Garto (Animación Cortometraje - Recomendación)

El Hilo de Ariadna (2009) Cortometraje - Recomendación

El hilo de Ariadna en Yahoo! Vídeo

Recomendación

La hamaca paraguaya (2006)
Duración: 1h 28minGénero: Drama.
Elenco: Ramón del Río y Georgina Genes

Sinopsis: 14 de junio de 1935. En un lugar aislado en tierras de Paraguay, Cándida y Ramón, un matrimonio anciano de campesinos, esperan el regreso de su hijo, que partió al frente para luchar en la Guerra del Chaco. También esperan la llegada de la lluvia (que a pesar de los pronósticos no llega nunca), del viento (que no sopla), que el calor desaparezca (que sigue impertérrito a pesar de la estación), que la perra deje de ladrar (aunque nada consigue dejar que ladre), y, por último, esperan que las cosas mejoren. Y ese instante de eternidad se sitúa entre el pasado y el futuro por llegar. Pero dentro de la pareja cada uno ve las cosas a su manera: Ramón, el padre, hace frente a la espera con optimismo, mientras que Cándida, la madre, está convencida de que su hijo ha muerto. Sin embargo, los papeles se invierten durante la espera: el padre y la madre reciben una señal del hijo, que les va a hacer cambiar de actitud y postura.

Dirigida por Paz Encina, con Georgina Genes, Ramón del Río.

Filmar la espera. Gilles Deleuze ha dejado sus valiosas reflexiones sobre la relevancia del cuerpo cuando la cámara filma la espera, y en este caso no sólo se trata del cuerpo de los personajes en sus ceremonias cotidianas sino del cuerpo de la tierra toda.
Una pareja pasa sus días esperando el regreso del hijo que ha ido a la guerra; esperan mientras conversan sentados en la hamaca, en medio del monte, y esperan mientras trabajan. Cándida y Ramón esperan –cada uno a su manera, negándose a lo peor– al hijo, esperan la lluvia y el fresco, el fin de la guerra, esperan la muerte. Sus conversaciones no pueden ser más triviales: la tormenta que no se decide a descargarse, la perra que ladra sin cesar, el hijo, si vive o habrá muerto. Se trata del film más original que se ha estrenado en lo que va del año, y si agregamos que es el primero filmado en Paraguay en treinta años, dirigido por una joven formada en Argentina, y hablado íntegramente en guaraní, el grado de extrañamiento se acentúa.
Esta rara suerte de Esperando a Godot es fruto de una propuesta estética muy arriesgada, no apta para quienes gusten del cine narrativo más convencional de imagen-acción. Por el contrario, apela a una particular disposición del espectador amante de un cine de climas, de atmósferas. De un riguroso minimalismo, el film –circular, abre y cierra con larguísimas tomas en el mismo lugar– está realizado con una cámara siempre fija que toma planos generales de la pareja, del cielo encapotado, de los trabajos y los días de esos únicos personajes. Sólo en tres oportunidades la cámara se acerca a los protagonistas: en dos de ellas, mientras trabajan, hieráticos, los padres evocan sendas conversaciones con el hijo, superponiéndose sobre la capa del presente, otra del pasado. La imagen recuerda lo mejor del cine japonés, del cine iraní. Los bellísimos, escasos planos de Hamaca paraguaya –unos veinte en total– constituyen imágenes visuales y sonoras puras, cada uno de ellos una imagen-tiempo, que hace fluir el tiempo en directo. El cuerpo está mostrado en sus ceremonias y rituales cotidianos: la charla recurrente, el abanicarse, el pelar y comer una naranja, cortar la caña o lavar la ropa, todas las actitudes del cuerpo remiten fuertemente a las categorías de la vida y de la muerte. Aquí no interesa la performance actoral: los personajes siempre están tomados de lejos, y no son más que mediadores entre el espectador y la situación que se impone. El estado de espera queda en reemplazo de la imagen-acción, las charlas de los padres resultan situaciones absolutas, estados puros, ajenos a la cadena de acciones y consecuencias: empiezan y acaban en sí mismas. Una cuidadísima banda sonora registra voces y silencios, truenos, ladridos y el canto de los teros, con el agregado de que Encina utiliza el recurso de la voz en off para todo el film, lo que le imprime un asombroso grado de estilización.
La realizadora se identifica con el cine de Lucrecia Martel y Lisandro Alonso, y se perciben huellas de ambos en su opera prima. Paz Encina se inscribe en una tradición de directoras del cine moderno que han sabido filmar la física de los cuerpos y los elementos, como lo hace Martel, y también Alonso. La tierra, las plantas, el aire y el agua se sienten en toda su densidad. A eso agreguemos que el responsable de la fotografía es Willy Behnisch y del sonido Guido Beremblum y Víctor Tendler, y tenemos representado el lado más progresista del nuevo cine argentino colaborando con Encina. Una vez más se pone en evidencia la sensibilidad de la productora Lita Stantic para apoyar proyectos y descubrir talentos. Hamaca paraguaya ganó en el último Festival de Cannes (2006) el premio de la Fipresci (Federación Internacional de Críticos).
Es muy claro que Encina es una cabal conocedora de la identidad social y cultural de Paraguay. Se han ensayado diversas interpretaciones de Hamaca paraguaya: algunos ven en esta evocación de la Guerra del Chaco un alegato antibélico; la directora declara que quiso expresar la melancolía propia de Paraguay; para otros, se trata de la espera de un mejor destino para ese país y para todo el continente latinoamericano. Todas esas lecturas son válidas, porque su film casi atemporal es lo suficientemente abierto como para contenerlas a todas.
En pocas oportunidades como en ésta he sentido en cada plano el peso del tiempo, al decir de Tarkovski. Y sobre todo en el final, en su viaje hacia la noche, la (casi intolerable) sensación vívida de desembocar en la muerte.

Josefina Sartora

Departures (2008)

2008
DURACIÓN
131 min.
Trailers/Vídeos
PAÍS
Japón
DIRECTOR
Yojiro Takita
GUIÓN
Koyama Kundo
MÚSICA
Joe Hisaishi
FOTOGRAFÍA
Takeshi Hamada
REPARTO
Masahiro Motoki, Tsutomu Yamazaki, Ryoko Hirosue, Kazuko Yoshiyuki, Kimiko Yo, Takashi Sasano, Tôru Minegishi, Tetta Sugimoto, Yukiko Yachibana, Tatsuo Yamada
PRODUCTORA
Amuse Soft Entertainment
GÉNERO Y CRÍTICA

2008: Oscar: Mejor película de habla no inglesa / Drama / SINOPSIS: Daigo Kobayashi, antiguo violoncelista de una orquesta que se acaba de disolver, acaba vagando por las calles sin trabajo y sin demasiada esperanza. Por ello decide regresar a su ciudad natal en compañía de su esposa. Allí consigue un empleo como enterrador: limpia los cuerpos, los coloca en su ataud y los envía al otro mundo de la mejor forma posible. Aunque su esposa y sus vecinos contemplan con desagrado este puesto, Daigo descubrirá en este ritual de muerte la chispa vital que le faltaba a su propia vida.

Lo primero que se nos muestra en pantalla es el “nokanshi”, el ritual funerario japonés. El espectador que desconoce de este tipo de rituales seguramente quedara estupefacto con lo extraordinario del descubrimiento, en esos primeros minutos, es imposible no pensar en que esta película merecia plenamente elOscar.. Departures nos cuenta la historia de un antiguo violoncelista de una orquesta que se acaba de disolver y que vaga por las calles sin trabajo y sin demasiada esperanza. Por ello decide regresar a su ciudad natal en compañía de su esposa. Allí consigue un empleo como enterrador: limpia los cuerpos, los coloca en su ataúd y los envía al otro mundo de la mejor forma posible. Aunque su esposa y sus vecinos contemplan con desagrado este puesto, Daigo (protagonista) descubrirá en este ritual de muerte la chispa vital que le faltaba a su propia vida. El argumento es demasiado atrayente, el guión se tambalea sobre si mismo, o sobre el resultado al que se desea llegar, este es quizás su principal problema, la película desea abarcar demasiados terrenos, primeramente el humor negro, luego se introduce en terreno dramático, convirtiéndose en pocos segundos en una película lacrimógena y finalmente se transforma en una obra poética, asunto que no molesta del todo ya que el espectador disfrutara de estas facetas, gracias a que la película finalmente cubre las expectativas. Debido a esto se puede considerar a Departures dos películas en una, la primera hora de humor negro y la segunda es un drama poético magistral. Lo único verdaderamente cuestionable es que hay ciertos giros argumentales que no son del todo efectivos. La dirección es efectiva, sencilla, pero muy cuidada. El director vigila cada uno de los detalles, para que la historia no se salga del contexto, hay escenas muy emotivas que perduraran en el recuerdo, técnicamente es una película muy solvente la modesta música impregna un aire de melancolía al genial trabajo de fotografía, sobre las actuaciones no hay ninguna novedad, todas muy exactas pero nunca impresionantes, aunque los personajes de reparto son los que se roban la atención del espectador.

The Soloist (2009)

Tiulo: The SoloistDirector:

Joe Wright

País: Usa

Año: 2009

Género:Biografica, Drama, Musical

Interpretación: Jamie Foxx (Nathaniel Ayers), Robert Downey Jr. (Steve Lopez), Catherine Keener, Tom Hollander (Graham), Lisa Gay Hamilton (Jennifer)

SINOPSIS

Narra la historia verídica de Nathaniel Ayers, un prodigioso violinista que en su segundo año de conservatorio desarrolló esquizofrenia y acabó viviendo en la calle, en donde fue descubierto por el periodista de Los Angeles Times Steve López en el año 2005. Impresionado por su talento, López escribió una serie de artículos sobre él que lo sacaron del anonimato y le permitieron tocar en el Disney Concert Hall...

Cidade De Deus (2002)

TITULO ORIGINAL
Cidade de Deus
AÑO
2002
DURACIÓN
130 min.
PAÍS
DIRECTOR
Fernando Meirelles, Kátia Lund
GUIÓN
Braulio Mantovani (Novela: Paulo Lins)
MÚSICA
Antonio Pinto & Ed Cortes
FOTOGRAFÍA
César Charlone
REPARTO
Matheus Nachtergaele, Seu Jorge, Alexandre Rodrigues, Leandro Firmino da Hora, Philippe Haagensen, Douglas Silva, Roberta Rodríguez Silvia, Alice Braga
PRODUCTORA
02 Filmes / VideoFilmes. Distribuida por Miramax Films

GÉNERO Y CRÍTICA
Drama. Thriller. Nominada al Globo de Oro como mejor película extranjera / SINOPSIS: Basada en hechos reales, cuenta la historia del crecimiento del crimen organizado en los suburbios de la ciudad de Río de Janeiro, desde finales de los años sesenta hasta el comienzo de los ochenta, cuando el tráfico de drogas y la violencia impusieron su ley entre la miseria de las favelas: FINALES DE LOS 60: “Buscapé” tiene 11 años y es sólo un niño más en Cidade de Deus, un suburbio de Río de Janeiro. Tímido y delicado, observa a los niños duros de su barrio, sus robos, sus peleas, sus enfrentamientos diarios con la policía. Ya sabe lo que quiere ser si consigue sobrevivir: fotógrafo. “Dadinho”, un niño de su misma edad, se traslada al barrio. Sueña con ser el criminal más peligroso de Río de Janeiro y empieza su aprendizaje haciendo recados para los delincuentes locales. Admira a “Cabeleira” y su pandilla, que se dedica a atracar los camiones del gas y hacen otros pequeños robos armados. “Cabeleira” da a “Dadinho” la oportunidad de cometer su primer asesinato. El primero de muchos. LOS AÑOS 70: “Buscapé” sigue estudiando, trabaja de vez en cuando, y camina por la estrecha frontera que separa el crimen de la vida “honesta”. Dadinho ya tiene una pequeña pandilla y grandes ambiciones. Cuando descubre que el tráfico de cocaína es muchísimo más rentable que el robo se pone a reorganizar su negocio, que pronto florece. PRINCIPIOS DE LOS 80: Tras unos intentos de robo fallidos, “Buscapé” finalmente consigue una cámara y así hace realidad el sueño de su infancia. “Dadinho” también ha hecho realidad su sueño: a los 18 años es conocido como “Zé Pequeno”, el narcotraficante más temido y respetado de Río. Su palabra es ley en Cidade de Deus. Rodeado por sus amigos de la infancia y protegido por un ejército de niños de entre 9 y 14 años, nadie le disputa el poder. Hasta que aparece “Manu Galinha”. Un cobrador de autobús que fue testigo de la violación de su novia, decide vengarse matando a “Zé Pequeno”. Empieza a correr la noticia y casi de la noche a la mañana un grupo de niños con la misma idea forma un ejército armado. Estalla la guerra en Cidade de Deus.

Recomendación

Es la pieza del 2005 en el circuito de la animación digital. Fallen Art, del polaco Tomek Baginski (que hace unos años facturó la famosa The Cathedral) es una alegoría sobre las perversiones del poder que ha recibido premios este año en Siggraph, Ars Electronica y Art Futura, entre otros. Muchos la habrán visto ya, porque oportunidades han tenido en Sitges, San Sebastían y ArtFutura, y también estará en diciembre en la programación de Resfest.

Recomedación

Cuando se dieron a conocer los trabajos seleccionados para los oscar en la categoría de mejor cortometraje de animación, primero se había hecho una preselección de 10 trabajos que luego se quedaron en los cinco finalistas. En la selección final, ya que había una serie de trabajos que debían haber entrado entre los finalistas. Uno de ellos era ‘Dreams and Desires: Family Ties’, y que podía haber competido perfectamente con el ganador, ‘The Danish Poet’.
Pues bien, otro de los cortometrajes preseleccionados fue ‘One Rat Short’, de Alex Weil, que además, entre otros muchos premios, ganó la edición del 2006 del Siggraph, los oscars de la animación exclusiva por ordenador, y que es un excelente trabajo.
En esta ocasión se nos narra una bonita historia de amor imposible entre dos ratas, a cuenta de una bolsa de bolitas de queso. La factura del trabajo es soberbia, con una historia muy bien contada, y que merece verse tranquilamente. Otro trabajo que demuestra que muchas veces la selección de la Academia se hace siguiendo unos criterios, que desde luego no se basan en los trabajos que tienen mejor calidad.

Recomendación

Argentina, Paraguay, España, 2008

Fecha de estreno: 06 de mayo de 2009

Realizado por Lucía PuenzoCon Inés Efron, Mariela Vitale, Pep Munne Género: Thriller, Romanza,

Drama

Duración: 1h 36min.
Sinopsis

Lala, hija de una familia acomodada de Buenos Aires, está locamente enamorada de Guayi, joven y bonita paraguaya que trabaja al servicio de sus padres. Juntos, sueñan con partir al pueblo de origen de Guayi, a orillas del lago Ypoà. Pero un drama familiar va bruscamente a separarlas...

Recomendación

TITULO ORIGINAL
La teta asustada
AÑO
2009
DURACIÓN
103 min.
DIRECTOR
Claudia Llosa
GUIÓN
Claudia Llosa
MÚSICA
Selma Mutal
FOTOGRAFÍA
Natasha Brier
REPARTO
Magaly Solier, Susi Sánchez, Efraín Solís, Marino Ballón, Antolín Prieto
PRODUCTORA
Coproducción Perú-España; Vela Producciones / Oberón Cinematográfica / Wanda Visión
GÉNERO Y CRÍTICA
2009: Festival de Berlín: Oso de Oro (Mejor película), Premio Internacional de la Crítica FIPRESCI / Drama / SINOPSIS: Fausta (Magaly Solier) padece de "La teta asustada", una enfermedad que se transmite por la leche materna de mujeres maltratadas durante la época del terrorismo en el Perú. Los infectados nacen sin alma, porque del susto se escondió en la tierra, y cargan un terror atávico que les aísla por completo. Pero Fausta esconde algo más; guarda un secreto que no quiere revelar, hasta que la súbita muerte de su madre desencadenará hechos inesperados que transformarán su vida y la de otros.

Comentarios Festivales de Cine