar que el género cinematográfico va mas allá del habitual concepto de género literario que se ha entendido por algunas personas.
Diferencias Cine Documental vs Testimonial vs Realista.
El cine documental consiste en la divulgación de un algún tema de manera informativa y didáctica el cual muestra aspectos sociológicos, zoológicos, entre otros. Este tiene una serie de características que lo diferencian de otros como que huye de la ficción, al ser escenas tomadas de la vida real, no se obtiene ninguna toma actuada o generada por un productor como en el cine testimonial y el realista, los personajes no son actores profesionales como en el cine realista, su longitud suele ser más corta a diferencia del cine testimonial y el realista, Presentan gran variedad de contenido a diferencia del cine testimonial el cual se basa en la opinión o el testimonio de una o varias personas sobre uno o varios temas, busca la realidad para filmarla contrario al cine realista que intenta crear la realidad.
Parte I
ResponderEliminarAnálisis técnico de algunas propiedades del cine, con respecto al Colombian Dream.
Pista de sonido cinematográfica:
Las vibraciones del aire se convierten en corriente eléctrica, permitiendo asi que sean absorbidas por el micrófono, para ser llevadas hasta la banda sonora, que es donde se obtiene el sonido, para luego ser usado sobre la imagen, esta señal se puede registrar de forma magnética u óptica, siendo así el sonido magnético la señal que se transfiere a una cabeza magnética de grabación, donde circula una cinta de grabación recubierta por partículas de Oxido y se envían luego a otra cabeza lectora. El otro tipo de sonido, el óptico, el cual está basado en la modulación de un haz luminoso, el cual varía según las fluctuaciones de intensidad y después de ser revelada, podrá reproducir esas fluctuaciones. El sonido también depende de la calidad del video, debido a que la toma debe repicarse en una película perforada para posteriormente sincronizarse con la imagen y, tras el montaje, incorporarse a la banda magnética de la película.
El micrófono es el instrumento esencial para convertir el movimiento físico de las moléculas del aire en impulsos eléctricos. Se dividen en cinco tipos en función de su diseño, pero solo los de tipo resorte, condensador o cinta son de calidad profesional. La característica definitoria realmente importante es su direccionalidad y según como sea se dividen en: Omnidireccional, cubre un ángulo de 360º y son útiles para sonidos de ambiente, Cardiode, son sensibles a fuentes sonoras situadas frente a él y nula respuesta a las situadas detrás. Direccional, poseen un área de sensibilidad de 40º, son perfectos para grabar de lejos, también están los micrófonos específicos que se enganchan a la ropa pinzados, idóneos para grabar los diálogos en planos amplios y por último los de radio frecuencia, eliminan los cables permitiendo captar los diálogos sin restringir movilidad a los actores.
Para resumir lo dicho anteriormente, usare la escena donde muere ¨El Sagaz¨, desde el momento en que llegan los gemelos, hasta que se retiran de la casa.
En la escena se utilizaron diversos tipos de micrófonos, para poder abarcar el sonido de toda la escena en general, empezando por el Omnidireccional, el cual utilizan para captar el sonido de los tiros hechos por ¨Jesús Elvis¨ y los gritos de John Mclein, que provenían desde afuera de la casa.
Parte2
ResponderEliminarEfectos especiales Uso y Abusos
Son todos aquellos métodos de los que se recurre en una película para dar apariencia de realidad en algunas escenas que de manera convencional sería muy costoso o imposibles de lograr. Se dé fine también como “el grupo de técnicas que permiten modificar la apariencia de la imagen y el sonido. Actualmente los efectos especiales construyen una actividad especializada dentro de la poderosa industria del cine, a partir de especialistas en ciencia y avances tecnológicos que son aportados para contribuir en el mundo del cine.
En el cine de Hollywood es común que se le dé prioridad a los efectos especiales por encima de otros aspectos quizás más importantes. En ciertas circunstancias los productores o directores utilizan demasiado los efectos especiales haciendo que la película se vea totalmente irreal opacando la trama y el guion de la película, un gran ejemplo son la mayoría de películas “gore” donde hay un exceso de sangre muertes y cortes exagerados en algunos casos. En la película EVA observamos elementos, lugares y paisajes en los cuales se utiliza un ligero toque de efectos especiales que provoca una impresión diferente a aluna película que usan los efectos especiales como su pilar de producción.
Parte II
ResponderEliminarTomas y Planos.
El plano está determinado por la posición y la proximidad que tenga el actor con respecto a la cámara, siendo este muy útil, a la hora de enfocar objetos o encarar diálogos de actores, añadiendo asi, derivando asi una diversidad de planos, según la proximidad que se requiera.
La escena a identificar se encuentra desde el instante donde los gemelos divisan a¨ John Mcklein¨ en el automóvil, hasta que salen de la casa de ¨El Sagaz¨, en esta escena, predomina el Flashback, mostrando la imagen desde 3 puntos de escena.
Cuando los gemelos aparecen en las motos, se realiza un Plano panorámico, para mostrar una imagen completa de la ¨situación¨ que se vivía en ese momento, siguiendo en esa misma escena aparece posteriormente a los gemelos escondiéndose detrás de las plantas, en donde se realiza un Primer Plano medio, abarcando desde la altura de los hombros de los gemelos y ¨Rosita¨, haciendo un toma semisubjetiva, ocupando la pantalla con un tercio de su cuerpo, pero sin descuidar el plano donde se encuentran los otros actores, seguido de esa toma, se evidencia un Primerísimo plano, cuando enfocan al ¨Duende¨ diciendo: ¨¿pipí?¨, siguiendo el orden cronológico de la escena, se muestra como se le hace un Primer plano a ¨Jesús Elvis¨ mientras ¨Lucho¨ narra que él no es un asesino, sino un poeta, cabe destacar para ese plano, también se realizó un travelling circular, esto es, que se realiza una rotativa en torno al actor, continuando la escena, se pone en práctica el Plano general medio, para filmar la discusión del ¨Duende¨ con ¨Jesús Elvis¨ al momento de darse cuenta que este último no era un sicario, más adelante, cuando el ¨Duende¨ pone en práctica una de sus famosas cachetas, se realiza un Plano medio, para abarcar la figura de ¨Jesús Elvis¨ hasta por debajo de la cintura, además al instante donde recogen el celular del ¨Sagaz¨ se efectúa un Plano detalle, para enfocar el objeto.
parte 3
ResponderEliminarPista de sonido cinematográfica
El sonido digital provoco una revolución en lo que refiere a la producción de filmes. La creación de una pista cinematográfica es un proceso que como ha avanzado a lo largo de los años se va haciendo más complejo. Al sus principios la pista de sonido se grababa en conjunto como se registraba las tomas del video, sin manera de manipular la imagen o el sonido. Ahora para producir una escena se hace un grabación de video y de sonido por aparte, que después serán editados y compuestos en un solo producto.
Existen varios procesos por los que se puede realizar la grabación del sonido cinematográfico:
Grabación de sonido directo: se graba al mismo tiempo que se filma la escena, debido a que se graba en directo no se puede discriminar todos los sonidos de fondo que transmiten alrededor de la toma por lo que de debe controlar la fuentes sonoras no deseadas.
Grabación de sonido en estudio : En este se pueden controlar con mayor facilidad los sonidos no deseados dentro de la pista cinematográfica, a excepción del doblaje que siempre proviene de actores de voz , la fuentes acústicas pueden ser producidas por medios artificiales o naturales.
En la película Okuribitu se puede apreciar en escenas tales como el concierto al inicio de la película, cuando el recuerda de niño cuando tocaba y el final de la película donde se utilizan pistas de sonido adecuadamente insertadas dentro de la película para que la música no fuera simplemente acompañamiento estático si no que se mostrara como referencias dentro de la película.
Critica y más Critica
ResponderEliminarPARTE #1
Efectos especiales. Uso y abuso (concepto general).
Los efectos especiales son elementos que se utilizan para crear personajes, realidades y situaciones que por lo general no suceden en la vida real y que deben ser agregados a la vida real, tal es en el caso de la película Eva (España, 2011), dirigida por Kike Maíllo, en la cual se crean personajes (robots), a base de ya mencionado efectos especiales; Los efectos especiales pueden ser creados de dos maneras tanto de la manual como de los elaborados por el medio tecnológico, en la película ya mencionada anteriormente, se utilizan las dos manearas, esto lo podemos ejemplificar con la escena en que Alex (uno de los personajes principales) se encuentra manipulando una maquina que crea la mente del robot, dicho robot fue creado tanto por medio manual como el medio tecnológico, lograron darle una estructura muy realista, y es que se creo un traje en el que se introdujo una actriz y por medio de computadora se rellenaron las uniones con mecanismos mecánicos; otro caso muy parecido es la creación del gato robot, ya que su cuerpo fue hecho de forma manual al igual que una parte de sus movimientos, hubo personas manipulándolo, además de una afinación de estos por medio de computadora. Esa película aun siendo la primera película que trata el tema de robots en España, no se sometió a las que se ven normalmente en Canadá, Estados Unidos y otros países donde los efectos especiales son prácticamente la base de toda la película, en Eva se usaron los efectos especiales solo cuando la situación lo requería dándole así mas impresión a cada momento en los que la utilizaban, ello lo podemos percibir durante toda la película cuando en cada parte que aprecia un robot lo veían como normal, y no llegaban al extremo de darle el mayor énfasis.
Parte 4
ResponderEliminarGuion cinematográfico
Básicamente es la trama o el relato escrito de lo que va a suceder en la película, similar a un novela. Se argumenta esencialmente teniendo en cuenta todos los aspectos de filme grabación y edición. El guion son diálogos, escenas, secuencia, y una descripción detallada de lo que cada actor hace en cada escena es muy importante definidos anteriormente es muy importante para la elaboración del guion que el creador del guion tenga todos los conocimientos necesarios acerca de cine, montaje rodaje, el costo económico. El guion es el trabajo global creado por un conocedor del lenguaje cinematográfico, el cual será la base o guía para la correcta creación de una película, es donde se estructura la trama y la historia a contar.
En Hollywood se acostumbrado a los espectadores del cine a un clásico Happy End donde el héroe, el protagonista o personaje principal derrota al villano, o vence las dificultades y la película termina con un clásico y predecible final feliz. Aunque no es en todos los casos tenemos como ejemplos la película “Slumdog Millionaire” o “7 Pounds” que por ejemplo Slumdog Millionaire no presenta un final feliz realmente, por que se mostro en la película el hermano muere y los protagonistas, dando a elección del espectador la decisión si es o no un final feliz, otro caso es la película iraní una separación que nos da un final complementa abierto donde no sabemos en que terminara la historia, nos permite crear o seleccionar el final que creamos o que queramos.
Parte III
ResponderEliminarFormatos de películas
El formato de la película, determina la calidad de la película, asi como la fluidez de la animación de esta misma, para ello existen diferentes tipos de formatos, tales como: el de 35mm, el de 16mm y el electrónico, se cree que este último llegara a opacar a los otros 2, debido a que desde hace 100 años no ha existido mayor avance en los 2 primeros, por sus características, un poco inaccesibles o no deseadas, convertirían al cine en una industria electrónica, por ejemplo, el formato de 35mm es el más utilizado en el cine, si se requiere la mejor calidad de imagen y digo esto, porque, ha sucedido, donde para películas serias, graban en todo tipo de formato, para darle variedad a la imagen, utilizando formatos como el de 16mm y en algunos casos el ¨Súper 8¨, el cual antes se consideraba un formato doméstico, pero ahora se utiliza para efectos en promociones, documentales y muchas otras aplicaciones. También se emplea como herramienta eficaz para la enseñanza de cine. Se suministra en cartuchos de carga automática. El de 16 mm se modifica para ser llamado ¨Súper 16mm¨, esto porque rodar en formato de Súper 16 cuesta menos que en 35 mm, sin embargo se mantiene una calidad y resolución comparable en general. Es adecuado para una variedad de formatos de distribución, incluyendo películas en pantalla ancha, el Súper 16 ha sido el formato elegido por razones que van desde el “look” resultante, al ahorro de costos, el reducido volumen de los equipos y cualquier combinación de ellos. Cámaras cinematográficas resistentes se están haciendo cada vez más pequeñas y aún más portátiles, tan ligeras como de 2,4 kg. Se han probado en los lugares de rodaje y climas más duros: con alta humedad, sol ardiente, nieve, polvo y arena.
PARTE #2
ResponderEliminarPista de sonido cinematográfica (concepto técnico) y ejemplos.
Cuando nos referimos a pista de sonido en cine, hablamos del sonido que se utiliza para ambientar cada escena, es comúnmente usado para despistar al oyente, eso es ubicarlo en una situación emocional y pare que este se ubique en un momento, lugar y tiempo determinado, logrando así capturar la atención de la persona. En la película Eva (España, 2011), notamos un detalle cuidadoso en el sonido, cuando nos ubicamos en las escenas en que aparece el gato robot , específicamente cuando se encuentra en la casa y se trepa en el sillón, se logro darle un realismo al animal gracias a la pista de sonido utilizada, detalle que también se encuentra presente en la escena en que Alex se encuentra manipulando el creador de mente artificial, cuando el robot empieza a crear pensamientos, la pista que se utiliza nos crea la idea de que cada pensamiento esta hecho de cristal; muy parecido ocurre con la película El Colombian Dream (2006) en la cual durante toda la película se usan pistas de audio que nos hacen profundizar en cada escenas, nos logra transportar al hecho que esta sucediendo, mas notorio aun cuando escuchamos la pista utilizada al final de la película, lo cual nos da a entender ,de una forma mas profunda , que el país donde se filmo la película sufre de una serie de problemas, todo ello gracias al buen empleo de las pistas de sonido.
PARTE #3
Concepto de guion cinematográfico y en específico concepto de happy end (ejemplificar)
El guion es el escrito que detalla lo que sucederá en toda la película, esta esta compuesta de todos los diálogos, las escenas, las secuencias y una descripción minuciosa de lo que los actores hacen en escena. Es por decirlo de otro modo un borrador de la película. Cuando nos referimos al happy end en una película, estamos hablando del desenlace del guion o final de la película feliz al que nos tiene acostumbrando el cine comercial. Un ejemplo en el que se rompe con esa tendencia es el final de la película Eva (España,2011), en la cual el robot termina siendo desconectado, algo que muchos no esperábamos que sucediera, todo a causa de la costumbre del happy end, otro caso muy notorio es el de la película Una separación (2011), en la que el final deja con tremenda incertidumbre a todas las personas, donde no se sabe si la niña decide quedarse con su padre o con su madre, lo cual probablemente era lo que el guionista quería, dejar con un grado de emoción a las personas; esas dos películas nos mostraron un desenlace diferente al habitualmente conocido como pro ejemplo al de la película Slumdog Millionaire (2008), en la cual si existe un happy end muy notorio, ya que el protagonista queda con chica y con dinero.
Parte 5
ResponderEliminarBibliografia
Géneros Cinematográficos. Adquirido el 12 de septiembre del 2012 de http://www.fba.unlp.edu.ar/medios/biblio/Altman-Los-Generos-Cinematograficos.pdf
Cine documental. Adquirido el 12 de septiembre del 2012 de http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lco/paredes_l_af/capitulo2.pdf
Cine. Adquirido el 12 de septiembre del 2012 de http://www.educarchile.cl/Portal.Base/Web/VerContenido.aspx?ID=195265
Cine testimonial. Adquirido el 12 de septiembre del 2012 de
http://www.minotaurodigital.net/textos.asp?art=86&seccion=Cine&subseccion=articulos
Cine documental. Adquirido el 12 de septiembre del 2012 de http://www.mariapinto.es/alfamedia/cine/documental.htm
Efectos Especiales. Adquirido el 12 de septiembre del 2012 de http://blogs.prensa.com/cine/los-chicos-de-los-efectos-especiales/
Cine Comercial vs Cine Arte. Adquirido el 12 de septiembre del 2012 de http://labutacadecine.blogspot.com/2009/06/cine-comercial-versus-cine-arte.html
Guion Cinematografico. Adquirido el 12 de septiembre del 2012 de http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/guionquees.htm
Guion Cinematograico. Adquirido el 12 de septiembre del 2012 de http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lco/peralta_f_a/capitulo1.pdf
Parte IV
ResponderEliminarGéneros del cine (Testimonial, Documental, Realista)
Género: Son las cualidades que permiten al observador identificarse con el relato mostrado y disfrutarlo en un grado mayor, debido a que conoce las bases que regulan todo aquello que se muestra en la pantalla. Por ejemplo, el espectador cuando ve una película con un género fácil de reconocer, procederá a tratar de adivinar la película, utilizando como herramienta los estereotipos que conoce de este.
El género documental, aleja de la ficción y refleja acontecimientos reales, entre el documental y el cine de arte, hay muy poca diferencia desde el punto de vista en que se trate, por ejemplo, cabe imaginar un documental sobre la vida de un animal, probablemente, el guión de dicho documental dramatice los hechos esenciales que rodean a la especie en cuestión, e incluso realicen situaciones en donde se obtenga lo que se quiera filmar del animal, que de forma natural hubiese sido imposible, algunas veces usan animales adiestrados, provocando asi una similitud de un ¨artista¨ en este caso, animal, que al combinarse con una correcta narración, daría un aspecto creíble del documental, además, está el testimonial, el cual exhibe una intencionalidad muy precisa, de donde se deriva el peligro de distorsionar la narración, debido a la dificultad de registrar la historia, por muy buena intención que se tenga de ser objetivo, lo que hace necesaria la voluntad de tener fe en el discurso del narrador por parte del receptor. Una vez que el espectador acepta este requisito, convencido por la idea de que el testimonio conlleva ante todo preocupación por la sinceridad y de que ser testigo implica responsabilizarse por la verdad, el género testimonial puede producir un notable efecto de realidad y provocar la sensación de experimentar lo real.
Parte V
ResponderEliminarCine documental (s. f.). Recuperado el 13 de Septiembre del 2012, de http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque4/pag12.html
El sonido (s. f.). Recuperado el 13 de Septiembre del 2012, de http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque7/pag5.html
Planos, ángulos, tomas y movimientos de la cámara - Fotografía y Vídeo (s. f.). Recuperado el 13 de Septiembre del 2012, de https://sites.google.com/site/fotografiavideoangulosplanos/planos-angulos-tomas-y-movimientos-de-la-camara
Torres, R. (s. f.). El cine testimonial, la literatura y la realidad. Recuperado el 13 de Septiembre del 2012, de http://www.minotaurodigital.net/textos.asp?art=86&seccion=Cine&subseccion=articulos
Tipos y Formatos de Películas (s. f.). Recuperado el 13 de Septiembre del 2012, de http://www.kodak.com/cluster/lar/plugins/acrobat/es/motion/publicaciones/referenceGuide/plugins_acrobat_es_motion_newsletters_filmEss_05_Film_Types_and_Formats.pdf
Parte 1
ResponderEliminarAnálisis de algunas técnicas utilizadas en cine.
Tomas y planos.
Elegir bien un tipo de toma es fundamental para transmitir lo que se desea al espectador, en términos generales existen unos siete tipos de tomas divididas a su vez en subgrupos, estos son el encuadre, angulación, punto de vista, movimiento de cámara, planos especiales, planos contra planos y transiciones.
El encuadre se refiere a la distancia que se encuentra la persona o el objeto de la cámara, es decir la profundidad de la toma, varia según distancia; por ejemplo el Plano General Largo es aquel que nos permite enfocar paisajes y escenas con gran profundidad, mientras que el Plan detalle permite enfocar objetos en especifico a lo que se le quiera dar énfasis.
La angulación permite crear una imagen estéticamente agradable, además permite denotar inferioridad o superioridad de un personaje hacia otro, en general permite que una toma sea dinámica ya sea con tomas como la “Flip over” que presenta a dos objetos en diferente orientación, como por ejemplo a alguien en el techo mientras otro esta en el piso, o el “Plano Semisubjetivo” normalmente usado en escenas de terror para mostrar que alguien esta mirando a otro por las espaldas mientras este no nota su presencia.
El punto de vista muestra la percepción de alguien o algo hacia otra como por ejemplo una toma que parezca que se esta haciendo a través de binoculares.
Cuando se habla de movimiento de cámara hace referencia a el travelling esto significa que la cámara se mueve con forme se mueven los personajes.
Los planos especiales y las transiciones más que todo permiten entender el contexto de la toma en si, donde se lleva acabo, además permite mostrar dos imágenes de eventos que estarían pasando al mismo tiempo.