TÍTULO ORIGINAL There Will Be Blood (Petróleo Sangriento) DIRECTOR Paul Thomas Anderson
Desde hace meses que se vende Petróleo Sangriento como una obra maestra, una joya cinematográfica inigualable y la verdad que está muy lejos de serlo. La Academia de Hollywood es inimputable a esta altura y con las estupideces que hicieron últimamente que cuando se empezó a ser películas de súper héroes, ellos mismos gastaron todas las películas de héroes, pues las hicieron todas al mismo tiempo no dando un pequeño descanso al público por esto no sorprendió la nominación de Petróleo Sangriento en la categoría de mejor película del año, y más aún a Daniel Day Lewis como ganador a mejor actor por este film. En este trabajo hay tomas impresionantes de varios paisajes naturales cuyas imágenes remiten a las viejas películas épicas de Hollywood y el realizador retrata con muchísimos detalles la industria del petróleo a comienzos del siglo 20. Sin duda contó con una muy buena producción a la hora de recrear esa época y le sacó el jugo a los recursos que tenía. Daniel Day Lewis vuelve a sorprender con una poderosa interpretación como un desquiciado empresario. El joven Paul Duno, el cual se tuvo la oportunidad de observar en el curso su capacidad actoral en (Pequeña Miss Sunshine) tiene escenas fabulosas junto al protagonista, como cuando lo hace reconocer su ambición y avaricia y por ende un pecador alejado de los caminos del Señor. El gran problema de esta película es el guión. Petróleo Sangriento es un film que parece construido a partir de un bastardo ambicioso en la industria del petróleo del siglo 20 más que un guión cinematográfico. Es una película que no va a ninguna parte y que le sobran fácilmente 40 minutos de duración. Los que quieran ver esta película como un gran retrato del carácter humano, allá ellos. Como experiencia resultó un film largo y tedioso donde su director no tiene mucho para decir. La historia que cuenta no tiene emoción es aburrida y ni a palos se acerca a la obra maestra que intentan vender otros medios. Una decepción…
Título original: Les Choristes (2004) Dirección: Christophe Barratier.
“Los coristas” Basada en una historia real que ocurre después de la segunda guerra mundial. una película simplemente genial, muestra la historia de un maestro que se empeña en crear un coro en un internado para niños con problemas de conducta o abandonados, este personaje entra en desesperación al tener q lidiar con 65 alumnos de entre los 8 y 13 años, y estos niños tratan de salir adelante en un mundo autoritario de reglas, agresiones y castigos.
Este filme presenta una fotografía exquisita, y en lo que a sonido se refiere es de lo mejor que tiene, En las actuaciones los niños llegan a supurar por bastante a los adultos, y aparte de eso, los niños tiene un extra mas, que además de actuar ellos son las verdaderas voces de las canciones (que son una verdadera obra de arte) que se escuchan de fondo y cuando se presentan ellos cantando. Aunque esta historia se llega a desarrollar dentro de esta “escuela”, y solo se sale de este espacio por pocos momentos, con solo esto este filme logra ubicar la historia bajo con gran precisión el contexto social de la escasez y las penurias económicas de la guerra.
Logrando con todo esto, sin querer ser una película pretenciosa, consolidarse como una película exitosa, ganando cantidad de premios, como un buen numero de películas francesas, conservando así la sencillez argumental, que se mezcla con una profunda descripción de los personajes.
Nota: El coro de San Marcos fue el encargado de vocalizar todas las canciones que acompañan de la banda de la película.
Bibliografía: Los coristas (El poder de la música), extraído en domingo 7 de noviembre de: http://www.familia.cl/cine/los_coristas/coristas.htm
“Por siempre fuerte” Forever Strong, USA 2008 Autor: José Luis Urraca Casal
Es una película basada en hechos reales, donde se muestra el esfuerzo de superación y el espíritu de equipo. Aquí se presentan muchos factores importantes del cine como lo es la edición de sonido, que en general está bien aplicada, pues no interfieren los ruidos fuertes en el momento del diálogo, además ésta crea en el público un sentimiento de suspenso, como por ejemplo a la hora del juego, haciendo que se involucre más en la película, ya que al ser un film de este tipo, la música de fondo debe ser una herramienta muy importante para lograr mantener a los espectadores interesados en ella. Otro punto importante de esta película es su género, pues combina el drama con el deporte, además de un toque de humor, lo cual hace que la enseñanza presente se haga más conmovedora además el cambio de sentimientos que esta genera.
Importante recalcar también la interpretación de los símbolos que se dan en la película, tratan de mostrar con objetos los sentimientos sin necesidad de explicarlo, generando una sensación emotiva en el público, como lo es las cartas de la historia de cada camiseta o cuando entregan el balón al final de cada juego. La luz natural no se ve muy marcada, pero si tiene una muy buena iluminación. La fotografía está muy presente en esta película, debido a que todas las imágenes son nítidas, se presentan todos los detalles sin perder ningún aspecto importante en el momento.
Pienso que el cine Hollywood no es bueno, porque siempre presenta el mismo hilo en sus películas pero este film creo que es una excepción porque se sale de lo tradicional, al estar enfocado básicamente a transmitir una enseñanza, además es una buena opción para llamar la atención a los jóvenes, pues al estar basado en un hecho que sucede a menudo, hace al público sentirse parte de ella, logrando la aceptación de la gente.
Ver trailer en: http://www.youtube.com/watch?v=u3C2HvQ8KFE&feature=player_embedded#!
Bibliografía: Forever Strong. Obtenido el 09 de noviembre del 2010 de http://www.unmundodecine.com/2009/05/forever-strong-pelicula-por-siempre.html Género en Forever Strong. Obtenido el 09 de noviembre del 2010 de http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-139509/
Es una película que nos muestra el cambio de vida de un joven atreves del deporte, la ayuda de su entrenador y amigos. Es apoyada por la industria cinematográfica del estado norteamericano de Utah. Es un film basado en hechos reales, y aunque no posee un guión lo suficientemente desarrollado, en sí logran transmitir el mensaje central que es enfrentar la vida con deseo, fuerza y haciendo todo aquello que no te cause vergüenza. De igual forma aunque se trata de la historia de un deporte no se basa totalmente en él, lo que a mi parecer causa que el espectador tenga que dividirse como en dos etapas o sentimientos, por un lado la adrenalina y emoción por el juego y por otro el centrarse en el relato de la historia, su sentimentalismo; causando distracción al enlazar ambas etapas, y aunque su género es drama- deporte me parece que necesito más complementación Es curioso como al desarrollarse la película uno mismo va creando y acertando en su final; ya que en su mayoría terminan con final feliz, característica casi evidente de lo que llamamos Hollywood. Un aspecto que me llamo mucho la atención fue su claridad y nitidez en las tomas, creo que cuenta con una fotografía muy buena en donde se centra en los momentos adecuadas y de interés, además de que hacen uso de la claridad en sí no natural pero si causando que no se vea forzada la imagen en muchas escenas lo que hace que se aprecie lo original del momento. En el aspecto del sonido en este film lo utilizan como un aporte, ya que no se centra en ningún momento en éste, ni es el aspecto más importante, pero al mezclarlo en algunas escenas hace de la historia algo agradable, ya que el ambiente a mi criterio no se torna pesado.
Director: Ryan Little Guión: David Pliler Fotografía: T.C. Christensen Música: J Bateman
Bibliografía : En esta página pueden encontrar más información http://www.unmundodecine.com/2009/05/forever-strong-pelicula-por-siempre.html
El secreto de tus ojos, una producción argentina, ganadora del óscar a la mejor película extranjera. Esta fue basada en la novela “La pregunta de sus ojos” y el director de la película Juan José Campanella realizó su exitoso trabajo tomando en cuenta esta novela. Este film es ambientado en la Argentina de los setenta y con cierta incidencia de la política de la época sobre los hechos, sin embargo, no toma más que como telón de fondo su contexto, y es desprovisto de cualquier tinte político o social, poniendo la atención exclusivamente en su relato pero a su vez rescata muy en alto los sentimientos y valores que pocas personas aún conservan. Además en los setentas fueron turbulentos en la Argentina y si bien refleja conductas y pesares de esa época, la historia sigue intacta.
Alternando entre dos tiempos narrativos, el presente de los protagonistas y la historia reconstruye, en tono y ritmo de drama, la historia de un crimen que marco la vida los protagonistas en la que el sentido de justicia y el amor.
Los personajes crean suspenso con su actuación y despiertan expectativas y ansiedad en la platea, siempre atentos al desarrollo de la historia y si bien transcurre en un tiempo largo, se hace corta y termina con una vuelta inesperada.
Bibliografía.
El secreto de tus ojos, extraída el viernes 12 de noviembre del 2010, de http://www.elsecretodesusojos.com/ Cinissimo, viernes 12 de noviembre del 2010, de http://www.cinissimo.com/trailer-el-secreto-de-sus-ojos/ Cinencuentro, el viernes 12 de noviembre del 2010, de http://www.cinencuentro.com/2010/10/08/el-secreto-de-sus-ojos-2009/
Película: Mar adentro Director: Alejandro Amenábar
Es un film español, con solo decirlo puede traer al lector una serie de temas tratados sobre películas a veces impredecibles y otras veces brillantes. Mar adentro trae a la escena no una película de eutanasia solamente si no que expresa, refleja, transmite una historia mucho más profunda de lo que uno se podría imaginar, con lo controvertido y complejo de la eutanasia la cual con ella trae temas como condiciones morales, éticas y hasta religiosas. En una familia esforzada por mantener a Ramón Sampedro el cual era un marino que de repente mediante un accidente en una playa queda sin poder mover todo su cuerpo a excepción de su cabeza con la cual mediante su boca escribe sus poemas y con su mente puede viajar. La familia vive en él los miembros de la misma se preocupan por tenerlo en las mejores condiciones a pesar de que Ramón está cansado de vivir y manifiesta su deseo de morir, algo que la familia no se lo perdona. Al film se agrega una obrera la cual se enamora de Ramón y el de ella, se podría pensar que esto podría cambiar el pensamiento de Ramón pero no es así y más bien le pide el favor de ayudarlo a morir. Mientras pasa todo esto entra a escena la religión, lo ético y lo moral en donde en medio de una familia que no puede entender el deseo de muerte de Ramón, ya sea por sus creencias o cultura algo que Ramón no le presta mucha importancia, y sigue escribiendo poemas y tratando de resolver el asunto en la corte. Al final la muerte de Ramón es inevitable mediante un video se refleja su muerte creando una escena de suicidio, algo que el planeo y logro hacer sin dar la duda de que alguien causo su muerte. La forma de expresar toda la historia mediante una serie de simbolos que inclinan a dudar si Ramon lo va hacer o no, con respecto a la familia lo único que los hace soportar la decisión de Ramon es el amor que le tienen y dejar de sentir el dolor de verlo postrado en una cama sin hacer lo que tanto le gustaba: viajar.
Referencia:
Jrisí Athena Tefarikis. Crítica del film "Mar Adentro", de Alejandro Amenábar. Apocatastasis.com: Literatura y Contenidos Seleccionados. Extraido el: 14 de noviembre del 2010.
Como si fuera la primera vez (59 First dates), Peter Segal(2004) Producción cinematográfica a cargo del guionista Peter Segal que hace que lleva a cabo una excelente repartición del guion al tratar de realizar una comedia romántica junto con Adam Sandler, toma muchos aspectos y personajes que pasan por la vida del personaje llamado Lucy que sufre de amnesia, todo este guion esta estratégicamente bien repartido porque cada personaje sabe bien lo que tiene que hacer y no se confunden por lo tanto en lo que es guion se ve muy bien ensamblado. Siguiendo con la musicalidad no esta tan buena porque hay muchas partes en que la música no va muy acorde con la imagen o con lo que se muestra, y hace que se distraiga un poco al cinéfilo, con respecto a la imagen también se puede ver el gran trabajo que hace Jack N. Green porque es de mucha importancia la imagen nítida y mas con todos los diferentes tipos de paisaje y escenarios que tiene, ya que fue grabada principalmente en Hawái y en otros lugares como california, por lo tanto se debe tomar mucho en cuenta los paisajes que están detrás de cada presentación para que, no se note que están en otro lugar diferente porque el paisaje de Hawái tiene una paleta de colores muy variada, y en california que se grabo la otra parte no son tan variados estos colores por lo que la nitidez de fondo es esencial y en esta película se ve muy pocas veces por miedo a que el cinéfilo note los cambios. Para concluir no podía faltar en el cine de Hollywood el final feliz que caracteriza a la mayoría de sus películas y esta no es la excepción porque al final de toda la película podemos observar como todo se desenlaza bien y terminan todos consiguiendo lo que querían. Bibliografía y referencias: Página oficial de cómo si fuera la primera vez: http://www.sonypictures.com/homevideo/50firstdates/
Historia detrás de la película: http://www.primordiales.com.ar/estrenos/como_si_fuera_la_primera_vez.htm
Sinopsis y resumen: http://cineismo.com/criticas/como-si-fuera-la-primera-vez.htm
“The last Airbeder” Información: (http://www.imdb.com/title/tt0938283/) “The last Airbender” o el “Ultimo maestro Aire”, una verdadera montaña rusa en incontables aspectos. Inspirada en la serie animada “Avatar, The Last Airbender”, salida de ingenio de Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko, producida por Nickelodeon, es una verdadera decepción para aquellos que se consideran fans de Aang, Zoka, Katara, Toph y Zuko. “…apesar de contar con llamativos efectos especiales, el largometraje desperdicia el potencial de su material original tan popular dejándolo en una trama incomprensible, diálogos patéticos sin gracia, y un sentido de desapego hacia los personajes y a los que se cuenta” (Cardenas) La adaptación Live-action de Shyamalan deja mucho que desear a sus fans, como ya esta mencionado en el comentario, se deja ver entre líneas, un trabajo de guion forzado para lograr adaptar tan inmensa secuela y diversidad de acontecimientos (Libro Agua, de la serie original, correspondiente a los acontecimientos del film) a solo 103 minutos. Una historia llena de simbolismos y bestias que habitan únicamente en la imaginación de algunos, destrozada por el lamentable guion ingeniado para el film, el material disponible para una obra maestra de ciencia ficción era abundante, aun así no se logro aprovechar. El apoyo musical, no se queda tan atrás, no se puede comparar con el de otras obras maestras del séptimo arte pero aun así cae dentro de la categoría de “llenar las botas”, es decir que estuvo justo para el film, ni más ni menos. Pasa casi imperceptible. Aun así, no todo es un completo desastre, es notable el trabajo de fotografía en el film, algunos de los escenarios son hermosos y muy simbólicos, reflejo del arduo trabajo en efectos especiales, además de ciertas tomas a lo largo del film que logran hacer que la audiencia abra sus ojos. Ciertamente hay un trabajo digital digno de reconocer, por ejemplo, las muestras de las habilidades de los personajes (control de los elementos), que aun así, deja ciertos aspectos característicos de la historia por fuera, incluyen otros completamente ridículos, por ejemplo, el hecho de que los maestros fuego necesiten una fuente de este para poder usar sus habilidades.
Tráiler del film http://www.youtube.com/watch?v=-egQ79OrYCs Bonus. http://www.youtube.com/watch?v=KHi1zaN0ooc
Marcelino Pan y Vino (1954) Director: Ladislao Vajda.
Una produccion un poco antigua pero sin embargo todavia es vista por muchas personas, por su gran historia que para muchos es dificil de creer.
Una producción de los años 50, sin embargo en ese entonces se conocían algunos efectos en cine como lo es el efecto de profundidad de campo que lo podemos apreciar en las escenas donde enfocan el rostro de un fraile en la cocina al inicio de la película, en la que regañan a Marcelino y le dicen que no suba las escaleras, cuando Marcelino se encuentra enfermo y en uno de los momentos en que habla con Cristo, este efecto ayuda a enfocar mejor algunas escenas que el productor cree que son importantes en la película.
Por ser una producción grabada hace muchos años, las cámaras que se tenían en ese momento no producen la nitidez que presentan las que hoy en día tenemos, sin embargo como esta grabada en blanco y negro hay escenas en que se observa un poco mejor la nitidez con respecto a las otras escenas.
En ocasiones se ve muy cortado el cambio de una escena a otra.
Se puede observar el uso de un símbolo en la película, como lo es el echo de subir las escaleras que los frailes le prohibieron a Marcelino, es un símbolo de desobediencia y en algunos momentos de miedo para el niño.
Titulo Amelie Una producción francesa de Claudie Ossard con la dirección por el señor Jean-Pierre Jeunet, una producción de gran calidad la cual estuvo a punto de ganar el Oscar a la mejor película extranjera. Una producción en la cual con cada escena trata de encerrar o encasillar a el espectador, la película nos muestra una temática aunque con toques surrealistas, muestra una gran realidad que se vive en el mundo actual en el cual una mujer en este caso Amelie, nos muestra que tal vez por el poco amor que recibió de niña, ella trata de que las personas sean felices ya que ella no lo es, la película va absorbiendo al espectador, ya que ella trata de resolver la vida de los demás y no piensa en su bien, en la cual las diferentes situaciones que iba viviendo como la del verdulero que trata a su empleado como si no valiera nada, ella hace todo lo posible por volverlo loco, además trata de formar una relación con la vendedora de tabaco y el ex novio de la camarera, otro llevando el gnomo a tomarle fotos a diferentes lugares para que el padre al fin logre cumplir su sueño de viajar, la carta que le manda ala señora de la puerta con fracciones de las cartas anteriores de su novio diciendo que la amaba , hasta que ve que ella también puede ser feliz con el joven que recoge los pedazos de foto para hacer un álbum. Con respecto a los montajes presentes en esta producción son tal vez agradables y causan risa como cuando la foto de un hombre le habla a joven recolector de fotos, en la película también se da mucho la imaginación como cuando el joven no llega ala hora ella piensa dos posibles situaciones, uno el hombre no encontró la foto o lo secuestraron, huyen la policía los persigue chocan etc., son imaginaciones las cuales hacen reír al espectador, y respecto al sonido muestra musicalización, además en la producción se da también narraciones cuando las personas no hablan hay un narrador omnisciente, buena fotografia por parte de Bruno Delbonnel.
Bibliografía
Amelie, tomado el Sábado 13 de Noviembre del 2010 de, http://www.imdb.com/title/tt0211915/
En lo personal me gusto mucho por su tematioca realista y por que encierra comedia dentro de esta.
Nombre: El Espíritu de la Colmena Director: Víctor Erice Duración: 93 minutos El espíritu de la colmena constituye una de las obras del movimiento antifranquista más importantes de España. Esta película trata la historia de Ana, una niña de aproximadamente 7 años, que ve la película Frankenstein. Este acontecimiento le impacta de tal manera que llega a sumir el interés de su monótona vida, característica de la época de la dictadura, y entrar así en la búsqueda de una relación más cercana con un ser imaginario, que la que posee con sus padres (Valero, 2010).
La película conjunta una serie de elementos que enriquecen el eje central. Se desarrolla con muy poco diálogo, en un pueblo en Segovia en los años 1940, en época de otoño, lo cual permite apreciar el vasto vacío del paisaje. El manejo de los sonidos es esencial. La música intensifica las sensaciones o simplemente termina de adornar los tétricos ambientes en los que viven los personajes. Los grandes silencios entre los que se desarrollan las diferentes situaciones evidencian dos cosas: el sentimiento de represión y censura que estaba viviendo la sociedad en ese momento, y el debilitamiento de las relaciones familiares producto de un ensimismamiento que devora los ciudadanos de España bajo la mordaza de la dictadura. La luz es otro elemento esencial en la ambientación y en la “narración” de la película. La época de otoño permitió mostrar un ambiente deprimente y vacío en el que cabe toda la luz y toda la oscuridad que el director quisiere imprimir. El tiempo corre al compás del sol que muestra su luz o se esconde paulatinamente; los estados de ánimo tienen el poder de imprimir los matices de luz en la escena. Realmente el manejo de los sonidos y la luz son los verdaderos narradores de esta historia.
Titulo: Ciudad de Dios Dirección Fernando Meirelles Una película brasileña que relata la vida en las favelas de este país. Para su realización se trato de que fuera lo más realística posible, es decir que tendiera a ser documental esto se logró contratando actores de las mismas favelas. La trama principal consiste en la guerra que hay entre 2 de los gánsteres más peligrosos de la Ciudad de Dios quienes buscan apoderarse del territorio enemigo. La película es narrada desde el punto de vista del personaje llamado Buscapé (Cohete) haciendo a este el actor principal. El filme comienza en la época de los años sesenta cuando “Dadinho” y “Bene” eran jóvenes delincuentes de una favela en Río de Janiero para luego trasladarse una década adelante en donde los antes pequeños criminales son ahora dos de los más poderosos pandilleros de la ciudad todo esto sin dejar a un lado al personaje de Buscapé quien trata de alejarse de la vida criminal buscando un empleo humilde pero varios obstáculos lo tentarán a seguir una vida criminal ya sea por el poder, el dinero o las mujeres. Cabe rescatar la técnica de retrospectiva que se da a través del filme en donde en una escena se rescata un momento perdido de una anterior por ejemplo cuando vemos al joven “Dadinho” quien acompaña a tres de los delincuentes los cuales iban a asaltar un motel pero a este no le permiten entrar en acción por su edad y luego desaparece de la escena, después en la película cuando aparece “Dadinho” ya con 18 años y ya respetado por el mundo de la favela se recapitula la escena anterior desde el punto de vista de “Dadinho” quien resignado por no poder acompañar a los demás delincuentes decide traicionarlos y finge la llegada de la policía para que la pandilla huya y este pueda saciar “su sed de sangre”. Inclusive el filme arranca muy delante de la trama principal, en donde Buscapé recoge una gallina que sin saber pertenece a una peligrosa pandilla que por error él creía que lo querían muerto. Todo esto hace que la película no tenga continuidad lineal. ...
continuacion... Otro aspecto muy interesante es el de contar diferentes historias individuales las cuales muchas se entrelazan en algún punto de la película. Esto permite al público obtener diferentes sensaciones de las diferentes clases de personas que habitan en las favelas desde los humildes residentes que tratan de llevar una vida normal hasta la de los delincuentes más peligrosos que puedan existir en los suburbios suramericanos. Casi todas las historias terminan uniéndose al final de la película, cuando inicia la guerra entre las 2 pandillas, ya que casi todos los personajes aparecen en dicha escena. El objetivo de “Ciudad de Dios” era dar a conocer la vida en los guetos brasileños y como llegan a ser tan peligrosos así como muchos tratan de huir de estos. La película llega a visualizar 2 caras opuestas de la vida en estos lugares: esta “Dadinho” que luego de autoproclamarse como “Ze Pequeno” empieza a buscar poder y corrupción para llegar a ser un rico criminal y también esta “Buscapé” quien busca alcanzar su sueño a ser un fotógrafo profesional para alejarse de la vida corrupta de las favelas.
Allan Acosta 200920770 Ficha técnica de la película: http://www.edualter.org/material/cinemad2/ciudad.htm
Título Original: La Vita è bella Director: Roberto Benigni
Esta brillante película Italiana de 1997, ganadora de más de 10 premios en reconocimiento por su calidad, cuenta la historia de un hombre italiano quien conoce en Arezzo (una ciudad italiana) al amor de su vida, con quien luego de una entretenida e interesante forma de conocerse y enamorarse llegan a casarse y a tener un hijo. No obstante, la película no es otra tradicional historia de amor con un final feliz debido al contexto en el que se encuentra ubicada, la historia es narrada sobre el año de 1939 cuando el fascismo estaba en el poder, en dicho año Guido Orefice (el personaje principal) conoce a su amada, o como el suele llamarla “su princesa” (Dora), con ella tienen su hijo, un varón llamado Josué. La trama se torna más interesante debido a la descendencia judía de la que proviene Guido, el cual es trasladado, junto con su hijo y su tío, a un campo de concentración alemán, y es a partir de este punto en el que se desencadena, a mi parecer, el verdadero significado de la película: lo que una persona puede hacer por amor a otra. La película muestra a una esposa que abandona todo para ir voluntariamente al mismo campo de concentración solo con la esperanza de poder volver a ver a su hijo y a su esposo, y también presenta un padre quien es capaz de crear un telaraña de mentiras e ilusiones solo para que su hijo no se de cuenta de la situación real en la que están y pueda disfrutar de cada momento de su estadía en ese lugar en el que la muerte es algo de todos los días , un padre que puede mostrarse alegre y sonreírle a su hijo aun cuando sabe que está al final de su vida. En fin, para no relatar toda la historia simplemente recomiendo a quienes no la hayan visto que se tomen su tiempo para observarla pues se pierden de un enfoque distinto e interesante de tratar el holocausto de los judíos en tiempos de la segunda guerra mundial.
Continuación... Por supuesto no solo la historia es convincente, sino que el reparto, y en especial Roberto Benigni (quien protagoniza a Guido) realizan una actuación muy buena, si bien la ambientación no es la mejor para mostrar la frialdad de los campos de concentración si es la necesaria para que la película se desenvuelva satisfactoriamente. Aunque cabe destacar que impregna un peculiar estilo y una forma personal de entretener el cine y los aspectos de la vida por lo tanto, muestra escenas y planos de muy buena calidad, además momentos en donde aparecen sonrisas y otros en donde se escapa alguna lágrima. También la actuación de la banda sonora es un importante aspecto que da un estilo diferente a la trama tan cruel que se presenta. Por otra parte las actuaciones son en realidad sorprendentes. Además, con el género de la película el cual es; Comedia. Drama, el director trata de captar aún más la atención del espectador. Otro aspecto que captó mucho mi interés fue las tomas, ya que se percibe una claridad en cada una de ellas, haciendo que las escenas se vean en un aspecto mucho más real. A manera de conclusión cierro con este pensamiento: “La vida es bella, incluso en las situaciones más terribles, si somos capaces de hacerla bella para aquellos que nos rodean”.
Amor en los tiempos del cólera (2007): El film en si se desarrolla en el siglo 18 19, recrea de manera muy acertada la época con una fotografía en general enfocada en cubrir detalles de escena muy delicados; por ejemplo los detalles de vestuarios son manejados a detalle y además el uso de carruajes y lámparas de canfín para proporcionar luz. En si película es transmite al espectador una mezcla de sentimientos con cada minuto durante toda la película. La consta de un romanticismo genial cargada de poesía de poemas que la hacen extremadamente romántica. La película está basada en la novela homónima del mismo nombre de Gabriel García Márquez “Amor en los Tiempos del Cólera”. Por ejemplo cuando termina es separada por primera vez de florentino y es llevada a las montañas. También la película se encarga de mostrar la terrible situación de la época con una constante guerra civil y el cólera una enfermedad causante de muchas muertes y terror dentro de toda la población de la época. Por ejemplo cuando se da el ataque que destruye la casa de la viuda. Además la banda sonora de la película denota que la edición de sonido fue adaptada a la perfección, conjugando el romanticismo con la angustia vivida en el film por ejemplo la escena de la propuesta de matrimonio de florentino. Además el final del film genera un sentimiento de satisfacción al espectador con esto concluye una película elaborada de manera exquisita. Bibliografía: Obtenido el 13 de noviembre de 2010 de http://www.youtube.com/watch?v=CejGSNwikaU Obtenido el 13 de noviembre de 2010 de http://www.lahiguera.net/cinemania/pelicula/2588/ Obtenido el 13 de noviembre de 2010 de http://www.baluart.net/articulo/pelicula-el-amor-en-los-tiempos-del-colera
Producción cinematográfica que comenzó a rodar en las salas de cine en el 2002, dirigida por Roman Polański y protagonizada por Adrien Brody. Cuenta la historia que vivió un músico polaco de origen judío llamado Władysław Szpilman con la llegada de la segunda guerra mundial a Polonia. La película nos traslada a la terrible realidad que vivieron los judíos en la Polonia ocupada por Alemania, en donde los aislaron completamente de las demás personas en el gueto de Varsovia, famoso por ser el gueto más grande de Europa establecido por los nazis. En este lugar vivían en condiciones paupérrimas con el continuo temor de ser asesinados sin motivo justificable alguno. La película fue ganadora de diversos premios, entre los que destacan el premio “Palma de oro” del festival de Cannes que se otorga a la mejor película del año y es considerado uno de los premios más destacados concedidos en el circuito cinematográfico, incluso más destacado que los premio Oscar el cual la película también lo ganó. La película puede dividirse en dos mitades: la primera, más centrada en la vida en el gueto, en intentar transmitir cómo era, a través de las vivencias de nuestro pianista y su familia. En la segunda parte: Szpilman pasa a ser el centro de la historia, vemos el transcurrir de los acontecimientos desde sus ojos, escuchamos por sus oídos (algo en lo que el director pretende hacer hincapié, como cuando pierde momentáneamente la capacidad auditiva al explotar una bomba cercana), para que el expaectador sienta lo que él siente, viva lo que él vive. Cabe resaltar la actuación de Adrien Brody, quien se tomó tan en serio el papel, que aprendió piano para interpretar algunos fragmentos de las obras de Chopin que aparecen en el film, perdió 15 kilos y llegó incluso a vender parte de sus bienes y vivir solo para sentir, al menos de manera aproximada, lo que vivió Spilzman. También se merece una Mención especial el sonido y la música de la pelicula. La BSO del film es exclusivamente de obras de Chopin, cuyas notas románticas y cargadas de drama le dan a la película una mayor profundidad del tema. Las melodías del compositor son interpretadas por Janusz Olejniczack, y encaja en todas y cada una de las situaciones vividas por Szpilman. Bibliografía: El pianista. Obtenido el 16 de noviembre del 2010 de http://www.muchocine.net/criticas/950/El-Pianista Adrien Brody. Obtenido el 16 de noviembre del 2010 de http://historico.portalmix.com/cine/oscar/2002/nominados/abrody.shtml El pianista. Obtenido el 16 de noviembre del 2010 de http://www.lahiguera.net/cinemania/pelicula/488/sinopsis.php
TÍTULO ORIGINAL La sconosciuta (La desconocida) DIRECTOR Giuseppe Tornatore
Link de la pelicula: http://www.imdb.com/title/tt0494271/ Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=rU-lJoJwCBk
Esta pelicula del director Giuseppe Tornatore nos maneja la historia de Irena de una manera algo peculiar, mediante el uso de flashback o escenas retrospectivas, en las cuales nos van dando la historia de Irena poquito a poco de manera que nunca sabemos que fue lo que le paso hasta el final de la pelicula, con lo cual se logra agregar un misterio a lo largo de la pelicula y a la verdadera razon por la cual ella esta tan interesada en la niña Tea, de la cual ella se ha hecho cargo como niñera. A pesar de las esenas fuertes y algo violentas, las cuales se manejan a lo largo de la pelicula tanto en las regresiones como el presente, debido a la atormentada vida de Irena, no se pierde el exquisito arte de que caracteriza a las peliculas eruopeas donde estas esenas tienen una razon y un porque en el desarrollo de la su personalidad y de la historia, que apesar de ser incluso mas fuertes que las peliculas norteamericanas, no se convierte en violencia sin sentido. Al ser este una pelicula psicologica nos permite ubicarnos desde la perspectiva de Irena, y llegar al punto de que el espectador dude si lo que hizo ella fue correcto o incorrecto, bueno o malo. Sin dejar de lado la alta calidad de la fotografia y de la musica de Ennio Morricone la cual nos lleva de la mano en los altibajos de la pelicula, manteniendo al espectador a la expectativa de que fue lo que le paso ella, porque hace la cosas que hace y que pasara en el desenlace. Ya que como casi toda pelicula que no es norteamericana el final felices por siempre no esta garantizado. Ademas de todo esto la pelicula nos deja un bello mensaje.
Bibliografia Extraída el viernes 12 de noviembre del 2010, de http://www.elmulticine.com/glosario2.php?orden=77
Extraída el viernes 12 de noviembre del 2010, de http://members.fortunecity.com/cinematografo/tiempo1.html
Extraída el viernes 12 de noviembre del 2010, de http://inzitan.blogspot.com/2008/10/crtica-la-desconocida-la-sconosciuta.html
Una producción costarricense del director Esteban Ramírez, esta cinta se catalogó como la película más taquillera de Costa Rica.
La película trata sobre los problemas que deben de enfrentar un par de jóvenes colegiales al enterarse de que van a ser padres.
La trama no es para nada compleja, es muy lineal, no profundiza y en ocasiones se vuelve tediosa al punto de desligar al espectador de la situación. No tiene la chispa para que el público se sienta envuelto en la trama. Al ser una historia no innovadora, casi que se sabe lo que va a suceder así que no zambulle al espectador en un mar de emociones, en la escena, no lo transporta al lugar y momento de la situación. Es como si contaran una historia que ya se conoce.
El guión es plano, sin nada innovador y redundante. Se quiere hacer una crítica social y dejar una moraleja pero se hace de una manera floja y suave.
Como mencione anteriormente, la historia es muy lineal, predecible, no permite atrapar al espectador en la pantalla. Las transiciones entre escenas no se dan de una forma que permita entrelazar la historia, todo ocurre muy rápido y sin nada que aportar.
No se saca provecho de los escenarios ni de la fotografía, en este caso la ciudad de San José. Se debieron mostrar más escenas, ampliar la imagen porque siempre se mostraba más de lo mismo en un ambiente reducido.
En cuanto al juego de cámaras es simple e incipiente, no muestra nada que impacte, que provoque buenas interacciones de los personajes y nos transmitan sentimientos mediante las cámaras.
Es bueno rescatar que el público tal vez se identifica con la película, pues muestra escenas conocidas, lugares conocidos, un lenguaje popular, y tradiciones costarricenses. Es admirable destacar el hecho de tratar de impregnar todos estos elementos que identifican al costarricense en una película para que se mire en su propia realidad y modo de vida.
Cabe destacar la importancia de desarrollar un buen cine costarricense y la intención pero a esta película le faltó transmitir más sentimientos y emociones ya que se queda muy corta, y muestra más de lo que ya se sabe y se tiene.
Carlos Monge 200840513
Fuentes: Venegas, W. (octubre, 2009). Gestación es cine en una sola carta. En: http://wvw.nacion.com/viva/2009/octubre/19/viva2127811.html . Extraído el 17 de noviembre, 2010.
Amores Perros, escrita por Guillermo Arriaga, fue producida en el 2000 bajo un guión original de largometraje, fue nominada a los premios Oscar en la categoría de mejor película de habla no inglesa, premio Canal del Festival de cine de Cannes 2000, Festival de cine de Chicago, Edimburgo y Los Ángeles. También ganó el premio de la Semana de la Crítica en el Festival de Cannes y posteriormente recibió la nominación al Oscar de la Academia estadounidense.
Durante Amores Perros existe un tipo de articulación llamaba triple ya que está integrada por tres historias que se vinculan a partir de la primera escena la cual se repite al comienzo de cada nueva pequeña historia y sobretodo de los perros que son el motivo de esta primera acción. Octavio, un hombre joven, quiere escaparse con la mujer de su hermano Ramiro. Decide entonces servirse de su perro para ganar dinero, metiéndolo en combates lucrativos. Esta actividad llegará a una trágica persecución de coches. Mientras tanto, Daniel, un hombre de aproximadamente cuarenta años, abandona a su mujer e hijas para vivir con Valeria, una famosa modelo. Pero el coche de Valeria encontrará el de Octavio, y el accidente causará un trastorno en la vida de Valeria y Daniel. El Chivo, un vagabundo y antiguo guerrillero comunista se vuelve un asesino a sueldo tras años de cárcel, asiste al accidente y recupera el perro de Octavio para curarlo. Este perro adiestrado para matar va a cambiar la visión del Chivo sobre su doloroso pasado y su vida actual. Cada historia representa uno de tres sectores de la sociedad mexicana: la clase baja (Octavio y Susana), la alta burguesía (Daniel y Valeria) y los izquierdistas intelectuales convertidos en guerrilleros (Martín El Chivo y Maru).
“Amores perros” se hizo de manera independiente, usando un presupuesto bajo para los estándares de las películas norteamericanas, tomando en cuenta además el éxito que tuvo y lo recaudado. Es una película de corte urbano, que expresa con acierto la esencia mexicana y por ende latina, que no se limita en sangre y violencia pero que tampoco abusa de estos elementos.
Ana Carolina Rivas The lake house Es titulada en español como La Casa del lago. Esta es una película estadounidense del año 2006 (remake de la película surcoreana Il Mare ). Estrenada el 16 de junio de 2006 en Estados Unidos. Protagonizada por Keanu Reeves y Sandra Bullock. Dirigida por Alejandro Agresti.
Dra. Kate Forster abandona su trabajo en las afueras de Illinois, para ir a trabajar en un hospital de Chicago. Deja la hermosa casa que alquiló al costado del lago con una nota en el buzón dirigida al próximo inquilino, pidiéndole que le envíe cualquier correo que llegue para ella. También le advierte, que las huellas de patas al lado de la puerta de entrada, ya estaban allí cuando ella se mudó. Alex Wyler llega al lugar, lee la carta y se encuentra con un panorama inesperado. Luego de intercambiar más cartas, ambos se dan cuenta que la casa los conecta más allá del tiempo y del espacio.
Me gustaría rescatar algunos aspectos que hacen de esta película una verdadera obra, uno de estos es la trama de la historia y la manera en que esta se maneja, a lo largo de la película se puede producir una confusión en los receptores pero al final, la producción logra aclarar esa confusión y dar un “happy end” a la película.
Otro de los aspectos importantes es el trabajo de los actores que hacen de la película algo mas que una película romántica, muchas veces la química que existe entre los protagonistas es lo que hacen de un rodaje algo atrayente e interesante, hacen que el receptor también se introduzca en la historia.
La música encaja perfectamente en la historia y le da un valor agregado a la película, es una película llena de simbología, y que encierra en ella algo más que una historia de amor, cuando se ve esta película se debe tomar en cuenta que la concentración es uno de los puntos que se debe tomar en cuenta ya que detrás de cada símbolo hay algo que conecta la historia hasta el final.
A pesar de ser una película estadounidense tiene consigo factores importantes que la hacen ser de alguna manera una película diferente, dejando de lado que tiene un final muy similar a todos las películas de este género.
Es una película sudafricana sobre el crimen situándolo bajo el contexto de la vida de su protagonista: Lucky Kunene. Dirigida por Ralph Ziman. Presenta el relato desde sus inicios delictivos en Soweto hasta Johannesburgo. Traducida como “gangter’s Paradise”, fue seleccionada como candidata al Óscar como mejor película de habla no inglesa.
Inspirada en hechos reales, es una producción fundamentada en un uso inteligente de las escenas. No sobra ni basta ninguna acción, de tal forma, se logra una conexión intensa del espectador apara con su producto visual. Expone sus circunstancias de forma realista, cruda… tal como sucede en múltiples localidades marginales no solo africanas sino de todo el orbe.
Elementos como las cámaras, la ambientación y la música; se adecuan en perfecta sintonía. Su temática es actual, y sobretodo permite un análisis de las encrucijadas morales sobre las que se encuentran muchas personas.
El objetivo tras ver esta película debe ser la reflexión sobre los peligros actuales en la sociedad. No se piense que es exponen realidades ajenas a las nuestras, porque de lo pequeño, desde un inimaginable robo con el mínimo consentimiento, indiferencia, aceptación o subestimación… las cosas se tornan grandes y graves. Tal como el testimonio del personaje quien tuvo buenas intenciones y termino convirtiéndose en lo que nunca planeó.
Avatar Escritor y director:James Cameron Protagonizada por :Sam Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver, Stephen Lang y Michelle Rodríguez Ambientada en el año 2154, los acontecimientos que narra se desarrollan en Pandora, una luna del planeta Polifemo habitada por una raza humanoide llamada na'vi, con la que los humanos se encuentran en conflicto debido a que uno de sus clanes se encuentra asentado alrededor de un gigantesco árbol que cubre una inmensa veta de un mineral muy cotizado y que supondría la solución a los problemas energéticos de la Tierra: el unobtainium. Jake Sully, un marine que quedó parapléjico, es seleccionado para participar en el programa Avatar, un proyecto que transporta la mente de los científicos a unos cuerpos artificiales de na'vi para que así la comunicación con los nativos resulte más sencilla. A pesar del fin científico del proyecto, el coronel Quaritch, quien dirige la defensa de la base humana en Pandora, convence a Jake para que le proporcione información sobre los nativos en caso de que fuera necesario recurrir a la fuerza para que se marchen. En un principio, Jake cumple profesionalmente su misión, pero se enamora de una de las nativas, Neytiri, y se da cuenta de que éstos jamás renunciarán a su tierra, haciendo inevitable un conflicto armado; en él deberá decidir de qué lado está. Me parece una película demasiado fantasiosa la verdad no es de mi gusto. Es cine fantástico con fuertes elementos aventureros, del cine bélico, también del western. Sólo que los áridos parajes y las verdes llanuras, praderas y bosques de coníferas han sido sustituidas aquí por los exuberantes parajes propios de una selva amazónica en esta versión fantástica que abraza desde Pocahontas a Bailando con lobos. Extraído el 18,noviembre,2010,disponible en.http://www.cinempatia.com/2009/12/extra-critica-avatar.html
El comentario es respecto a la película Kick Ass Básicamente el fime es una historieta hecha cine. La película resume en un par de horas una historieta famosa en los Estados Unidos que trata de cómo un gran Ampón destruye la vida de un oficial de policía pues él es acusado por delitos que no cometió y éste policía 5 años después al salir de la cárcel vio que durante ese tiempo su esposa murió a causa de la desdicha que le pasó a su marido y que lo único que le queda es su hija a la cuál entrena para matar a él Ampón que encerró a su padre y mató a su madre. Ellos están dispuestos y son capaces de hacer lo que sea para no sólo destruir la vida de su archí-enemigo para después matarlo, cuando estaban logrando su cometido apareció una especie de superhéroe llamado Kick Ass al cuál en una ocasión le salvaron la vida resumiendo el padre de la niña es matado por los hombres del Ampón pero junto a Kick Ass vengan la muerte de su padre, quedando el hijo del Ampón cómo el archí-villano. Es decir la película trata de una guerra entre villanos y ´´héroes´´, mi comentario trata acerca del paso de historieta o cómic a una película, en sí la película describe de una muy buena manera el cómic y resume una historia muy larga en un par de horas y con una calidad de imagen excelente además de que a cada situación dada durante el transcurso de la película inmediatamente aparecía la imagen del cómic la cual hace esta interesante versus otras cómo 300 la cuál a pesar de estar basada en un cómic no hace referencia a el cómic durante la película. Resulta interesante ver una película en la cual a cada situación se le asigne el dibujo del cómic pues esto infunda expectativa en el público por los hechos que se van a acontecer, desde esta perspectiva del excelente uso de la fotografía junto con las imágenes de los cómics la película resulta muy interesante, pero cambiando de tema durante la película se hace el uso de muchas exageraciones que al ser tan repetitivas tienden a aburrir el público cómo el caso de que una joven de 12 años tome una especie de daga y mate personas como si hubiese nacido para eso o las escenas sexuales que desvían el sentido de la película, esto hace que la película en ciertas partes no tenga sentido, aunque es de rescatar que las actuaciones y el guión de la película hacen que la misma genere interés en quién observa el filme, pues la secuencia lógica de cómo se van dando los hechos resulta atractiva para quien mire esta película. Bibliografía http://www.imdb.com/title/tt1250777/
Título original: The last airbender. Año: 2010 Reparto: Noah Ringer: Aang Dev Patel: Prince Zuko Nicola Peltz: Katara Jackson Rathbone: Sokka
El más reciente sucesor del ciclo del avatar, deberá viajar al polo norte, junto a Katara (Nicola Peltz) y a Sokka (Jackson Rathbone), para aprender a dominar los 4 elementos (principalmente el Agua control) y acabar con la guerra. Durante su viaje serán perseguidos por el príncipe Zuko (Dev Patel), el cual intentará capturar al avatar para recuperar su honor.
Esta película es una producción que hace poco tuvimos en carteleras. Es una adaptación a la serie animada trasmitida en nickelodeon, sin embargo no tuvo mucha aceptación en su público en general. Se hizo uso de muy buenos efectos, para lo que son el manejo de los elementos, sin embargo, es una película que no se adapta bien a los papeles originales, sin embargo no hubo buenas actuaciones ni un buen guión, el papel que desempeñan los actores no va de acuerdo al esperado por los espectadores, que a fin de cuentas es a quien se dirige la película, ello debido a que las personalidades y actitudes de los personajes varían respecto lo que se vió originalmente. En cuanto al vestuario respecta, muy bien adaptado al original y los efectos de sonido y la música empleados es realmente adecuado para la película.
Fuentes:
CincoNoticias. (2010). Recuperado el 18 de Noviembre de 2010, de http://www.cinconoticias.com/2010/07/la-critica-despedaza-the-last-airbender-la-ultima-pelicula-de-m-night-shyamalan/ IMBd. (2010). Recuperado el 18 de Noviembre de 2010, de http://www.imdb.es/title/tt0938283/fullcredits
José Daniel Méndez Rojas 201021746 Comentario Final: Lakposhtha mikonand Parvaz (título original) Las tortugas también vuelan (2004) Esta película dirigida por Bahman Ghobadi, narra la historia de unos niños refugiados que se ven obligados a abandonar su pueblo natal y establecerse en un pequeño poblado que se encuentran cerca de la frontera entre Irak y Turquía. La precoz madre, que fue violada por los soldados que asesinaron a sus padres, trata constantemente de suicidarse y abandonar a su hijo, a quien no quiere. Su hermano uno o dos años mayor, perdió sus brazos producto del estallido de una mina, y es quien evita que esto suceda, a pesar de que presenció la violencia a la cual fue sometida su hermana. Al final, la joven logra su cometido “liberándose” de la cruda realidad en la que vive. “Satélite” un niño huérfano de 13 años que llega al pueblo para instalar una antena parabólica para que los sabios puedan ver las noticias de la guerra. Él asume el rol de líder entre las decenas de niños del poblado, los organiza para que recojan las minas enterradas y así puedan obtener dinero por su venta y puedan sobrevivir. Se enamora de la joven madre y se da cuenta que el manco es el joven de las supuestas predicciones. Es una abierta denuncia de las prácticas terroristas con las que se ha invadido el territorio iraquí desde el 2003. La trama se ubica en las víspera de la llegada del ejército “liberador” que pondrá al oprimido pueblo en las santas manos de la democracia q se supone aclaman los iraquíes. Prácticamente toda la película la sostienen niños actores que realmente han sufrido la guerra y sus macabras consecuencias: mutilaciones, quemaduras, ceguera, sordera, traumas, violaciones sexuales, entre tantas otras. Podría decirse, siguiendo el título, que los personajes están tan desesperadamente incapacitados para defenderse ante el inminente enemigo, como lo estaría una tortuga para volar ante semejante situación. Bibliografía http://www.cinemania.co.cr/content/articles/114/1/Turtles-can-fly-Las-Tortugas-Pueden-Volar/Page1.html http://www.imdb.com/title/tt0424227/
Prueba
ResponderEliminarTÍTULO ORIGINAL There Will Be Blood (Petróleo Sangriento)
ResponderEliminarDIRECTOR Paul Thomas Anderson
Desde hace meses que se vende Petróleo Sangriento como una obra maestra, una joya cinematográfica inigualable y la verdad que está muy lejos de serlo. La Academia de Hollywood es inimputable a esta altura y con las estupideces que hicieron últimamente que cuando se empezó a ser películas de súper héroes, ellos mismos gastaron todas las películas de héroes, pues las hicieron todas al mismo tiempo no dando un pequeño descanso al público por esto no sorprendió la nominación de Petróleo Sangriento en la categoría de mejor película del año, y más aún a Daniel Day Lewis como ganador a mejor actor por este film. En este trabajo hay tomas impresionantes de varios paisajes naturales cuyas imágenes remiten a las viejas películas épicas de Hollywood y el realizador retrata con muchísimos detalles la industria del petróleo a comienzos del siglo 20. Sin duda contó con una muy buena producción a la hora de recrear esa época y le sacó el jugo a los recursos que tenía. Daniel Day Lewis vuelve a sorprender con una poderosa interpretación como un desquiciado empresario. El joven Paul Duno, el cual se tuvo la oportunidad de observar en el curso su capacidad actoral en (Pequeña Miss Sunshine) tiene escenas fabulosas junto al protagonista, como cuando lo hace reconocer su ambición y avaricia y por ende un pecador alejado de los caminos del Señor. El gran problema de esta película es el guión. Petróleo Sangriento es un film que parece construido a partir de un bastardo ambicioso en la industria del petróleo del siglo 20 más que un guión cinematográfico. Es una película que no va a ninguna parte y que le sobran fácilmente 40 minutos de duración.
Los que quieran ver esta película como un gran retrato del carácter humano, allá ellos. Como experiencia resultó un film largo y tedioso donde su director no tiene mucho para decir.
La historia que cuenta no tiene emoción es aburrida y ni a palos se acerca a la obra maestra que intentan vender otros medios. Una decepción…
Jorge Chavarría Rodriguez (201066559)
ResponderEliminarTítulo original: Les Choristes (2004)
Dirección: Christophe Barratier.
“Los coristas” Basada en una historia real que ocurre después de la segunda guerra mundial.
una película simplemente genial, muestra la historia de un maestro que se empeña en crear un coro en un internado para niños con problemas de conducta o abandonados, este personaje entra en desesperación al tener q lidiar con 65 alumnos de entre los 8 y 13 años, y estos niños tratan de salir adelante en un mundo autoritario de reglas, agresiones y castigos.
Este filme presenta una fotografía exquisita, y en lo que a sonido se refiere es de lo mejor que tiene, En las actuaciones los niños llegan a supurar por bastante a los adultos, y aparte de eso, los niños tiene un extra mas, que además de actuar ellos son las verdaderas voces de las canciones (que son una verdadera obra de arte) que se escuchan de fondo y cuando se presentan ellos cantando.
Aunque esta historia se llega a desarrollar dentro de esta “escuela”, y solo se sale de este espacio por pocos momentos, con solo esto este filme logra ubicar la historia bajo con gran precisión el contexto social de la escasez y las penurias económicas de la guerra.
Logrando con todo esto, sin querer ser una película pretenciosa, consolidarse como una película exitosa, ganando cantidad de premios, como un buen numero de películas francesas, conservando así la sencillez argumental, que se mezcla con una profunda descripción de los personajes.
Nota: El coro de San Marcos fue el encargado de vocalizar todas las canciones que acompañan de la banda de la película.
Bibliografía:
Los coristas (El poder de la música), extraído en domingo 7 de noviembre de: http://www.familia.cl/cine/los_coristas/coristas.htm
“Por siempre fuerte”
ResponderEliminarForever Strong, USA 2008
Autor: José Luis Urraca Casal
Es una película basada en hechos reales, donde se muestra el esfuerzo de superación y el espíritu de equipo. Aquí se presentan muchos factores importantes del cine como lo es la edición de sonido, que en general está bien aplicada, pues no interfieren los ruidos fuertes en el momento del diálogo, además ésta crea en el público un sentimiento de suspenso, como por ejemplo a la hora del juego, haciendo que se involucre más en la película, ya que al ser un film de este tipo, la música de fondo debe ser una herramienta muy importante para lograr mantener a los espectadores interesados en ella. Otro punto importante de esta película es su género, pues combina el drama con el deporte, además de un toque de humor, lo cual hace que la enseñanza presente se haga más conmovedora además el cambio de sentimientos que esta genera.
Importante recalcar también la interpretación de los símbolos que se dan en la película, tratan de mostrar con objetos los sentimientos sin necesidad de explicarlo, generando una sensación emotiva en el público, como lo es las cartas de la historia de cada camiseta o cuando entregan el balón al final de cada juego. La luz natural no se ve muy marcada, pero si tiene una muy buena iluminación. La fotografía está muy presente en esta película, debido a que todas las imágenes son nítidas, se presentan todos los detalles sin perder ningún aspecto importante en el momento.
Pienso que el cine Hollywood no es bueno, porque siempre presenta el mismo hilo en sus películas pero este film creo que es una excepción porque se sale de lo tradicional, al estar enfocado básicamente a transmitir una enseñanza, además es una buena opción para llamar la atención a los jóvenes, pues al estar basado en un hecho que sucede a menudo, hace al público sentirse parte de ella, logrando la aceptación de la gente.
Ver trailer en:
http://www.youtube.com/watch?v=u3C2HvQ8KFE&feature=player_embedded#!
Bibliografía:
Forever Strong. Obtenido el 09 de noviembre del 2010 de http://www.unmundodecine.com/2009/05/forever-strong-pelicula-por-siempre.html
Género en Forever Strong. Obtenido el 09 de noviembre del 2010 de http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-139509/
Forever strong (2008)
ResponderEliminarEs una película que nos muestra el cambio de vida de un joven atreves del deporte, la ayuda de su entrenador y amigos. Es apoyada por la industria cinematográfica del estado norteamericano de Utah.
Es un film basado en hechos reales, y aunque no posee un guión lo suficientemente desarrollado, en sí logran transmitir el mensaje central que es enfrentar la vida con deseo, fuerza y haciendo todo aquello que no te cause vergüenza. De igual forma aunque se trata de la historia de un deporte no se basa totalmente en él, lo que a mi parecer causa que el espectador tenga que dividirse como en dos etapas o sentimientos, por un lado la adrenalina y emoción por el juego y por otro el centrarse en el relato de la historia, su sentimentalismo; causando distracción al enlazar ambas etapas, y aunque su género es drama- deporte me parece que necesito más complementación Es curioso como al desarrollarse la película uno mismo va creando y acertando en su final; ya que en su mayoría terminan con final feliz, característica casi evidente de lo que llamamos Hollywood.
Un aspecto que me llamo mucho la atención fue su claridad y nitidez en las tomas, creo que cuenta con una fotografía muy buena en donde se centra en los momentos adecuadas y de interés, además de que hacen uso de la claridad en sí no natural pero si causando que no se vea forzada la imagen en muchas escenas lo que hace que se aprecie lo original del momento.
En el aspecto del sonido en este film lo utilizan como un aporte, ya que no se centra en ningún momento en éste, ni es el aspecto más importante, pero al mezclarlo en algunas escenas hace de la historia algo agradable, ya que el ambiente a mi criterio no se torna pesado.
Director: Ryan Little
Guión: David Pliler
Fotografía: T.C. Christensen
Música: J Bateman
Bibliografía :
En esta página pueden encontrar más información
http://www.unmundodecine.com/2009/05/forever-strong-pelicula-por-siempre.html
El secreto de tus ojos.
ResponderEliminarEl secreto de tus ojos, una producción argentina, ganadora del óscar a la mejor película extranjera. Esta fue basada en la novela “La pregunta de sus ojos” y el director de la película Juan José Campanella realizó su exitoso trabajo tomando en cuenta esta novela. Este film es ambientado en la Argentina de los setenta y con cierta incidencia de la política de la época sobre los hechos, sin embargo, no toma más que como telón de fondo su contexto, y es desprovisto de cualquier tinte político o social, poniendo la atención exclusivamente en su relato pero a su vez rescata muy en alto los sentimientos y valores que pocas personas aún conservan. Además en los setentas fueron turbulentos en la Argentina y si bien refleja conductas y pesares de esa época, la historia sigue intacta.
Alternando entre dos tiempos narrativos, el presente de los protagonistas y la historia reconstruye, en tono y ritmo de drama, la historia de un crimen que marco la vida los protagonistas en la que el sentido de justicia y el amor.
Los personajes crean suspenso con su actuación y despiertan expectativas y ansiedad en la platea, siempre atentos al desarrollo de la historia y si bien transcurre en un tiempo largo, se hace corta y termina con una vuelta inesperada.
Bibliografía.
El secreto de tus ojos, extraída el viernes 12 de noviembre del 2010, de http://www.elsecretodesusojos.com/
Cinissimo, viernes 12 de noviembre del 2010, de http://www.cinissimo.com/trailer-el-secreto-de-sus-ojos/
Cinencuentro, el viernes 12 de noviembre del 2010, de http://www.cinencuentro.com/2010/10/08/el-secreto-de-sus-ojos-2009/
(200969506)
ResponderEliminarPelícula: Mar adentro
Director: Alejandro Amenábar
Es un film español, con solo decirlo puede traer al lector una serie de temas tratados sobre películas a veces impredecibles y otras veces brillantes. Mar adentro trae a la escena no una película de eutanasia solamente si no que expresa, refleja, transmite una historia mucho más profunda de lo que uno se podría imaginar, con lo controvertido y complejo de la eutanasia la cual con ella trae temas como condiciones morales, éticas y hasta religiosas.
En una familia esforzada por mantener a Ramón Sampedro el cual era un marino que de repente mediante un accidente en una playa queda sin poder mover todo su cuerpo a excepción de su cabeza con la cual mediante su boca escribe sus poemas y con su mente puede viajar. La familia vive en él los miembros de la misma se preocupan por tenerlo en las mejores condiciones a pesar de que Ramón está cansado de vivir y manifiesta su deseo de morir, algo que la familia no se lo perdona. Al film se agrega una obrera la cual se enamora de Ramón y el de ella, se podría pensar que esto podría cambiar el pensamiento de Ramón pero no es así y más bien le pide el favor de ayudarlo a morir. Mientras pasa todo esto entra a escena la religión, lo ético y lo moral en donde en medio de una familia que no puede entender el deseo de muerte de Ramón, ya sea por sus creencias o cultura algo que Ramón no le presta mucha importancia, y sigue escribiendo poemas y tratando de resolver el asunto en la corte.
Al final la muerte de Ramón es inevitable mediante un video se refleja su muerte creando una escena de suicidio, algo que el planeo y logro hacer sin dar la duda de que alguien causo su muerte.
La forma de expresar toda la historia mediante una serie de simbolos que inclinan a dudar si Ramon lo va hacer o no, con respecto a la familia lo único que los hace soportar la decisión de Ramon es el amor que le tienen y dejar de sentir el dolor de verlo postrado en una cama sin hacer lo que tanto le gustaba: viajar.
Referencia:
Jrisí Athena Tefarikis. Crítica del film "Mar Adentro", de Alejandro Amenábar. Apocatastasis.com: Literatura y Contenidos Seleccionados. Extraido el: 14 de noviembre del 2010.
Como si fuera la primera vez
ResponderEliminar(59 First dates),
Peter Segal(2004)
Producción cinematográfica a cargo del guionista Peter Segal que hace que lleva a cabo una excelente repartición del guion al tratar de realizar una comedia romántica junto con Adam Sandler, toma muchos aspectos y personajes que pasan por la vida del personaje llamado Lucy que sufre de amnesia, todo este guion esta estratégicamente bien repartido porque cada personaje sabe bien lo que tiene que hacer y no se confunden por lo tanto en lo que es guion se ve muy bien ensamblado.
Siguiendo con la musicalidad no esta tan buena porque hay muchas partes en que la música no va muy acorde con la imagen o con lo que se muestra, y hace que se distraiga un poco al cinéfilo, con respecto a la imagen también se puede ver el gran trabajo que hace Jack N. Green porque es de mucha importancia la imagen nítida y mas con todos los diferentes tipos de paisaje y escenarios que tiene, ya que fue grabada principalmente en Hawái y en otros lugares como california, por lo tanto se debe tomar mucho en cuenta los paisajes que están detrás de cada presentación para que, no se note que están en otro lugar diferente porque el paisaje de Hawái tiene una paleta de colores muy variada, y en california que se grabo la otra parte no son tan variados estos colores por lo que la nitidez de fondo es esencial y en esta película se ve muy pocas veces por miedo a que el cinéfilo note los cambios.
Para concluir no podía faltar en el cine de Hollywood el final feliz que caracteriza a la mayoría de sus películas y esta no es la excepción porque al final de toda la película podemos observar como todo se desenlaza bien y terminan todos consiguiendo lo que querían.
Bibliografía y referencias:
Página oficial de cómo si fuera la primera vez: http://www.sonypictures.com/homevideo/50firstdates/
Historia detrás de la película: http://www.primordiales.com.ar/estrenos/como_si_fuera_la_primera_vez.htm
Sinopsis y resumen: http://cineismo.com/criticas/como-si-fuera-la-primera-vez.htm
“The last Airbeder”
ResponderEliminarInformación: (http://www.imdb.com/title/tt0938283/)
“The last Airbender” o el “Ultimo maestro Aire”, una verdadera montaña rusa en incontables aspectos.
Inspirada en la serie animada “Avatar, The Last Airbender”, salida de ingenio de Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko, producida por Nickelodeon, es una verdadera decepción para aquellos que se consideran fans de Aang, Zoka, Katara, Toph y Zuko.
“…apesar de contar con llamativos efectos especiales, el largometraje desperdicia el potencial de su material original tan popular dejándolo en una trama incomprensible, diálogos patéticos sin gracia, y un sentido de desapego hacia los personajes y a los que se cuenta”
(Cardenas)
La adaptación Live-action de Shyamalan deja mucho que desear a sus fans, como ya esta mencionado en el comentario, se deja ver entre líneas, un trabajo de guion forzado para lograr adaptar tan inmensa secuela y diversidad de acontecimientos (Libro Agua, de la serie original, correspondiente a los acontecimientos del film) a solo 103 minutos.
Una historia llena de simbolismos y bestias que habitan únicamente en la imaginación de algunos, destrozada por el lamentable guion ingeniado para el film, el material disponible para una obra maestra de ciencia ficción era abundante, aun así no se logro aprovechar.
El apoyo musical, no se queda tan atrás, no se puede comparar con el de otras obras maestras del séptimo arte pero aun así cae dentro de la categoría de “llenar las botas”, es decir que estuvo justo para el film, ni más ni menos. Pasa casi imperceptible.
Aun así, no todo es un completo desastre, es notable el trabajo de fotografía en el film, algunos de los escenarios son hermosos y muy simbólicos, reflejo del arduo trabajo en efectos especiales, además de ciertas tomas a lo largo del film que logran hacer que la audiencia abra sus ojos.
Ciertamente hay un trabajo digital digno de reconocer, por ejemplo, las muestras de las habilidades de los personajes (control de los elementos), que aun así, deja ciertos aspectos característicos de la historia por fuera, incluyen otros completamente ridículos, por ejemplo, el hecho de que los maestros fuego necesiten una fuente de este para poder usar sus habilidades.
Tráiler del film
http://www.youtube.com/watch?v=-egQ79OrYCs
Bonus.
http://www.youtube.com/watch?v=KHi1zaN0ooc
Marcelino Pan y Vino (1954)
ResponderEliminarDirector: Ladislao Vajda.
Una produccion un poco antigua pero sin embargo todavia es vista por muchas personas, por su gran historia que para muchos es dificil de creer.
Una producción de los años 50, sin embargo en ese entonces se conocían algunos efectos en cine como lo es el efecto de profundidad de campo que lo podemos apreciar en las escenas donde enfocan el rostro de un fraile en la cocina al inicio de la película, en la que regañan a Marcelino y le dicen que no suba las escaleras, cuando Marcelino se encuentra enfermo y en uno de los momentos en que habla con Cristo, este efecto ayuda a enfocar mejor algunas escenas que el productor cree que son importantes en la película.
Por ser una producción grabada hace muchos años, las cámaras que se tenían en ese momento no producen la nitidez que presentan las que hoy en día tenemos, sin embargo como esta grabada en blanco y negro hay escenas en que se observa un poco mejor la nitidez con respecto a las otras escenas.
En ocasiones se ve muy cortado el cambio de una escena a otra.
Se puede observar el uso de un símbolo en la película, como lo es el echo de subir las escaleras que los frailes le prohibieron a Marcelino, es un símbolo de desobediencia y en algunos momentos de miedo para el niño.
pueden ver algunas escenas en YouTube:
http://www.youtube.com/watch?v=XlbOFW1aBSo
http://www.youtube.com/watch?v=MbRutEMvfIs&NR=1
Bibliografía
El Criticon. (s.f.). Recuperado el 15 de noviembre de 2010, de http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article865.html
Titulo Amelie
ResponderEliminarUna producción francesa de Claudie Ossard con la dirección por el señor Jean-Pierre Jeunet, una producción de gran calidad la cual estuvo a punto de ganar el Oscar a la mejor película extranjera.
Una producción en la cual con cada escena trata de encerrar o encasillar a el espectador, la película nos muestra una temática aunque con toques surrealistas, muestra una gran realidad que se vive en el mundo actual en el cual una mujer en este caso Amelie, nos muestra que tal vez por el poco amor que recibió de niña, ella trata de que las personas sean felices ya que ella no lo es, la película va absorbiendo al espectador, ya que ella trata de resolver la vida de los demás y no piensa en su bien, en la cual las diferentes situaciones que iba viviendo como la del verdulero que trata a su empleado como si no valiera nada, ella hace todo lo posible por volverlo loco, además trata de formar una relación con la vendedora de tabaco y el ex novio de la camarera, otro llevando el gnomo a tomarle fotos a diferentes lugares para que el padre al fin logre cumplir su sueño de viajar, la carta que le manda ala señora de la puerta con fracciones de las cartas anteriores de su novio diciendo que la amaba , hasta que ve que ella también puede ser feliz con el joven que recoge los pedazos de foto para hacer un álbum.
Con respecto a los montajes presentes en esta producción son tal vez agradables y causan risa como cuando la foto de un hombre le habla a joven recolector de fotos, en la película también se da mucho la imaginación como cuando el joven no llega ala hora ella piensa dos posibles situaciones, uno el hombre no encontró la foto o lo secuestraron, huyen la policía los persigue chocan etc., son imaginaciones las cuales hacen reír al espectador, y respecto al sonido muestra musicalización, además en la producción se da también narraciones cuando las personas no hablan hay un narrador omnisciente, buena fotografia por parte de Bruno Delbonnel.
Bibliografía
Amelie, tomado el Sábado 13 de Noviembre del 2010 de, http://www.imdb.com/title/tt0211915/
En lo personal me gusto mucho por su tematioca realista y por que encierra comedia dentro de esta.
Nombre: El Espíritu de la Colmena
ResponderEliminarDirector: Víctor Erice
Duración: 93 minutos
El espíritu de la colmena constituye una de las obras del movimiento antifranquista más importantes de España. Esta película trata la historia de Ana, una niña de aproximadamente 7 años, que ve la película Frankenstein. Este acontecimiento le impacta de tal manera que llega a sumir el interés de su monótona vida, característica de la época de la dictadura, y entrar así en la búsqueda de una relación más cercana con un ser imaginario, que la que posee con sus padres (Valero, 2010).
La película conjunta una serie de elementos que enriquecen el eje central. Se desarrolla con muy poco diálogo, en un pueblo en Segovia en los años 1940, en época de otoño, lo cual permite apreciar el vasto vacío del paisaje. El manejo de los sonidos es esencial. La música intensifica las sensaciones o simplemente termina de adornar los tétricos ambientes en los que viven los personajes. Los grandes silencios entre los que se desarrollan las diferentes situaciones evidencian dos cosas: el sentimiento de represión y censura que estaba viviendo la sociedad en ese momento, y el debilitamiento de las relaciones familiares producto de un ensimismamiento que devora los ciudadanos de España bajo la mordaza de la dictadura. La luz es otro elemento esencial en la ambientación y en la “narración” de la película. La época de otoño permitió mostrar un ambiente deprimente y vacío en el que cabe toda la luz y toda la oscuridad que el director quisiere imprimir. El tiempo corre al compás del sol que muestra su luz o se esconde paulatinamente; los estados de ánimo tienen el poder de imprimir los matices de luz en la escena. Realmente el manejo de los sonidos y la luz son los verdaderos narradores de esta historia.
Titulo: Ciudad de Dios
ResponderEliminarDirección Fernando Meirelles
Una película brasileña que relata la vida en las favelas de este país. Para su realización se trato de que fuera lo más realística posible, es decir que tendiera a ser documental esto se logró contratando actores de las mismas favelas. La trama principal consiste en la guerra que hay entre 2 de los gánsteres más peligrosos de la Ciudad de Dios quienes buscan apoderarse del territorio enemigo. La película es narrada desde el punto de vista del personaje llamado Buscapé (Cohete) haciendo a este el actor principal. El filme comienza en la época de los años sesenta cuando “Dadinho” y “Bene” eran jóvenes delincuentes de una favela en Río de Janiero para luego trasladarse una década adelante en donde los antes pequeños criminales son ahora dos de los más poderosos pandilleros de la ciudad todo esto sin dejar a un lado al personaje de Buscapé quien trata de alejarse de la vida criminal buscando un empleo humilde pero varios obstáculos lo tentarán a seguir una vida criminal ya sea por el poder, el dinero o las mujeres.
Cabe rescatar la técnica de retrospectiva que se da a través del filme en donde en una escena se rescata un momento perdido de una anterior por ejemplo cuando vemos al joven “Dadinho” quien acompaña a tres de los delincuentes los cuales iban a asaltar un motel pero a este no le permiten entrar en acción por su edad y luego desaparece de la escena, después en la película cuando aparece “Dadinho” ya con 18 años y ya respetado por el mundo de la favela se recapitula la escena anterior desde el punto de vista de “Dadinho” quien resignado por no poder acompañar a los demás delincuentes decide traicionarlos y finge la llegada de la policía para que la pandilla huya y este pueda saciar “su sed de sangre”. Inclusive el filme arranca muy delante de la trama principal, en donde Buscapé recoge una gallina que sin saber pertenece a una peligrosa pandilla que por error él creía que lo querían muerto. Todo esto hace que la película no tenga continuidad lineal.
...
continuacion...
ResponderEliminarOtro aspecto muy interesante es el de contar diferentes historias individuales las cuales muchas se entrelazan en algún punto de la película. Esto permite al público obtener diferentes sensaciones de las diferentes clases de personas que habitan en las favelas desde los humildes residentes que tratan de llevar una vida normal hasta la de los delincuentes más peligrosos que puedan existir en los suburbios suramericanos. Casi todas las historias terminan uniéndose al final de la película, cuando inicia la guerra entre las 2 pandillas, ya que casi todos los personajes aparecen en dicha escena.
El objetivo de “Ciudad de Dios” era dar a conocer la vida en los guetos brasileños y como llegan a ser tan peligrosos así como muchos tratan de huir de estos. La película llega a visualizar 2 caras opuestas de la vida en estos lugares: esta “Dadinho” que luego de autoproclamarse como “Ze Pequeno” empieza a buscar poder y corrupción para llegar a ser un rico criminal y también esta “Buscapé” quien busca alcanzar su sueño a ser un fotógrafo profesional para alejarse de la vida corrupta de las favelas.
Allan Acosta 200920770
Ficha técnica de la película:
http://www.edualter.org/material/cinemad2/ciudad.htm
Título Original: La Vita è bella
ResponderEliminarDirector: Roberto Benigni
Esta brillante película Italiana de 1997, ganadora de más de 10 premios en reconocimiento por su calidad, cuenta la historia de un hombre italiano quien conoce en Arezzo (una ciudad italiana) al amor de su vida, con quien luego de una entretenida e interesante forma de conocerse y enamorarse llegan a casarse y a tener un hijo.
No obstante, la película no es otra tradicional historia de amor con un final feliz debido al contexto en el que se encuentra ubicada, la historia es narrada sobre el año de 1939 cuando el fascismo estaba en el poder, en dicho año Guido Orefice (el personaje principal) conoce a su amada, o como el suele llamarla “su princesa” (Dora), con ella tienen su hijo, un varón llamado Josué.
La trama se torna más interesante debido a la descendencia judía de la que proviene Guido, el cual es trasladado, junto con su hijo y su tío, a un campo de concentración alemán, y es a partir de este punto en el que se desencadena, a mi parecer, el verdadero significado de la película: lo que una persona puede hacer por amor a otra.
La película muestra a una esposa que abandona todo para ir voluntariamente al mismo campo de concentración solo con la esperanza de poder volver a ver a su hijo y a su esposo, y también presenta un padre quien es capaz de crear un telaraña de mentiras e ilusiones solo para que su hijo no se de cuenta de la situación real en la que están y pueda disfrutar de cada momento de su estadía en ese lugar en el que la muerte es algo de todos los días , un padre que puede mostrarse alegre y sonreírle a su hijo aun cuando sabe que está al final de su vida.
En fin, para no relatar toda la historia simplemente recomiendo a quienes no la hayan visto que se tomen su tiempo para observarla pues se pierden de un enfoque distinto e interesante de tratar el holocausto de los judíos en tiempos de la segunda guerra mundial.
Continuación...
ResponderEliminarPor supuesto no solo la historia es convincente, sino que el reparto, y en especial Roberto Benigni (quien protagoniza a Guido) realizan una actuación muy buena, si bien la ambientación no es la mejor para mostrar la frialdad de los campos de concentración si es la necesaria para que la película se desenvuelva satisfactoriamente.
Aunque cabe destacar que impregna un peculiar estilo y una forma personal de entretener el cine y los aspectos de la vida por lo tanto, muestra escenas y planos de muy buena calidad, además momentos en donde aparecen sonrisas y otros en donde se escapa alguna lágrima.
También la actuación de la banda sonora es un importante aspecto que da un estilo diferente a la trama tan cruel que se presenta. Por otra parte las actuaciones son en realidad sorprendentes. Además, con el género de la película el cual es; Comedia. Drama, el director trata de captar aún más la atención del espectador.
Otro aspecto que captó mucho mi interés fue las tomas, ya que se percibe una claridad en cada una de ellas, haciendo que las escenas se vean en un aspecto mucho más real.
A manera de conclusión cierro con este pensamiento: “La vida es bella, incluso en las situaciones más terribles, si somos capaces de hacerla bella para aquellos que nos rodean”.
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ResponderEliminarAmor en los tiempos del cólera (2007):
ResponderEliminarEl film en si se desarrolla en el siglo 18 19, recrea de manera muy acertada la época con una fotografía en general enfocada en cubrir detalles de escena muy delicados; por ejemplo los detalles de vestuarios son manejados a detalle y además el uso de carruajes y lámparas de canfín para proporcionar luz. En si película es transmite al espectador una mezcla de sentimientos con cada minuto durante toda la película. La consta de un romanticismo genial cargada de poesía de poemas que la hacen extremadamente romántica. La película está basada en la novela homónima del mismo nombre de Gabriel García Márquez “Amor en los Tiempos del Cólera”. Por ejemplo cuando termina es separada por primera vez de florentino y es llevada a las montañas.
También la película se encarga de mostrar la terrible situación de la época con una constante guerra civil y el cólera una enfermedad causante de muchas muertes y terror dentro de toda la población de la época. Por ejemplo cuando se da el ataque que destruye la casa de la viuda.
Además la banda sonora de la película denota que la edición de sonido fue adaptada a la perfección, conjugando el romanticismo con la angustia vivida en el film por ejemplo la escena de la propuesta de matrimonio de florentino.
Además el final del film genera un sentimiento de satisfacción al espectador con esto concluye una película elaborada de manera exquisita.
Bibliografía:
Obtenido el 13 de noviembre de 2010 de http://www.youtube.com/watch?v=CejGSNwikaU
Obtenido el 13 de noviembre de 2010 de http://www.lahiguera.net/cinemania/pelicula/2588/
Obtenido el 13 de noviembre de 2010 de http://www.baluart.net/articulo/pelicula-el-amor-en-los-tiempos-del-colera
El pianista
ResponderEliminarProducción cinematográfica que comenzó a rodar en las salas de cine en el 2002, dirigida por Roman Polański y protagonizada por Adrien Brody. Cuenta la historia que vivió un músico polaco de origen judío llamado Władysław Szpilman con la llegada de la segunda guerra mundial a Polonia.
La película nos traslada a la terrible realidad que vivieron los judíos en la Polonia ocupada por Alemania, en donde los aislaron completamente de las demás personas en el gueto de Varsovia, famoso por ser el gueto más grande de Europa establecido por los nazis. En este lugar vivían en condiciones paupérrimas con el continuo temor de ser asesinados sin motivo justificable alguno.
La película fue ganadora de diversos premios, entre los que destacan el premio “Palma de oro” del festival de Cannes que se otorga a la mejor película del año y es considerado uno de los premios más destacados concedidos en el circuito cinematográfico, incluso más destacado que los premio Oscar el cual la película también lo ganó.
La película puede dividirse en dos mitades: la primera, más centrada en la vida en el gueto, en intentar transmitir cómo era, a través de las vivencias de nuestro pianista y su familia. En la segunda parte: Szpilman pasa a ser el centro de la historia, vemos el transcurrir de los acontecimientos desde sus ojos, escuchamos por sus oídos (algo en lo que el director pretende hacer hincapié, como cuando pierde momentáneamente la capacidad auditiva al explotar una bomba cercana), para que el expaectador sienta lo que él siente, viva lo que él vive.
Cabe resaltar la actuación de Adrien Brody, quien se tomó tan en serio el papel, que aprendió piano para interpretar algunos fragmentos de las obras de Chopin que aparecen en el film, perdió 15 kilos y llegó incluso a vender parte de sus bienes y vivir solo para sentir, al menos de manera aproximada, lo que vivió Spilzman. También se merece una Mención especial el sonido y la música de la pelicula. La BSO del film es exclusivamente de obras de Chopin, cuyas notas románticas y cargadas de drama le dan a la película una mayor profundidad del tema. Las melodías del compositor son interpretadas por Janusz Olejniczack, y encaja en todas y cada una de las situaciones vividas por Szpilman.
Bibliografía:
El pianista. Obtenido el 16 de noviembre del 2010 de http://www.muchocine.net/criticas/950/El-Pianista
Adrien Brody. Obtenido el 16 de noviembre del 2010 de http://historico.portalmix.com/cine/oscar/2002/nominados/abrody.shtml
El pianista. Obtenido el 16 de noviembre del 2010 de http://www.lahiguera.net/cinemania/pelicula/488/sinopsis.php
TÍTULO ORIGINAL La sconosciuta (La desconocida)
ResponderEliminarDIRECTOR Giuseppe Tornatore
Link de la pelicula: http://www.imdb.com/title/tt0494271/
Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=rU-lJoJwCBk
Esta pelicula del director Giuseppe Tornatore nos maneja la historia de Irena de una manera algo peculiar, mediante el uso de flashback o escenas retrospectivas, en las cuales nos van dando la historia de Irena poquito a poco de manera que nunca sabemos que fue lo que le paso hasta el final de la pelicula, con lo cual se logra agregar un misterio a lo largo de la pelicula y a la verdadera razon por la cual ella esta tan interesada en la niña Tea, de la cual ella se ha hecho cargo como niñera. A pesar de las esenas fuertes y algo violentas, las cuales se manejan a lo largo de la pelicula tanto en las regresiones como el presente, debido a la atormentada vida de Irena, no se pierde el exquisito arte de que caracteriza a las peliculas eruopeas donde estas esenas tienen una razon y un porque en el desarrollo de la su personalidad y de la historia, que apesar de ser incluso mas fuertes que las peliculas norteamericanas, no se convierte en violencia sin sentido. Al ser este una pelicula psicologica nos permite ubicarnos desde la perspectiva de Irena, y llegar al punto de que el espectador dude si lo que hizo ella fue correcto o incorrecto, bueno o malo. Sin dejar de lado la alta calidad de la fotografia y de la musica de Ennio Morricone la cual nos lleva de la mano en los altibajos de la pelicula, manteniendo al espectador a la expectativa de que fue lo que le paso ella, porque hace la cosas que hace y que pasara en el desenlace. Ya que como casi toda pelicula que no es norteamericana el final felices por siempre no esta garantizado. Ademas de todo esto la pelicula nos deja un bello mensaje.
Bibliografia
Extraída el viernes 12 de noviembre del 2010, de
http://www.elmulticine.com/glosario2.php?orden=77
Extraída el viernes 12 de noviembre del 2010, de
http://members.fortunecity.com/cinematografo/tiempo1.html
Extraída el viernes 12 de noviembre del 2010, de
http://inzitan.blogspot.com/2008/10/crtica-la-desconocida-la-sconosciuta.html
Título: Gestación (2009)
ResponderEliminarDirector: Esteban Ramírez
Una producción costarricense del director Esteban Ramírez, esta cinta se catalogó como la película más taquillera de Costa Rica.
La película trata sobre los problemas que deben de enfrentar un par de jóvenes colegiales al enterarse de que van a ser padres.
La trama no es para nada compleja, es muy lineal, no profundiza y en ocasiones se vuelve tediosa al punto de desligar al espectador de la situación.
No tiene la chispa para que el público se sienta envuelto en la trama. Al ser una historia no innovadora, casi que se sabe lo que va a suceder así que no zambulle al espectador en un mar de emociones, en la escena, no lo transporta al lugar y momento de la situación. Es como si contaran una historia que ya se conoce.
El guión es plano, sin nada innovador y redundante. Se quiere hacer una crítica social y dejar una moraleja pero se hace de una manera floja y suave.
Como mencione anteriormente, la historia es muy lineal, predecible, no permite atrapar al espectador en la pantalla. Las transiciones entre escenas no se dan de una forma que permita entrelazar la historia, todo ocurre muy rápido y sin nada que aportar.
No se saca provecho de los escenarios ni de la fotografía, en este caso la ciudad de San José. Se debieron mostrar más escenas, ampliar la imagen porque siempre se mostraba más de lo mismo en un ambiente reducido.
En cuanto al juego de cámaras es simple e incipiente, no muestra nada que impacte, que provoque buenas interacciones de los personajes y nos transmitan sentimientos mediante las cámaras.
Es bueno rescatar que el público tal vez se identifica con la película, pues muestra escenas conocidas, lugares conocidos, un lenguaje popular, y tradiciones costarricenses. Es admirable destacar el hecho de tratar de impregnar todos estos elementos que identifican al costarricense en una película para que se mire en su propia realidad y modo de vida.
Cabe destacar la importancia de desarrollar un buen cine costarricense y la intención pero a esta película le faltó transmitir más sentimientos y emociones ya que se queda muy corta, y muestra más de lo que ya se sabe y se tiene.
Carlos Monge 200840513
Fuentes:
Venegas, W. (octubre, 2009). Gestación es cine en una sola carta. En: http://wvw.nacion.com/viva/2009/octubre/19/viva2127811.html . Extraído el 17 de noviembre, 2010.
Titulo. Amores Perros
ResponderEliminarDirección. Alejandro González Iñarritu
País. México
Año. 2000
Género. Drama
Trailer disponible en:
http://www.youtube.com/watch?v=A5HTBYR7m0o
Amores Perros, escrita por Guillermo Arriaga, fue producida en el 2000 bajo un guión original de largometraje, fue nominada a los premios Oscar en la categoría de mejor película de habla no inglesa, premio Canal del Festival de cine de Cannes 2000, Festival de cine de Chicago, Edimburgo y Los Ángeles. También ganó el premio de la Semana de la Crítica en el Festival de Cannes y posteriormente recibió la nominación al Oscar de la Academia estadounidense.
Durante Amores Perros existe un tipo de articulación llamaba triple ya que está integrada por tres historias que se vinculan a partir de la primera escena la cual se repite al comienzo de cada nueva pequeña historia y sobretodo de los perros que son el motivo de esta primera acción. Octavio, un hombre joven, quiere escaparse con la mujer de su hermano Ramiro. Decide entonces servirse de su perro para ganar dinero, metiéndolo en combates lucrativos. Esta actividad llegará a una trágica persecución de coches. Mientras tanto, Daniel, un hombre de aproximadamente cuarenta años, abandona a su mujer e hijas para vivir con Valeria, una famosa modelo. Pero el coche de Valeria encontrará el de Octavio, y el accidente causará un trastorno en la vida de Valeria y Daniel. El Chivo, un vagabundo y antiguo guerrillero comunista se vuelve un asesino a sueldo tras años de cárcel, asiste al accidente y recupera el perro de Octavio para curarlo. Este perro adiestrado para matar va a cambiar la visión del Chivo sobre su doloroso pasado y su vida actual. Cada historia representa uno de tres sectores de la sociedad mexicana: la clase baja (Octavio y Susana), la alta burguesía (Daniel y Valeria) y los izquierdistas intelectuales convertidos en guerrilleros (Martín El Chivo y Maru).
“Amores perros” se hizo de manera independiente, usando un presupuesto bajo para los estándares de las películas norteamericanas, tomando en cuenta además el éxito que tuvo y lo recaudado. Es una película de corte urbano, que expresa con acierto la esencia mexicana y por ende latina, que no se limita en sangre y violencia pero que tampoco abusa de estos elementos.
Bibliografia:
http://www.filmaffinity.com/es/film769597.html
http://archivo.elnuevodiario.com.ni/2000/diciembre/30-diciembre-2000/cultural/cultural13.html
http://el_salmon.blogspot.com/2007/06/amores-perros-una-pelcula-violenta-el.html
Ana Carolina Rivas
ResponderEliminarThe lake house
Es titulada en español como La Casa del lago. Esta es una película estadounidense del año 2006 (remake de la película surcoreana Il Mare ). Estrenada el 16 de junio de 2006 en Estados Unidos. Protagonizada por Keanu Reeves y Sandra Bullock. Dirigida por Alejandro Agresti.
Dra. Kate Forster abandona su trabajo en las afueras de Illinois, para ir a trabajar en un hospital de Chicago. Deja la hermosa casa que alquiló al costado del lago con una nota en el buzón dirigida al próximo inquilino, pidiéndole que le envíe cualquier correo que llegue para ella. También le advierte, que las huellas de patas al lado de la puerta de entrada, ya estaban allí cuando ella se mudó. Alex Wyler llega al lugar, lee la carta y se encuentra con un panorama inesperado. Luego de intercambiar más cartas, ambos se dan cuenta que la casa los conecta más allá del tiempo y del espacio.
Me gustaría rescatar algunos aspectos que hacen de esta película una verdadera obra, uno de estos es la trama de la historia y la manera en que esta se maneja, a lo largo de la película se puede producir una confusión en los receptores pero al final, la producción logra aclarar esa confusión y dar un “happy end” a la película.
Otro de los aspectos importantes es el trabajo de los actores que hacen de la película algo mas que una película romántica, muchas veces la química que existe entre los protagonistas es lo que hacen de un rodaje algo atrayente e interesante, hacen que el receptor también se introduzca en la historia.
La música encaja perfectamente en la historia y le da un valor agregado a la película, es una película llena de simbología, y que encierra en ella algo más que una historia de amor, cuando se ve esta película se debe tomar en cuenta que la concentración es uno de los puntos que se debe tomar en cuenta ya que detrás de cada símbolo hay algo que conecta la historia hasta el final.
A pesar de ser una película estadounidense tiene consigo factores importantes que la hacen ser de alguna manera una película diferente, dejando de lado que tiene un final muy similar a todos las películas de este género.
http://musica.rompecadenas.com.ar/pelicula-cine/5734.php
http://wwws.warnerbros.es/thelakehouse/
Jerusalema (2008)
ResponderEliminarEs una película sudafricana sobre el crimen situándolo bajo el contexto de la vida de su protagonista: Lucky Kunene. Dirigida por Ralph Ziman. Presenta el relato desde sus inicios delictivos en Soweto hasta Johannesburgo. Traducida como “gangter’s Paradise”, fue seleccionada como candidata al Óscar como mejor película de habla no inglesa.
Inspirada en hechos reales, es una producción fundamentada en un uso inteligente de las escenas. No sobra ni basta ninguna acción, de tal forma, se logra una conexión intensa del espectador apara con su producto visual. Expone sus circunstancias de forma realista, cruda… tal como sucede en múltiples localidades marginales no solo africanas sino de todo el orbe.
Elementos como las cámaras, la ambientación y la música; se adecuan en perfecta sintonía. Su temática es actual, y sobretodo permite un análisis de las encrucijadas morales sobre las que se encuentran muchas personas.
El objetivo tras ver esta película debe ser la reflexión sobre los peligros actuales en la sociedad. No se piense que es exponen realidades ajenas a las nuestras, porque de lo pequeño, desde un inimaginable robo con el mínimo consentimiento, indiferencia, aceptación o subestimación… las cosas se tornan grandes y graves. Tal como el testimonio del personaje quien tuvo buenas intenciones y termino convirtiéndose en lo que nunca planeó.
Avatar
ResponderEliminarEscritor y director:James Cameron
Protagonizada por :Sam Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver, Stephen Lang y Michelle Rodríguez
Ambientada en el año 2154, los acontecimientos que narra se desarrollan en Pandora, una luna del planeta Polifemo habitada por una raza humanoide llamada na'vi, con la que los humanos se encuentran en conflicto debido a que uno de sus clanes se encuentra asentado alrededor de un gigantesco árbol que cubre una inmensa veta de un mineral muy cotizado y que supondría la solución a los problemas energéticos de la Tierra: el unobtainium. Jake Sully, un marine que quedó parapléjico, es seleccionado para participar en el programa Avatar, un proyecto que transporta la mente de los científicos a unos cuerpos artificiales de na'vi para que así la comunicación con los nativos resulte más sencilla. A pesar del fin científico del proyecto, el coronel Quaritch, quien dirige la defensa de la base humana en Pandora, convence a Jake para que le proporcione información sobre los nativos en caso de que fuera necesario recurrir a la fuerza para que se marchen. En un principio, Jake cumple profesionalmente su misión, pero se enamora de una de las nativas, Neytiri, y se da cuenta de que éstos jamás renunciarán a su tierra, haciendo inevitable un conflicto armado; en él deberá decidir de qué lado está.
Me parece una película demasiado fantasiosa la verdad no es de mi gusto. Es cine fantástico con fuertes elementos aventureros, del cine bélico, también del western. Sólo que los áridos parajes y las verdes llanuras, praderas y bosques de coníferas han sido sustituidas aquí por los exuberantes parajes propios de una selva amazónica en esta versión fantástica que abraza desde Pocahontas a Bailando con lobos.
Extraído el 18,noviembre,2010,disponible en.http://www.cinempatia.com/2009/12/extra-critica-avatar.html
El comentario es respecto a la película Kick Ass
ResponderEliminarBásicamente el fime es una historieta hecha cine. La película resume en un par de horas una historieta famosa en los Estados Unidos que trata de cómo un gran Ampón destruye la vida de un oficial de policía pues él es acusado por delitos que no cometió y éste policía 5 años después al salir de la cárcel vio que durante ese tiempo su esposa murió a causa de la desdicha que le pasó a su marido y que lo único que le queda es su hija a la cuál entrena para matar a él Ampón que encerró a su padre y mató a su madre. Ellos están dispuestos y son capaces de hacer lo que sea para no sólo destruir la vida de su archí-enemigo para después matarlo, cuando estaban logrando su cometido apareció una especie de superhéroe llamado Kick Ass al cuál en una ocasión le salvaron la vida resumiendo el padre de la niña es matado por los hombres del Ampón pero junto a Kick Ass vengan la muerte de su padre, quedando el hijo del Ampón cómo el archí-villano.
Es decir la película trata de una guerra entre villanos y ´´héroes´´, mi comentario trata acerca del paso de historieta o cómic a una película, en sí la película describe de una muy buena manera el cómic y resume una historia muy larga en un par de horas y con una calidad de imagen excelente además de que a cada situación dada durante el transcurso de la película inmediatamente aparecía la imagen del cómic la cual hace esta interesante versus otras cómo 300 la cuál a pesar de estar basada en un cómic no hace referencia a el cómic durante la película.
Resulta interesante ver una película en la cual a cada situación se le asigne el dibujo del cómic pues esto infunda expectativa en el público por los hechos que se van a acontecer, desde esta perspectiva del excelente uso de la fotografía junto con las imágenes de los cómics la película resulta muy interesante, pero cambiando de tema durante la película se hace el uso de muchas exageraciones que al ser tan repetitivas tienden a aburrir el público cómo el caso de que una joven de 12 años tome una especie de daga y mate personas como si hubiese nacido para eso o las escenas sexuales que desvían el sentido de la película, esto hace que la película en ciertas partes no tenga sentido, aunque es de rescatar que las actuaciones y el guión de la película hacen que la misma genere interés en quién observa el filme, pues la secuencia lógica de cómo se van dando los hechos resulta atractiva para quien mire esta película.
Bibliografía
http://www.imdb.com/title/tt1250777/
Título original: The last airbender.
ResponderEliminarAño: 2010
Reparto:
Noah Ringer: Aang
Dev Patel: Prince Zuko
Nicola Peltz: Katara
Jackson Rathbone: Sokka
El más reciente sucesor del ciclo del avatar, deberá viajar al polo norte, junto a Katara (Nicola Peltz) y a Sokka (Jackson Rathbone), para aprender a dominar los 4 elementos (principalmente el Agua control) y acabar con la guerra. Durante su viaje serán perseguidos por el príncipe Zuko (Dev Patel), el cual intentará capturar al avatar para recuperar su honor.
Esta película es una producción que hace poco tuvimos en carteleras. Es una adaptación a la serie animada trasmitida en nickelodeon, sin embargo no tuvo mucha aceptación en su público en general. Se hizo uso de muy buenos efectos, para lo que son el manejo de los elementos, sin embargo, es una película que no se adapta bien a los papeles originales, sin embargo no hubo buenas actuaciones ni un buen guión, el papel que desempeñan los actores no va de acuerdo al esperado por los espectadores, que a fin de cuentas es a quien se dirige la película, ello debido a que las personalidades y actitudes de los personajes varían respecto lo que se vió originalmente. En cuanto al vestuario respecta, muy bien adaptado al original y los efectos de sonido y la música empleados es realmente adecuado para la película.
Fuentes:
CincoNoticias. (2010). Recuperado el 18 de Noviembre de 2010, de http://www.cinconoticias.com/2010/07/la-critica-despedaza-the-last-airbender-la-ultima-pelicula-de-m-night-shyamalan/
IMBd. (2010). Recuperado el 18 de Noviembre de 2010, de http://www.imdb.es/title/tt0938283/fullcredits
José Daniel Méndez Rojas
ResponderEliminar201021746
Comentario Final:
Lakposhtha mikonand Parvaz (título original) Las tortugas también vuelan (2004)
Esta película dirigida por Bahman Ghobadi, narra la historia de unos niños refugiados que se ven obligados a abandonar su pueblo natal y establecerse en un pequeño poblado que se encuentran cerca de la frontera entre Irak y Turquía. La precoz madre, que fue violada por los soldados que asesinaron a sus padres, trata constantemente de suicidarse y abandonar a su hijo, a quien no quiere. Su hermano uno o dos años mayor, perdió sus brazos producto del estallido de una mina, y es quien evita que esto suceda, a pesar de que presenció la violencia a la cual fue sometida su hermana. Al final, la joven logra su cometido “liberándose” de la cruda realidad en la que vive.
“Satélite” un niño huérfano de 13 años que llega al pueblo para instalar una antena parabólica para que los sabios puedan ver las noticias de la guerra. Él asume el rol de líder entre las decenas de niños del poblado, los organiza para que recojan las minas enterradas y así puedan obtener dinero por su venta y puedan sobrevivir. Se enamora de la joven madre y se da cuenta que el manco es el joven de las supuestas predicciones.
Es una abierta denuncia de las prácticas terroristas con las que se ha invadido el territorio iraquí desde el 2003. La trama se ubica en las víspera de la llegada del ejército “liberador” que pondrá al oprimido pueblo en las santas manos de la democracia q se supone aclaman los iraquíes. Prácticamente toda la película la sostienen niños actores que realmente han sufrido la guerra y sus macabras consecuencias: mutilaciones, quemaduras, ceguera, sordera, traumas, violaciones sexuales, entre tantas otras.
Podría decirse, siguiendo el título, que los personajes están tan desesperadamente incapacitados para defenderse ante el inminente enemigo, como lo estaría una tortuga para volar ante semejante situación.
Bibliografía
http://www.cinemania.co.cr/content/articles/114/1/Turtles-can-fly-Las-Tortugas-Pueden-Volar/Page1.html
http://www.imdb.com/title/tt0424227/