Maratón de Cortos Costarricenses

Recomendación de la semana:
Maratón de cortometrajes de cine costarricense
De 10 am a 6 pm por Canal UCR
Sábado 12 de Octubre

Reaposición tarea #1: Recuperación de nota tarea #1

-Ver y registrar título y autor de 5 cortos.

Bibliografía de Apreciación de Cine Grupo Viernes 3pm
Profesor Nelson Díaz

https://www.dropbox.com/sh/la3jijamy18r8xk/keo_T4t5T-

Lectura #1:

"El Lenguaje del Cine" (Marcel Martín) págs 26 - 94
Temas:
1-Caracteres fundamentales de la cinematografía
2-La función creadora de la cámara
3-Elementos fílmicos no específicos
4-La Elipsis

Lectura #2

"El Lenguaje del Cine" (Marcel Martín) págs 94 - 178

5-Enlaces y transiciones
6-Metáforas y símbolos
7-Los fenómenos sonoros
8-El montaje

Lectura #3

"El Lenguaje del Cine" (Marcel Martín) págs 178 - 194

9-La profundidad de campo
10- Los diálogos

Cine Clásico de Holywood

I.3 Cine clásico de Hollywood

La investigación está dedicada a un conjunto de textos fílmicos producidos en el marco institucional conocido como Hollywood. Esta institución trae consigo un conjunto de temas y una manera de construir la narración cinematográfica que se ha consolidado como la hegemónica a través del mundo, y que ha sido denominada por diversos autores como narratividad clásica, cine clásico de Hollywood, Modo de Representación Institucional (MRI) o, como prefiere la presente investigación, ‘forma narrativa clásica’. La comprensión de sus características es relevante para entender mejor la visión de mundo en los textos fílmicos western y noir.

La narración clásica surge de manera paulatina en el interior de los estudios cinematográficos, mediante procesos de prueba y error, dirigidos a acertar en las preferencias y expectativas del público[1]. Bordwell señala los años de 1917 y 1960 como las correspondientes fechas de apertura y clausura del apogeo de la forma narrativa clásica; entre estas fechas la producción estuvo dominada por un estilo definido y homogéneo, el cual permaneció constante a través de las décadas, los géneros, los estudios y el personal[2]. Señala el primer año como el inaugural, porque es a partir de entonces que la mayoría de las películas estadounidenses utilizaron sistemas narrativos, temporales y espaciales similares. En cuanto al cierre, postula razones históricas y de conveniencia: este año coincide con la toma de “conciencia” de Hollywood respecto a sus propios relatos, la penetración de la televisión, el cambio en la estructura de los estudios y el encuentro con otras cinematografías que cuestionaban el estilo clásico[3]. Como se expone en los siguientes capítulos, los textos fílmicos de los géneros western y negro son ejemplos de las características de la forma narrativa clásica y de las transformaciones que esta experimentó entre los años 40 y el fin de su apogeo, al comenzar los años 60.

A partir de 1960, más que de un abandono de la forma narrativa clásica, lo que ocurre es una evolución propiciada por los avances tecnológicos, promovida por los creadores del mismo Hollywood y que estuvo relacionada con el conocimiento de relatos de otras latitudes[4]. Estas modificaciones fueron generalmente detalles temáticos y formales; no variaron en cambio los principios que todavía hoy guían las narraciones cinematográficas estadounidenses, como son el realismo romántico, el efecto de realidad o el montaje en continuidad[5]. Prueba de la permanencia y de la buena salud de la forma narrativa clásica es que aún hoy, los mismos manuales de aprendizaje cinematográfico ‘prescriben’ su utilización[6]. Por estas razones, la noción de cine clásico “se mantiene como una verdadera piedra de toque, una referencia central en el campo de los estudios sobre cine”[7].

Tanto en la actualidad, como en la época que es señalada como su apogeo, la forma narrativa clásica se desarrolló a contracorriente de las otras artes. Mientras que la plástica, la música y la literatura dedicaron el siglo XX a la renovación formal y perceptual, el cine de Hollywood estabilizó ciertas formas de mostrar y narrar[8]. Incluso, puede afirmarse que estas formas de narrar y mostrar remiten a un siglo atrás, el XIX. De acuerdo con Vanoye, el modelo clásico, en el plano cinematográfico, proviene del realismo francés, en el plano literario[9]; esto es Honoré de Balzac, y escritores que siguieron su estilo, como el inglés Charles Dickens. Por su parte, Bordwell indica que la forma narrativa clásica heredó del melodrama del siglo XIX la importancia que brinda a la exposición de rasgos inequívocos y delineados con claridad[10]. Esto incluye la individualización a partir de rasgos, tics o muletillas y la presencia de nombres propios característicos o estereotipadores. Así, los personajes son tipificados de acuerdo con su ocupación, edad, género e identidad étnica, a los que se suman rasgos que generalmente dependen de la función narrativa[11].

Explica Schmidt que pese a su aparente rigidez, el modelo clásico también está compuesto por procedimientos “libres”, los cuales hicieron posible su evolución a partir de 1960. Estos permiten “por un lado, el desarrollo de la creatividad de los autores individuales y, por otro, la posibilidad de creación de diversos géneros con sus peculiaridades”[12]. Esta libertad hizo posible la renovación de los procedimientos canónicos a través de los aportes de creadores o filmes concretos, si bien no hay modificación radical del modo de representación.

Es poco probable que un solo texto fílmico presente a la perfección todas las normas, pues “ninguna película de Hollywood es el sistema clásico; cada una de ellas representa un “equilibrio inestable” de las normas clásicas”[13]. En tanto sistema de producción, Hollywood no determinaba —ni determina— todos los detalles significantes de una película, pero sí aislaba las prácticas habituales y ponía límites a la invención[14].

I.3.1 La denominación “clásico”

El término “clásico” ha sido utilizado de manera abundante en la historia del arte y de la literatura, e incluso de la cultura popular, para señalar obras de una antigüedad no determinada, ejemplares por su excelencia o su correspondencia con un canon. En los estudios cinematográficos el clasicismo no tiene necesariamente esos sentidos.

Se ha señalado a André Bazin como el primero que se refirió al cine de Hollywood como ‘clásico’[15]. En este caso, el término no tenía que ver con la antigüedad del texto fílmico, pues Bazin analizaba los filmes estadounidenses que veía estrenarse en las salas de cine francesas en los años 30, 40 y 50; aseguraba que al verlos:

“se experimenta el sentimiento de un arte que ha encontrado su perfecto equilibrio, su forma ideal de expresión, y recíprocamente admiramos algunos temas dramáticos y morales a los que el cine no ha dado una existencia total, pero a los que por lo menos ha elevado a una grandeza y a una eficacia artística que no hubieran conocido sin él. En resumen: todas las características de la plenitud de un arte “clásico”[16].

Con mayor mesura y varias décadas de distancia, Bordwell enumera los principios que Hollywood atribuía a sus producciones. Estas se basaban en “nociones de decoro, proporción, armonía formal, respeto a la tradición, mímesis, modestia artesanal y un control impasible de la respuesta del receptor[17].

De forma coincidente, Russo afirma que el clasicismo en el lenguaje cinematográfico parece vincularse con un estilo fundado en el equilibrio y la inclusión del espectador, la construcción de personajes, historias y espacios al servicio de la narración, y la tendencia a una “lógica de transparencia” en la organización de los materiales narrativos[18].

Bazin caracterizó por su fondo y forma los textos fílmicos que ejemplifican al cine clásico. En cuanto al fondo, la mayoría pertenecían a grandes géneros con elaboradas reglas, “capaces de contentar a un amplio público internacional y de interesar también a una élite cultivada con tal de que a priori no sea hostil al cine”[19]. Respecto a la forma, destacó una fotografía y una planificación claras y acordes con su tema. Subraya Bazin que sin importar las variantes la planificación en la narración clásica, presenta los mismos puntos:

-          Verosimilitud del espacio: el lugar del personaje estará siempre determinado, incluso cuando el tipo de plano elimine el decorado.

-          Intención y efectos de la planificación serán exclusivamente dramáticos o psicológicos[20].

Elaboración industrial y reglamentada, planificación y funcionalidad de los componentes de la narración —que es además verosímil—, son las características citadas por Bazin que reaparecen en posteriores caracterizaciones de la forma narrativa clásica. Por ejemplo, David Bordwell resume la narración clásica en tres proposiciones generales:

1.      El tratamiento de la técnica fílmica para la transmisión de la información de la historia por medio del argumento.

2.      Un estilo de gran claridad denotativa, que invita al espectador a construir un tiempo y un espacio coherentes y consistentes para la acción de la historia.

3.      Un número estrictamente limitado de recursos técnicos organizados en un paradigma estable y ordenado probabilísticamente según las demandas del argumento”[21].

Explica Onaindia que el cine clásico fue muy estricto respecto a la estructura de las unidades dramáticas y narrativas, al punto que “canonizó y sistematizó las fórmulas de composición de las películas, haciendo lo posible para que la libertad de inventar nuevas historias (…) fuera compatible con el máximo rigor y respeto a las normas en el modo de contarlas”[22]. En este sentido, indica Bordwell que los usuarios de esta forma narrativa clásica —productores, directores, guionistas, técnicos— se reconocían como constreñidos por reglas que establecen límites rigurosos a la  creación individual. Límites como que

“narrar una historia es la preocupación formal básica (…); que la unidad es un atributo básico de la forma fílmica; que el cine de Hollywood pretende ser ‘realista’ tanto en el aristotélico (fidelidad a lo probable) como en el naturalista (fidelidad al hecho histórico); que el cine de Hollywood intenta disimular su artificio por medio de técnicas de continuidad y una narrativa ‘invisible’; que la película debe ser comprensible y no debe presentar ambigüedades; y que posee un atractivo emocional que trasciende clases y naciones”[23].

Confirma y complementa las características expuestas por Bazin y Bordwell la definición de cine clásico de Colin McCabe, que es recuperada por Russo. Un texto fílmico clásico es realista, generador de mundos de ficción coherentes, sin ambigüedades en la exposición de causas y efectos, con personajes congruentes consigo mismos y con las historias que protagonizan. La definición destaca como rasgos el realismo psicológico y una serie de normas de sintaxis, como antes fue señalado, fueron prescritas como una verdadera “gramática cinematográfica”.

Dentro de la narración clásica tiene preeminencia la “verosimilitud”, la cual está vinculada a la causalidad. Lo verosímil deriva de lo necesario, que es consecuencia de los encadenamientos lógicos dispuestos por el relato: espectador “aceptará un suceso como verosímil con tal de que esté inscrito en la cadena de causas y efectos y sea suficiente el despliegue de las preparaciones, motivaciones y justificaciones”[24].

Para contar sus historias, el cine clásico recurre a un montaje articulado en torno a la simplicidad. Aún hoy, incorpora los puntos de vista sucesivos, característica que facilita una mejor comprensión de lo que se desarrolla en el interior del cuadro cinematográfico. Asimismo, la continuidad narrativa viene dada por los planos y contraplanos tanto visuales como acústicos. El montaje como articulador de todos estos elementos pasaba inadvertido[25]; es decir: el dispositivo es transparente. Es así como puede afirmarse que el cine clásico es un discurso —es decir, una instancia narrativa— que se transforma en historia —finge que esta instancia narrativa no existe—. Es por la transparencia que es posible el denominado ‘efecto de realidad’, expuesto en un apartado anterior. El texto cinematográfico clásico:

“Nos presenta una historia que se cuenta sola y que adquiere un valor esencial: ser como la realidad, imprevisible y sorprendente. Parece como si uno estuviera deletreando, sin ayuda de nadie, entre una serie de noticias de sucesos. Esta apariencia de verdad le permite enmascarar tanto lo arbitrario del relato y la intervención constante de la narración, como el carácter estereotipado y reglamentado del encadenamiento de las acciones”[26].

En cuando a la estructura del guión, Vanoye señala como características de la forma narrativa clásica la estructura temporal lineal, la narración “objetiva” (es decir, ausencia de narrador específico) y la existencia de uno o dos personajes centrales y de una intriga principal[27]. Por esto, califica el modelo clásico de neo o pseudoaristotélico. Conlleva una serie de exclusiones que los manuales de guión explicitan, como son la historia inacabada o no cerrada; la que carece de clímax o su clímax se ubica al comenzar el relato; la que está basada en una yuxtaposición de episodios conectados o en cambios de orientación de la lógica de las causas y efectos; finalmente, aquella que no está basada en un personaje central.

Reconoce Bordwell que por su manejo del espacio y del tiempo, la narración clásica hace del mundo de la historia una construcción internamente coherente, por la que la narración parece avanzar desde el exterior. Pero recalca la relevancia del espectador para que esta construcción sea finalmente acertada:

“La manipulación de la puesta en escena (comportamiento de los personajes, iluminación, decorados, vestuario) crea un acontecimiento profílmico aparentemente independiente, que se confiere en el mundo tangible de la historia encuadrado y registrado desde fuera. Este encuadre y este registro suelen tomarse como la propia narración, que puede a su vez ser más o menos abierta, más o menos ‘intrusiva’ respecto a la postulada homogeneidad del mundo de la historia. La narración clásica, pues, depende de la noción del observador invisible”[28].

De acuerdo con Bordwell, para la caracterización del cine clásico de Hollywood es más pertinente que la transparencia el hecho de que son relatos que descansan en una causalidad generada en la acción y reacción de la voluntad humana[29]. Esto significa que los textos fílmicos clásicos enfatizan el factor humano y brindan poca o ninguna importancia a las causas naturales y, especialmente, al azar o a lo inexplicable. Es por la prioridad que tiene la causalidad que la visión de mundo en los textos fílmicos clásicos generalmente carece de ambigüedad[30].

Bordwell y Thompson subrayan que dentro de una narración clásica el encadenamiento de acciones obedece a causas predominantemente psicológicas. Los textos fílmicos de Hollywood son protagonizados por individuos psicológicamente definidos, los cuales luchan por resolver un problema o alcanzar objetivos específicos. En el cumplimiento de esta tarea, el personaje entra en conflicto con otros personajes o con circunstancias adversas. En su conclusión, la historia presenta una victoria decisiva o una derrota, la resolución del problema o la consecución de los objetivos. El principal medio causal es el personaje, un individuo claramente diferenciado, con una serie coherente de rasgos, cualidades y conductas evidentes[31].

La precisa definición del personaje garantiza la coherencia del guión y el correcto encadenamiento de causas y efectos. La motivación de los personajes es la generadora de causalidad y está enmarcada dentro de lo verosímil. La conversión de los rasgos personales y los objetivos del personaje en las causas de las acciones es una forma dramática específica del modelo clásico estadounidense.

Bordwell indica que el cine clásico incorporaba normas prácticas o ético-socio-políticas, entre las que se contaba el romance heterosexual, valor dentro de la sociedad norteamericana. Pero este valor, además, poseía una función estética en el cine clásico, como sería la motivación argumental[32]. Estas normas confluían con la propuesta realista, transparente y carente de ambigüedades, que antes ha sido expuesta, para caer finalmente en una “naturalización de ciertos comportamientos sociales y culturales”[33].

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[1] Schmidt, M. Análisis de la realización cinematográfica (Madrid: Síntesis, 1997), p. 55.

[2] Bordwell, D.; Staiger, J.; Thompson, K. El cine clásico de Hollywood (Barcelona: Paidós, 1997), p. 3.

[3] Ibíd, p. 10.

[4] Por ejemplo, entre las razones que propiciaron la ruptura del modelo clásico se encuentra la profundidad de campo, un recurso que comenzó a utilizarse en Hollywood a partir de Citizen Kane (Ciudadano Kane, 1941), de Orson Welles. Este recurso vino a introducir ambigüedad en la narración clásica.

[5] Russo, E. El cine clásico (Buenos Aires: El Manantial, 2008), p. 138.

[6] Vanoye, F. Guiones modelo y modelos de guión (Barcelona: Paidós, 1996), p. 28.

[7] Russo, E. El cine clásico (Buenos Aires: El Manantial, 2008), p. 10.

[8] Ibíd, p. 13.

[9] Vanoye, F. Guiones modelo y modelos de guión (Barcelona: Paidós, 1996), p. 51.

[10] Bordwell, D.; Staiger, J.; Thompson, K. El cine clásico de Hollywood (Barcelona: Paidós, 1997), p. 15.

[11] Ídem.

[12] Schmidt, M. Análisis de la realización cinematográfica (Madrid: Síntesis, 1997), p. 56.

[13] Bordwell, D.; Staiger, J.; Thompson, K. El cine clásico de Hollywood (Barcelona: Paidós, 1997), p. 5.

[14] Ibíd, p. 4.

[15] Stam, R.; Burgoyne, R.; Flitterman-Lewis, S. Nuevos conceptos en la teoría del cine (Barcelona: Paidós, 1999), p. 215.

[16] Bazin, A. ¿Qué es el cine? (Madrid: Rialp, 1966), p. 128.

[17] Bordwell, D.; Staiger, J.; Thompson, K. El cine clásico de Hollywood (Barcelona: Paidós, 1997), p. 4.

[18] Russo, E. El cine clásico (Buenos Aires: El Manantial, 2008), p. 25.

[19] Bazin, A. ¿Qué es el cine? (Madrid: Rialp, 1966), p. 128.

[20] Ibíd, p. 131.

[21] Bordwell, D. La narración en el cine de ficción (Barcelona: Paidós, 1996), p. 164.

[22] Onaindia, M. El guión clásico de Hollywood (Barcelona: Paidós, 1996), p. 96.

[23] Bordwell, D.; Staiger, J.; Thompson, K. El cine clásico de Hollywood (Barcelona: Paidós, 1997), p. 3.

[24] Vanoye, F. Guiones modelo y modelos de guión (Barcelona: Paidós, 1996), p. 29.

[25] Gutiérrez San Miguel, B. Teoría de la narración audiovisual. Madrid: Cátedra, 2006), p. 131.

[26] Aumont, J.; Bergala, A.; Marie, M.; Vernet, M.. Estética del cine (Barcelona: Paidós, 1996), p. 121.

[27] Ibíd, p. 80.

[28] Ibíd, p. 161.

[29] Bordwell, D.; Staiger, J.; Thompson, K. El cine clásico de Hollywood (Barcelona: Paidós, 1997), p. 14.

[30] Bordwell, D. La narración en el cine de ficción (Barcelona: Paidós, 1996), p. 162.

[31] Ibíd, p. 157.

[32] Bordwell, D.; Staiger, J.; Thompson, K. El cine clásico de Hollywood (Barcelona: Paidós, 1997), p. 5.

[33] Bordwell, D.; Thompson, K. El arte cinematográfico. Una introducción (Barcelona: Paidós, 1995), p. 429.

Cronología de la historia del Cine

Cronología de la historia del cine

1880

Surge por primera vez una cámara que podía capturar el movimiento. Este aparato cuenta con un sistema de rueda que le permite al rollo de la película moverse dentro de la cámara.

1892

En Francia, Émile Reynaud da representaciones de su teatro óptico en el Museo Grévin en París.

1893

Se crea en los estudios de los laboratorios Edison, en West Orange, New Jersey, el primer estudio de cine llamado Black Maria. La primera película que se presenta fue una serie de tomas que reconstruía un estornudo. Muchas de esas primeras imágenes en mo­vimiento son escenas sin editar y sin historia. Tan sólo muestran imágenes de perros callejeros, gente caminando en una calle o algunas escenas de trenes.

1894

Aparece otro invento de la compañía de Edison, llamado el kinetoscopio. En este aparato voluminoso se pasan imágenes que al activar una manivela adoptan movimiento. Es un aparato diseñado para un solo espectador.

El 14 de abril, los Hermanos Holland abren en Nueva York la primera sala especialmente diseñada para kinetoscopio en la Avenida Broadway N° 115 en Nueva York y, por primera vez, se exhibe comercialmente una película de cine al público.

Los primeros espectadores del kinetoscopio se maravillan con el solo hecho de mover la manivela del aparato y observar, por tan sólo 30 ó 60 segundos, algunas imágenes con movimiento. Las es­cenas más usuales contienen mujeres bailando, perros persiguiendo ratas y contorsionistas.

1895

Edison exhibe por primera vez películas coloreadas a mano. Entre esas se incluye Annabelle, the Dancer, presentada en Atlanta, Georgia.

En Francia, los hermanos Lumière, Louis y Auguste, inspirados por el trabajo de Edison, crean su propia versión de cámara y proyector llamado cinematógrafo. La ventaja de este aparato es que está diseñado para varios espectadores a la vez. La primera demostración pública se hace en marzo con la película La Sortie des Ouviers de L’Usine Lumière. La presentación alcanza un éxito absoluto a pesar de que se trata tan solo de una serie de imágenes de los trabajadores literalmente saliendo de una fábrica. Los espectadores sufren un shock tal que piensan que el tren se va a salir de la pantalla.

El 28 de diciembre se utiliza por primera vez la expresión cine o cinema, la cual se deriva de la palabra Cinematographe, cuyo lugar de origen fue París, Francia.

Los hermanos Lumière presentan la primera exhibición comercial de una película en un teatro de cine, en el Salón Indien, debajo del Grand Café Boulevar des Capucines. El programa de 20 minutos de duración tiene veinte presentaciones al día. En una de esas primeras presentaciones se exhibe la famosa comedia de un jardinero con una manguera (The Sprinkler Sprinkled364 o L’Arrouseur Arrose), que cuenta con escenas de la fábrica y una secuencia de un caballo galopando en su carruaje.

1896

En Francia comienza la producción del llamado cine-espectáculo: Alice Guy en la casa Gaumont y Ferdinand Zecca en Pathé. Georges Méliès realiza sus primeros filmes e inventa la técnica cinematográfica.

El primer beso cinematográfico aparece en una de las películas de Edison, de 1896, titulada The Widow Jones, pero, como es de esperarse, a la película se le conoce como The Kiss y los protagonistas fueron May Irwin y John Rice.

Promio, un operador de los hermanos Lumière, decide instalar su cámara sobre una embarcación para registrar los canales de Venecia, en lugar de colocarla sobre uno de los tantos puentes de esa ciudad italiana. Nace el primer travelling de la historia del cine. Los norteamericanos le llaman también tracking shot.

1897

Se construye en París el Biograph de Herman Casler, primer edificio especialmente diseñado para exhibir películas de cine.

Se ruedan filmes sobre los tejados de los edificios de Nueva York.

George Méliès, francés y uno de los miembros de la audiencia de los hermanos Lumière, fue quien construye en 1897 el primer estudio de cine europeo y crea cerca de 500 películas dentro de los siguientes 15 años. Su película más conocida es Le Voyage Dans La Lune (1902), en la que interpola varias escenas surrealistas y efectos especiales. Él también es quien por primera vez introduce el concepto de un guión y una historia para hilar las imágenes, así como el desarrollo de personajes, disolvencias y algunos efectos de edición. Quien perfeccionará estos conceptos será el norteamericano Edwin S. Porter.

Las compañías pioneras en el mundo del cine son la Biograph (fundada en 1896 por Edison) y Vitagraph (constituida en 1899).

Apertura en Constantinopla (Turquía) de la primera sala pública de cine.

1898

El inventor Edwin S. Porter patenta una versión mejorada de un proyector cinematográfico, el cual se empieza a usar para grabar eventos noticiosos. Porter, director de los estudios de Edison, es uno de los primeros operadores del kinetoscopio.

1900

El cine consigue un gran éxito en la Exposición Universal de París.

Italia, Gran Bretaña y España empiezan su producción cinematográfica.

Primer plano detalle de la historia del cine en el ultracorto de un minuto, Grandma’s reading glass de George Albert Smith. Este plano, también llamado insert, se da a través de la mirada de un niño que observa el incipiente bigote de su abuelita.

1901

George Méliès realiza el primer plano (close up para los gringos, gros plan para los franceses) de la historia del cine en L’homme à la tate de caoutchouc.

1902

En Estados Unidos, el Electric Theathre, la primera sala de cine, se construye en Los Ángeles, California. Cuenta con 200 sillas y se cobra 10 centavos por la entrada.

1903

Dos filmes usan por primera vez la técnica del paneo. En Matrimonio en auto del inglés Alfred Collins la cámara gira para tomar a los vehículos acercándose y luego alejándose. En The Life of an American Fireman de Edwin S. Porter, el primer documental que se hace en Norteamérica, el operador de la cámara decide mantener en el mismo cuadro el carro de bomberos desde que aparece en el fondo de la calle, avanza hasta llegar a la casa donde se había desatado un incendio y se detiene frente a su fachada.

Edwin S. Porter, produce en este mismo año The Great Train Robbery. Esta película tiene 14 escenas, dura aproximadamente 10 minutos y está basada en un atraco real a un tren. Esta es la primera película (de mayor metraje que las de Méliès) con un guión cinematográfico y la primera con una secuencia cronológica de imágenes.

1904

Apertura en Montreal de la primera sala pública.

William Fox, propietario de una sala de cine, es uno de los primeros que conforma una empresa de distribución de películas.

1905

En Alemania, Oscar Messter patenta un sistema de filme sonoro.

En Alejandría (Egipto) se procede a la apertura de una sala pública.

En Pittsburg, se abre el primer Nickelodeon diseñado por Harry Davis. Estos son pequeños teatros diseñados solamente para proyectar películas. Una de las primeras presentaciones que se hace en un Nickelodeon es la de The Great Train Robbery.

En esos teatros la mayoría de las veces se acompañan las películas de cine mudo con un pianista o cantantes contratados especialmente para la presentación de la cinta.

1906

En Rusia comienza la producción de filmes-espectáculo (Piotr Chardynin).

1907

Émile Cohl inventa el dibujo animado en Francia.

En el Instituto Marey, también en Francia, el doctor Nogués realiza los primeros filmes acelerados (140 cuadros por segundo).

1908

Los hermanos Laffitte fundan Le Film d´Art.

El cine descubre California: nacimiento de Hollywood, un barrio de Los Ángeles.

Estreno de The adventures of Dollie, primer largometraje de David Wark Griffith.

1909

Comienza la producción cinematográfica en Suecia y Polonia.

1910

En París, el Hippodrome del bulevar de Clichy se convierte en el Gaumont Palace, el cine más grande de Europa, con capacidad para 5.000 espectadores.

León Gaumont presenta en la Academia de Ciencias de Francia su cronófono, sistema de cine hablado por la unión del filme con un disco fonográfico.

1912

Carl Lámele funda Universal Films, la precursora de Universal Pictures, uno de los principales estudios en Estados Unidos.

Quince compañías operan en Hollywoodlandia convirtiéndola en la capital del cine gringo.

En Berlín se procede a la apertura del Marmorhaus, el local cinematográfico más lujoso de Europa.

1913

Primer filme del director sueco Mauritz Stiller, La máscara.

En EE.UU. nace la colaboración prensa-cine.

Charles Chaplin debuta en la Keystone con El prófugo.

En Rusia se estrena el primer documental de la historia del cine para conmemorar el tercer centenario de la dinastía de los Romanov.

Primer filme del director sueco Victor Sjöström, El jardinero.

El western The drifter realiza la primera back projection. Este procedimiento implica que los actores realizan su trabajo delante de una pantalla traslúcida sobre la cual, desde atrás, un proyector emite la imagen de un ambiente.

1914

Estreno en Alemania de El golem de Henrik Galeen.

1915

En Francia se crea el Departamento de producción cinematográfica y fotográfica del Ejército.

Por primera vez la cámara se libera del trípode y sale andando por la calle detrás de un personaje. El culpable de esta innovación llamada cámara al hombro o cámara en mano es el cineasta canadiense Allan Dwan y su filme David Harum. El operador es Henry Lyman Broening.

1916

Se estrena Intolerance, obra clave de la historia del cine. David Wark Griffith, su director, padre de la gramática cinematográfica, es el que sistematiza el uso del close up; es autor del primer flashback y del montaje de acciones paralelas; fue el primero, también, en combinar luz artificial con luz natural y el instaurador de la salvación del héroe en el último minuto (técnica de narración que fue bautizada como Griffith´s last minute rescue). Es el creador de las tres leyes fundamentales de la narrativa cinematográfica: acción, tiempo y espacio. Sus películas influyeron en Eisenstein y Welles.

1917

Camille de Morlhon funda en Francia la Sociedad de autores cinematográficos.

La película argentina El apóstol de Federico Valle es el primer largometraje de dibujos animados no silente, según el Libro Guinness de los Récords. Se trata de una sátira política sobre el entonces presidente del país, Hipólito Yrigoyen, que dibujaron Quinto Cristiani y Diógenes Taborda.

1918

Se estrena J’accusse de Abel Gance.

Nacimiento de la crítica de cine. Louis Delluc crea una columna regular sobre filmes en el periódico Paris-Midi.

En Alemania nace la Universum Film Aktiengesellschaft (UFA).

Primeros largometrajes de Charles Chaplin.

Creación del primer palacio del cine en Los Ángeles, California al que bautizan como el Teatro del Millón de Dólares.

1919

Teoría del cine-ojo (realismo documental) de Dziga Vertov.

Charlie Chaplin, Mary Pickford, Douglas Fairbanks y D. W. Griffith fundan United Artists que llegaría a ser en una de las grandes compañías productoras de Hollywoodlandia. Los fundadores nunca pensaron que llegaría a convertirse en el legendario estudio que llegó a ser. Empieza como una compañía distribuidora cuya misión fue realizar filmes hechos por productores independientes.

1920

En Alemania se estrena El gabinete del Dr. Caligari, primer filme expresionista.

1921

Se estrena The kid, el primer largometraje de Charles Chaplin y The four horsemen of the Apocalypse de Rex Ingram con Rodolfo Valentino.

1922

En EE.UU. nace la organización Hays (M.P.P.A.) que busca velar el cumplimiento de la moralidad en las películas.

1923

Se estrena Gösta Berlings saga de Mauritz Stiller, con Greta Garbo.

Wladimir Zworykin, un exiliado ruso que trabaja para la RCA, patenta el tubo de rayos catódicos, invento que será fundamental para la creación de la televisión.

1924

Estrenos trascendentes: Los Nibelungos de Fritz Lang y Our hospitality de Buster Keaton.

1925

Estrenos importantes: El acorazado Potemkin de Sergei M. Eisenstein. The gold rush de Charles Chaplin. Greed de Eric von Ströheim.

En medio del decenio del veinte, florece el cine europeo y un número importante de estrellas que están en pleno ascenso son contratadas por Hollywood. Es el caso del actor Bela Lugosi (Drácula); exitosos directores alemanes como F.W Murnau (Nosferatu), Ernest Lubitsch (To be or not be, Heaven can wait); los productores Alexander Korda, el director Michael Curtiz (Casablanca); la actriz Greta Garbo, entre otras.

1926

Presentación en el Warner Theatre de Nueva York de Don Juan de Alan Crosland, primer filme sonorizado a partir del procedimiento Vitaphone.

1927

El francés Henri Chrétien inventa la lente Hypergonar, mejor conocida como lente anamórfica. Una vez que esta lente se inserta en la cámara comprime casi a la mitad la imagen registrada en el fotograma, en sentido horizontal. Colocada en un proyector, la imagen se expande nuevamente.

Se estrenan The jazz singer, primer filme hablado y cantado (aunque tenía más canciones que diálogos).

También se estrenan Napoleón de Abel Gance, La pasión de Juana de Arco de Carl T. Dreyer y Ben-Hur de Fred Niblo.

Se abren las puertas del teatro Hollywood Boulevard con la premiere King of Kings, de Cecil B. DeMille.

En mayo se crea The Academy of Motion Picture Arts and Sciences. Douglas Fairbanks Senior es el primer presidente.

1928

La Academia de Artes Cinematográficas y Ciencias de Hollywood realiza la primera entrega de los premios Oscar. Wings de William A. Wellman gana el premio a la mejor película; Emil Jannings (The way of all flesh y The last command) al mejor actor; y Janet Gaynor (Sunrise, Street angel y Seventh heaven) a la mejor actriz.

Estreno de Lights of New York (no confundir con City lights de Chaplin) de Bryan Foy, primer filme totalmente sonoro.

Primeros dibujos animados de Mickey Mouse (el Ratón Miguelito de Walt Disney) y de Betty Boop (creación de Max Fleischer).

Rouben Mamoulian, un director de Broadway de gran éxito, revoluciona el cine con el estilo elegante y fluido de sus películas, entre las que se encuentran Aplause. Esta película es la primera en utilizar una revolucionaria técnica de sonido con una banda sonora de dos canales con diálogo sobrepuesto.

1930

El sonido revoluciona Hollywoodlandia en la década de los 30.Las películas sonoras descubren las voces de los actores favoritos del público. La enigmática estrella del cine mudo Greta Garbo, deja escuchar su profunda voz en Anna Christie (1930).

1931

El argentino Quinto Cristiani, uno de los dibujantes de El apóstol (ver en esta misma cronología el año 1917), es el responsable del primer largometraje de dibujos animados sonoro en color: Peludópolis (1931), que también fue una sátira contra Yrigoyen al que apodaban El Peludo.

En Italia se fundan los estudios Cinecittà.

El rodaje de The Front Page (1931) combina una cámara móvil con un diálogo ocurrente y rápido y una edición de mucha más velocidad para la época.

1932

Se estrena el primer corto a colores: Una cinta de dibujos animados de Walt Disney, Flowers and Trees.

Scarface de Howard Hawks, paradigmática obra del género de gangsters.

Después de 1932, el proceso de mezcla de sonido libera al cine de las limitaciones de tener que grabar el sonido en el lugar de rodaje.

Zéro en conduite de Jean Vigo.

Benito Mussolini instituye el Festival de Cine de Venecia, certamen al que utiliza como plataforma propagandística del fascismo italiano.

1933

En Alemania, Joseph Goebbels funda la Reichsfilmkammer.

1934

Empiezan a regir normas sobre el contenido sexual, religioso y de violencia en los filmes. El organismo Production code ya había fijado estas leyes en 1930.

1935

Se estrena Becky Sharp (1935) de Rouben Mamoulian, el primer largometraje a colores.

Los guiones empiezan a tener diálogos ocurrentes y personajes y argumentos realistas. Así mismo, surgen los géneros cinematográficos. Entre ellos el policial, el western, el musical, el cine de terror, entre otros.

En el decenio del treinta, el lado comercial del cine estadounidense está dominado por cinco estudios: Twentieth Century Fox, Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount, Warner Bros. y RKO Radio. Estos estudios mantienen una influencia total sobre los actores, escritores, directores y los productores durante todo el decenio de los cuarenta.

Los jefes de producción de los principales estudios, Irving Thalberg (MGM), David O. Selznick (RKO, MGM), y Darryl Zanuck (Fox), suelen confiar en los presidentes de las empresas para tomar decisiones sobre las películas que se van a rodar. Thalberg es responsable de varias cintas ganadoras del Oscar a la mejor Película, entre ellas Grand Hotel (1932), Mutiny on the Bounty (1935) y The Great Ziegfeld (1936).

David Selznick renuncia a su puesto en la MGM y funda Selznick International Pictures.

1936

Olympia de Leni Riefenstahl incluye una de las primeras tomas en cámara lenta de la historia del cine. Los alemanes usan el término zeitlupe (lente del tiempo) para designar a este procedimiento que muestra 36, 48 o 72 cuadros por segundo. Los anglosajones usan el típico slow motion o ralentí. Este último un vocablo del metalenguaje automotriz.

1937

Los adelantos en los procesos de efectos especiales hacen posible rodar en decorados económicos en lugar de tener que gastar grandes cantidades en desplazamientos a escenarios naturales. Dos buenos ejemplos de estos rodajes con decorados son The Hurricane y Captains courageous, estrenados este año.

Se estrena Snow White and the seven dwarfs (1937), el primer largometraje de dibujos animados de Walt Disney.

Se abre en Los Ángeles el primer cine al aire libre para automóviles.

1938

Finalizando la década, MGM promete «más estrellas de las que hay en el firmamento». Es el estudio que tenía contratados a los nombres más importantes: Joan Crawford, Clark Gable, Myrna Loy, William Powell, Greta Garbo, Norma Shearer, Jean Harlow, Robert Montgomery y Spencer Tracy, entre otros.

Nace el festival de Cannes que tiene que ser interrumpido durante la segunda guerra mundial.

1939

Se estrena The wizard of Oz con Judy Garland, largometraje en technicolor.

David Selznick y su Selznick International Pictures realiza Lo que el viento se llevó (1939), su mayor éxito. En esa película Selznick insiste en usar palabras de grueso calibre para la época. En boca del galán Clark Gable se escucha: «Frankly, my dear, I don´t give a damn». Por utilizar esa palabra (damn) en desafío de las ordenanzas se le impone una multa de $5.000 dólares.

1940

Al inicio de esta década, el mundo empieza a alistarse para la guerra y la industria cinematográfica cumple un papel fundamental en el proceso de preparar a la gente, realizar propaganda, difundir noticias, producir documentales y servir como medio para difundir moral y principios.

Alfred Hitchcock, quien recientemente había migrado a América, dirige Foreign Correspondent, una película que termina con una súplica a los Estados Unidos para que reconozcan que los nazis son una amenaza muy peligrosa en Europa y que ellos deben involucrarse con la causa.

Charlie Chaplin protagoniza y dirige en su primera película hablada The Great Dictator, una historia de guerra antifascista y satírica.

1941

En 1941, Orson Welles, un joven de 25 años enamorado del cine, co-escribe, dirige y actúa como protagonista de su magistral película Citizen Kane, considerada como una de las mejores películas en la historia del cine.

1942

Se estrena Casablanca, dirigida por Michael Curtiz. Llama la atención el papel de Humphrey Bogart que refleja la neutralidad norteamericana de antes de la guerra con la famosa frase «I stick my neck out for nobody»

La película más famosa del actor y futuro Presidente de EE.UU., Ronald Reagan, es Kings Row en la que el personaje, luego de perder en un accidente sus piernas, dice: «Where’s the rest of me?».

1944

La Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood entrega los primeros Globos de Oro. La mejor película es Bernardette’s song.

1946

Primera edición oficial del Festival de Cannes.

Roma, ciudad abierta de Roberto Rosellini.

Revelación en Europa del cine mexicano con el estreno de María Candelaria de Emilio Fernández en Cannes.

El Technicolor, la técnica que permite ponerle color a las películas desarrollada a finales de los años treinta, es utilizado muy poco en los cuarenta, como consecuencia de la generalizada reducción de costos que implantan los grandes estudios durante la guerra.

Al final de la década, las películas hechas en acetato remplazan a las de celulosa de nitrato que eran inflamables y que causaron el deterioro de muchas películas antiguas.

1947

La academia de Hollywoodlandia instaura el Special Achievement Award para el mejor filme extranjero, sin necesidad de que existan candidatos. Años después esta categoría en los Oscar se llamará Best foreign language film. Esta modalidad de premiación dura hasta 1955 en que cinco nominados (previa selección) empiezan a competir por el Oscar.

1948

Muere Sergei M. Eisenstein.

Se estrena Jour de fête de un nuevo cómico, Jacques Tati, Monsieur Verdoux de Charles Chaplin, Ladrón de bicicletas de Vittorio de Sica, The third man de Carol Reed y Hamlet de Laurence Olivier.

Para el final de la Segunda Guerra Mundial, el género que se asocia más con las películas de Hollywoodlandia es el film noir, un género que refleja una sociedad que va perdiendo sus valores.

1950

Estreno de Los olvidados de Luis Buñuel.

Primer Festival de cine de Berlín.

Rashômon de Akira Kurosawa causa furor en el Festival de Venecia.

La Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood entrega el primer Globo de Oro al mejor filme extranjero. Ladrón de bicicletas de Vittorio de Sica gana dicho honor.

1951

Los estudios de cine en Norteamérica empiezan a concebir formas de ganar dinero con la televisión: transforman sus estudios y empiezan a rodar más horas de película para la pantalla chica. Las estrellas de televisión se convierten en estrellas de cine. Uno de los primeros es Charlton Heston.

La Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood que entrega los Globos de Oro separa el premio al mejor filme en dos categorías: Mejor drama y mejor musical o comedia.

1952

Hollywood continúa utilizando medios nuevos para seducir al público: Cinerama, 3D cinema y CinemaScope. La gigantesca pantalla envolvente de Cinerama hace su aparición durante este año. Esta técnica exige tres cámaras, tres proyectores y pantallas semicurvas entrelazadas. La primera película que se rueda con este medio fue This is Cinerama (1952). Aunque el invento produce unos pocos éxitos más, se abandona cuando deja de ser una novedad; además, el equipo y la construcción de salas especiales resultan demasiado caros.

Estas gafas especiales hacen que las imágenes salten de la pantalla, pero no llegan a ser muy populares porque las imágenes se ven algo borrosas. El efecto de tres dimensiones no puede compensar el hecho de que la mayoría de las películas son de contenido superfluo.

Los años cincuenta son la era de Cecil B. DeMille y sus megafilmes como The ten commandments. Los presupuestos aumentan y con ellos la duración de las películas. La mayoría de los espectaculares largometrajes que Hollywood produce en esta época se desarrollan en Grecia, Roma o en los tiempos bíblicos.

1953

El cine con truco, como el de tres dimensiones, requiere que el público lleve gafas especiales polarizadas. Las películas rodadas de esta forma, y que se estrenan este año, son generalmente de terror, ciencia-ficción y musicales: House of Wax, Kiss Me Kate, It Came From Outer Space.

La afluencia de público a las salas de cine de Norteamérica declina con la expansión de la televisión. NBC se convierte en la primera cadena de televisión de EE.UU. Ellos también son los primeros en retransmitir la ceremonia de entrega de los premios Oscar.

1954

Se estrena Muerte de un ciclista de Juan Antonio Bardem (padre de Javier), Senso de Luchino Visconti, y La strada de Federico Fellini.

El Cinemascope es uno de los primeros de los procesos de pantalla ancha en los que los estudios de cine invierten en su guerra contra la televisión. Otros son VistaVision, SuperScope, 70 Mm., Panavision-70, Technirama y Ultra Panavision.

1955

Hitchcock usa VistaVision en algunas de sus películas más famosas como To Catch a Thief (1955), The Man Who Knew Too Much (1956), Vértigo (1958) y North by Northwest (1959).

La Asociación de la Prensa Extranjera en Hollywood empieza a entregar Globos de Oro a lo mejor de la industria televisiva.

El mundo del silencio, del comandante Jean-Yves Costeau, es el primer gran filme en colores sobre una exploración submarina.

La película en blanco y negro Marty (1955) es la primera, de origen norteamericano, en recibir el galardón a la Mejor Película en el Festival de Cine de Cannes desde que se creó el premio. Gana, además, cuatro premios de la Academia, uno de ellos a la Mejor Película. Nada mal para un filme que fue concebido para la televisión y luego fue transferido a formato de cine.

1956

Se filman tres épicas innovadoras: The Ten Commandments, Giant y Around the World in 80 Days; en este último título hace su primera aparición en Hollywoodlandia el mexicano Mario Moreno Reyes, alias Cantinflas. 

Los estudios venden los derechos de retransmisión por televisión de las películas rodadas antes de 1948. The wizard of Oz (1939) se ve por primera vez en televisión en noviembre de 1956.

La firma Ampex lanza al mercado la primera videograbadora o magnetoscopio donde la señal (vídeo y audio) queda registrada en una cinta de dos pulgadas de ancho. El aparato no es en lo absoluto portátil, pues resulta demasiado grande para ser manipulado.

1959

Hiroshima mon amour de Alain Resnais supone el inicio de la nouvelle vague.

Estreno de Fresas salvajes de Ingmar Bergman y La aventura de Michelangelo Antonioni.

1962

La televisión norteamericana empieza a servir de entrenamiento para muchos directores en este nuevo decenio. Algunos de los que comienzan sus carreras en televisión acaban creando algunas de las mejores películas que surgirán en los años sesenta: To Kill a Mockingbird de Robert Mulligan, The Manchurian Candidate de John Frankenheimer y Bonnie & Clyde de Arthur Penn.

1961

Primeras manifestaciones del cinema vérité: Chronique d´un été de Jean Rouch y el sociólogo Edgar Morin.

TWA Airlines es la primera aerolínea en exhibir una telenovela By Love Possessed (1961) protagonizada por Lana Turner.

Con la muerte de los magnates del cine Louis B. Mayer de MGM y Harry Cohn de Columbia, el sistema de los estudios cinematográficos —en el que un artista sólo podía trabajar para un determinado estudio— empieza a desaparecer. De esta forma, compañías multi-nacionales se apoderan de los más importantes estudios.

1963

La cinta Cleopatra cuenta con una pareja memorable: Elizabeth Taylor (la primera actriz en conseguir un contrato de un millón de dólares por un filme) y Richard Burton. Pero, al contrario de lo que se espera, esta película lleva casi a la ruina a la 20th Century Fox. Rodada en Roma, cuenta con escenarios sumamente lujosos y extravagantes, se utilizan miles de vestidos para el reparto y solo el guardarropa de Elizabeth Taylor tiene un costo de casi $ 200.000. Al final, termina costando $44 millones de dólares; sin embargo, Fox se salva de la ruina por el éxito de películas como The Longest Day y el triunfo inesperado de The Sound of Music dos años después.

1968

El festival de Cannes finaliza de forma súbita debido a las revueltas estudiantiles de mayo.

Este es el año de 2001: A Space Odyssey, la película más exitosa de ciencia-ficción de la década, que trata sobre la vida futura del hombre y su eterno sueño por conquistar el espacio. Es merecedora al Oscar de la Academia en la categoría de mejores efectos visuales y es nominada en las categorías de mejor director, mejor guión cinematográfico, y dirección artística. Directores como George Lucas son influidos por los efectos especiales de Kubrick como veremos en Star wars.

1970

Aunque los grandes estudios siguen dominando la distribución de las películas, otros sectores de la industria, como la producción, el rodaje y el financiamiento están cada vez más en manos de estudios y productores independientes. En los años setenta aparecen los actores-productores (Michael Douglas), directores-productores (Warren Beatty), guionistas-productores, directores-actores-guionistas (Woody Allen) y actores-guionistas (Buck Henry).

1972

Paul Newman, Sydney Portier, Robert Redford y Barbra Streissand forman la compañía productora First Artists. En orden cronológico inverso damos algunos de los títulos producidos por esta compañía: Tom Horn (1980) con Steve McQueen. The Main Event (1979) con Barbra Streisand. Agatha (1979) con Vanessa Redgrave y Dustin Hoffman. A Star Is Born (1976) con Streisand otra vez. The Life and Times of Judge Roy Bean (1972) y Pocket Money (1972), ambas protagonizadas por Newman.

1975

Muere asesinado Pier Paolo Pasolini, autor de El evangelio según Mateo.

La aparición de la primera grabadora de vídeo, Betamax de Sony, y el estreno de las primeras películas en este medio, da paso a una nueva industria que supondrá una nueva fuente de ingresos para las arcas de los estudios.

En los años setenta se resucita el idilio de los Estados Unidos por Hollywoodlandia. El éxito regular de los estudios se ve garantizado con el nuevo fenómeno de los blockbusters o películas taquilleras que suelen estrenarse durante el verano como Jaws. Difundida en Latinoamérica como Tiburón, se convierte en la película más taquillera de la historia, aunque es destronada rápidamente por Star wars dos años después426.

1976

The marathon man de John Schlesinger supone el bautizo de la steady cam. Este aparato revoluciona la forma de hacer travellings. Dos son los aportes de este aparato: primero, se trata de un ojo flotante y volador, que se puede instalar en cualquier punto, inclusive en objetos, permitiendo insólitas tomas subjetivas de cosas como platos que vuelan, flechas, balas, etc. Segundo, este aparato, inventado por Garret Brown, permite el monitoreo en vídeo lo que hace que el ojo del operador pueda despegarse de la cámara. Gracias a la steady cam existe en la actualidad un sinnúmero de sistemas con cámaras que corren y vuelan solas mientras son manejadas electrónicamente. Stanley Kubrick, cuatro años después, siste­matizaría el uso de este aparato en The shining, en la secuencia del laberinto nevado.

1977

El renacimiento que en esta década experimenta el cine estadounidense lo encabezan un grupo de directores rebeldes. Entre ellos se encontraban Robert Altman (MASH), Peter Bogdanovich (The last picture show), Francis Ford Coppola (The conversation), Brian de Palma (Carrie), Alan Pakula (Klute), Bob Rafelson (Five easy pieces), Martin Scorsese (Mean Streets) y Steven Spielberg (Jaws).

1981

Con el tiempo, los grandes estudios se dan cuenta de que no hay forma de asegurar que una película sea un verdadero éxito comercial. Prueba de ello es el éxito que tiene My dinner with Andre, del francés Louis Malle, la cual se basa literalmente en una conversación entre dos personas.

Ronald Reagan, antes Gobernador de California y Presidente de la Asociación de Actores, se convierte en el primer actor en conseguir la presidencia de los Estados Unidos.

1982

Volver a empezar de José Luis Garci gana el Oscar al mejor filme extranjero.

La colmena, del también español Mario Camus, gana el Oso de Oro en el festival de Berlín.

Der stand der dinge de Wim Wenders gana el León de Oro de la Mostra de Venecia.

Nuevas tecnologías aparecen en el mercado: el VHS, la televisión por cable, la transmisión vía satélite y películas grabadas en videocassettes aumentan la distribución y ganancias de la industria del cine. La televisión a color hace su triunfal entrada. Surge el sistema THX (de mano de George Lucas) y Dolby SR cuyo fin es mejorar notablemente la calidad del sonido.

1983

Ted Turner, quien fuese el fundador de la cadena de noticias CNN, adquiere uno de los más completos archivos de clásicos del cine de los estudios MGM y propone imprimirle color a todas y cada una de las películas que habían sido producidas en blanco y negro. Su idea fracasa (como fracasaría su matrimonio con Jane Fonda algunos años después) ante la negativa del público.

1984

Paris-Texas (con Natasja Kinski y Harry Dean Stanton) de Wim Wenders gana la Palma de Oro del Festival de Cannes.

1985

Muere Orson Welles.

1986

La Academia de Cine de España realiza la primera ceremonia de entrega de premios Goya. La mejor película es El viaje a ninguna parte de Fernando Fernán Gómez.

1987

Au revoir les enfants de Louis Malle gana el León de Oro en La Mostra de Venecia.

1989

Sex, lies and videotape de Steven Sodebergh gana la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

                                                                                                                                                                                                                                                                                             

Cinema paradiso de Giuseppe Tornatore gana el Oscar al mejor filme extranjero.

Esta década se caracteriza también por un sinnúmero de películas con secuelas de una deplorable calidad. Es el caso de Rocky II, III, IV, V; y Rambo II y III, entre otras.

1990

Martin Scorsese, Woody Allen, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, Robert Redford y Stanley Kubrick crean la Film preservation foundation. La institución busca preservar los clásicos de la historia del cine. De todas las formas artísticas, el cine es la más vulnerable, dice la página de inicio en el sitio internáutico de la fundación. Se han perdido el 50 por ciento de películas hechas en Norteamérica antes de 1950; mientras que tan solo el 10% de películas hechas antes de 1929 todavía están disponibles en los más diversos formatos. La fundación busca apoyar no solo la preservación sino también la restauración de filmes a través de la ayuda de las siguientes instituciones: The Academy of Motion Picture Arts and Science, The Academy Film Archive, The George Eastman House, The Library of Congress, The Museum of Modern Art (New York), UCLA Film and Television Archive, The National Center for Film and Video Preservation y finalmente la National Film Preservation Foundation. Uno de los primeros logros es la restauración de Napoleón de Abel Gance.

Wild at heart, de David Lynch, gana la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Los reproductores de vídeo están en casi todos los hogares de Estados Unidos; sin embargo, a comienzos de la década entran con fuerza al mercado los primeros videodiscos digitales (DVD) y el VCR pasa de moda.

Orion Pictures distribuye dos películas de éxito galardonadas con premios de la Academia antes de declararse en bancarrota: Dance with Wolves de Kevin Costner y The Silence of the Lambs (1991) de Jonathan Demme.

1991

Thelma and Louise de Ridley Scott es la primera película dentro del género de viajes en carretera protagonizada por mujeres.

1994

David Geffen, Jeffrey Katzenberg y Steven Spielberg fundan el primer estudio que surge en Hollywood en décadas: DreamWorks (SKG). Su primer estreno importante será The Peacemaker (1997) con George Clooney y Nicole Kidman. No es la primera vez que se da este tipo de alianzas. Está el caso de First Artists (ver en esta misma cronología el año 1972). David Wark Griffith, Charles Chaplin, Mary Pickford y Douglas Fairbanks fueron los primeros rebeldes que se agruparon bajo el nombre de United Artists (ver el año 1919).

1999

La peliculita independiente de Eduardo Sánchez y Daniel Myrick, The Blair Witch Project, un pseudo-documental en formato casero sobre una excursión juvenil supuestamente terrorífica, aprovecha los recursos de Internet y se acerca a una enorme cantidad de público. Este título está en el libro Guinness pues costó $ 22.000 y reportó ganancias mundiales de 240.5 millones de dólares.

Se estrena Eyes wide shut de Stanley Kubrick, la película que ostenta el récord del rodaje más largo. Nicole Kidman y Tom Cruise trabajaron durante 15 meses. La filmación no se detuvo durante 46 semanas. Kubrick, que falleció antes del estreno, también ostenta el récord Guinness de repetición de tomas de una escena, pues hizo repetir 127 veces un diálogo en The shining (1980), protagonizada por Jack Nicholson.

2000

Star wars: Episode I de George Lucas se convierte en la primera película en la historia del cine rodada en su totalidad en un sofisticado sistema de vídeo superior al HDT (High definition television).

2001

Amélie de Jean Pierre Jeunet llega a convertirse en la película francesa más taquillera. Hasta abril de 2002 acumuló $ 144.488.955 en todo el mundo.

Steven Spielberg es asegurado por 1.200 millones de dólares. Este importe reflejaría los ingresos que dejaría de recaudar la compañía que Spielberg fundó con David Geffen y Jeffrey Katzenberg en caso de fallecimiento del cineasta. Se trata del seguro de vida más caro que existe, según el libro Guinness de los Récords. Este dato contrasta con el de Jackie Chan que ha aparecido en más de 90 filmes sin ningún tipo de dobles, y resulta que ninguna compañía de seguros se ha atrevido a asegurarlo, según el libro citado.

Ratas, ratones, rateros, la ópera prima de Sebastián Cordero, se convierte en la primera película en la historia del cine ecuatoriano en ganar importantes galardones internacionales (el festival de Huelva, es uno de ellos). Desafortunadamente, Cordero se olvida de enviar su filme a la preselección del Oscar al mejor filme extranjero.

El rodaje de The lord of the rings supone el récord Guinness de 1.600 pares de pies de látex usados en un rodaje (para uso de los actores que encarnan a los hobbits). Por la mañana había que encolarlos y despegarlos al final del día de rodaje, de modo que sólo podían usarse una sola vez.

2002

El filme taiwanés Crouching tiger, hidden dragon de Ang Lee se convierte en la película de habla no inglesa más taquillera a nivel mundial. Hasta abril la taquilla internacional registra $ 209.126.710.

2004

Auge de la piratería: antes de estrenarse The passion of the Christ de Mel Gibson, circulan DVD’s piratas que ocasionan solo en Ecuador una pérdida superior a los $20.000.

2005

Crónicas, segunda obra del ecuatoriano Sebastián Cordero gana tres premios en el festival de Guadalajara: mejor película, mejor guión y mejor actor (Damián Alcázar). Auge local de los clones de DVD que llegan al público a precios bajísimos. Muere Guillermo Cabrera Infante, importante crítico de cine.

HIPOTEXTOS

Historia ilustrada del cine: Volumen 1, El cine mudo: 1895-1930; Historia ilustrada del cine: Volumen 2, El cine sonoro: 1927-1945; Historia ilustrada del cine: Volumen 3, El cine de hoy: 1945-1965. Autores: René Jeanne y Charles Ford. (Editorial Alianza, Madrid, 1992).

Historia del cine (Lumen, Barcelona, 1990) de Roman Gubern.

Enciclopedia del cine (Salvat, Barcelona, 1980). 13 tomos.

Diccionario de cine: Estética, crítica, técnica, historia (Paidós, Buenos Aires, 1998) de Eduardo A. Russo.

Libro Guinness de los récords (Planeta, Barcelona, 2002).

El cine: arte e industria (Salvat, Barcelona, 1973).

Cinemanía (Seix Barral, Barcelona, 1999) de Néstor Almendros.  

http://las1000nochesyuna.wordpress.com/2009/11/11/cronologia-de-la-historia-del-cine/